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COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA: ROM

A ESCENA REVISTA — Tue, 10 Feb 2026 18:18:22 +0000

Su directora, Muriel Romero, presenta este estreno de la CND como “una memoria instantánea de los diferentes rangos del movimiento en el cuerpo. Y la mirada de estos rangos es la esencia de la CND, donde convergen conceptos, estilos y lenguajes coreográficos que parten de orígenes distintos y confluyen en la Europa de entre siglos. Este programa propone un viaje a esa memoria desde el lenguaje abstracto (algorítmico de William Forsythe), a la herencia expresionista y dramatúrgica de Johan Inger.

Un mismo escenario que da cuerpo a la memoria de conceptos de movimiento a través de estas obras. Un escenario que sirve como reserva de la memoria colectiva de la danza. De movimientos, conceptos y lenguajes de la mirada de estos dos autores imprescindibles para entender la historia de la danza de nuestros días. La CND reafirma con este programa su compromiso con un repertorio diverso y vivo, que conecta la Historia de la danza con las búsquedas contemporáneas.”

THE SECOND DETAIL

Es una pieza emblemática del coreógrafo William Forsythe, que también es el artífice del diseño de la escenografía y de la iluminación. Está ambientada con la música de Thom Willems. La puesta en escena es de Stefanie Arndt y Amy Raymond.

Durante su carrera creativa, William Forsythe ha reafirmado constantemente sus credenciales como maestro del montaje inesperado y ha desarrollado un estilo propio muy original. Según la CND, “Esta pieza es poco convencional, compleja, lúdica y muy física. Con su impresionante técnica y su amor por el movimiento puro, permite al público relajarse y abrazar la evidente alegría de los bailarines. El deleite desenfrenado es bienvenido en el contexto de esta obra poderosa y cargada de energía, en la que se celebra al máximo el potencial del cuerpo de baile…”
Los bailarines José Alberto Becerra, Elisabet Biosca, Mario Galindo, Mariavittoria Muscetolla, Laura Pérez Hierro, Pauline Perraut, Rubén Vaquero y Martina Giuffrida, entre otros, lo protagonizan.

BECOME

Es una creación de Johan Inger (que también ha diseñado la escenografía de la pieza). Aborda el cambio y latransformación desde una perspectiva íntima y poética. La pieza reflexiona sobre lo que se desprende, se rompe o se abandona. Cada baile está concebido como una huella, memoria o renacimiento. Es una exploración del cuerpo como espacio para hablarle al público de los cambios internos. Fotografías de Alba Muriel.

(Próximamente en otros Teatros de España y de otros países).

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MURIEL ROMERO Y LA CND PRESENTAN «NÚMEROS»

A ESCENA REVISTA — Sun, 30 Nov 2025 22:33:14 +0000

La Compañía Nacional de Danza estrena “NumEros” en el Teatro de la Zarzuela. Es un nuevo programa que reúne el trabajo de los coreógrafos Georges Balanchine, William Forsythe y Jacopo Godani. Hablamos con Muriel Romero, directora de la compañía.

-El programa “NumEros” que estrenáis este mes es una combinación de los términos numen y eros que conforman dos elementos de la danza. ¿Qué destacarías de la puesta en escena de “Serenade” de Balanchine, la primera parte del programa?

“Serenade” fue el primer ballet que creó Balanchine en Norteamérica y lo hizo para la Escuela del American Ballet. Creado con la música de Serenata para cuerdas en do mayor de Tchaikovsky, si bien el tercer y cuarto movimiento de la partitura están cambiados de orden, constituye un significativo ejemplo del personalísimo estilo del creador ruso-norteamericano. No existe argumento. En palabras del propio Balanchine “el ballet cuenta su historia de manera musical y coreográfica, sin recurrir a ninguna narración ajena”. “Serenade” expresa el ritmo, dinamismo y las tonalidades de la música. Una sencilla escenografía de tonos azules sirve de marco a los movimientos rítmicos, precisos y solo aparentemente narrativos de los cinco solistas y veinte bailarines del cuerpo de baile que Balanchine pone en escena. Sus encuentros y desencuentros, su interacción, cruzada o simétrica, componen una serie sucesiva e ininterrumpida de escenas en las que se percibe un romanticismo puro, muy sutil y plenamente acorde con el carácter neoclásico del estilo Balanchine.

Para este estreno de 2025, la puesta en escena de esta coreografía es de Colleen Neary, considerada una de las más relevantes stagers de la obra de Balanchine en el mundo.

-¿De qué nos hablan “Echoes from a Restless Soul” y “Playlist (Track 1,2)”, las otras dos coreografías?

“Echoes from a Restless Soul” está ambientada en “Le Gibet y Ondine”, ambas parte del tríptico “Gaspard de la Nuit”, una composición para piano solo escrita por Maurice Ravel en 1908.

En una creación de increíble virtuosismo, Ravel da vida a los poemas de Bertrand, empleando una innovadora técnica pianística dentro de una forma clásica. Los elementos coreográficos forman un hilo conductor, fundiéndose en una atmósfera que trasciende el tiempo y el espacio. A través de ellos, se presentan intrincadas e infinitas combinaciones de una relación formal: el pas de deux. Godani realza el movimiento con zapatillas de punta, a la vez que crea una notable libertad dentro de ciertos parámetros estéticos, propios de un enfoque más clásico. La partitura es interpretada en vivo por Gustavo Díaz Jerez.

La “Playlist (1,2)” de William Forsythe, conocido por su innovador enfoque en la danza contemporánea y su capacidad para desafiar las convenciones del ballet clásico, fue estrenada en 2018 basada en la idea de una “lista de reproducción” en la que se utilizan diferentes estilos y movimientos para crear un collage dinámico y diverso. Destaca por su fusión de elementos de la danza clásica y la danza contemporánea, mostrando la versatilidad y el rango técnico de los bailarines.

Forsythe es famoso por su habilidad para jugar con el espacio y la estructura, y “Playlist (1,2)” no es una excepción ya que presenta una rica interacción entre el movimiento y el entorno, así como una exploración del tiempo y el ritmo. Además, incorpora elementos de improvisación, lo que permite a los bailarines expresar su individualidad dentro de la coreografía. Esto crea una experiencia única en cada representación, manteniendo al público intrigado y comprometido.

-¿Qué destacarías de las escenografías, los vestuarios y las transiciones de esta puesta en escena?

La puesta en escena de estas tres coreografías reúne belleza y minimalismo. Se realza el cuerpo y la música actúa como eje central de su narrativa coreográfica.

-¿Qué tiene que tener un/a bailarín/a para que emocione?

Una excelente conexión entre espíritu-cuerpo-mente-emoción combinada con la mayor cualidad que tiene que tener un bailarín: la generosidad.

-¿Este programa va destinado a todos los públicos?

Así es. Es un programa que se puede disfrutar a cualquier edad.

-¿Por qué crees que es importante llevar a los niños/as a disfrutar de un espectáculo de danza?

Los/as niños/as tienen innato el movimiento y el ritmo, por eso a todos ellos y ellas les gusta bailar. La apreciación y el conocimiento de los espectáculos de danza es parte fundamental de su formación.

-Estás trayendo a la Compañía a coreógrafas y coreógrafos que no habían estado anteriormente. ¿A qué maestros/as invitados tendréis en los próximos meses?

Tendremos nuevas obras de William Forsythe, Johan Inger, Luz Arcas y Kor’sia.

-Háblanos de los tres principales planes que tienes para la Compañía en el 2026…

Habrá cinco producciones nuevas, de diferentes estilos coreográficos combinadas con giras internacionales y nacionales. Continuaremos con la 2ª edición de CREADORES CND, donde los bailarines desarrollan sus intereses creativos. Y desarrollaremos diferentes actividades educativas y de inclusión social del programa SOMOS CND. Fotografías de Alba Muriel.

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RUBÉN OLMO, DIRECTOR DEL BALLET NACIONAL DE ESPAÑA

A ESCENA REVISTA — Tue, 08 Jul 2025 16:37:42 +0000

El Ballet Nacional de España sigue de gira con “Afanador”, una de las coreografías más exitosas de la compañía con la que ha logrado cinco premios Max, entre otros reconocimientos. Dirigida por Marcos Morau, cuenta con la interpretación del propio Rubén Olmo, su director. Con él hablamos.

-¿Cuál es la historia que narra “Afanador”?

Es una fantasía de cómo fueron las sesiones fotográficas realizadas por Ruven Afanador para sus trabajos fotográficos de “Mil Besos” y “Ángel Gitano”. En esas sesiones se realizaron fotos en distintas situaciones y lugares: en los camerinos, entre cambios de vestuario de unas fotos y otras, en un patio de un cortijo, en una plaza de toros, cuando nos juntábamos los artistas entre una sesión y otra, en los momentos de espera…

La historia que narra es una recreación de múltiples y diversos momentos de esos trabajos. Es ver las fotografías de Ruven Afanador con la lente artística de otro creador, Marcos Morau.

-Este Ballet ha sido descrito como “Una propuesta de gran calidad que muestra que el Ballet Nacional de España también está en el corazón de la vanguardia. Tan arriesgada como un hito del BNE.”

Estoy totalmente de acuerdo con esas palabras. Yo siempre lo he defendido así, desde el primer momento. Añadiría que Marcos Morau, La Veronal, todos los bailarines, los coreógrafos, todos los que hemos colaborado en este espectáculo hemos aportado esa calidad. Marcos es el que ha sabido pensar en cada una de las piezas y las ha sabido ensamblar para llevar al Ballet Nacional de España a un universo diferente, para llevar a la Danza española y al Flamenco a un espacio y a un lugar que no habíamos explorado y en el que nunca se había visto al Ballet Nacional de España. Sí, yo creo que ha sido arriesgado y ha sido un verdadero hito.

-Para todos los que todavía no han tenido oportunidad de disfrutarlo, ¿Cuáles son las principales novedades de este Ballet?

Es un conjunto por su estética, por el vestuario, las propias coreografías. Se incorporan movimientos completamente diferentes, nos acercamos más a la danza moderna, a la danza de vanguardia. Y hasta la Iluminación baila con el espectáculo, con los bailarines. Y la banda sonora realza todavía más la danza que bailamos.

-En “Afanador” priman el blanco y el negro de la fotografía en el vestuario y en la escenografía. ¿Cuáles son los elementos escenográficos más sorprendentes?

Todos… bueno, te selecciono uno de los que más me gustan. Es cuando empezamos a oír la voz de María Arnal, con la bajada de esa pared impresionante por el escenario, que se convierte en una fachada de una casa, con el balcón… se recrea esa imagen de la sesión fotográfica de Rossy de Palma en el libro de “Mil Besos”. Yo creo que es uno de los momentos cumbres. Es especial.

-Además del estreno del homenaje a José Granero en el Teatro Real y de la presentación de “Triana-Medea” en el Teatro de la Zarzuela, ¿Qué destacarías de la nueva temporada 25-26 del BNE?

Con la recuperación de “Medea”, presentamos en el rol de la protagonista a ese mito vivo que es Eva Yerbabuena, pero también presentaremos en este papel a nuestra primera bailarina Inmaculada Salomón y despediremos del escenario a Maribel Gallardo. Yo creo que todo esto es suficientemente destacable en la nueva temporada.

Aún así, te adelanto que, con “Afanador”, hemos conseguido abrir las puertas de la Ópera de Roma y volver a Austria. Además hemos cerrado una gira por Francia que ya iremos detallando.

-¿Qué es lo más importante que has aprendido desde que empezaste como director del BNE?

Creo que he aprendido muchas cosas. Se aprende a diario, siempre se te presentan nuevas situaciones que resolver, hay días que a última hora sigues resolviendo. Eso te da otra perspectiva. Tienes que intentar trabajar con cierta calma interna. Saber tener paciencia es lo que más he aprendido. Tienes que aprender a enfrentarte a los problemas con cierta distancia para poderlos solucionar y que no te afecte en el día a día para poder seguir trabajando en el resto de cosas.

-¿Consideras que en los últimos años el BNE ha conseguido acercarse más al público joven y/o al que no suele ser seguidor de la Danza española en los Teatros?

El Ballet Nacional de España siempre consigue llevar nuevo público y público joven tanto al Teatro de la Zarzuela como al resto de teatros en los que actuamos. Cada vez se acerca más público a vernos, no solo gente de la profesión, o personas que ya son abonadas del teatro. Viene gente del mundo de las artes escénicas, del mundo de los museos, de las empresas, del mundo sanitario, de todos los espacios de la sociedad. Creo que somos un Ballet al que todo el mundo se acerca alguna vez. Muchas veces me lo dicen: “¡Es la primera vez que vengo al Ballet y me ha encantado…!” o “¡Después de ver lo que he visto, no me pierdo vuestras próximas giras…!”

Creo que, al final, cuando nos ven, la gente se enamora de la Danza española, quiere más y vuelve.

-¿Cuáles han sido los mayores logros de tu último año como Director?

El hacer muchas cosas. En el Ballet Nacional de España lograr hacer algo diferente es complicado. Hemos tenido una pasada temporada con mucha actividad, muchas representaciones. Los coreógrafos y maestros que han ido pasando por el Ballet me han dado la enhorabuena por el estado de la compañía. Además, este año, por “Afanador”, nos han dado el premio de la Crítica de Artes Escénicas de Cataluña, dos premios Talía de la Academia de las Artes Escénicas de España y cinco premios Max de la SGAE. Son grandes logros para el Ballet. Con “Afanador” hemos conseguido cruzar la barrera y que la gente considere el gran trabajo realizado en este espectáculo.

-¿Qué tipo de director eres?

Soy un director que le gusta el trabajo bien hecho, que los bailarines estén lo más inspirados posible, que estén centrados. Soy una persona muy comprensiva, me gusta trabajar desde la confianza y el respeto. Eso forma parte de mi personalidad. Me gusta trabajar en armonía, aunque es complicado llevarlo a la práctica en un ballet tan grande como éste. Esa es mi forma de ser y de trabajar aquí y en cualquier otro sitio. Fotografías de escena de Merche Burgos.

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FESTIVAL MADRID EN DANZA

A ESCENA REVISTA — Sun, 09 Mar 2025 16:40:44 +0000

El Festival, dirigido por Blanca Li, conmemora su 40º aniversario con una programación que reúne a algunas de las figuras más importantes de la danza contemporánea y flamenca, junto a creadores emergentes que marcan el futuro del arte en movimiento.

La Comunidad de Madrid acogerá 25 espectáculos procedentes de España, Francia, Bélgica, Dinamarca y Canadá, con siete estrenos absolutos, siete estrenos en España y nueve en la Comunidad de Madrid.

En esta edición se recuperan piezas emblemáticas que marcaron la historia del festival, como “Le Sacre du printemps” de Marie Chouinard, presentada en el Teatro Albéniz en 2008, y “Crowd” de Gisèle Vienne (rave que reflexiona sobre el amor y la violencia, exhibida en Matadero en 2018. Y contará con artistas y compañías que han formado parte del festival a lo largo de su historia como Última Vez, Osa+Mujika, Marcat Dance y Paloma Muñoz.

Entre las propuestas internacionales están las del Ballet Preljocaj que será el encargado de inaugurar el festival con “Requiem(s)”, un viaje emocional sobre el duelo y la memoria. Desde Bélgica, llegará Alexander Vantournhout para presentar “every_body”, mientras que Jan Martens explorará voces olvidadas en “VOICE NOISE”. La danesa Mette Ingvartsen sumergirá al público en la noche con “Delirious Night”, y el lituano Dovydas Strimaitis sorprenderá con “Hairy”, sorprendente coreografía con cuatro bailarines en torno al cabello.

La creación española aporta la práctica totalidad de los estrenos absolutos de Madrid en Danza. Entre ellos, el del vanguardista bailaor andaluz Israel Galván, otro de los artistas que han contribuido a definir la historia del festival, que en “El Dorado” se zambulle en el ritmo flamenco que marca la percusión de las palmas.

El canario Richard Mascherin invita a reflexionar en “Abertura” sobre la reconstrucción tras el colapso. “Zambra de la buena salvaje” será el estreno absoluto de la andaluza Isabel Vázquez que, junto a Alberto Velasco, desafía los estereotipos con un lenguaje danzado lleno de ironía y rebeldía.

Por su parte, Luz Arcas fusiona flamenco y danza contemporánea en “Tierras raras” para explorar la transformación de la materia y la memoria histórica. Y en “De voz, un cuerpo”, la bailaora Leonor Leal invoca la sabiduría del baile flamenco que han legado bailaoras como Blanca del Rey, Carmela Greco, Merche Esmeralda, Carmen Montiel y Pepa Coral.

Y “Eco” de Daniel Ramos y Víctor Guadiana cierra los estrenos españoles de Madrid en Danza.

Otros talentos nacionales aportarán también propuestas de calado, como Antonio Ruz, con “Norma”. Es una reflexión crítica sobre el concepto de normalidad, en el que cinco cuerpos se articulan entre lo normativo y lo distinto. Y Sara Jiménez une la mitología y el flamenco en “Fragmentos de la noche.”

Nova Galega de Danza trae a Madrid “Dique”, una fusión de danza contemporánea y tradicional gallega para reivindicar a las trabajadoras gallegas silenciadas en el siglo XIX; UNAIUNA ofrece “Scroll”, una coreografía en el mundo del patinaje sobre ruedas. Y Muriel Romero firma “#Incubatio Circumambulatio”, creación para la Compañía Nacional de Danza, en la que explora los rituales del sueño y la curación. Además, se organizarán encuentros con el público y talleres de danza, consolidando al festival como un espacio de diálogo y reflexión en torno a la creación coreográfica.

El festival contará también con la duodécima edición de la muestra coreográfica internacional Beta Pública. Un espacio dedicado a la creación emergente, en el que se presentarán piezas de corta duración. Del 8 de mayo al 1 de junio.

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