¿Quiénes somos cuando la imagen del espejo tan sólo nos devuelve miedo y vergüenza? ¿Qué queda de nosotros mismos cuando todo lo que creemos ser parece insuficiente? Son algunas de las preguntas que, según Javier Hernández-Simón, su director y coadaptador (junto a Ignacio del Moral), le plantea al público esta función. Hablamos con el actor Fernando Cayo que interpreta a uno de los protagonistas de esta emocionante obra.

-¿Cómo describirías a Santa?

Santa representa al tipo que, al quedarse sin empleo, todavía está en una actitud de resistencia. Es el tipo incombustible, que mantiene el calor de la amistad en la cuadrilla de amigos.

Tiene un gran sentido del humor, muy alegre, tiene muchas carencias personales, y muchos claroscuros. Quiere ser muy fuerte pero, al mismo tiempo, está muy tocado emocionalmente por la injusticia y la vida que están viviendo y el lugar en el que les ha colocado este sistema. Es un tipo que une al grupo, que acoge y que pone sentido del humor a todo. Aunque, interiormente, está muy tocado.

-¿Qué crees que simboliza Santa en el desarrollo de la función?

La resistencia. Es el “¡no nos moverán!”. Es el tipo que dice “¡yo no me rindo. Seguimos hasta el final. Habrán ganado pero no nos domaron!”.

Representa el espíritu de lucha.

-Esta función habla de “la importancia de estar unidos en los momentos difíciles, de intentar salir adelante pese a estar en el paro después de un despido industrial…”¿De qué otros temas nos habla?

Nos habla de cómo nuestra vida laboral determina todas nuestras relaciones. En la sociedad el trabajo es muy importante. Pero también nos coloca en el borde de lo robótico. Somos personas. De ser conscientes de esto. De tener autoestima.  Y nos habla también de estos procesos de adaptación cuando hay despidos masivos.

De las desigualdades sociales. Porque, a veces puedes adaptarte a los cambios y a veces no. Hay personas que no se pueden adaptar por sus circunstancias, por lo que les rodea…Habla de tener esperanza…

-Según Javier Hernández-Simón, el director de esta función, “Los lunes al sol” nos ofrece una esperanza, una línea en el horizonte para ayudarnos a seguir caminando; al menos ganar una batalla, por pequeña que sea, para demostrarte que sigues existiendo…. ¿Qué añadirías?

El gran mensaje de la obra es la importancia de estar juntos en los momentos difíciles, de tener empatía. El ser conscientes de que formamos parte de un grupo aunque, a veces, nos sintamos muy solos. Siempre formamos parte de grupos. Y también hay que recordar que vivimos en un país muy solidario y nuestra capacidad de solidaridad es máxima.

-¿Qué crees que diferencia esta función de la película homónima?

La película tiene un aroma de melancolía, de soledad, de cercanía.

La función de teatro es muy divertida, tiene mucha energía, mucho ritmo y el diseño de personajes es diferente. El reparto es muy compacto. Genera un impacto en el público. El público nos ha comentado durante esta gira de más de dos años que llevamos que “A los tres minutos me he olvidado de que existe la película con el mismo nombre”.

Es distinta. Tiene una impronta energética de sentido del humor durante toda la obra.

-¿Cómo describirías a Ana y Nata, los personajes femeninos de esta obra que interpretan Lidia Navarro y Mónica Asensio? Preséntaselos a nuestros lectores…

Los personajes femeninos son el rayo de luz. Los hombres están inmersos en una montaña de oscuridad.  Ellas están con la mirada puesta en el futuro, en el salir de allí. Están fuera del problema. Es una mirada externa tan necesaria…

-En la presentación de la función se dice que “la obra nos plantea preguntas sobre la justicia social y el sistema laboral contemporáneo, invitándonos a reflexionar sobre las desigualdades en nuestra sociedad…” ¿Qué añadirías al respecto?

Nos pone delante un espejo que nos dice que nuestra vida laboral no es lo único. Somos mucho más que trabajadores. Somos personas, amigos, familia, pareja y, después  de todo eso, somos trabajadores.

-Si tuvieras que elegir varias escenas de tu personaje… ¿cuáles serían?, ¿por qué?

Hay una escena en la que se explica lo que suponía el antes del despido, cuando ellos empezaron a trabajar. Y se recuerda que cada uno daría la vida por el otro. Y me gustan mucho las escenas grupales, con muchos chascarrillos. Y también cuando Santa defiende el estar juntos, más allá de las vicisitudes.

-¿El humor de esta versión reside en los diálogos entre los personajes? ¿Por qué es también divertida esta función?

En la película había mucho humor. Bebía del cine social italiano y de la comedia inglesa. Creo que hacer una crítica social desde el humor es fundamental. Los personajes son contradictorios, defienden unas cosas y luego hacen otras. Es una función muy divertida. Y los diálogos de besugos que tienen entre ellos son fantásticos.

-Llegáis a Madrid este mes pero ya habéis representado esta función en otras ciudades, en la gira… ¿Por qué crees que se sienten identificados con los personajes muchos de los espectadores que ya han visto esta función?

Después de dos años de gira a teatro lleno tenemos claro que los espectadores se sienten identificados con esta función.  Es muy emocionante, con mucha crítica social. Es un clásico contemporáneo.

-¿Qué destacarías de la escenografía diseñada por Ricardo Sánchez Cuerda?

Ricardo es un maestro de la escenografía. Destacaría su plasticidad y su multifuncionalidad.

Es un espacio muy evocador, con mucha poesía. Se transforma en muchos ambientes, también gracias a la maravillosa iluminación creada por Juan Gómez Cornejo e Ion Aníbal.

Y termina: “Esperamos en los Canal, con el corazón abierto, al público madrileño”.

Completan el elenco Marcial Álvarez, Mónica Asensio, Fermí Herrero, Fernando Huesca, Lidia Navarro, César Sánchez y José Luis Torrijo.

Una producción de GG Producción Escénica y Teatro del Nómada. Teatros del Canal. 

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En total, el festival ofrecerá 31 funciones escénicas y musicales, a cargo de 27 compañías y artistas, además de dos residencias creativas, varios talleres de formación y encuentros abiertos al público. La programación mantiene la apuesta por combinar espectáculos en espacios patrimoniales y escénicos con propuestas de calle y actividades de mediación, formación y acompañamiento a la creación.

Organizado por el Gobierno de Navarra y Fundación Baluarte, el certamen ha sido presentado esta mañana en Baluarte por la consejera de Cultura, Deporte y Turismo, Rebeca Esnaola; el director del servicio de Acción Cultural del Gobierno de Navarra, Lorenzo García Echegoyen; las directoras artísticas del festival, Ane Pikaza y María Goiricelaya; y representantes de algunas de las compañías participantes.

Como en las últimas ediciones, el Festival de Teatro de Olite refuerza su condición de espacio de convivencia entre disciplinas, generaciones y lenguajes. El programa reúne propuestas que dialogan con la memoria, la identidad, la adolescencia, la precariedad, la imaginación, el cuerpo, la comunidad y las formas contemporáneas de relación con el mundo.

Bajo el lema ‘Celebrando el territorio’, las directoras artísticas del certamen plantean el festival como algo más que una programación de espectáculos: «un espacio vivo de encuentro, convivencia y pensamiento compartido. La edición quiere invitar a públicos de todas las generaciones a participar en una experiencia que emocione, provoque reflexión y abra conversaciones desde la tolerancia, la igualdad, la inclusión y la diversidad». Con esta mirada, Olite «reafirma una dramaturgia territorial propia, feminista, libre y cambiante, que impulsa la escena local y la proyecta también hacia el ámbito internacional«.

El escenario de La Cava acogerá doce espectáculos, todos ellos a las 22:00 horas. La programación se abrirá el viernes 17 de julio con Adolescencia infinita, de Pont Flotant, una mirada irónica, tierna y musical sobre la adolescencia actual y la propia memoria adolescente.

El sábado 18 llegará Mi madre y el dinero, de Anacarsis Ramos/ Pornotráfico, una pieza de teatro documental construida a partir de la historia laboral y vital de Josefina Orlaineta en Campeche, México. El domingo 19 se representará Las Gratitudes, adaptación teatral de la novela de Delphine de Vigan, con Gloria Muñoz, Macarena Sanz y Rómulo Assereto.

La segunda semana de festival comenzará en La Cava el jueves 23 con Itzulera, de Dejabu Konpainia, una road movie escénica en euskera que cruza teatro, cine en directo y poética visual. El viernes 24 será el turno de Leonora, de Producciones Come y Calla y Teatro del Acantilado, un acercamiento libre al universo de Leonora Carrington, con texto y dirección de Alberto Conejero e interpretación de Natalia Huarte. El sábado 25 se presentará No mires, de Cultura i Conflicte, un thriller escénico sobre culpa, silencio, compromiso político y memoria familiar. El domingo 26, Teatro de La Abadía llegará con Declaración de amor (para siempre), una pieza que convierte al público en destinatario directo de una declaración de agradecimiento.

La recta final de La Cava incluirá SELFI — Ser joven en la sociedad del espectáculo, de Unavezenlavida, el miércoles 29; Mujeres que cantan tras el balcón, de la compañía navarra Boga-Boga, el jueves 30; Niebla, de Pílades Teatro, versión escénica de la novela de Miguel de Unamuno dirigida por Fernanda Orazi, el viernes 31; Sueño, de Compañía Criolla, el sábado 1 de agosto; y Ultimatum, de Led Silhouette, el domingo 2 de agosto, una pieza de danza sobre el cuerpo como territorio, frontera y último espacio de resistencia.

La Plaza de los Teobaldos acogerá Bath-Flop, de Et D’Ailleurs, el viernes 17 de julio a las 19:00, una propuesta de circo clown llegada de Francia que también podrá verse el sábado 18 de julio a las 19:00 en la Plaza del Ayuntamiento de Pitillas y el domingo 19 de julio a las 19:00 en la plaza de San Martín de Unx. En ese mismo espacio se presentarán Gota, de Txema Muñoz, el domingo 19 de julio a las 19:00; ¡Qué buen día!, de Maite Guevara, el sábado 25 de julio a las 19:00; Tenet, de Eunoia Kolektiva, un espectáculo de gran formato con ocho acróbatas y un músico, el domingo 26 de julio a las 19:00; y Refugi, de Cia. Manolo Alcántara, el domingo 2 de agosto a las 19:00. Todas estas funciones en Olite tendrán lugar en la Plaza de los Teobaldos.

La Iglesia de los Franciscanos será sede de varias propuestas de pequeño y mediano formato: Nuur, de La Banda Teatro Circo, el jueves 23 de julio a las 19:30; Feliz Día, de la compañía argentina Sutottos, el viernes 24 de julio a las 19:30; Yo bailo, proyecto dirigido por Damián Malvacio con personas mayores, el sábado 25 de julio a las 20:00; y El enterrador, de Pepe Zapata / Teatro de Dos, el martes 28 de julio a las 21:30. Esta última es una obra sobre memoria histórica inspirada en figuras anónimas de la Guerra Civil y la posguerra.

El Palacio Real acogerá dos citas musicales y performativas, ambas en el patio de entrada: el concierto de Olaia Inziarte, una de las voces más singulares de la escena musical en euskera, el viernes 31 de julio a las 20:30; y Bahía Botánica, de Hugo Torres, una performance sonora concebida como diálogo entre música y plantas vivas, el sábado 1 de agosto a las 20:30.

El festival volverá a acompañar procesos de creación a través de sus residencias artísticas. La residencia emergente será para Edurne Pena y La Majica con Amortzia, un proyecto en proceso que mezcla autoficción, memoria familiar, lenguaje de internet y preguntas sobre la intimidad, la exposición y las relaciones entre generaciones. La muestra podrá verse el lunes 27 de julio a las 19:00 en la Casa de Cultura de Beire y el martes 28 de julio a las 20:00 en Olite.

Las Nenas Theatre desarrollarán la residencia profesional con Gatomaquia. El proyecto tendrá apertura pública el miércoles 29 de julio a las 18:00 en el Centro Cultural Tafalla Kulturgunea y el jueves 30 de julio a las 20:00 en Olite.

La programación formativa incluirá el taller de gestión de Nines Carrascal, centrado en la distribución y comercialización de proyectos escénicos, del lunes 20 al viernes 24 de julio, de 10:00 a 14:00, en la Casa de Cultura de Olite; el taller de dramaturgia Encender la mecha, impartido por Jordi Casanovas, también del lunes 20 al viernes 24 de julio, de 10:00 a 14:00, en la Casa de Cultura de Olite; un taller de creación con Fernanda Orazi, del lunes 27 al viernes 31 de julio, de 10:00 a 14:00, en la Casa de Cultura de Olite; y un taller juvenil con Oier Zuñiga y Maialen Diez para jóvenes de entre 8 y 16 años, del lunes 27 al viernes 31 de julio, de 11:00 a 14:00, en las Escuelas Franciscanas, Olite, que culminará con una muestra el viernes 31 de agosto.

Del 17 de julio al 2 de agosto. Olite (Navarra).

Tras el éxito de su primera edición, el festival consolida su propuesta con un
recorrido musical que abarca desde el Barroco hasta el Romanticismo y la ópera, incorporando este año dos nuevos programas: uno dedicado a Johann Sebastian Bach y otro centrado en el repertorio romántico.
Los conciertos tendrán lugar en el patio de armas del Castillo de Pedraza (Segovia), un espacio patrimonial que se transforma en auditorio al aire libre durante los meses de verano.
La propuesta mantiene uno de sus elementos diferenciales: cada velada acompaña el paso del atardecer a la noche, comenzando con la puesta de sol y continuando a la luz de las velas y bajo el cielo estrellado. La programación será interpretada por la orquesta Sing Us, dirigida por Eva Marco. El festival comenzará los días 12 y 13 de junio con un programa centrado en Bach y una selección de grandes arias de la ópera universal.

El primero incluirá obras como “la Ofrenda musical”, el célebre Air de la Suite n.º 3 o fragmentos de la Johannes-Passion, en versiones de cámara para soprano e instrumentos.

Por su parte, el concierto lírico reunirá obras emblemáticas de Mozart, Verdi, Puccini, Rossini, Bellini o Bizet, con títulos tan populares como La donna è mobile, Casta Diva, O mio babbino caro o el brindis de La traviata.

La programación continuará en agosto con Joyas barrocas y Clásicos del Romanticismo. El primero ofrecerá un recorrido por compositores como Haendel, Bach, Telemann, Pachelbel o Pergolesi, mientras que el segundo se adentrará en el universo romántico a través de obras de Fauré, Schumann, Chaikovski, Liszt, Brahms o Saint Saëns.
En septiembre, dedicará una velada monográfica a Vivaldi con Las cuatro estaciones y otras piezas camerísticas del compositor veneciano. También
habrá espacio para Schubert y Mendelssohn, en un concierto que combinará lieder y música de cámara, así como para Mozart y Beethoven.

Y se terminará el 12 de septiembre con un diálogo musical entre Vivaldi y Haydn. 

“Si Miguel Delibes me enseñó a mirar, Fernando Fernán-Gómez me enseñó a escuchar. Durante unos años tuve el privilegio de estar cerca de él y escucharle, entre otras, la historia de Fernanda López, “la rubia”, su bisabuela, de la que heredó el color de pelo y que era de Valdelaguna, un pueblo al lado de Chinchón, el mío… Y de Carolina Gómez, costurera, la abuela que cuidó de su infancia como Natividad López cuidó de la mía. Fernán Gómez quiso ¿por qué no? ser Jackie Cooper, “el de “La isla del tesoro”, y también, decía, quería ser “escritor de novelas de Salgari”…

Con estos maravillosos párrafos nos presenta José Sacristán  “El hijo de la cómica”, un monólogo que, además de protagonizar, ha versionado y dirigido.

Para escribirlo, el actor se ha inspirado en la primera parte de las memorias de Fernando Fernán Gómez  (de 1921 a 1943) y en sus conversaciones privadas con el actor y director durante muchos años en los que compartieron viajes, cientos de conversaciones, confidencias, bromas…  Un homenaje al que Sacristán define como “mi gran amigo. El maestro”.

-En el escenario, das vida a trece personajes…

Sí. Ya hice una lectura dramatizada el año en el que Fernando Fernán Gómez hubiera cumplido 100 años y en el que daba vida a seis personajes.

Después escribí esta nueva función, más compleja y más arriesgada que aquella lectura.

-El monólogo nos habla de sentimientos y emociones como la ternura,  la melancolía…

Son historias de supervivencia, de ausencias, de miedos, de esperanzas, de sueños de libertad.

-Dices que Fernán Gómez te enseñó a escuchar. ¿A qué más te enseñó?

Tuvimos una amistad artística y humana que marcó mi trayectoria profesional. Me enseñó a conversar. A lo que es la capacidad de transformar… A disertar, a dialogar. Era un hombre que era capaz de hablar de forma inteligente hasta de lo que era disfrutar de beber un vino blanco.

-¿Te gustaría que le conociesen las nuevas generaciones?

Después de más de 60 años de carrera y a mi edad ya he aceptado que todo es efímero e intrascendente. Y que hay que ser humilde. ¿O saben muchas personas jóvenes quienes fueron Homero, Mozart o Esquilo?. No aspiro a que trascienda tampoco este monólogo. Me gustaría que los espectadores jóvenes vinieran a ver esta función pero también los de todas las edades.

-¿Qué se siente estando solo en el escenario?

Si hay un buen texto, hay un buen compañero en el escenario. Y también quiero que sea el público mi compañero de este viaje… Si hay un público al que le interese lo que cuento, ya tengo un buen compañero… Voy a contar historias como “se me antojaban las voces de su abuela y de la mía, la lejana de Carola, su madre, la de María, la criada analfabeta…”

La temporada pasada hemos estado de gira con el monólogo “Señora de rojo sobre fondo gris” de Miguel de Delibes. Con gran respaldo del público. Ahí está el triunfo.

-A Fernán Gómez no le gustaba hacer Teatro. ¿De esto también hablas en esta función?

Subirse a un escenario no le gustaba, no. Decía: “Me cuesta tanto memorizar un texto y soltarlo en un escenario que no me merece la pena…” Tenía mucho sarcasmo. Había algo en él que… Para conversar, tenías que despojarte de cualquier frase hueca. Era formidable.

-Has estado de gira con esta función por algunos teatros en España. ¿Cómo ha sido la reacción del público? ¿Te ha sorprendido alguna reacción o comentario de algún espectador en concreto?

A mí me sorprende cada día que veo el Teatro lleno. Me importa la calidad del público, que recibe este monólogo con aplausos. Estoy muy contento y les estoy muy agradecido.

Estoy recogiendo poco a poco el interés que está suscitando esta función…

-¿Sigues pensando que el Teatro “engancha”?

Por supuesto. Mientras “la madre naturaleza” me lo permita, seguiré actuando.

No pienso dar el espectáculo encima de un escenario tampoco porque esté en un estado de salud lamentable. Yo quiero seguir practicando lo que tiene de juego el ser actor.

-¿Qué destacarías de la puesta en escena de “El hijo de la cómica”?

En el escenario hay algunos objetos. Pocos. Los necesarios para apoyar las transiciones… Y tenemos proyecciones que sirven para situar al espectador en el contexto histórico.

También hay videos de Fernando Fernán Gómez. La escenografía audiovisual es de Juan Estelrich y el diseño de Iluminación de Tatiana Reverto.

Y termina José Sacristán diciéndole al público: “Confío en que me escuchéis con la misma o parecida emoción con la que yo le escuchaba a él, a Fernán Gómez, al nieto de la costurera…al hijo de la cómica.”

Es una producción de Pentación Espectáculos. Desde el 29 de Abril. Teatro Bellas Artes.

Más de una veintena de propuestas a concurso protagonizarán la 25ª edición del Certamen Internacional de Coreografía Burgos & Nueva York, que, entre los días 19 y 24 de julio, convertirá distintos escenarios de la ciudad de Burgos en un escaparate para acercarse a la creación dancística emergente y más actual.

Habrá propuestas de danza contemporánea y urbana (que compiten en la sección ‘Danza en el teatro’), obras concebidas para espacios no convencionales (como las que podrán verse junto a la Catedral en el apartado ‘Bailando con piedras’), un certamen para coreografías grabadas con dispositivos digitales y un amplio abanico de actividades paralelas conviven en un festival que repartirá 37.000 euros, consolidándose, así, como una de las citas coreográficas del mundo que destina un mayor volumen de galardones a los participantes.
La programación arrancará el domingo 19 con una gala conmemorativa del 25º aniversario que reunirá obras de destacados coreógrafos internacionales. Es el caso de ‘State of Mind’, trabajo del creador brasileño Ricardo Fernando, director del State Ballet Augsburg, y de ‘Birdy’ y ‘Push and Pull’, trabajos del taiwanés Lai Hung-Chung Lai, además de una cuarta pieza que firma Amaury Lebrun.

El lunes 20 será el turno para ‘Moving spaces’, un encuentro con la danza urbana que incluye batallas, shows y talleres gratuitos dirigidos a todos los públicos. Ese mismo día, el artista plástico Christian Sánchez, Sasa, iniciará la composición de un mural en grafiti de gran formato sobre la fachada de una vivienda emplazada en el centro histórico de la ciudad.
El 21 de Julio los espectadores podrán disfrutar de los seis montajes que compiten en la sección ‘Bailando con piedras’, que repartirá 6.000 euros en sus tres premios (con primer galardón de 3.000 euros, el segundo de 2.000 euros y un tercer reconocimiento con una cuantía de 1.000 euros). Este concurso reúne cada año propuestas de danza de cualquier lenguaje o estilo creadas para ser exhibidas en entornos públicos y cuyo motor principal es la interacción con el espacio y la cercanía con el espectador.
El 22 y el 23 de julio, el Teatro Principal acogerá las creaciones seleccionadas en ‘Danza en el Teatro’, competición que congrega en el mismo escenario piezas de danza contemporánea o de danza urbana, más próximas éstas últimas a los códigos del hip-hop, el house, el bboying o el
breaking, así como las nuevas fusiones con otros lenguajes actuales.
Los 16 trabajos finalistas (agrupados en dos semifinales) se disputarán en la final del viernes 24 de julio un total de 27.000 euros en galardones.
Además, los finalistas de esta competición podrán optar al Premio del Público, un galardón dotado con 1.000 euros que conceden los espectadores con sus votaciones y al Premio Sara Sáinz, con una dotación con 2.000 euros.
Y se invitará al público a disfrutar de otras propuestas y de actividades paralelas.

El Certamen Internacional de Coreografía Burgos & Nueva York está dirigido por el coreógrafo Alberto Estébanez y organizado por CIDANZ Producciones-Ballet Contemporáneo de Burgos.

Festival Danza en el Camino

Como prólogo al Certamen, la creación coreográfica contemporánea volverá a encontrarse este verano con el Camino de Santiago en una nueva edición de Danza en el Camino.

El festival itinerante, patrocinado por la Junta de Castilla y León y con el respaldo de otras administraciones, recorrerá del 1 al 19 de julio 18 enclaves patrimoniales de Aragón, La Rioja, Castilla y León, Galicia y País Vasco con una programación que reúne tres obras seleccionadas y dos propuestas invitadas, consolidando una cita que convierte el espacio público en escenario y acerca la danza actual y las artes del movimiento a públicos diversos.

Las tres propuestas seleccionadas este año llevan el sello del creador taiwanés Taboeh a ’Oebay Tataysi, los italianos Giovanni Leonarduzzi y Lia Claudi Latini, componentes de la Cia Bellanda, y el coreógrafo costarricense Adrián Arriaga, que presentará un trabajo realizado en colaboración con la compañía Sólodos, que forman Erick Jiménez y Maruxa Salas. Tres piezas concebidas para espacios no convencionales que dialogan con el tránsito, la identidad, la memoria, la naturaleza y las relaciones humanas a través de lenguajes coreográficos heterogéneos.

Cada ambiente está cuidadosamente diseñado para envolver al espectador en la atmósfera del clásico, desde el convento hasta la villa de los Von Trapp y los majestuosos Alpes.
Narra que María Rainer, una joven novicia de la abadía de Nonnberg en Salzburgo en 1938, tiene un espíritu libre y una profunda pasión por la música, lo que la lleva a chocar con las estrictas reglas del convento. Ante sus constantes escapadas por las montañas y su dificultad para adaptarse a la vida religiosa, la madre abadesa decide enviarla como institutriz a la casa del Capitán Georg von Trapp…
Teatro Alcázar.

La XXV edición de este Festival (organizado por el Ayuntamiento de Alcalá de Henares y la Comunidad de Madrid) presenta una amplia y variada programación con más de 25 estrenos y cerca de 60 propuestas escénicas.

“Clásicos en Alcalá” celebra un cuarto de siglo convertido en uno de los grandes referentes de las artes escénicas dedicadas al Siglo de Oro. Bajo el lema “Celebra los clásicos”, el festival reúne en esta edición una programación que combina tradición, contemporaneidad con diferentes propuestas y formatos para todos los públicos.

Al frente de esta edición tan simbólica se encuentra Clara Pérez, quien “reivindica el poder del teatro clásico como espacio de encuentro, emoción y reflexión compartida.” Coproducciones entre España e Hispanoamérica, grandes nombres de la escena y nuevas miradas sobre los textos áureos conviven en una programación que convierte nuevamente Alcalá de Henares en un gran escenario abierto. 

-¿Qué significa para este Festival alcanzar esta edición tan especial y qué espíritu ha guiado la programación de este año?

Me siento muy afortunada de estar ocupando el cargo de directora artística justo cuando coincide este aniversario (un cuarto de siglo, se dice pronto), porque lo he vivido desde el principio, a veces como espectadora, otras como compañía dentro de la programación para estrenar en este Festival, que siempre ha sido un lujo, con espacios mágicos, un público cálido, y donde nos sentíamos muy bien tratados.

Ese es el espíritu: “Celebración”. Queremos festejar esa satisfacción que compartimos los amantes de las Artes Escénicas, convencidos de que el Teatro del Siglo de Oro Hispanoamericano seguirá siendo un espacio de encuentro, reflexión y emoción por muchos años.

-Uno de los montajes más esperados de esta edición es “Amor es más laberinto”, de Sor Juana Inés de la Cruz. ¿Qué representa para el festival recuperar una obra tan singular y hacerlo además en un espacio tan emblemático como el Corral de Comedias?

Es una coproducción entre España y México. Destacaría la riqueza que aporta al proyecto, con un equipo mitad español, mitad mexicano. Autoría, música, vestuario, asesoría de verso y seis intérpretes son de México; y la dirección, espacio escénico, iluminación, coreografías y otros seis artistas son de España.

Con dramaturgia y dirección de Abel González Melo, producción de Fundación Teatro de la Abadía con INBAL y Coordinación Nacional de Teatro y ENAT (México).

Es una comedia escrita en colaboración. Sor Juana Inés de la Cruz -primera autora mexicana que escribió en español- escribe los actos primero y tercero, y Fray Juan de Guevara el segundo acto.

-Rafael Álvarez “El Brujo” regresa una vez más al festival con una nueva aproximación al repertorio clásico. ¿Qué tiene su forma de dialogar con los textos del Siglo de Oro que conecta tan bien con el público de Clásicos en Alcalá?

“El Brujo” conecta bien con todos los públicos, parece que habla a cada persona sentada en el patio de butacas, de uno en uno. Es un comunicador excelente. “El Lazarillo” lleva girando más de 35 años y siempre aporta algo nuevo. Hay mucho talento en esta producción con dramaturgia de Fernando Fernán Gómez.

-“Clásicos en Alcalá” vuelve a convertir la ciudad en un gran escenario abierto con propuestas de calle, espectáculos musicales y actividades pensadas para todos los públicos. ¿Qué importancia tiene esa programación más abierta y festiva a la hora de acercar el Siglo de Oro a espectadores de todas las edades?

Queremos ofrecer una experiencia singular al público y también al paseante ocasional, compartiendo la magia del Teatro. Inauguran el festival el 12 de junio “The bike clickbox”, un fotomatón itinerante y otras piezas familiares como “De fanfarrias y maravillas” de Arlequina y Pablo Méndez; “La Alcarabía de los Clásicos” de generacionARTes, “Marcha barroca” con la Banda Sinfónica Complutense; “Big Dancers”, un espectáculo de marionetas gigantes y “Quixote” de Grupo Puja.

Y la clausura será por todo lo alto: Criaturas insólitas en “Sátiros y demonios”, la batucada de Alea Teatre, El pasacalle “Quimera” de LA FAM y “Bestias Ígneas” de L´Avalot Teatre.

En las calles y plazas habrá folclore con el Ballet Andino-Ecuatoriano Quitus Madrid y Leyendas de México con Mariachi Reyes; talleres (“Pinta los clásicos” de Gaac, Mon y sus Caricaturas de oro fino, Légolas A lo loco); poesía (“Lluvia de palabras” de Visitants, o “Cabinas literarias” de Proyecto Cultura).

-Este año tenéis otra Numancia, una de las grandes tragedias de Cervantes, un monólogo.  Además de las grandes obras, ¿qué cabida tienen en el festival propuestas más modestas de compañías habituales en otros circuitos?

“Habla, Numancia” es un espectáculo unipersonal dirigido por la argentina María Eugenia Muñoz Orozco, con Miguel Ángel Quirós en escena. El texto de Cervantes está más vigente que nunca, y eso debería horrorizarnos.

-En esta edición encontramos también propuestas que mezclan teatro clásico y música en directo, como el espectáculo protagonizado por Paloma San Basilio, o danza con Chevi Muraday. ¿Qué otras propuestas se podrán disfrutar?

Por ejemplo, “La esencia flamenca del Siglo de Oro” de Vicente Soto ‘Sordera’; “La Gallarda” con Silvia Marsó dirigida por Yayo Cáceres, con la Orquesta Filarmónica Cervantina de las 25 Villas; “Don Giovanni” con la Orquesta MDC y Katharsis Ensemble; “El lindo Don Diego” con la dirección de Borja Rodríguez, entre otros.

Y la danza contemporánea en el 30 aniversario de LOSDEDAE;  “Nascencia” del Ballet Español de la Comunidad de Madrid… y mucho más. 

-¿Y de las coproducciones internacionales?

“Los locos de Valencia”, con la dirección de Pepa Pedroche, de Teatros del Canal con Teatro San Martín de Buenos Aires; “El perro del hortelano” (Cuba, EEUU y España) dirigida por Carlos Díaz; “Cotidiáfonos clásicos” (España y Perú) de Bufa&sons–Xavi Lozano y “La dama boba”, dirigida por Josep María Mestres, que es una coproducción del Festival Hispanoamericano del Siglo de Oro. Clásicos en Alcalá con Octubre (España) y Ajedrez Eventos y Soluciones (México).

-Después de 25 años de trayectoria y reconocimientos como la Medalla de Oro de la Academia de las Artes Escénicas, ¿hacia dónde mira ahora Clásicos en Alcalá?

Cuando hace dos años la Academia nos concedió la medalla nos hizo muy felices. Ahora tenemos una programación de homenaje al pasado, celebración del presente y mirada ilusionada al futuro. Estoy convencida de que seguirá siendo un espacio de encuentro, reflexión y emoción. Hay mucha creación contemporánea que bebe de nuestros autores áureos. El festival seguirá llenando los escenarios de excelencia, las butacas de público y la ciudad de cultura. Ese es el futuro.

Y termina diciendo, “También quiero destacar que, dentro de ese homenaje al pasado, tendremos a compañías históricas como Teatro del Temple, Morfeo Teatro, Ángeles de Trapo, Malaje Solo, La Máquina Real, Tropos Teatro de Títeres, Fundación Siglo de Oro o Teatro Yeses. Y que  estrenamos en el Festival “Preciosa” de Alicia Merino, “Burladas” de Esther Berzal; “Patrañas cervantinas” de Daniel Llull y Jesús Teyssiere; “El mágico prodigioso” visto por Adolfo Simón, que es una fusión de títeres, máscaras y objetos; y “El Lazarillo y las cosas del comer” de Sol y Tierra y Teatro Percutor, con comida y cocinando. Son propuestas muy trabajadas de compañías que desde lo artesanal llenan los espacios y aportan al festival cercanía y realidad…” Del 12 de Junio al 5 de Julio. 

El autor y director Jose Warletta, referente del humor irreverente y contemporáneo, presenta una disparatada y sofisticada pieza de misterio ambientada en los años 20, donde una sesión de espiritismo acaba convirtiéndose en un auténtico campo de batalla emocional y cómico.

Es una comedia de misterio donde los vivos dan más miedo que los muertos. 

El elenco está formado por Goizalde Núñez, Miguel de Miguel, David Tortosa, Cristina Irala, Julio Bellido y Eva Rodríguez.

La obra nos habla de que en un elegante salón una enigmática vidente francesa reúne a cuatro personajes por orden expresa del más allá. O eso asegura ella.

Lo que promete ser una velada solemne y sobrenatural se transforma rápidamente en una noche de secretos, reproches, fenómenos inexplicables y verdades que nadie estaba preparado para escuchar. Porque en esta historia, los espíritus son casi lo de menos: el verdadero peligro está entre los vivos. 

«Por Mis Muertos» es una comedia de ritmo vertiginoso que mezcla suspense, vodevil y humor ácido, construida sobre giros constantes, personajes al límite y un mecanismo teatral de precisión que mantiene al espectador entre la carcajada y la intriga hasta el final.

Jose Warletta es el autor de obras tan respaldadas por el público como «Santas y Perversas», «Última Planta» o «Los Tacones de Papá».

Teatro Lara.