Con estos maravillosos párrafos nos presenta José Sacristán  “El hijo de la cómica”, un monólogo que, además de protagonizar, ha versionado y dirigido.

Para escribirlo, el actor se ha inspirado en la primera parte de las memorias de Fernando Fernán Gómez  (de 1921 a 1943) y en sus conversaciones privadas con el actor y director durante muchos años en los que compartieron viajes, cientos de conversaciones, confidencias, bromas…  Un homenaje al que Sacristán define como “mi gran amigo. El maestro”.

-En el escenario, das vida a trece personajes…

Sí. Ya hice una lectura dramatizada el año en el que Fernando Fernán Gómez hubiera cumplido 100 años y en el que daba vida a seis personajes.

Después escribí esta nueva función, más compleja y más arriesgada que aquella lectura.

-El monólogo nos habla de sentimientos y emociones como la ternura,  la melancolía…

Son historias de supervivencia, de ausencias, de miedos, de esperanzas, de sueños de libertad.

-Dices que Fernán Gómez te enseñó a escuchar. ¿A qué más te enseñó?

Tuvimos una amistad artística y humana que marcó mi trayectoria profesional. Me enseñó a conversar. A lo que es la capacidad de transformar… A disertar, a dialogar. Era un hombre que era capaz de hablar de forma inteligente hasta de lo que era disfrutar de beber un vino blanco.

-¿Te gustaría que le conociesen las nuevas generaciones?

Después de más de 60 años de carrera y a mi edad ya he aceptado que todo es efímero e intrascendente. Y que hay que ser humilde. ¿O saben muchas personas jóvenes quienes fueron Homero, Mozart o Esquilo?. No aspiro a que trascienda tampoco este monólogo. Me gustaría que los espectadores jóvenes vinieran a ver esta función pero también los de todas las edades.

-¿Qué se siente estando solo en el escenario?

Si hay un buen texto, hay un buen compañero en el escenario. Y también quiero que sea el público mi compañero de este viaje… Si hay un público al que le interese lo que cuento, ya tengo un buen compañero… Voy a contar historias como “se me antojaban las voces de su abuela y de la mía, la lejana de Carola, su madre, la de María, la criada analfabeta…”

La temporada pasada hemos estado de gira con el monólogo “Señora de rojo sobre fondo gris” de Miguel de Delibes. Con gran respaldo del público. Ahí está el triunfo.

-A Fernán Gómez no le gustaba hacer Teatro. ¿De esto también hablas en esta función?

Subirse a un escenario no le gustaba, no. Decía: “Me cuesta tanto memorizar un texto y soltarlo en un escenario que no me merece la pena…” Tenía mucho sarcasmo. Había algo en él que… Para conversar, tenías que despojarte de cualquier frase hueca. Era formidable.

-Has estado de gira con esta función por algunos teatros en España. ¿Cómo ha sido la reacción del público? ¿Te ha sorprendido alguna reacción o comentario de algún espectador en concreto?

A mí me sorprende cada día que veo el Teatro lleno. Me importa la calidad del público, que recibe este monólogo con aplausos. Estoy muy contento y les estoy muy agradecido.

Estoy recogiendo poco a poco el interés que está suscitando esta función…

-¿Sigues pensando que el Teatro “engancha”?

Por supuesto. Mientras “la madre naturaleza” me lo permita, seguiré actuando.

No pienso dar el espectáculo encima de un escenario tampoco porque esté en un estado de salud lamentable. Yo quiero seguir practicando lo que tiene de juego el ser actor.

-¿Qué destacarías de la puesta en escena de “El hijo de la cómica”?

En el escenario hay algunos objetos. Pocos. Los necesarios para apoyar las transiciones… Y tenemos proyecciones que sirven para situar al espectador en el contexto histórico.

También hay videos de Fernando Fernán Gómez. La escenografía audiovisual es de Juan Estelrich y el diseño de Iluminación de Tatiana Reverto.

Y termina José Sacristán diciéndole al público: “Confío en que me escuchéis con la misma o parecida emoción con la que yo le escuchaba a él, a Fernán Gómez, al nieto de la costurera…al hijo de la cómica.”

Es una producción de Pentación Espectáculos. Desde el 29 de Abril. Teatro Bellas Artes.

JOSÉ MARÍA POU

-Interpretas a Roald Dahl, autor de libros como “Matilda”, “Charlie y la fábrica de chocolate” y “Las Brujas”. ¿Qué has descubierto de él?

Además de su gran talento como escritor,  es un personaje del que no conocía su biografía. La he estado investigando. Es uno de los escritores más complejos de la Literatura. Es un hombre que fue piloto de la RAF durante la Segunda Guerra Mundial, que entró en combate, que fue derribado varias veces. Tuvo heridas enormes por todo el cuerpo y también en la cabeza. A los 30 y pico ya le habían hecho cuatro operaciones de espalda y una en el cerebro. Después tuvo que empezar una vida nueva. El Gobierno inglés le envió de agregado a la embajada de Inglaterra en EE.UU. Y en Washington empezó a escribir algunos cuentos como “hobby”. 

Pero como autor de cuentos infantiles y juveniles sorprendió al público de todo el Mundo. Y se sigue estudiando en las escuelas e institutos de todo el Mundo.

-Ese duro pasado marca evidentemente su carácter ya que la obra se desarrolla cuando Dahl ya tiene más de 70 años…

Sin duda. Es un hombre absolutamente traumatizado, no solo psicológicamente. Necesita un bastón para caminar y, aun así, camina con dificultad. Tiene dolores continuamente. Y es un hombre, además, que necesita estar sentado. Muere poco después, de hecho.

Tiene un humor muy ácido, es muy cínico, se sabe defender bien porque es alguien superior a los demás intelectualmente. Tiene una mente privilegiada, “destroza” al resto de personajes con cuatro palabras. Mirándoles desde su gran altura tanto física como mental. Desde su gran talento. Desde su humor ácido. Desde su implacable ironía.

En medio minuto puede pasar de ser la persona más maleducada o cruel al ser más gracioso. Tiene multipolaridad. Va de un extremo a otro en muy poco tiempo.

-En el escenario es el Verano de 1983. En una casa en la campiña inglesa, con jardín, con mucho terreno alrededor. La casa está en la periferia de Londres y está en obras. Roald Dahl revisa las pruebas de su último libro, que está a punto de enviarse a la Imprenta.. Pero el escándalo provocado por un artículo antisemita que escribió Dahl y que ha sido publicado recientemente no parece tener fin…

Los seis personajes de la obra están recluidos en la única habitación en la que se puede estar porque el resto de la casa está hecha una pena. Dahl mantiene una reunión con Jessie Stone, la persona enviada por su editor americano (Cláudia Benito) y con Tom Maschler, su editor inglés (Pep Planas). Ha pasado una semana desde que la actriz Patricia Neal (su exmujer) se ha ido de esa casa. También están presentes la que va a ser su segunda mujer, que ahora es su amante y su secretaria personal (Victòria Pagès); Hallie, la criada y cocinera (Aida Llop) y Wally Saunders, el jardinero (Jep Barceló). 

Es una obra con una temática central pero que se aborda desde varios puntos de vista tan importantes… Dahl pedía en su polémico artículo “la desaparición del Estado de Israel” y todos los libreros de la época amenazaron con no publicar sus libros. Aunque fue solo una amenaza…

Pero el texto que representamos deja abierto el debate para el público. Para que cada uno/a saque su propia conclusión…Y es una obra que plantea un debate difícil de encontrar en ninguna tertulia.

-Has declarado en más de una ocasión que te gustaría “acercar al público español los grandes textos que se están representando por el mundo”…

Y sigo pensando igual. A mis 80 y pico y, después de más de cincuenta producciones, este personaje no lo llevo a escena para lucimiento personal sino para ofrecerle al público un gran texto para disfrutar. Llevo 60 años en los escenarios, interpretando a grandes personajes pero no tengo ningún sentido de “transcender”.

-Completa esta frase: “Ser actor teatral no es un oficio. Es…”

…Una forma de entender el mundo y de interpretarlo. Una forma de querer ser activo dentro de tu colectividad. La llamada del Teatro es algo que va más allá del hecho cultural para relacionarse dentro de la sociedad. Es contribuir a que la vida sea un poco más apacible.

Me siento identificado con una frase de mi personaje en Macbeth: “Un actor es una sombra que pasa, cruza brevemente el escenario y ya no se le ve más”.

-Se ha comentado que con este personaje ya te retiras…

La verdad es que llevo pensándolo desde hace unos años (desde que interpreté a “El Padre”). Pienso “¡Es mi última función, para retirarme!”. Pero tengo “la mala suerte” de que sigo teniendo el gusanillo por dentro y siempre encuentro una función de Teatro que remueve todo mi interior.

Cuando vi esta función  en el Royal Court (titulada “Giant”) supe que “aquel personaje enorme tanto física como emocionalmente era para mí”.

Y, la verdad, nunca voy a decir “¡es mi última gira!”. Me retiraré y no voy a anunciarlo. Es una decisión muy personal. 

VICTÒRIA PÀGES

-¿Quién y cómo es Liccy Crosland?

Liccy es un personaje que existió en la vida real. Fue la amante, la secretaria personal de Dahl y era amiga de su primera mujer. Dejó su trabajo, se fue a vivir a la casa en la que se desarrolla la historia y estuvo con él los siete últimos años de su vida. Tenía una carrera como productora de cine importante. Cuando Dahl muere, dirigió muchas fundaciones para niños con problemas. Y se encargó de gestionar su patrimonio y su legado.

En la obra es la anfitriona de esa comida que se va a celebrar en la casa, en 1983, y a la que están invitados los dos editores para convencer a Dahl de que pida disculpas o se retracte del artículo que ha escrito contra el Estado de Israel.

-¿Qué tipo de relación mantiene con el personaje de Roald Dahl?

Liccy es 20 años más joven que Dahl pero son personajes maduros, que se quieren mucho, que tienen una gran complicidad. Entre ellos hay diálogos con mucho sentido del humor. Dahl a veces tenía arranques de genio y era una persona de carácter difícil pero sabía manejarlo y era de las personas que mejor sabía tratarle. Es la única que le puede reñir a veces, que intenta encauzar las conversaciones. Hace de intermediaria entre los editores y el escritor. Además, está luchando para que nombren “Sir” a Dahl porque cree que se lo merece.  Y cree que esa reseña que ha escrito le condenará a que no le den el título. Tal y como pasó en la vida real.

Sabe que es “especial” pero también piensa que Dahl es una persona que se merece ese reconocimiento británico.

-Las frases del texto de tu personaje que destacarías…

– “Vueltas y más vueltas. Recodos inesperados. Un sinfín de bosques a cual más triste, lúgubre y oscuro. Pero sí. Aquí estoy”. Habla del camino vital que ha recorrido junto a Dahl. Ella ya está instalada en la casa.

Y Liccy está siempre diciendo expresiones como: “¡Ay, por Dios!”, “¡Roald, por favor!. ¡Cálmate, por favor” Siempre está mediando, apaciguando la situación…

-¿Con qué “mensaje” te gustaría que se quedase el público al salir de ver la función?

Es una obra que invita a pensar, a reflexionar y, sobre todo, a algo que a mí me gusta mucho: nos dice que “los problemas complejos no tienen soluciones fáciles” y que no se puede reducir la solución a una infantil de elegir entre el blanco y el negro. Los matices son muy amplios.

Me gustaría pensar que el público ha entendido todos los matices que tiene el texto de la función.

-Según tu opinión, ¿Cuáles son los temas de los que nos habla “Gigante” que siguen de actualidad?

Parece que no hemos avanzado ni cuatro pasos respecto a lo que ocurrió en 1983 con Israel. El debate que se crea entre los personajes. Es muy bonito que el autor plantea, a través de las opiniones y posiciones de cada uno de los dos editores, las diferentes visiones del conflicto israelí y árabe. Nos demuestra que se avanza poco.

Y otro tema actual es que si un personaje famoso o público está en su derecho de hacer unas declaraciones libres, políticamente muy incorrectas. Surge el debate, tan actual, de si se debe retractar o no públicamente para evitar consecuencias. Si se debe o no expresar las opiniones personales siendo un autor reconocido. Si se puede o no “apartar” a un autor por sus opiniones…

-Según Josep María Mestres, el director, “Gigante” es una obra valiente, elocuente, perturbadora y, sobre todo, compleja y llena de matices.” ¿Qué añadirías para definirla?

Es una obra que te impacta. Es una obra muy compleja. Muy interesante. El autor presenta a unos personajes que defienden sus posturas en el escenario. Creo que quiere transmitir que en la vida no hay que polarizar continuamente. No es “Ni contigo ni sin ti”.  Hay una paleta de grises muy interesantes.

Defender que todos podemos tener opiniones distintas. Todo se puede matizar y dialogar.  Te puedes identificar con cada uno de los personajes. Te plantea muchas preguntas y te hace reflexionar mucho. Te deja con muchas preguntas y con muchas curiosidades. Es una coproducción del Teatre Romea y Grec Festival de Barcelona. Fotografías de David Ruano.

Siendo Miguel Narros director del Teatro Español de Madrid encargó un nuevo montaje de “La Casa de Bernarda Alba” al director José Carlos Plaza. Éste propuso a Lola Flores para el personaje de La Poncia. Lamentablemente, por motivos de agenda, Lola no pudo hacer el montaje y se lamentaba de ello en el programa “La Clave” de TVE. Al saber esta anécdota le llegó la idea a Luis Luque de leer la obra de nuevo y descubrir si podía rescatar el personaje y hacer una creación escénica a partir de él. Entonces decidió llamar a Lolita Flores para proponerle que hiciera este personaje.  Dos años después de su estreno y, tras un exitoso paso por decenas de Teatros españoles, regresa esta obra a Madrid.

Para Lolita Flores, “Poncia” es un regalo del cielo que me está dando muchísimas satisfacciones. Poder llevar la palabra de Lorca junto con la de Luis Luque es un honor enorme.”

-“Dentro de una tormenta de niebla, Poncia, la criada de Bernarda Alba, reza por la muerte de Adela, la hija de Bernarda Alba. La casa se ha sumido en un mar de silencio. Poncia habla sola y también con ellas, con Bernarda Alba y sus hijas…” ¿Qué más le podemos contar a nuestros lectores sobre la historia de esta pieza?

Se trata de un spin-off de “La casa de Bernarda Alba”, y no quiero desvelar mucho más para que el público venga a descubrirlo al teatro. La obra de Lorca comienza con la muerte de Adela y “Poncia” arranca desde ahí.

-Comenta Luis Luque en la presentación de “Poncia” que “En un profundo análisis del personaje, he rescatado las intervenciones de Poncia y las he convertido en reflexión, soliloquios, diálogos con fantasmas y sombras…”

Coincido totalmente con Luis. Eso es “Poncia”, un análisis profundo de este personaje.

-El alma de “la Poncia” se abre para insistir en la necesidad de transferir a los demás la idea de amarnos en libertad. ¿De qué otros temas nos habla esta obra?

La obra habla de la injusticia, la severidad, la disciplina invasiva y, sobre todo, de la poca libertad para amar a quien quieras, donde quieras y cuando quieras.

-También comenta Luque: “Los personajes de las criadas encierran un enigma interesante: son testigos de los avatares de sus dueños y amos, conocen la verdad del interior de las casas y poseen la filosofía oculta de las clases populares”. ¿De qué ha sido testigo Poncia en la Casa de Bernarda Alba?

Mi personaje ha sido testigo durante más de ocho años de todas las injusticias que se han sufrido en esa casa.

Poncia es testigo de cómo Bernarda está educando a sus hijas y del peligro de una educación sin libertad y sin amor.

-¿Cuáles son sus principales reivindicaciones en el escenario?

Podría resumirse en combatir el exceso de disciplina, la falta de libertad y la lucha contra la injusticia.

-“Poncia” se dirige al público de 2023. ¿Qué tipo de lenguaje utiliza este personaje en este monólogo?

Utiliza un lenguaje coloquial, como cualquier mujer de su estatus y de su tiempo. Por supuesto, eleva el tono cuando quiere reivindicar algo. La potencia de los textos de Lorca sigue vigente.

-Sé que es difícil elegir pero, ¿qué dos o tres frases de la obra son tus preferidas?

“No me he preocupado de nacer, pero sí me voy a preocupar de morir”. Esa es una de mis frases favoritas.

-¿Cómo es la escenografía de Mónica Boromello?

Creo que Mónica ha realizado una escenografía moderna y minimalista, con el objetivo de dar importancia a Poncia y a sus palabras.

Es una coproducción de Pentación Espectáculos y el Teatro Español. Teatro Bellas Artes.

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-En “Iconos o la exploración del destino” se unen tu sentido del humor con los argumentos de personajes de las tragedias clásicas más conocidas y de relatos hindúes. ¿Algunos de estos personajes son?

Edipo, Medea, Antígona y Hécuba. Los he escogido porque me detuve en los casos más extremos de una compulsión que es siempre la misma en todas las tragedias: enfrentarse, sin paliativos, a la bestia que todo ser humano lleva dentro. Esto se llamaba la catarsis y conducía a una regeneración y una superación de nuestra parte animal para ponernos en el camino de los dioses que representaban en aquella época la visión trascendental de la vida.

-¿Qué dos frases de la obra son tus preferidas? ¿Por qué?

“El destino es el eco de tu deseo”.

“Solo adquieres fuerza si peleas con algo que es más fuerte que tú.”

Porque son lacónicas y tienen mucha carga y eso es la gota del limón exprimido por el Teatro.

-¿De qué le habla “Iconos” al público?

Se cuenta de Sileno, el semidiós que ejerce como patrón de la tragedia, y subalterno de Dionisio, dios de la tragedia, que cuando Midas le preguntó “¿qué era lo mejor para el hombre?”, Sileno le contestó: “lo mejor para el hombre sería no haber nacido”. Ante la estupefacción de Midas, Sileno añadió: “pero no te preocupes, ya que has nacido, lo mejor para ti sería morirte cuanto antes”. Esto no puede entenderse sino es como un chiste que sugiere el “absurdo de la existencia”, que es el gran leitmotiv de toda la tragedia griega. Faltaban todavía 25 siglos para que Valle-Inclán presentara de nuevo esa mixtura en su creación genial del esperpento. La mezcla de los géneros estuvo ahí siempre, mostrando que las líneas divisorias son una creación convencional, un código, para que el público acomode su actitud ante el espectáculo. La exploración del destino viene de la mano de una exposición comparada de esta fuerza determinante (el destino) en la vida de los héroes trágicos y en los relatos de la mitología hindú, donde el concepto de karma incluye el concepto de libertad en el dinamismo del destino.

-¿Cuáles son los principales temas de actualidad de los que trata la función?

La actualidad sale en la obra de vez en cuando y solo para hacer más didáctico de lo que estoy hablando.

-El músico Javier Alejano es tu compañero en los escenarios desde hace muchos años. ¿Has escrito esta obra en concordancia también con la música que ha creado él?

Él hace la música conmigo y yo hago el texto con él.

-Termina esta frase: “El Teatro le aporta a mi vida…»

Equilibrio, satisfacción, salud, alegría y un poquito de dinero.

-Después de tu larga trayectoria profesional, ¿con qué cuatro adjetivos con los que han descrito tu trabajo te sientes más identificado?

Cómico. Y no quiero decir los otros tres por pudor. Pero a veces me llaman Einstein… Por el pelo.

-¿Por qué no debería el público perderse este monólogo?

El público no debería perdérsela por mi bien (jajaja) ya que todavía tengo muchas facturas que pagar. Fotografías de Jero Morales. Hasta el 1 de junio. Teatro Bellas Artes.

LOLA HERRERA

-¿Qué tipo de mujer es la escultora sudafricana Miss Helen, la  protagonista de la obra?, ¿Cómo la describirías? ¿Qué sueño persigue o cuál es el motor de su vida?

Con rasgos de libertad. Es una mujer que quiere hacer lo que ella quiere, lo que sueña, lo que le gusta… Ella ha estado muy reprimida en un matrimonio. Cuando se libera de todo eso porque se queda viuda es una mujer que quiere, al precio que sea, hacer lo que más le gratifica.

-¿Por qué no podías rechazar interpretar este personaje?, ¿Cuáles son  los principales motivos por los que aceptaste llevarlo a escena?

Sobre todo porque es una mujer mayor, que se supone que no tiene derecho a muchas cosas. Primero, por ser mujer y luego ten en cuenta que esto se desarrolla en los años sesenta/setenta en Sudáfrica. No tiene derecho prácticamente a nada. Pero ella exige sus derechos, lucha por ellos, como mujer y como artista y creadora. Me parece que es muy gratificante para cualquier actriz hacer personajes de este tipo, porque la sociedad está totalmente cerrada a los mayores. Es como si fuese un pecado ser mayor, una cosa vergonzosa o algo que hay que desechar. Me parece que es un cántico a la gente mayor.

-Se ha comentado sobre “Camino a la Meca” que es “una reflexión  profunda sobre el aislamiento, la lucha interna, la libertad individual y el conflicto entre conformarse con lo que manda la sociedad o seguir los propios sueños o deseos”. ¿Estás de acuerdo?

Sí. Creo que uno tiene que intentar perseguir los sueños. Hace falta tener mucho valor, encontrarte con muchos obstáculos y posiblemente no conseguirlo pero no hay que dejar de intentarlo.

-¿Sobre qué otros temas trata esta función?

Sobre todo y, principalmente, de la libertad. También de la comunicación entre las personas, de la amistad, de cómo puedes relacionarte e intercambiar con otros seres humanos cosas importantes y de las relaciones. Por ejemplo Helen y Elsa están muy unidas. Aunque exista una diferencia de edad, de vidas y, aunque son muy diferentes, están muy unidas. A veces parece que hay que estar todo el día juntos o relacionarse muy de cerca y no hace falta. La comunicación entre personas va mucho más allá que hablar todos los días.

-¿Qué supone para ti volver a compartir escenario y gira con tu hija Natalia Dicenta?

Estamos las dos muy contentas e ilusionadas con este proyecto. Hacía veinte años que no trabajábamos juntas, desde que hicimos “Solas”. No podemos estar más contentas al haber encontrado esta función tan maravillosa, con personajes interesantes…Y dirigidas, además, por alguien tan extraordinario como Claudio Tolcachir.

NATALIA DICENTA Y CARLOS OLALLA

-¿Quién y cómo es tu personaje?

NATALIA DICENTA: Es Elsa Barlow, profesora de inglés en Ciudad del Cabo y la gran amiga y confidente de Helen Martins. Elsa es una mujer auténtica, fuerte, comprometida, empática… La idea del compromiso es muy importante en ella, incluso en su trabajo se ven reflejados los problemas que tiene por defender la igualdad y la justicia. Tiene un altísimo y agudo sentido de la Justicia. Si tenemos en cuenta que esta historia se desarrolla en la Sudáfrica del apartheid, Elsa lucha contra eso y por la igualdad de derechos. Precisamente por esa lucha se ve metida en muchos problemas, pero no le importa, no se arredra, ella sigue adelante porque es una mujer fuerte. También es frágil. Cuando aparece en escena lleva muchos problemas encima pero no se rinde, sigue luchando. La admiro profundamente, creo que estoy aprendiendo mucho de Elsa porque yo, como cualquier persona, a veces en la vida tenemos problemas y nos ahogamos en un vaso de agua y no sabemos cómo salir. Y Elsa me enseña la lucha, el compromiso, la verdad, la autenticidad del ser humano. Me conecta con valores e ideales muy profundos y muy importantes.

CARLOS OLALLA: El pastor Marius es una persona que se sabe como guía espiritual de la comunidad en la que vive. Es una comunidad muy tradicional y conservadora, de la iglesia reformista neerlandesa. Es un factotum en el pueblo. Tiene una relación muy próxima con todos los vecinos pero en la época del Apartheid en Sudáfrica, por lo tanto es muy cerrado en cuanto a sus planteamientos ideológicos. Su relación con los vecinos es la de autoridad, le gusta controlarlo todo.

–¿Qué tipo de relación mantiene con la escultora sudafricana Miss Helen, la protagonista de la obra?

NATALIA: Elsa en un desafío para Helen. Es curioso como se complementan. Elsa necesita la fortaleza de Helen y Helen necesita la fortaleza de Elsa. Ambas son frágiles y están en un cruce de caminos, en un punto de inflexión en sus vidas muy importante y, sin embargo, el hecho de estar juntas significa una ayuda, un estímulo y un desafío.  Es una relación de una profunda amistad y complicidad y de buscar la una en la otra la autenticidad, la fortaleza, el compromiso y el sentido de libertad en la vida. La verdad es que es una relación hermosa, muy enriquecedora y nutritiva.

CARLOS: Está preocupado por la evolución de Helen porque, desde que murió su marido, ha dejado de ir a la iglesia, y hace unas esculturas que para él son muy extrañas y no entiende qué está pasando ahí. Las respeta porque no ve opción a prohibirlas pero busca formas de controlarla, aunque es imposible por el carácter independiente y libre que tiene Helen. Es una oveja descarriada con la que mantiene contacto continuamente intentando llevarla al redil pero, habiéndose resistido durante 15 años, la cosa está complicada.

-¿Esta función se centra en la búsqueda de la libertad?

NATALIA: Fundamentalmente, creo que es la reivindicación de la libertad de elección en la vida. Nuestros cuerpos, mentes y corazones nos dictan el camino y hemos de ser libres para poder elegir. No queremos la presión de la sociedad convencional que nos diga cómo supuestamente debemos hacer o ser. Se lucha en esta obra por la libertad de elección, al principio de la vida, durante la vida e incluso elegir cómo quieres que sea el final de tu vida. Y eso es algo muy importante. Y habría que incluir la libertad de expresión, la lealtad, y, una vez más, surge el compromiso. La lucha por la libertad, la defensa de la justicia, la defensa de la libertad en el arte…Yo creo que esto último es fundamental, la defensa de esto a pesar de la incomprensión de quien esté alrededor. Tenemos derecho a tener deseos, a tener sueños y a ponerlos en práctica siempre que podamos.

CARLOS: También habla de la soledad impuesta, de la soledad voluntaria y de la soledad creativa. Creo que es importante diferenciar entre estos tipos de soledad, y también qué hacemos con nuestra soledad. Hay gente que tiene miedo y se deja dominar por el miedo a la soledad y también hay personas que la adoran, como es el caso de Helen. Ella se siente aislada pero porque la comunidad en la que vive no la entiende, pero aún así no renuncia a ella, no quiere claudicar, prefiere estar sola creando que renunciar a ella misma.

Y de la sororidad, de la relación entre esos dos personajes, Elsa y Helen, que se ayudan, se admiran y se respetan y es una maravilla ver esa relación transgeneracional. No hay una barrera de edad, a pesar de que la obra también trata de cómo afrontar la vejez, cuando nos acercamos a la etapa final de nuestra vida es el momento de echar la vista atrás pero también de disfrutar del aquí y del ahora. Es un mensaje de esperanza para los que llegan a esa parte que sabemos que es la última, pero con pasión, con ilusión, con alegría. Una vida sin amar no tiene sentido y eso es lo que demuestra Helen, que tiene un espíritu libre y es lo que da sentido a su vida.

-¿Tus dos escenas favoritas son…?

CARLOS: ¡Tiene tantas!. Algunas para mí son antológicas, por ejemplo, la entrada de Elsa en la casa, al principio de la obra, en ella se describe la relación entre Elsa y Helen. Y otra que me apasiona es escuchar el monólogo que Helen le dedica al pastor para explicarle ese mundo que ella ha creado. Esa escena me llega a lo más hondo y sé que me acompañará siempre.

-¿Qué destacarías de Claudio Tolcachir como Director?

NATALIA: No es que destaque una cosa o dos, es que Claudio Tolcachir es un genio. Yo tuve la gran oportunidad de conocerlo cuando se asentó aquí en Madrid y abrió su escuela, Timbre 4, que ya existía en Buenos Aires y tuvimos la increíble suerte de que quisiera traerla también aquí. En cuanto supe de su presencia en la ciudad hice lo imposible por apuntarme a sus cursos y por estudiar y aprender con él. Ya conocía sus montajes como director pero no había trabajado con él personalmente, y estaba dispuesta a vivir la gran aventura que es conocer a Claudio y su manera de navegar a través de los textos y los personajes. Para mi es una experiencia absolutamente inolvidable que él fuera mi profesor y yo su alumna. El sueño era poder algún día trabajar con él, y ahora se ha cumplido. Trabajar con Claudio es un sueño hecho realidad, su manera de profundizar en cada frase, de sacar partido y encontrar oro en cada situación, de saber utilizar los sentimientos y emociones que cada actor/actriz poseemos y plasmarlos. Y sumar, sumar y sumar para que nuestro trabajo sea cada vez más rico. No tengo palabras suficientes para describir la profunda admiración que siento por él, y el honor que para mi significa poder ponerme en sus manos y navegar con él en este proyecto.

CARLOS: Es una de las personas con más talento que he conocido y, sobre todo, con más sensibilidad, respeto y admiración por lo que hace. Cuida todos los detalles. Sabes que estás en buenas manos, que te va a llevar por el buen camino. El viaje que hemos hecho durante los ensayos, el ver la relación de Claudio con Lola y con Natalia ¡ha sido tan bonito!.  Con mucho cariño y admiración mutua. Y cuando tus propuestas le gustan y le encajan, te pregunta si te has sentido cómodo, y si la respuesta es “sí”, te dice “¡vale, lo encajamos!”.

– Termina esta frase: “El Teatro le aporta a mi vida…”

NATALIA: …gozo, alegría, compromiso, soledad, desafío, aprendizaje… ¡Tantas cosas!. Aprendizaje es una palabra espléndida, porque aprendo con cada personaje que interpreto, aprendo algo de mi misma y de la vida. El gozo es inigualable porque salir al escenario e interpretar a un personaje es la pasión de mi vida. Yo cuando estoy en un escenario estoy como en casa, igual que cuando salgo a cantar. Salir al escenario y comunicarme con la gente es un privilegio maravilloso al que no quiero renunciar nunca. El teatro le aporta a mi vida mucho sentido, la verdad. También podría decir disciplina, rigor, ceremonia, emoción, silencio. Y compartir, este es el gran sentido del teatro, compartir historias contadas desde el escenario a seres humanos que están ahí sentados dispuestos a escuchar, a vivir una historia y salir transformados. El teatro aporta una gran riqueza a mi vida. Doy gracias a la vida por poder seguir subida a un escenario.

CARLOS: ¿Qué es la vida sin teatro, sin poesía, sin amar? No es nada, es transitar de una nada a otra sin haber vivido. Hay cosas como el teatro que te hacen perfectamente consciente de lo maravilloso que es vivir, que te ayudan a ser ventana y que los espectadores vean a través de ti. En un escenario tienes que llevar lo mejor de cada personaje con sus puntos fuertes y débiles, con lo bueno y con lo malo, pero nunca hay que llevar al actor, el actor se queda en el camerino. Pero ese personaje que está en el escenario le enseña cosas nuevas todos los días al actor. Es un modelo de vida. Todo el mundo debería poder acercarse al mundo del teatro porque te ayuda a mirar la vida desde otro punto de vista, a cambiar tus puntos de vista y mirar de forma distinta lo que te rodea, a escuchar a los demás, pero no solo con los oídos. Fotografías de Daniel Dicenta. 

MAGÜI MIRA

-Comentas en la presentación de la función que ésta “Nos habla de dos mujeres que se enfrentan con el poder en sus manos. Buscan la verdad y encuentran la gran mentira. Dos supervivientes de hoy, que buscan el oxígeno imprescindible para recuperar una dignidad perdida…”, ¿De qué otros temas nos habla?

De la vida. Del verbo vivir. De la vida que controlamos y manipulamos y de la vida que nos sorprende. Hablamos de que el poder económico facilita la manipulación, crea los engaños necesarios para mantenerse, abre corruptelas si son necesarias para atrapar el deseo obsceno de enriquecerse sin límites. Produce desigualdad. Produce control obsesivo. Eso no es vida. Y hablamos de como la razón y la inteligencia pueden anular la violencia. Y también hablamos del valor que todavía tiene la apariencia en una sociedad consumista. Y, sobre todo, hablamos de que se puede navegar entre estos mares sucios y revueltos con ética y compromiso, aunque la que navegue sea una mujer.  

-¿Qué tipo de relación mantienen Victoria Burton y María García?

Cruzan un bosque oscuro, se pierden, se enfrentan, pero son capaces de entenderse, de descubrir donde está cada una. Y de decirse adiós… Ese “No” tan difícil de pronunciar y de aceptar.

-¿Por qué estas dos mujeres viven en una sociedad “no diseñada para ellas”?

Como todas las mujeres. No es novedad. Estamos abriendo un paisaje nuevo, rompiendo viejos esquemas de sometimiento. Nos han adiestrado y educado para ser una comunidad de servicio, por género, por ser mujeres. Ese diseño está caduco. No es sostenible. Nadie con razón y corazón lo quiere. Seguimos buscando nuestro espacio en este paisaje de vida, ahora del año 2.024, el que nos pertenece. Y espero que seamos sujetos de nuestra historia. La historia de todos.

-¿Qué simbolizan los tacones en esta función?

Un absurdo. Una ingenuidad que duele. Nos creemos que esos centímetros de falsa altura que nos dan los tacones nos convierten en personas más poderosas. Y sabemos cómo nos pueden llegar a doler los pies…y el alma, si no somos capaces de abandonar esa pequeña y gran falacia. Otra cosa es el juego con ese objeto fetiche y bello.

-También comentas que “Son dos grandes mujeres desnudando, despellejando o reinventando el poder de una clase privilegiada. Dos mujeres solas. Siempre han estado solas…”, ¿A qué se debe esa soledad?

Se debe a algo real que sigue sucediendo cuando una mujer es agredida, violada, despreciada…Es asombroso, pero su entorno social no la apoya y rescata de manera natural y contundente. Se queda sola.

-¿Qué destacarías de Luisa Martín y de Olivia Molina como actrices?

Cada día de ensayo se ha convertido en trabajo duro y gozoso. Mi admiración por ellas es radical. Espero que el público las disfrute tanto como yo.

-¿Por qué es necesario seguir llevando a escena textos como éste de Ignacio Amestoy?

Es un regalo poder trabajar con un texto brillante y eficaz de un autor vivo. Contemporáneo. Ignacio Amestoy bebe la vida que sucede y la convierte en arte.

-Háblanos un poco de cómo van a ser los elementos escenográficos…

El trabajo de Curt Allen y Leticia Gañán es un fuerte potenciador de emociones, es la belleza, y se suma a la luz de José Manuel Guerra siempre llena de poesía, al vestuario de Gabriela Salaverri que es pura inspiración, y al espacio sonoro tan vibrante de Santi.

LUISA MARTÍN

-Descríbenos a tu personaje…

Victoria es una mujer muy inteligente, poderosa, elegante, segura de sí misma, accionista mayoritaria y presidenta de la empresa que fundó su bisabuelo que ahora es una multinacional. No lo ha tenido fácil, pero aquí está.

-¿Qué tipo de relación mantiene con el otro personaje femenino?

Saben mucho la una de la otra y hay admiración mutua, pero ésta es la primera vez que se encuentran…

-¿Con qué frases de tu personaje te quedarías?

Hay muchas frases que me encantan en la función, tanto de mi personaje como del de mi compañera, pero tal vez me quedaría con: “Sólo hay una respuesta para la pregunta de la esfinge”.

-Comenta Magüi Mira en la presentación de la función que ésta “Nos habla de dos mujeres que se enfrentan con el poder en sus manos. Buscan la verdad y encuentran la gran mentira. Dos supervivientes de hoy, que buscan el oxígeno imprescindible para recuperar una dignidad perdida…”, ¿Estás de acuerdo?, ¿Qué añadirías al respecto?

Completamente de acuerdo con Magüi, como no podía ser de otra manera. Tan sólo añadiría que “hay que acabar con el poder que destruye la dignidad”.

-¿Cuáles son los principales temas de los que nos habla esta función?

De la verdad, la soledad, la sociedad, la dignidad, la familia, el poder, la mentira, el daño, el dolor, el silencio.

-¿Por qué es necesario llevar a escena este texto de Ignacio Amestoy?

Porque con un exquisito lenguaje habla de la vida y de sus miserias. Hay funciones y textos que no te dejan en paz, te persiguen en la calle, en el sueño, en la ducha… y no se rinden. Te enfrentan a ti misma en cada palabra. Estamos disfrutando y deseamos que el público disfrute con nosotras.

-¿Qué destacarías de Magüi Mira como Directora?, ¿En qué se ha centrado con vosotras?

Es sabia y es actriz, disfruta y hace disfrutar del proceso con humor y con sentido común. Nada se da por supuesto y busca la verdad. Y la consigue. Cada ensayo ha sido una aventura.

OLIVIA MOLINA

-¿Cómo es María, tu personaje?

Es una mujer íntegra, meticulosa. Es una persona que cree en los pilares fundamentales de una profesión tan dura y gratificante como es la abogacía: el encuentro de la verdad y el ejercer la justicia. Cree tanto en ellos que los aplica a su vida real. Es alguien que busca sin parar… y en un momento dado se da cuenta de que se está buscando a sí misma. 

-¿Qué tipo de relación mantiene con Victoria, el otro personaje femenino?

Es muy interesante lo que se establece con el otro personaje. Es un encuentro a vida o muerte. Ambas son un espejo en el que la otra puede mirarse, y al verse reflejadas se dan cuenta de lo que no son.

-Según tu opinión, ¿qué nos narra esta función?

Es la historia de dos mujeres que se encuentran por primera vez pero que se llevan buscando por diferentes motivos toda la vida. Lo que sucede al verse y conocerse es un viaje crudo, hermoso y sanador. Es la historia de dos seres humanos haciéndose “las grandes preguntas”, y esas preguntas son puertas que, si se cruzan, ya nada volverá a ser lo mismo. Si será mejor o peor… eso deberá elegirlo cada espectador.

-¿Con qué frase de tu personaje te quedarías?

Una de las frases que más me gustan de mi personaje (una de ellas, porque atraviesa lugares muy interesantes) es tan clara y concreta como: “Defiendo mi libertad, esa es mi fuerza”. Creo que refleja el alma o el motor de este personaje, la claridad y el derecho a decidir sobre la vida de cada uno y de cada una.

-¿Cuáles son los principales temas de los que nos habla “Malditos tacones”?

Este texto habla de la valentía y del precio de saber la verdad; de nombrar los secretos que se guardan en una familia para poder romper el círculo y poder ser libre de las lealtades y del hecho de que el origen de cada uno no determina su futuro.

-¿Qué destacarías de la labor de Magüi Mira con vosotras?

Magüi es fascinante. Es una fuente de vida, de inteligencia, de inspiración… Es tan completa y libre que seguir sus propuestas, sus ideas y sus búsquedas en este montaje ha sido un crecimiento, un regalo para siempre. Retratos de Javier Naval. 

Eva María, a las tantas de la madrugada, ha recibido un tajante mensaje de Alejandro, su único y adorado hijo: debe entrar en su habitación y buscar en un cajón cerrado con un candado un documento que necesita con urgencia para la Universidad americana en la que estudia. Urgente es “ya, ahora, sin perder un instante, mamá”. Alejandro, que conoce muy bien a su progenitora, le advierte de que no caiga en la humana (y especialmente maternal) tentación de hurgar en sus cosas…

-Preséntanos a Eva María, tu personaje.

Es una mujer de 51 años que se encuentra sola en su casa porque ha dedicado los últimos 18 años de su vida al cuidado de su hijo Alejandro que se ha marchado a estudiar a Estados Unidos. Es incapaz de resistir esa tentación de hurgar en las cosas de su hijo y alimentarse, como un vampiro, de los recuerdos que todos esos objetos, congelados en la habitación de Alejandro le proporcionan.

-Esta función nos habla del conocido como “síndrome del nido vacío”. ¿Es así?.

Sí. Si tienes hijos el nido vacío es una etapa que hay que pasar. Los hijos se van, en un momento determinado de la vida se van. Es natural. Es lo que tiene que suceder. Pero nos quedamos vacíos y es un espacio que no se puede llenar. Es una etapa que hay que atravesar de la mejor forma posible.

-¿De qué otros temas nos habla?

Es un precioso homenaje al cine como refugio. Eva María vive y atraviesa todo con películas que vio de niña con su padre y más adelante con su hijo. También habla de la relación de Eva María con su madre. También ella es hija única, un día se fue de su casa y abandonó el nido. Habla con humor de eso que llaman ahora “el trauma intergeneracional”.

-¿Algunas de las frases favoritas de tu personaje son…?

-“Mi hijo me ha abandonado y mi menopáusico cuerpo me está avisando pero a grito pelado de que ya no sirvo para nada. ¿Qué voy a hacer?. ¿Qué voy a hacer?.”

-“Soy una vampira.”

-“No son las doce menos cuarto de la noche en el cerebro de una madre, no, son las 24 horas de los 365 días de los 18 años que tiene mi Alejandro…”

-Juan Carlos Rubio ha comentado que “Recuerdo cuando me marché a vivir a Londres con tan solo 19 años y mis progenitores tuvieron que enfrentarse a una casa vacía. De seis hijos a cero es una frenada en toda regla. Recuerdo las conversaciones con mi madre y el profundo calado que dejó en ella mi ausencia. Recuerdo su dolor. Y su humor. Sí, el tema me interesaba mucho…”. ¿Te sientes identificada con esta reflexión?, ¿Por qué?

Sí. Porque la casa está concebida para estar llena y ruidosa y cuando los hijos se van, se queda muy vacía. Se trata de cómo has concebido tu vida durante un tiempo muy largo y que luego te tienes que adaptar a otra realidad. Es muy curioso, porque el nido se llena rapidísimo, desde que aparece el bebé todo cambia, pero la marcha de los hijos lleva un proceso más largo de adaptación.

-¿El humor del texto y del escenario es tierno y comprensible para todo tipo de público?

La función es divertidísima. Estamos deseando compartirla con el público. Tengo mucho interés en que los adolescentes vengan al teatro. Yo creo que los niños y niñas desde los 8 o 9 años pueden disfrutar de este monólogo. Entenderán menos algunas partes pero se van a divertir y creo que se pondrán en el lugar de sus madres y sus padres que tanto les cuidan y tantas cosas hacen por ellos. Me encanta que mis películas familiares atraigan a un público joven al teatro y, si vienen con sus familias, mejor que mejor.

-¿Qué ventajas y qué desventajas tiene el estar sola en el escenario?

Ventajas yo creo que pocas. Esto era un reto que yo tenía pendiente. Quería hacer un monólogo y Pentación y Jesús Cimarro me brindaron la oportunidad. Pero en realidad le veo muchas más desventajas. Todo, absolutamente todo, depende de ti. Tengo un equipo fantástico respaldándome. Pero solo se me ve a mi. Así que hay que estar al 1.000 por 1.000 todo el tiempo. Incluso físicamente hay que estar muy fuerte para aguantar la hora y veinte de función con la energía que necesita.

-¿Qué te gustaría conseguir de los espectadores después de que vieran esta pieza?

Que se lo pasen muy bien sobre todo y que luego hagan la reflexión de darle la importancia que tiene al nido vacío, a esa etapa. Que tengamos en cuenta a las personas que están pasando por ello.

-Termina esta frase: “El Teatro le aporta a la vida de las personas…”

Libertad. Me gusta pensar que el teatro te abre la mente, el pensamiento, la opinión. Una función de teatro puede hacerte cambiar de opinión respecto a algo. En concreto con esta función, el teatro te va a aportar un buen rato de desconexión de los problemas de afuera para reír. Porque es sanísimo reírse. Fotografías: Javier Naval.