-A finales del siglo XVI, tres náufragos sobreviven a duras penas en alta mar a bordo de una barca de salvamento después de que una tempestad destruya la carabela en la que viajaban rumbo al Nuevo Mundo. ¿qué más le puedes contar a nuestros lectores de la historia de esta función?

Se trata de una parodia de “las Crónicas de Indias” al estilo ronlalero: teatro en verso, música en vivo y espíritu de comedia delirante para reflexionar sobre los imperios, las invasiones, la ambición de conquista…

Una aventura a tierras desconocidas, satírica y festiva, para nuestro gran quinteto de actores-músicos.

-¿Cómo describirías a los personajes del capitán Hernán Galán, fray Pío y el marino Fulano, sus tres protagonistas?

Cada uno representa un aspecto de aquel Imperio español en el Nuevo Mundo: Galán busca la gloria, fray Pío las almas y Fulano el oro. Pero la obra esconde sorpresas a la manera barroca: pronto descubriremos que nuestros náufragos no son lo que aparentan… Y, además, contamos en escena con dos Cronistas de Indias que nos van narrando y cantando sus desventuras.

-¿Cuáles son algunas de las escenas más divertidas de “La Desconquista”?

Los tiburones por bulerías, el micromusical de los piratas ingleses, la nana a Felipe II, la pesadilla con el Dios mexicano Huitzilopotchli… y quizá mi preferida: la humilde Patata cantando al son de cumbia sus orígenes andinos, su destierro a Europa y su amor por el Huevo para formar la obra maestra de la gastronomía mundial: la tortilla de patatas.

-¿El público va a poder disfrutar de una obra gamberra, divertida y sarcástica, como es habitual en vuestras producciones?

“La Desconquista” es puro Ron Lalá 100%: humor crítico y cítrico, música popular, texto en verso y juego teatral continuo (como es habitual bajo la batuta de Yayo Cáceres). Prometemos muchas risas, emoción y reflexión en torno a un tema tan candente como las fronteras, el ansia de poder, los estadistas ególatras, las guerras e invasiones. Una visión cómica, carnavalesca y bufonesca de un momento histórico polémico y poliédrico. Porque nos reímos de la leyenda negra y de la leyenda rosa.

-¿Qué tipo de música ambienta este montaje?

La música original, compuesta por Yayo Cáceres, Juan Cañas, Daniel Rovalher y Miguel Magdalena (que es el director musical), e interpretada en directo.

Está basada en la llamada “música de ida y vuelta”, en el diálogo musical entre dos continentes: la rumba, la cumbia, el candombe, el chamamé… y, ¡cómo no!, el aire flamenco que es la marca de la casa.

-Comentáis en la presentación de “La Desconquista” que la función reivindica ese arte escénico que, desde los tablados de plazas públicas hasta los salones de la Corte pasando por los corrales de comedias, ofrecía un espejo festivo y carnavalesco de las costumbres, vicios, tensiones y miedos de la sociedad española durante los siglos XVI y XVII. Explícanoslo…

En Ron Lalá intentamos practicar ese teatro esencial, primigenio, básico, que late en el origen de la comedia barroca: escasos elementos simbólicos para crear lugares y situaciones, texto en verso como poesía activa, empleo teatral de la música y el canto, apuesta por la imaginación del espectador… Para nosotros, que nos seguimos considerando una compañía independiente, la risa del bufón, del cómico de la lengua, conecta la sociedad del XXI con la esencia del arte teatral como crítica del poder. Es una reunión festiva y colectiva para formular preguntas, a veces incómodas.

-Una de las influencias de la obra es el teatro prebarroco, como “los Pasos” de Lope de Rueda y el teatro cortesano de Juan del Enzina o Gil Vicente, entre otros. Y es un espectáculo escrito íntegramente en verso clásico…Pero, ¿es un texto para todo tipo de públicos? 

¡Por supuesto!. Escribimos, componemos y creamos para el público de todas las edades y lugares. Y nos encanta la complicidad con los espectadores de toda España (y otros países) en nuestras giras. Aunque a veces se piense lo contrario (por el tópico totalmente erróneo de considerar que los clásicos son solemnes o aburridos), los poetas dramáticos renacentistas y barrocos son tan entretenidos, diversos y variados como las plataformas de streaming actuales: resultan divertidos, emocionantes, potentes, unas veces sublimes y otras grotescos. Y para nosotros el verso aporta claridad, concisión y potencia expresiva. El verso es el idioma convertido en música, pura síntesis activa, el lenguaje ideal para comunicar emociones, pasiones, sensaciones o sentimientos sobre un escenario.

-Ron Lalá lleva 30 años como compañía de teatro y fomenta un trabajo colectivo de creación entre los actores-músicos, el director y tú como dramaturgo… ¿Dónde crees que está la clave para mantenerse como compañía durante tantos años?

La clave, creo, es el respeto mutuo como personas y como artistas.

Una visión en común da lugar a una creación colectiva de historias y músicas que tienen algo de todos nosotros, y que intentamos compartir con el público. Ron Lalá responde a un modelo cada vez menos frecuente en compañías, bandas y grupos artísticos, una afortunada anacronía: el teatro como arte analógico y colectivo. 

Y otras dos claves: la risa y la plata. Seguimos juntos porque nos reírnos mucho en la sala de ensayos y porque repartimos lo que ganamos a partes iguales.

-¿Por qué sigue siendo importante llevar a escena textos clásicos? ¿De qué temas actuales nos habla este texto que has escrito en particular?

Los clásicos son los jóvenes eternos, los que formulan las preguntas esenciales del ser humano de manera inolvidable. Son nuestros espejos; por eso no mueren, por eso habitan en cada época, por eso en este siglo turbulento resultan tan necesarios. En este caso, nos basamos en los clásicos de la historia y la invención del Nuevo Mundo, las páginas tremendas y fascinantes de viajeros como Colón, Cortés, Díaz del Castillo, Cabeza de Vaca, Las Casas, etc., para elaborar nuestra trama cómica y levantar una Desconquista que cuestiona el afán de poder, la avaricia, la imposición de las creencias a los demás, las fronteras y las identidades.

Fotografías de David Ruiz. Teatro Infanta Isabel.

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La Gaviota. “Ama el arte en ti y no a ti en el arte” ha dicho el gran Stanislavski, pero los tiempos que vivimos cruelmente empujan a la juventud a la desesperación, son tiempos extremos, o todo o nada. Y, al no poder tener todo, inmediatamente se quedan con nada. Pero ¿Qué es todo y qué es nada?. Unos conceptos falsos que secuestran a la juventud de sí mismos. La realidad hace esta obra tremendamente actual para evidenciar que, bajo la presión de la sociedad, nace esta incapacidad de los jóvenes de distinguir entre la verdad y la mentira, entre el bien y el mal, entre lo justo y lo injusto. Nadie pondrá la verdad en tu mente, es algo que tienes que descubrir por ti mismo. Si no te permites equivocarte te conviertes en una réplica de la mente de otra persona. Esta obra pretende aliviar la difícil situación de la juventud con nuestra compasión y comprensión. La juventud presionada por la sociedad hacia los resultados y no hacia la experiencia vital de la vida.», comenta Irina Kouberskaya, su directora. Con Catarina de Azcárate, Kike Lafuente, Miguel Ribagorda, Candelaria de la Serena o Virginia Hernández, Alejandra Navarro o Inma Barrionuevo, entre otros/as actores/actrices. Autor: Chéjov + Chéjov.

Volvemos a publicar la entrevista que le hicimos con motivo del estreno de esta función que ahora vuelve a Madrid.

-¿Cómo les contarías a nuestros lectores la historia de esta función?

Es un viaje entre lo que decimos ser y lo que realmente somos; entre lo que decimos querer y lo que queremos de verdad. Connie y Tristán, dos jóvenes muy diferentes que se prestan a participar en un ensayo clínico con un medicamento. A medida que avanzan los días, bien por efecto del medicamento, bien por las circunstancias del propio ensayo o bien por lo que uno produce en el otro, tanto Tristán como Connie comenzarán a ser personas bien diferentes a las que vemos en un primer momento. Quizá su verdadera versión de cada uno. Y, además de ellos, los dos médicos, que también muestran una fachada que se desquebraja a medida que la historia transcurre y se descubren antiguos sucesos del pasado.

-Preséntanos a Connie, tu personaje…

Es una chica que aparenta seguridad, que sabe lo que quiere y que parece que pisa fuerte. Hace lo que tiene que hacer, lo que se espera de ella. Es disciplinada y no se plantea que las reglas se puedan romper porque es de la clase de personas que cree que una norma es buena per sé, que si están es por algo. Pero Connie encierra muchas contradicciones; y entrar a formar parte de este ensayo clínico la colocará delante de un espejo que la obligará a tener que afrontar esas contradicciones, y en ese ensayo entrará en contacto con personas que despertarán en ella sentimientos inesperados e, incluso, desconocidos.

-¿Qué relación mantiene Connie con sus médicos supervisores, interpretados por Alicia Borrachero y Fran Perea?

Al principio, de confianza. En especial con el personaje de Alicia. Connie es una chica disciplinada y por ello sigue a rajatabla las instrucciones del ensayo y confía plenamente en lo que le pide la doctora, a quien posiblemente incluso la vea como un modelo a seguir. Pero la propia evolución de Connie provocará la evolución de la relación con los médicos. Aparecerá el conflicto y ahí comprobaremos hasta qué punto un conflicto entre dos personas puede resultar catártico y puede reforzar vínculos a la vez que romperlos.

-Se comenta en la presentación de esta obra que “es una experiencia teatral intensa y estimulante que examina con profundidad y humor el origen del amor y los límites de la ética…”, ¿estás de acuerdo?, ¿Por qué?

‘El efecto’ es un viaje de emociones, un viaje sensorial. Es una obra en la que tan importante como el texto o la interpretación es la atmósfera creada por una escenografía minimalista y por la música y la luz, que funcionan también como herramientas narrativas. Esto sumerge al espectador en la historia y le permite conectar con las vivencias de los personajes con los que, de alguna forma u otra, todos nos podemos sentir identificados en algo. Al menos, entender cómo se pueden sentir. La obra busca remover al espectador.

-¿Sobre qué otros temas nos habla esta función?

La obra habla de las personas, de la vida. Del amor, de las contradicciones, de la ilusión de la juventud, del miedo a la incertidumbre, del miedo a quitarnos complejos y a ser lo que queremos ser, de aquellos para los que el fin justifica los medios y también de aquellos para los que el cómo es mucho más importante que el qué. Muestra personajes poliédricos y complejos en los que no hay blancos o negros, sino grises, y donde todos somos dueños y víctimas de nuestras decisiones. Es una mirada al interior de las personas.

-¿Tus dos escenas favoritas son…?

La escena en la que Connie y Tristán huyen de ese encierro y empiezan a conocerse más, y la escena final que es desoladora pero lanza un mensaje muy bonito…

-¿Cuáles son los principales motivos por los que aceptaste interpretar este personaje?

Por todos los matices que tiene mi personaje, Connie. Por la complejidad del texto, de la historia. Por Juan Carlos, el director. Y, por supuesto, por mis compañeros que son un reparto maravilloso y con los que aprendo y disfruto cada día en cada función que hacemos.

-¿Es una gran responsabilidad o no subirse a un escenario cuando eres una actriz muy popular?

Subirse al escenario es una gran responsabilidad siempre porque el público está ahí para ver tu mejor versión, ha pagado y está invirtiendo algo mucho más importante que el dinero: su tiempo. Y también tienes un compromiso con tus compañeros de función, que seguro lo darán todo a tu lado. Con esta filosofía y este compromiso he salido siempre al escenario. Y no cambiará nunca sea más o menos conocida porque si un actor o actriz deja que la popularidad le condicione su trabajo, nunca podrá dar lo mejor de sí mismo/a.

-¿Crees que influye positivamente como atractivo para el público?

Influye como reclamo. Al final, en el teatro, como en el cine o como cuando estrenas una serie, es más fácil que el público le dé una oportunidad a algo si conoce a quienes forman parte del proyecto. También puede provocar el efecto contrario, que alguien decida no ver algo por quién está ahí. El ser conocido hace que el público tenga una opinión sobre ti y sobre tu trabajo porque te han visto en otros proyectos. Por eso, yo intento dar siempre lo mejor en cada proyecto.

-¿Qué destacarías de Juan Carlos Fischer como director?

Su olfato por los buenos textos y su intuición a la hora de plantear la puesta en escena. Es un director que apuesta mucho por lo potente que pueda ser el actor/actriz y su palabra, y eso como y te pone en una situación de vértigo que, para mí, es muy motivador cuando haces teatro. Retratos de Javier Naval. Fotografías de escena de Elena C. Graiño. Teatro Marquina. 

-¿Quién y cómo es tu personaje?
MALENA ALTERIO: Aurora (la mejor amiga de Blanca) es culta, leída. Viaja a la capital para formarse como maestra. Allí tiene una vida conservadora, “normal”. Con su marido, su perro y su hijo. Pero, como siempre, la vida se desarma y te desarma. Y así le ocurre a Aurora.
CARMEN RUIZ: Soy Blanca, que es una mujer muy espontánea, muy fresca y natural. Blanca no tiene filtros. Dice verdades como puños. Sólo ha salido una vez de su pueblo. Tiene mucha inteligencia emocional. Aparentemente parece menos culta que su amiga, pero no es así. Es más naif, quizás. Es muy atrevida, divertida y muy humana.

-La presentación de la historia de “La vida extraordinaria” habla de “Dos vidas normales de dos amigas. Sin grandes premios, ni historias trágicas, ni aventuras inolvidables…” 
MALENA: Es una historia con la que todo el Mundo se va a sentir identificado. En el escenario hay momentos duros, otros son divertidos, otros complicados. Es una “historia común” narrada de una forma extraordinaria.

-A estas dos mujeres les une el tiempo, el amor y que ambas escriben poesía… ¿Qué otras circunstancias o vivencias les unen?
CARMEN: Les une su amistad desde la infancia. Verdadera. Les une su pueblo, sus vivencias. La relación de admiración de una hacia la otra. Se quieren mucho, se respetan mucho. Tienen una amistad auténtica, verdadera y preciosa.
MALENA: Les une su propia Historia. Han compartido su infancia y eso une para toda la vida. Los primeros besos, los amores, la familia, los padres, los sabores, los miedos y los descubrimientos unen para siempre.

-Una de las frases claves de esta función es “La muerte y la vida producen el movimiento y cada segundo es un milagro”… Pero, ¿qué frases de tu personaje elegirías tú?
MALENA: “Y, de pronto, aparece eso que estaba ahí. Todo eso que estuvo siempre y que ya no va a estar nunca más: mi infancia”.
CARMEN: “La amistad hace que el Mundo sea mejor. Entonces, cuando muere gente que hace que el Mundo sea mejor, el Mundo se convierte en algo peor porque eso se ha muerto”.

-¿De qué habla la voz en off de Alicia Borrachero en la historia de la función?
MALENA: Son unos textos muy poéticos, hermosos y filosóficos que hablan de la creación del Mundo, de la Naturaleza y van poniendo en contexto las historias que vamos a ir representando nosotras.”

-En el escenario, las dos amigas van pasando de la risa al llanto, de la incertidumbre al asombro… ¿Qué añadirías?
MALENA: Pasamos por muchos estados emocionales durante la función. Es como una gincana endiablada, no para desde el principio hasta el final. Es un gran reto para mí porque en nuestro cuerpo, en nuestra voz y en nuestra alma se tiene que ver todo: el pueblo en el que viven, el mar, el padre, la madre, el amor, el miedo…
CARMEN: Van pasando por todos los estados emocionales. Juntas y solas. Pasan por recuerdos y momentos las dos en el escenario y el resto son monólogos de cada personaje en los que podemos descubrir la fragilidad y la fuerza del ser humano.

-Sin duda puedes elegir los personajes que interpretas en el Teatro. ¿Qué tiene éste en concreto para no haberlo podido “rechazar”?
CARMEN: Antes de conocer el texto, lo primero que me animó a aceptar este personaje fue que iba a trabajar con Malena. Nos conocíamos ya, habíamos trabajado en el Cine y en la Televisión pero nunca en el Teatro. Cuando la leí, pensé que era un reto para mí. Es un personaje muy difícil, que requiere de mucho esfuerzo. Imposible decir que no a un proyecto así. Y cada día que pasa, mientras ensayamos, valoro más y más que me hayan propuesto este reto increíble.
MALENA: El texto me conmovió desde la primera lectura. Todo lo expresa de una manera contundente. Parte de una frase tan maravillosa como ¿Qué hace que cualquier vida sea extraordinaria?. Es como una fábula sobre dos mujeres que viven, aman, se equivocan y siguen… Y siguen. Me emociona, me reta como actriz. No lo dudé desde el primer momento en el que me lo ofrecieron. Retratos de Javier Naval. Teatros del Canal.

-Julia Dávila es una mujer elegante y dinámica que brinda un apoyo incondicional a su esposo, Francisco Requena, un político en plena campaña electoral. Llevan 30 años formando una pareja sólida. Su vida, gira en gran parte en torno a Francisco, pero cuando Julia recibe una carta que le anuncia una noticia poco común, toda esa hermosa estabilidad se ve fuertemente sacudida… 

Es una obra que denuncia realidades muy presentes: el machismo, la transfobia, la falta de tolerancia hacia quien piensa o actúa de forma diferente. También habla de la hipocresía y el cinismo de cierta clase política, que presume de valores pero en su vida personal muestra todo lo contrario.

La función reflexiona, además, sobre las diferencias entre cómo amamos las mujeres y cómo aman los hombres. Especialmente aquellas mujeres de cierta edad que crecimos bajo otros códigos: amamos de una manera más incondicional, más generosa mientras que los hombres suelen quedarse en lo más superficial.

-Interpretas a Julia. Descríbenosla.

Es una mujer fuerte, valiente, con carácter.

-La obra nos habla sobre todo de la imposibilidad de tener “estabilidad” en nuestra vida…

También habla de la familia, de la relación con los hijos, de la política, y, sobre todo, es un canto a la tolerancia, a ser mejores, a entender al otro.

Es una comedia muy especial. No es una comedia al uso: no todo el mundo se va a reír sin más. Es una obra que remueve, que puede incomodar, pero que sin duda invita a reflexionar. Estoy segura de que, cuando el público salga del teatro, tendrá mucho de qué hablar, de qué cuestionarse, de qué pensar.

-Pablo Carbonell interpreta a Francisco. ¿Qué tipo de relación mantiene Julia con su marido?

Julia ha sufrido mucho, pero sigue amando profunda e incondicionalmente a su marido, a pesar de las cosas que le duelen o no le gustan de él.

Francisco es todo lo contrario a Julia: egocéntrico, manipulador, político hasta la médula. Cuando aparece ese sobre con una noticia dura y desagradable, todo se viene abajo.

La obra también muestra que aquello que creemos estable, sólido, estructurado (lo que nos da seguridad) puede desmoronarse en un segundo: una carta, una llamada, una revelación… y la vida da un vuelco.

Por eso es tan importante ser honestos con las personas que amamos y no guardar secretos. En cualquier momento puede llegar una situación adversa, y no hay nada peor que los engaños y las mentiras.

-¿Qué tiene este personaje y este texto que te resultó irresistible para volver a escena?

Esta función me resultó irresistible porque Julia es un auténtico bombón de personaje y por todo lo que representa y transmite esta obra.

-¿Qué les dirías a quienes piensan que esta es solo una obra “entretenida, para pasar el rato”?

Es una comedia que habla de cosas muy serias, que te hace pensar. Tiene momentos tan al límite que terminan volviéndose cómicos, pero siempre desde la verdad.

-¿Dónde reside el humor?

En la verdad de los personajes, en la ironía de sus actos y en la distancia que a veces hay entre lo que decimos y lo que realmente hacemos. Es un humor que nace del dolor, de la incomodidad, de esa fina línea entre el drama y la risa que refleja tan bien lo absurdo de la vida.

-¿Qué destacarías de Gabriel Olivares como director? ¿En qué se ha centrado con vosotros?

Según nos ha contado, ésta es la obra número 101 que dirige, así que imaginaos la experiencia que tiene como director de teatro. Además, tiene una vis cómica excelente: cuando nos ha marcado una escena, nos moríamos de risa. He tenido la gran suerte de tener buen feeling y conexión con él desde el principio. Me siento muy cómoda y me siento libre. Gabriel nos ha exigido, pero desde la serenidad y la profesionalidad. La verdad, estoy muy, muy contenta con esta nueva aventura teatral.

Es una producción de Okapi Producciones e Iria Producciones. Teatro Infanta Isabel.

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Estas son algunas de las preguntas que plantea , un thriller psicológico que te atrapará desde el primer momento. Con Víctor Palmero y Lucía Díez. Es una obra escrita y dirigida por Jesús Torres. Gran Teatro Pavón.

LE MURMURE DES SONGES

Es un viaje por los paisajes secretos de la memoria, los recuerdos olvidados, los olores de la infancia, los objetos que habitan los rincones más íntimos de nuestra emoción. En escena, cuatro intérpretes presentan a criaturas imposibles. La danza se mezcla con música, ilustración y videoarte. El compositor Régis Baillet firma esta partitura y el imaginario visual de la ilustradora Jessie Désolée da forma a un bestiario mágico de monstruos, plantas y animales fantásticos. De la Compagnie Accrorap.

ONCE UPON A TIME (ÉRASE UNA VEZ)

Es un espectáculo de danza inspirado en el folclore coreano. Está ambientado en un místico mercado de duendes que solo aparece al anochecer. Los artistas/bailarines transforman en el escenario objetos aparentemente inútiles en tesoros, mediante su movimiento y la música que lo ambienta.
En escena instrumentos tradicionales coreanos, una narrativa imaginativa y una magnífica expresión física de los protagonistas. Es una coreografía de Goblin Party.

LAS HIJAS DE BERNARDA

Meritxell Barberá e Inma García reinterpretan “La casa de Bernarda Alba” desde la danza contemporánea en esta pieza, centrándola en el conflicto entre autoridad y libertad. Invisibilizan a Bernarda para resaltar el encierro físico, opresivo y emocional de sus cinco hijas.
Las creadoras de Taiat Dansa proponen una pieza escénica que fusiona danza, música en directo, teatro, cine, instalación y arte visual.
La obra mezcla textos originales y fragmentos de la obra de Lorca con una propuesta que evoca una ópera contemporánea donde la coreografía es el eje principal. Se integran en escena la palabra, el flamenco, la música orquestal y moderna (compuesta por David Barberá). 

STUCK

En su primer trabajo como coreógrafa, Mounia Nassangar explora la capacidad de la danza para tomar el control de la palabra cuando ésta se bloquea. Una coreografía basada en su propia experiencia que no aborda directamente la salud mental, sino que habla de los distintos estados por los que ha transitado la coreógrafa, cómo los percibe hoy y cómo coexisten. Teatros del Canal. 

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