Titirimundi volverá a abrir una ventana a la riqueza de la ilusión que propicia la creación artística, en su labor por preservar y difundir el arte del teatro de títeres como patrimonio cultural universal, y a apostar por el teatro de objetos, manteniendo los hilos, el guante, varillas, cuerpo…
Esta edición, que contará con dos estrenos absolutos y montajes que fusionan diversas disciplinas artísticas, también estará marcada por el deseo de honrar la memoria y a algunas de las figuras y compañías emblemáticas de la historia del festival, con una mirada al futuro: espectáculos con cierto sabor a ciencia ficción que ahondan en el paso del tiempo, la necesidad de volver a la esencia, a la patria de la infancia y al juego primigenio; la muerte y la vida; y la voluntad de continuar, a pesar de los obstáculos.
Habrá espectáculos en 48 pueblos de la provincia de Segovia y en Ávila, Salamanca, Zamora, León, Palencia, Madrid (en el Parque de El Retiro, Quinta de los Molinos, Centro Arturo Soria y Museo Lázaro Galdiano y en las localidades de Soto del Real, Guadarrama y Móstoles); Barañáin (Navarra), Villar de Torre (La Rioja) y Redondela (Pontevedra).

Es una de las protagonistas de esta adaptación de la obra de Lucy Prebble (creadora de la serie “Succesion”) que ha sido dirigida por Juan Carlos Fisher. Una experiencia teatral intensa y estimulante que examina con profundidad y humor el origen del amor y los límites de la ética. Alicia Borrachero, Itzan Escamilla y Fran Perea completan el elenco.

Volvemos a publicar la entrevista que le hicimos con motivo del estreno de esta función que ahora vuelve a Madrid.

-¿Cómo les contarías a nuestros lectores la historia de esta función?

Es un viaje entre lo que decimos ser y lo que realmente somos; entre lo que decimos querer y lo que queremos de verdad. Connie y Tristán, dos jóvenes muy diferentes que se prestan a participar en un ensayo clínico con un medicamento. A medida que avanzan los días, bien por efecto del medicamento, bien por las circunstancias del propio ensayo o bien por lo que uno produce en el otro, tanto Tristán como Connie comenzarán a ser personas bien diferentes a las que vemos en un primer momento. Quizá su verdadera versión de cada uno. Y, además de ellos, los dos médicos, que también muestran una fachada que se desquebraja a medida que la historia transcurre y se descubren antiguos sucesos del pasado.

-Preséntanos a Connie, tu personaje…

Es una chica que aparenta seguridad, que sabe lo que quiere y que parece que pisa fuerte. Hace lo que tiene que hacer, lo que se espera de ella. Es disciplinada y no se plantea que las reglas se puedan romper porque es de la clase de personas que cree que una norma es buena per sé, que si están es por algo. Pero Connie encierra muchas contradicciones; y entrar a formar parte de este ensayo clínico la colocará delante de un espejo que la obligará a tener que afrontar esas contradicciones, y en ese ensayo entrará en contacto con personas que despertarán en ella sentimientos inesperados e, incluso, desconocidos.

-¿Qué relación mantiene Connie con sus médicos supervisores, interpretados por Alicia Borrachero y Fran Perea?

Al principio, de confianza. En especial con el personaje de Alicia. Connie es una chica disciplinada y por ello sigue a rajatabla las instrucciones del ensayo y confía plenamente en lo que le pide la doctora, a quien posiblemente incluso la vea como un modelo a seguir. Pero la propia evolución de Connie provocará la evolución de la relación con los médicos. Aparecerá el conflicto y ahí comprobaremos hasta qué punto un conflicto entre dos personas puede resultar catártico y puede reforzar vínculos a la vez que romperlos.

-Se comenta en la presentación de esta obra que “es una experiencia teatral intensa y estimulante que examina con profundidad y humor el origen del amor y los límites de la ética…”, ¿estás de acuerdo?, ¿Por qué?

‘El efecto’ es un viaje de emociones, un viaje sensorial. Es una obra en la que tan importante como el texto o la interpretación es la atmósfera creada por una escenografía minimalista y por la música y la luz, que funcionan también como herramientas narrativas. Esto sumerge al espectador en la historia y le permite conectar con las vivencias de los personajes con los que, de alguna forma u otra, todos nos podemos sentir identificados en algo. Al menos, entender cómo se pueden sentir. La obra busca remover al espectador.

-¿Sobre qué otros temas nos habla esta función?

La obra habla de las personas, de la vida. Del amor, de las contradicciones, de la ilusión de la juventud, del miedo a la incertidumbre, del miedo a quitarnos complejos y a ser lo que queremos ser, de aquellos para los que el fin justifica los medios y también de aquellos para los que el cómo es mucho más importante que el qué. Muestra personajes poliédricos y complejos en los que no hay blancos o negros, sino grises, y donde todos somos dueños y víctimas de nuestras decisiones. Es una mirada al interior de las personas.

-¿Tus dos escenas favoritas son…?

La escena en la que Connie y Tristán huyen de ese encierro y empiezan a conocerse más, y la escena final que es desoladora pero lanza un mensaje muy bonito…

-¿Cuáles son los principales motivos por los que aceptaste interpretar este personaje?

Por todos los matices que tiene mi personaje, Connie. Por la complejidad del texto, de la historia. Por Juan Carlos, el director. Y, por supuesto, por mis compañeros que son un reparto maravilloso y con los que aprendo y disfruto cada día en cada función que hacemos.

-¿Es una gran responsabilidad o no subirse a un escenario cuando eres una actriz muy popular?

Subirse al escenario es una gran responsabilidad siempre porque el público está ahí para ver tu mejor versión, ha pagado y está invirtiendo algo mucho más importante que el dinero: su tiempo. Y también tienes un compromiso con tus compañeros de función, que seguro lo darán todo a tu lado. Con esta filosofía y este compromiso he salido siempre al escenario. Y no cambiará nunca sea más o menos conocida porque si un actor o actriz deja que la popularidad le condicione su trabajo, nunca podrá dar lo mejor de sí mismo/a.

-¿Crees que influye positivamente como atractivo para el público?

Influye como reclamo. Al final, en el teatro, como en el cine o como cuando estrenas una serie, es más fácil que el público le dé una oportunidad a algo si conoce a quienes forman parte del proyecto. También puede provocar el efecto contrario, que alguien decida no ver algo por quién está ahí. El ser conocido hace que el público tenga una opinión sobre ti y sobre tu trabajo porque te han visto en otros proyectos. Por eso, yo intento dar siempre lo mejor en cada proyecto.

-¿Qué destacarías de Juan Carlos Fischer como director?

Su olfato por los buenos textos y su intuición a la hora de plantear la puesta en escena. Es un director que apuesta mucho por lo potente que pueda ser el actor/actriz y su palabra, y eso como y te pone en una situación de vértigo que, para mí, es muy motivador cuando haces teatro. Retratos de Javier Naval. Fotografías de escena de Elena C. Graiño. 

El musical producido por Beon Entertainment regresa a Madrid.  Es una emocionante historia de superación, amor y aventuras que narra que la joven modista Sira Quiroga abandona Madrid en los meses previos al inicio de la guerra civil arrastrada por el amor hacia un hombre que apenas conoce. Juntos se instalan en Tánger, una ciudad mundana y exótica, en la que “todo puede hacerse realidad”.
Sira, sola y acosada por deudas ajenas, intenta su superación personal y se convierte en espía… A partir de entonces, con la Guerra Civil recién terminada y la Guerra europea a punto de comenzar, el destino de la protagonista se une a personajes como Juan Luis Beigbeder (el enigmático ministro de Asuntos Exteriores del Franquismo), su amante, la excéntrica Rosalinda Fox, y el agregado naval Alan Hillgarth, jefe de la inteligencia británica en España durante la Segunda Guerra Mundial. Entre todos ellos la empujarán a una arriesgada situación…

Las actrices Alba Cuartero y Jana Gómez dan vida a Sira Quiroga, Junto a ellas, Noemí Mazoy como Dolores, Claudio Columé interpretando a Marcus Logan, Laia Prats como Rosalinda Fox, Irene Pozo como Candelaria y Gustavo Rodríguez y Carlos Alvarado como Félix. Personajes esenciales en el itinerario de Sira, desde Madrid hasta el norte de África.
“Este musical es imprescindible porque es exclusivo y original. Además, María Dueñas, su autora, ha estado muy implicada en el proceso de creación de este musical por lo que el público reconocerá tanto a los personajes como la historia que está cronológica y perfectamente narrada, de forma fiel al texto. Además, hay que añadir que el elenco que actúa, canta y baila está formado por grandes profesionales y el musical es muy especial…”, ha comentado Darío Regattieri, productor ejecutivo de este musical.

La música original es de Iván Macías, la adaptación del libreto está firmada por Félix Amador y el vestuario de la protagonista ha sido diseñado por Lorenzo Caprile y Marietta Calderón (ambos consiguieron el Premio Talía al mejor vestuario en 2023). Una gran producción que regresa sólo tres meses a la capital. Teatro Calderón.

Pastora Vega es la protagonista femenina de esta comedia que ha adaptado y dirigido Gabriel Olivares. Pablo Carbonell, Ariana Bruguera y Abraham Arenas también la llevan a escena. 

-Julia Dávila es una mujer elegante y dinámica que brinda un apoyo incondicional a su esposo, Francisco Requena, un político en plena campaña electoral. Llevan 30 años formando una pareja sólida. Su vida, gira en gran parte en torno a Francisco, pero cuando Julia recibe una carta que le anuncia una noticia poco común, toda esa hermosa estabilidad se ve fuertemente sacudida… 

Es una obra que denuncia realidades muy presentes: el machismo, la transfobia, la falta de tolerancia hacia quien piensa o actúa de forma diferente. También habla de la hipocresía y el cinismo de cierta clase política, que presume de valores pero en su vida personal muestra todo lo contrario.

La función reflexiona, además, sobre las diferencias entre cómo amamos las mujeres y cómo aman los hombres. Especialmente aquellas mujeres de cierta edad que crecimos bajo otros códigos: amamos de una manera más incondicional, más generosa mientras que los hombres suelen quedarse en lo más superficial.

-Interpretas a Julia. Descríbenosla.

Es una mujer fuerte, valiente, con carácter.

-La obra nos habla sobre todo de la imposibilidad de tener “estabilidad” en nuestra vida…

También habla de la familia, de la relación con los hijos, de la política, y, sobre todo, es un canto a la tolerancia, a ser mejores, a entender al otro.

Es una comedia muy especial. No es una comedia al uso: no todo el mundo se va a reír sin más. Es una obra que remueve, que puede incomodar, pero que sin duda invita a reflexionar. Estoy segura de que, cuando el público salga del teatro, tendrá mucho de qué hablar, de qué cuestionarse, de qué pensar.

-Pablo Carbonell interpreta a Francisco. ¿Qué tipo de relación mantiene Julia con su marido?

Julia ha sufrido mucho, pero sigue amando profunda e incondicionalmente a su marido, a pesar de las cosas que le duelen o no le gustan de él.

Francisco es todo lo contrario a Julia: egocéntrico, manipulador, político hasta la médula. Cuando aparece ese sobre con una noticia dura y desagradable, todo se viene abajo.

La obra también muestra que aquello que creemos estable, sólido, estructurado (lo que nos da seguridad) puede desmoronarse en un segundo: una carta, una llamada, una revelación… y la vida da un vuelco.

Por eso es tan importante ser honestos con las personas que amamos y no guardar secretos. En cualquier momento puede llegar una situación adversa, y no hay nada peor que los engaños y las mentiras.

-¿Qué tiene este personaje y este texto que te resultó irresistible para volver a escena?

Esta función me resultó irresistible porque Julia es un auténtico bombón de personaje y por todo lo que representa y transmite esta obra.

-¿Qué les dirías a quienes piensan que esta es solo una obra “entretenida, para pasar el rato”?

Es una comedia que habla de cosas muy serias, que te hace pensar. Tiene momentos tan al límite que terminan volviéndose cómicos, pero siempre desde la verdad.

-¿Dónde reside el humor?

En la verdad de los personajes, en la ironía de sus actos y en la distancia que a veces hay entre lo que decimos y lo que realmente hacemos. Es un humor que nace del dolor, de la incomodidad, de esa fina línea entre el drama y la risa que refleja tan bien lo absurdo de la vida.

-¿Qué destacarías de Gabriel Olivares como director? ¿En qué se ha centrado con vosotros?

Según nos ha contado, ésta es la obra número 101 que dirige, así que imaginaos la experiencia que tiene como director de teatro. Además, tiene una vis cómica excelente: cuando nos ha marcado una escena, nos moríamos de risa. He tenido la gran suerte de tener buen feeling y conexión con él desde el principio. Me siento muy cómoda y me siento libre. Gabriel nos ha exigido, pero desde la serenidad y la profesionalidad. La verdad, estoy muy, muy contenta con esta nueva aventura teatral.

Es una producción de Okapi Producciones e Iria Producciones. Teatro Infanta Isabel.

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Un elenco formado por trece actores lleva a escena este musical en el que hay vaudeville, magia, sombras, máscaras, títeres y muy buenas canciones. Hablamos con Ferran Fabá y Hugo Ruiz, dos de los actores protagonistas de este espectáculo que nos recuerda “que la vida es un camino que necesitamos recorrer con ayuda de los demás”.

-En la historia del musical hay una guerra indeterminada, una compañía de jóvenes actores refugiados en una iglesia en ruinas, una explosión cercana y amenazante. De repente un curioso e inquietante individuo irrumpe en el lugar anunciando la llegada de alguien especial, distinto, un ser poderoso que aparece como si de un hechizo se tratase, y que es capaz de cambiar la realidad. ¿Qué más les puedes contar a nuestros lectores sobre la historia que nos narra esta función?

HUGO RUIZ: La función arranca con un grupo de jóvenes actores que se han  refugiado ahí. Se están escondiendo del desorden que hay fuera. En ese espacio aparecen Jesús y Judas, que les proponen jugar, hacer teatro. A partir de ese juego empieza a construirse la historia.

Jesús aparece para compartir parábolas y, poco a poco, ir transformando al grupo, no desde lo sobrenatural, sino desde lo humano. Y, al mismo tiempo, la función pone el foco en el conflicto entre Jesús y Judas: el rencor, la amistad, los celos y el deseo por lo que tiene el otro.

-¿Cómo es tu personaje?

FERRAN: Jesús es un personaje que parece sacado de otro planeta. El sabe cuál es su misión en el espacio que le toca, pero le sorprende la compañía de actores con la que se encuentra.

Es un personaje dulce, carismático y líder sin imposición. Manda el mensaje y espera que éste sea captado por la gente que le escucha, pero sin pretender imponerlo.

HUGO: Judas es alguien que pelea con ese destino y es un personaje que no odia al protagonista, sino que desea lo que él tiene. No puedo hablar de mi personaje sin hablar de Jesús. Son personajes que tienen un destino en el que ambos representan fuerzas opuestas necesarias para que la historia tenga sentido y pueda contarse. Son las dos caras de una misma moneda. Yo necesito a Jesús para contar esta historia, pero Jesús también necesita a Judas para poder contarla.

-También comenta el director que “Este espectáculo invita a pasar a construir la ciudad soñada, a no rendirse a construir un mundo mejor.” ¿ Qué añadirías al respecto?

FERRAN: En “Godspell, el musical” se puede apreciar el momento bélico que hay fuera del teatro, y justamente la función transcurre en un “templo en ruinas”. En medio de todo ese caos hay que recordar que siempre se puede mejorar y construir la “ciudad más hermosa”, un lugar de paz y amor para todos.

HUGO: El musical habla de esos valores que hemos olvidado y que, hoy en día, necesitamos que nos recuerden. No podemos quedarnos indiferentes ante lo que le pasa al que tengo enfrente.

-¿De qué otros temas nos habla el musical?

FERRAN: Pone en manifiesto valores que, como sociedad, parece que se nos han olvidado: el amor al prójimo, el actuar bien, el ser buena persona. En un momento actual, donde nuestro mundo está en “guerra”, necesitamos recordar que al final todos formamos parte de lo mismo y que un mensaje tan antiguo sigue siendo tan actual. También es interesante la relación entre Jesús y Judas. Al final son los mejores amigos, y cada uno sabe cuál es su misión en este mundo. Los dos se necesitan, son dos caras de una misma moneda. No habría Jesús sin Judas y viceversa.

HUGO: Más allá del amor y la justicia, esta versión se centra en la violencia, el miedo, el odio, la envidia, el egoísmo.

La historia está ambientada en plena guerra, y vemos cómo este grupo de actores puede enfrentarse a esto con creatividad y música. Cada uno con sus propias herramientas. Este nuevo Godspell tiene una narrativa más “oscura” y busca que el público salga del teatro con muchas preguntas.

-¿Cuáles son las canciones que más te gustan? ¿Por qué?

FERRAN:  Mi canción favorita es “Entre los sauces”. Es la canción de Judas y desde el primer día en la lectura de guión, ha habido algo que nos conectaba a todos fuertemente con ella. Es uno de los momentos más mágicos del musical.

HUGO: “La ciudad más hermosa”, interpretada por Ferran Fabá.

Además de ser una delicia por la interpretación de mi compañero, es la única canción que lanza un mensaje directo al espectador: “vamos a construir algo entre todos, no podemos rendirnos y tenemos que pasar a la acción.”

La Dirección musical de “Godspell, el musical” es de Daniel Villarroya, la supervisión musical ha estado al mando de Arturo Díez Boscovich, el coreógrafo es Carmelo Segura, la Escenografía es una creación de Sebastià Brosa, el Vestuario ha sido diseñado por Gabriela Salaverri y la Iluminación es una creación de Juanjo Llorens.

-¿Qué tipo de música la ambienta?

HUGO: Combina el espíritu de Broadway de los años 70 con vaudeville, soul, góspel, pop y rock. Es una de las partituras más complejas a las que me he enfrentado en mi carrera. El 80% de las canciones de este musical están armonizadas.

FERRAN: Es una obra musical pop rock. La música es realmente increíble y pegadiza. Los espectadores salen del Teatro cantando muchos de los temas que interpretamos. Nunca me he enfrentado a una partitura tan difícil y tan mágica.

Completan el elenco Teresa Abarca, Javier Ariano, Roko, Aaron Cobos, Andro Crespo, Paula Díaz, Laia Prats y Estibalitz Ruiz y los covers Alex Chavarry, Ana Domínguez, Bella Exum, Paula Moncada, Raúl Ortiz y Álex Parra.

Para ANTONIO BANDERAS, EL DIRECTOR

Para el actor y director, “¿Son reales estos personajes? ¿Son actores dentro de una obra interpretada por actores? ¿Y estos dos personajes que no parecen ser parte del grupo y representan papeles antagónicos, son quiénes dicen ser? ¿Se han colado en el espacio escénico?… Este musical es Teatro dentro del Teatro. Todos cumpliendo lo encomendado para que los mensajes trasciendan: los actores para llegar a la catarsis de emociones de las que se nutre al público desde el escenario; los personajes cumpliendo con su destino para que el mensaje de amor que transportan viaje a través de los siglos. A veces todo se entremezcla y no sabemos lo que es verdad teatral o lo que es verdad espiritual. Un mensaje con más de 2000 años de historia, contado de otra forma. Una nueva pasión…. El espectáculo que van a presenciar es nuestro grano de arena para animarles a dinamitar la utopía y pasar a construir la ciudad soñada, no rindiéndose ante la idea de crear un mundo mejor. Gracias por venir al teatro, gracias por participar y envolverse en la “liturgia teatral” que les proponemos”. Es una producción de Antonio Banderas y Teatro del Soho Caixabank. Fotografías de Javier Salas y OriettaMG. Fotografía de portada: Marina M. Luna. Gran Teatro Pavón.

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-Después de más de quince años de lucha infructuosa contra la ciudad de Numancia, el Senado Romano manda a Hispania, sobre el año 130 a. de Cristo, al victorioso general Escipión, que acababa de derrotar a los cartagineses y había sido coronado como triunfador en Roma. Escipión aísla del exterior a Numancia, condenando a su pueblo al hambre y la miseria…

La obra comienza con una guerra que lleva 16 años de lucha. La estrategia que plantea Escipión añade despiadada crueldad hacia los numantinos que buscarán una solución desesperada.

-Además de gritarle al público sobre las devastadoras consecuencias de una guerra y sobre el buen uso de la Resistencia, ¿De qué otros temas principales nos habla?

Es un texto que habla de la dignidad y la libertad, y de los sacrificios que estamos dispuestos a hacer para defenderlas. El amor y la amistad tienen un peso importante dentro del horror.

-Interpretas al personaje de la Fama. Háblanos sobre él…

Es la Alegoría que cierra el espectáculo. Alaba el coraje del pueblo numantino y a uno de sus personajes más jóvenes, Virino. Les  otorga, por su valentía, el triunfo y “el deseo ardiente de eternizar un hecho tan subido”.

-Descríbenos a los personajes de Escipión, Teógenes, España y Morandro…

La ambición de Escipión (Javier Lara) es enorme. Necesita ser el triunfador en esta guerra para alcanzar la gloria total en Roma. Hará lo que sea para conseguirla.

Teógenes (Arturo Querejeta) es el jefe de Numancia. Busca diálogo y consenso en las decisiones que toma junto a los consejeros. Es lo opuesto del general romano.

España (Karmele Aramburu) es una Alegoría que dialoga con el río Duero pidiéndole ayuda para aliviar el encierro de los numantinos. Sufre por ellos.

Morandro (Jimmy Castro) es el enamorado de la historia. Es capaz de perder la vida en un acto heroico para llevar algo de comer a su amada. Representa la valentía en el amor y la amistad.

Completan el reparto Jacobo Dicenta, Manuel Navarro, Jesús Calvo, David Soto Giganto, Ania Hernández, José Fernández, Carmen del Valle, Carlos Lorenzo, Esther del Cura, Carlos Manrique, Pepe Sevilla, Alberto Conde, Guillermo Calero y Esther Berzal.

-Sabemos que el Teatro Clásico nos habla de temas Universales pero, ¿por qué es actual este texto?

Sólo hay que estar un poco al día con lo que pasa en el mundo para ver el porqué. Hemos estado de gira y es impresionante cómo el público empatiza con los hechos que narra esta obra y con sus protagonistas.

-En “Numancia” las mujeres participan de todas las decisiones que toma el pueblo

Son ellas las que impulsan a los hombres a tomar la terrible decisión final.

-¿Qué se ha añadido o de qué se ha prescindido en esta adaptación de José Luis Alonso de Santos?

José Luis Alonso de Santos ha clarificado y acercado el texto de Cervantes a los espectadores de hoy. Ha dado personalidades definidas a los personajes para mejor desarrollo de los conflictos. Ha impregnado de humanidad reconocible cada uno de los momentos de la puesta en escena.

-Los actores declamáis en el escenario en el verso original, ¿es una función para todo tipo de público?

Sí. Hemos estado de gira y en el recorrido que ya tenemos con esta función, hemos comprobado que la historia llega a todos los públicos con intensidad y cercanía.

-¿Cuáles son tus tres frases favoritas? ¿Por qué?

 “¿Estaba, dioses, este pecho mío tan de soberbia y arrogancia lleno, y de piedad justísima vacío?”. Porque es la pregunta que muchos mandatarios tendrían que plantearse.  

-¿Qué destacarías de la escenografía de Ricardo Sánchez Cuerda, de la Iluminación de Juan Gómez Cornejo e Ion Aníbal y de la música de José R. Jiménez de esta puesta en escena?

El espacio sonoro y la escenografía son elementos magníficos que nos elevan hacia la grandeza de la tragedia colectiva, a la vez que crean las distintas atmósferas y espacios en cada escena. Además el Vestuario es una creación de Elda Noriega. Fotografías de MarcosGPunto. Teatros del Canal (Sala Verde).

-Descríbenos a Bess Houdini, tu personaje 

Bess es valiente, divertida y muy lista. Es la compañera perfecta para Houdini. No solo es su esposa, también trabaja con él en el escenario. Tiene carácter, corazón y es el alma que equilibra el mundo del mago.

-¿Qué tipo de relación mantiene con el mago Houdini?, ¿Qué le aporta Bess a su marido?

Bess aporta apoyo emocional y equilibrio. Cuando Houdini se sumerge en su obsesión por la fama, los riesgos y los límites físicos, ella es el punto de anclaje. Pero también sufre por esa misma obsesión, ya que afecta a la vida en pareja y a sus propios sueños.

-En el escenario habrá más de 20 ilusiones en vivo…

Mucho no puedo desvelar, pero sí diré que habrá una aparición de un elefante y una versión renovada de la famosa «tortura china del agua». Hay muchísima magia en escena y antes de empezar la función. Personalmente me quedo con el truco de “la mujer partida en dos”.

-La obra recorre la vida del ilusionista, desde sus inicios hasta su consagración  como figura mundial del escapismo. Pero, ¿qué más le puedes contar a nuestros lectores sobre la historia de este musical?

Cuenta la historia de Houdini desde que era el joven Erik Weisz hasta convertirse en leyenda, pero también muestra su lado más humano: sus miedos, su relación con Bess, y todo lo que tuvo que sacrificar por su arte.

-¿Con qué adjetivos calificarías el carácter y la personalidad del mago Houdini?

Era valiente, obsesivo, brillante, muy carismático… y también vulnerable. Tenía un lado oscuro por su necesidad constante de superarse.

-¿Qué tipo de música ambienta la narrativa?

La música compuesta por Giovanni Maria Lori es maravillosa. Es una fusión entre musicales que ya son clásicos como “Jeckyll & Hyde” de Wildhorn y otros más modernos como pueden ser “Smash” o “The last showman” y tiene  influencias del folclore húngaro.

-¿Algún tema preferido?

No puedo evitar nombrar el solo de Bess “Si cuesta respirar”, que es una gozada y otro solo de Houdini, en el que mientras canta, va haciendo trucos de magia. ¡Es increíble!.

-¿Por qué no debería el público perderse este espectáculo?

Porque es una experiencia única que mezcla magia de gran formato en vivo con teatro musical. Algo poco común, especialmente en España.

-Termina esta frase: “Ir al Teatro le aporta a la vida de las personas…”

… pasión, emoción y una dosis de magia que trasciende lo cotidiano.

-¿Qué destacarías de los elementos escenográficos? ¿Cómo son?

¡Todo es impresionante!. Desde los escenarios gigantes hasta los efectos especiales. Nada se ha dejado al azar. Es un show a lo grande.

Las coreografías están a cargo de Gillian Bruce y las prestidigitaciones escénicas han sido diseñadas por Paolo Carta, conocido por su trabajo en “Mary Poppins” y “Ghost”.

Es una producción de Letsgo y Beon Entertainment dirigida por Federico Bellone (consolidado director, dramaturgo y compositor italiano que ha dirigido en España “Ghost”, “Charlie y la fábrica de chocolate” y “El fantasma de la ópera”, entre otros musicales). Teatro Calderón.

MANUELA VELASCO

-Preséntanos a tu personaje. ¿Quién y cómo es? ¿Cómo la describirías?

Mi personaje es Josefina Aldecoa. Es la hija de Gabriela, la maestra protagonista de la historia. Josefina es quien necesita reconstruir la historia de su madre, de su familia. Investiga sobre sus raíces, necesita respuestas, necesita saber y entender qué pasó. Es la memoria. Es la heredera del legado de su abuela y de su madre y de las maestras de la República. Es el presente y el futuro. Fundó el Colegio Estilo en Madrid en plena dictadura franquista.

-En la presentación de la obra se comenta que “Es la historia de miles de niños, de miles de maestros, de miles de escuelas y miles de libros, de una sociedad que se movilizó con el propósito de salir de la oscuridad y la ignorancia para ser libre. Pero bien podría ser una historia de nuestro tiempo, en pleno 2025…”, ¿estás de acuerdo? ¿Por qué?

No estoy de acuerdo. En 2025 se han conquistado muchos derechos que en el 1924/36/58 casi ni se podía soñar con conseguir.

Lo peligroso es que hoy en día con tanta polarización hay comportamientos y pensamientos que recuerdan a lo que se estaba cociendo en el 36 y parece que un sector de la sociedad mira con nostalgia a la España franquista y se atreve a reivindicar ciertas cosas que supondrían un retroceso a los años oscuros de la posguerra y la dictadura.

A todos esos jóvenes que gritan y celebran consignas fascistas les invitaría a ver la obra, para que se hagan una idea de todo lo que perderían.

-En esta obra están el idealismo y la esperanza en el cambio. Pero, según tu opinión, ¿cuáles son los temas principales de los que nos habla?

De la educación, la memoria, la vocación, el colonialismo, la maternidad, la guerra, la esperanza.

-Para Raquel, su directora, “Creo que en la cultura está el alma de los pueblos. Y creo que la educación es el vehículo que la hace posible, la materializa.” ¿Qué añadirías?

Que hacen falta maestras para que esto sea posible. Referentes. Personas con una ética, unos valores, una vocación, valentía, fortaleza, pensamiento crítico e independencia. Y gobiernos que les permitan hacer su trabajo libremente y que garanticen y protejan una educación pública y universal.

-Esta obra plantea preguntas como “¿Se puede salvar un país desde las aulas?. Según tú, ¿Qué otras preguntas?

Creo que todos podríamos preguntarnos ¿qué habría hecho yo?.

-¿Con qué tres frases de tu personaje te quedarías?

-“Me imagino que podría existir un lugar donde poder hacer preguntas, donde aprender a pensar libremente”.

-“Mamá, yo creo que estoy aquí, hablando contigo, porque tengo algo de esperanza”.

-“Al igual que las madres, las maestras son el origen de muchas personas y de muchos lugares. Tienen esa capacidad y esa responsabilidad también”.

-En la historia también está lo negativo: el machismo, el caciquismo, la ignorancia. ¿Qué otras circunstancias negativas hay en esta historia?

Lo más doloroso es asistir al aniquilamiento de la esperanza y la instauración del odio y el enfrentamiento. La muerte. Saber que muchas maestras y maestros fueron represaliados, perseguidos y fusilados solo por querer sacar al pueblo de la ignorancia y darles herramientas para pensar libremente. Y muchos de los que sobrevivieron tuvieron que vivir el exilio interior.

-Para Raquel Alarcón “la obra nos coloca en la piel de las alumnas de aquellas maestras republicanas que un día creyeron en el poder de la educación como elemento transformador de las sociedades, apostando por una escuela pública, laica, democrática, inconformista, solidaria.” ¿Qué opinas al respecto?

Yo fui alumna del colegio Estilo que Josefina Aldecoa fundó a partir de estos valores. Me siento afortunada de haber podido recibir este tipo de educación.

-¿Por qué no deberían nuestros lectores perderse esta función?

Creo que es una iniciativa maravillosa del CDN seguir adaptando para la escena novelas de grandes escritoras españolas ya que, lamentablemente, la dictadura aplastó a las mujeres en general y a las artistas en particular. Es siempre necesario recordar, aprender de nuestra historia y contárnosla también desde la experiencia y la sensibilidad femeninas.

JULIA RUBIO

-Gabriela, tu personaje, es una maestra que viaja por escuelas rurales difundiendo la pasión por aprender, que llega a Guinea Ecuatorial, sueña, vive y sufre la Segunda República y que termina dejando el testigo a su propia hija…

Es una chica que con diecinueve años sale de la escuela Normal de Oviedo cargada de esperanza y vocación, con una fuerte sed de cambio y la convicción de que ese cambio puede materializarse desde las aulas. Con ese pensamiento y una línea pedagógica que bebe de la Institución Libre de Enseñanza, sale a la España de 1923 y se choca con lo que realmente significa eso de ser maestra en un contexto sociopolítico y cultural que no rema a su favor. El mundo que la recibe la escupe constantemente, la frena, la hace viajar de un lado a otro buscando ese lugar donde al fin poder desplegarse, donde llevar a término esa misión de la que se sabe responsable. Y, pese a los palos en la rueda, frente a la dificultad, ella simplemente se sobrepone y avanza, como una flecha que el aire va limando y puliendo con los años. Su pensamiento es extraordinariamente sofisticado, extraordinariamente lúcido y moderno.

-¿Cuáles son los temas principales de los que nos habla?

De la educación, el progreso frente al inmovilismo, la reconstrucción de la memoria, el legado, el colonialismo, la maternidad, la resiliencia, la revolución, la guerra y todo lo que se llevó la guerra.

* Para Raquel, su directora, “Creo que en la cultura está el alma de los pueblos. Y creo que la educación es el vehículo que la hace posible, la materializa.” 

Estoy de acuerdo con lo que dice Raquel. En la cultura esta la identidad, y creo que es esencial educar en la libertad, en la diferencia, en el pensamiento crítico y propio, porque solo desde la libertad puede forjarse una identidad.

La historia de una maestra no es una historia individual, es la historia de sus alumnos y alumnas, dentro y fuera de la escuela; la historia de aquellas personas a las que acompaña, a las que moviliza o despierta. Creo que es revelador que Raquel elija señalar que la obra nos pone en la piel de las alumnas en lugar de simplemente hablar de las maestras; enseñar es tener un compromiso con el futuro, y en ese futuro, efectivamente, los protagonistas son los niños. Esos niños que recibieron un legado y que tuvieron la responsabilidad de defenderlo y sostenerlo durante la Dictadura, de mantenerlo vivo para que esa sociedad no muriera del todo. Ese legado persiste en la actualidad, pero cabe preguntarnos si lo estamos protegiendo o si estamos dejando que se diluya.

-¿Con qué tres frases de tu personaje te quedarías?

-“Mi revolución está en la escuela”.

-“Una vez una amiga me dijo que la vida de las mujeres es como una enredadera: sube, trepa, se enrojece por la fachada, en invierno se caen sus hojas pero ella nunca se suelta.”

-“La gente decía que España se estaba transformando. Y yo solo podía sentir la transformación de mi cuerpo. No pensaba ni en ti, ni en España. Solo en mi cuerpo. Y cuando apareciste en medio de toda esa ebullición… Era como si tú y yo, hubiésemos estado cambiando el mundo, desde mi barriga.”

-En la historia también está lo negativo: el machismo, el caciquismo, la ignorancia. ¿Qué otras circunstancias negativas hay en esta historia?

Las estructuras estancas, el poder en manos de esas estructuras, el hambre, la falta de medios, el papel de la mujer en la sociedad, cómo ese papel se transforma y las preguntas incómodas a las que lleva esa transformación; la violencia, la falta de entendimiento, la agitación, el miedo…

-¿Por qué debería el público ir a ver esta función?

Creo que es una función que, a la par que cruda y dolorosa, está llena de esperanza y sensibilidad. No lo sé, es cierto que yo soy de ese grupo de personas que escuchan “maestra de la república” y ya solo con eso se emociona de manera sistemática e irremediable, y que igual lo mío es exagerado, pero es una evidencia que estos relatos están en nuestro ADN, y que debemos recordarlos, reconstruirlos y revisitarlos, para conocerlos, para digerirlos y para reflejarnos.

Completan el reparto Víctor Sainz, Ainhoa Santamaría, Fernando Soto, Esther Isla, Thomas King, Andrés Picazo, María Ramos, Alfonso Torregrosa y Pablo Vázquez.

La Escenografía es una creación de Pablo Chaves, la Iluminación es de David Picazo, el Vestuario de Paola de Diego y la Música y el espacio sonoro de Kevin Dornan. Fotografías de Geraldine Leloutre.