“La barraca” narra el rechazo al que se ve sometida la familia de Batiste Borrull al instalarse en una barraca y unas tierras de la huerta valenciana que pertenecieron durante años a la familia del tío Barret. Los hortelanos de la zona le hacen imposible el asentamiento a estos “forasteros” y les impiden trabajar con violencia y crueldad.

-Has comentado que “la verdadera tragedia es que la historia que narra esta obra (escrita en 1898) sigue siendo muy actual. Seguimos solucionando nuestros problemas matando, no hablando”… ¿Qué añadirías al respecto?
Que nos falta avanzar en conocimiento. En esa lucha entre la razón y la violencia estamos lejos de que el pulso lo gane la razón. La honestidad es un riesgo. Y un riesgo necesario ser buena persona.

-Preséntales a nuestros lectores a Batiste Borrull… ¿Quién y cómo es?
Un hombre de paz. Un hombre sencillo con principios nobles. Un hombre que sabe y quiere integrarse en una comunidad. La respuesta que recibe es salvaje, cruel…Dice: “ahora sé por qué los hombres matan”… Es un hombre que sigue luchando por unos valores que hoy se nos están deshaciendo entre las manos.

-¿De qué tipo de violencias nos habla esta función?
Del hambre, que es en sí una violencia. De la insolidaridad que es una violencia contra el más débil. De la negación de la identidad y los derechos básicos, que es otra violencia. Y, finalmente, de la muerte violenta.

-También se dice en la presentación de la obra que nos habla de la subida injustificada de los alquileres, de desahucios, de acoso infantil… ¿De qué otros temas?
Por ejemplo, de la incultura como semilla de violencia, de hostilidad, de rechazo al diferente.

-¿Qué tipo de mujeres son los personajes que interpretan Patricia Ross, Claudia Taboada y Elena Alférez?
Patricia, Claudia y Elena son tres actrices diferentes, con un talento que les lleva a poder encarnar a las mujeres del relato de “La Barraca”. Tres actrices inmensas, capaces de crear la sumisión, el valor, la determinación, la sabiduría, y el deseo de esas mujeres que quieren llegar a ser seres humanos en su propio espacio, y avanzar en el conocimiento. No quieren armas, ni cuchillos ni escopetas, quieren respeto, quieren cariño y quieren una existencia en paz. 

-Es la primera vez que se adapta esta novela al Teatro…
Es la primera vez que Blasco Ibáñez y “la Barraca” son llevados a escena. Mirada a mirada. Respirando el mismo aire. Que la sangre, el alma de unos actores y actrices es vehículo de esta tragedia. Y, por supuesto, vehículo de una lucha por la justicia, por la consciencia, por la tolerancia, por la paz. “La barraca” es una historia de siempre. Nos habla de la eterna lucha entre la razón y la violencia de una comunidad enferma que tiene comportamientos salvajes. Nos habla de la identidad necesaria que nos da el arraigo a la tierra en la que nacemos. Blasco Ibáñez denunciaba en el siglo XIX la explotación y la injusticia social. Su visión realista y crítica daba voz a los más desfavorecidos. Dos siglos después, parece que mucho no hemos cambiado.

-¿El espectador tiene que ir al Teatro a disfrutar, a volar, a gozar?
Es un arte que la inteligencia artificial no puede sustituir. La comunicación directa entre ser humanos. Y en esa comunicación se goza, se transmiten emociones, la palabra vuela preñada de inteligencia. De ideas. De pasión.

En la parte artística, la escenografía ha sido diseñada por Curt Allen y Leticia Gañá. La música ha sido compuesta por Santi Martínez y el diseño de Iluminación es una creación de José Manuel Guerra. Es una producción de Pentación Espectáculos, Teatro de Malta y Olympia Metropolitana. Fotografías de Javier Naval. Desde el 21 de Mayo. Teatro Fernán Gómez CCV.

Volvemos a publicar la entrevista que le hicimos con motivo del estreno de esta función que ahora vuelve a Madrid.

-¿Cómo les contarías a nuestros lectores la historia de esta función?

Es un viaje entre lo que decimos ser y lo que realmente somos; entre lo que decimos querer y lo que queremos de verdad. Connie y Tristán, dos jóvenes muy diferentes que se prestan a participar en un ensayo clínico con un medicamento. A medida que avanzan los días, bien por efecto del medicamento, bien por las circunstancias del propio ensayo o bien por lo que uno produce en el otro, tanto Tristán como Connie comenzarán a ser personas bien diferentes a las que vemos en un primer momento. Quizá su verdadera versión de cada uno. Y, además de ellos, los dos médicos, que también muestran una fachada que se desquebraja a medida que la historia transcurre y se descubren antiguos sucesos del pasado.

-Preséntanos a Connie, tu personaje…

Es una chica que aparenta seguridad, que sabe lo que quiere y que parece que pisa fuerte. Hace lo que tiene que hacer, lo que se espera de ella. Es disciplinada y no se plantea que las reglas se puedan romper porque es de la clase de personas que cree que una norma es buena per sé, que si están es por algo. Pero Connie encierra muchas contradicciones; y entrar a formar parte de este ensayo clínico la colocará delante de un espejo que la obligará a tener que afrontar esas contradicciones, y en ese ensayo entrará en contacto con personas que despertarán en ella sentimientos inesperados e, incluso, desconocidos.

-¿Qué relación mantiene Connie con sus médicos supervisores, interpretados por Alicia Borrachero y Fran Perea?

Al principio, de confianza. En especial con el personaje de Alicia. Connie es una chica disciplinada y por ello sigue a rajatabla las instrucciones del ensayo y confía plenamente en lo que le pide la doctora, a quien posiblemente incluso la vea como un modelo a seguir. Pero la propia evolución de Connie provocará la evolución de la relación con los médicos. Aparecerá el conflicto y ahí comprobaremos hasta qué punto un conflicto entre dos personas puede resultar catártico y puede reforzar vínculos a la vez que romperlos.

-Se comenta en la presentación de esta obra que “es una experiencia teatral intensa y estimulante que examina con profundidad y humor el origen del amor y los límites de la ética…”, ¿estás de acuerdo?, ¿Por qué?

‘El efecto’ es un viaje de emociones, un viaje sensorial. Es una obra en la que tan importante como el texto o la interpretación es la atmósfera creada por una escenografía minimalista y por la música y la luz, que funcionan también como herramientas narrativas. Esto sumerge al espectador en la historia y le permite conectar con las vivencias de los personajes con los que, de alguna forma u otra, todos nos podemos sentir identificados en algo. Al menos, entender cómo se pueden sentir. La obra busca remover al espectador.

-¿Sobre qué otros temas nos habla esta función?

La obra habla de las personas, de la vida. Del amor, de las contradicciones, de la ilusión de la juventud, del miedo a la incertidumbre, del miedo a quitarnos complejos y a ser lo que queremos ser, de aquellos para los que el fin justifica los medios y también de aquellos para los que el cómo es mucho más importante que el qué. Muestra personajes poliédricos y complejos en los que no hay blancos o negros, sino grises, y donde todos somos dueños y víctimas de nuestras decisiones. Es una mirada al interior de las personas.

-¿Tus dos escenas favoritas son…?

La escena en la que Connie y Tristán huyen de ese encierro y empiezan a conocerse más, y la escena final que es desoladora pero lanza un mensaje muy bonito…

-¿Cuáles son los principales motivos por los que aceptaste interpretar este personaje?

Por todos los matices que tiene mi personaje, Connie. Por la complejidad del texto, de la historia. Por Juan Carlos, el director. Y, por supuesto, por mis compañeros que son un reparto maravilloso y con los que aprendo y disfruto cada día en cada función que hacemos.

-¿Es una gran responsabilidad o no subirse a un escenario cuando eres una actriz muy popular?

Subirse al escenario es una gran responsabilidad siempre porque el público está ahí para ver tu mejor versión, ha pagado y está invirtiendo algo mucho más importante que el dinero: su tiempo. Y también tienes un compromiso con tus compañeros de función, que seguro lo darán todo a tu lado. Con esta filosofía y este compromiso he salido siempre al escenario. Y no cambiará nunca sea más o menos conocida porque si un actor o actriz deja que la popularidad le condicione su trabajo, nunca podrá dar lo mejor de sí mismo/a.

-¿Crees que influye positivamente como atractivo para el público?

Influye como reclamo. Al final, en el teatro, como en el cine o como cuando estrenas una serie, es más fácil que el público le dé una oportunidad a algo si conoce a quienes forman parte del proyecto. También puede provocar el efecto contrario, que alguien decida no ver algo por quién está ahí. El ser conocido hace que el público tenga una opinión sobre ti y sobre tu trabajo porque te han visto en otros proyectos. Por eso, yo intento dar siempre lo mejor en cada proyecto.

-¿Qué destacarías de Juan Carlos Fischer como director?

Su olfato por los buenos textos y su intuición a la hora de plantear la puesta en escena. Es un director que apuesta mucho por lo potente que pueda ser el actor/actriz y su palabra, y eso como y te pone en una situación de vértigo que, para mí, es muy motivador cuando haces teatro. Retratos de Javier Naval. Fotografías de escena de Elena C. Graiño. Teatro Marquina. 

MARÍA GALIANA

-Pilar, tu personaje, estuvo de acuerdo con el régimen dictatorial y, además de tener mucha retranca, ¿cómo es?

Es un personaje muy curioso para la gente joven. Les va a impresionar. Es una mujer de mi edad que tuvo un cargo muy importante en la sección femenina de las JONES. Me recuerda a una de mis tías que era una “mujer católica y apostólica”, como se decía antes. Era una mujer “ejemplar”, sacrificada. Una mujer enquistada, por la idea de ese machismo, de aquella época. Las mujeres eran casi beatas. Y Pilar era una mujer de esas de “oír, ver y callar”. También es una de esas muchas mujeres que estaban de acuerdo con aquel régimen que duró 40 años. Pilar ya está muerta, está presenciando (sin que a ella “la vean”) todo lo que las dos chicas jóvenes (Inés y Leo) están hablando. Y hace como que invita a su velatorio al público del Teatro.

Reflexiona sobre el escenario con los espectadores. Pilar habla de alguna de las otras mujeres de la obra con frases como: “¿Han visto Ustedes?. ¡Es pura envidia!”.

En su monólogo comenta “¡Vamos, estamos en mi velatorio y ésta se pone a llorar por una puta gata!”.  Cambia de estado de ánimo constantemente.

También dice en otra escena “La mujer siempre ha tenido la tendencia a someterse”.  Como justificándolo…

-¿Por qué cinco motivos no debería perderse el público esta obra?

Porque es descubridora (para mucha gente) de toda una época, de la historia de España, que no es suficientemente conocida por muchos/as.

El espectador se encuentra con la historia de una familia, en la que las protagonistas son cuatro mujeres porque las mujeres son las que aportan las historias de las familias.

Es una obra que, además de ser una comedia, tiene una categoría extraordinaria porque no es intrascendente. Está dando en el meollo de una serie de cuestiones muy importantes para el presente de todos.

Porque se narra de una forma muy novedosa. Hay escenas “paranormales”.

Y, por si fueran pocos motivos, porque está llena de giros de la historia y de sorpresas.

-Mediante tu personaje, la autora habla de temas de nuestro reciente pasado que todavía son actuales…

Sí. Como la mala relación de algunos hombres con las mujeres, de la inseguridad de las mujeres que buscaban en los hombres el refugio económico, de la dependencia permanente de los hombres. Y, lo peor, que eso se hiciera y que se aceptara como si tal cosa. Y sigue ocurriendo.

-¿Qué es lo que más te ha llamado la atención de las reacciones del público de los Teatros en los que habéis estado?

Lo que me llama mucho la atención es que la gente, al salir, nos dice “Es mucho mejor esta obra de lo que yo me esperaba”. Creo que descubren una forma de hacer teatro que es muy especial.

-¿Cómo te definirías como actriz de Teatro?

Pongo el alma y la vida en el escenario. Cada vez que represento la función, estoy más contenta que cuando se estrena. Estoy mucho más compenetrada con el texto. Nunca me canso. No bajo de energía. Nunca se nota nada de mi estado de ánimo en el escenario. Antes de que empiece, siempre me concentro. Estoy  calladita y muy tranquila. Me lo paso bomba en el escenario. Esa trasmisión de energía con el público me motiva en cada representación y en cada bolo.

ANNA MAYO, MARÍA ROJA y NIEVE DE MEDINA

-¿Quién y cómo es tu personaje?

ANNA MAYO: Mi personaje es Leo, la nieta de Pilar. Es de carácter fuerte, resuelta y diligente,  más bien lógica y poco emocional. Se ha criado sin su madre, quien la abandonó dejándola con su abuela Pilar, una mujer dura, autoritaria y rancia. Leo ha tenido que hacerse a sí misma y ha aprendido a vivir en soledad y ha valerse por si misma. Es piloto de aviación y lleva los mandos de su vida con gran practicidad. No ha gozado de demasiado cariño en la infancia, por lo que resulta una persona más bien fría y distante, al menos a primera vista, ya que poco a poco se le irá cayendo la coraza que la ha protegido toda su vida.

NIEVE DE MEDINA: Marisol es una mujer que estuvo bajo la tutela de una supuesta madre (Pilar). Es una mujer libre, que quería conocer el mundo y tener otra vida como mujer. Se quedó embarazada de joven de forma accidental, decidió escapar del lugar donde estaba con una valentía y un arrojo sorprendentes para aquella época. Se ha enfrentado al dilema de querer o no ser madre. Quería “volar” en su momento pero ha pagado cara esa libertad de abandonar su hogar familiar.

MARÍA ROJA: Mi personaje es Inés, la más joven de esta particular cita de mujeres. Calma su vocación literaria como redactora en una revista de moda y belleza bajo la dirección de su padre, mientras se enfrenta a un momento de búsqueda interior, tras el reciente fallecimiento de su madre. Es una joven que oculta su inseguridad detrás de la incontinencia verbal, impertinente sin ser consciente, ciertamente inmadura, bastante atolondrada… llegando a rozar lo cómico. Pero, al mismo tiempo, en su afán por intentar entenderse a sí misma, rezuma entusiasmo, perseverancia, curiosidad y ternura.

-La obra se inicia narrando que en un pueblo pequeño de España, Inés asiste al velatorio de una anciana llamada Pilar, quien decide dejarle su casa en herencia sin haberla conocido nunca y sin avisar a Leo, su nieta…

NIEVE: La historia se va a ir desvelando poquito a poco. Es como un puzle y cada pieza va encajando sutilmente, aunque al principio parece que ninguna va a cuadrar. Es una historia de sororidad femenina en la que cuatro mujeres que no estaban invitadas a entenderse acaban haciéndolo. Una función amable que en estos tiempos tan terribles en los que vivimos viene a recordarnos que el trato directo con el otro, intentar entenderle y ponerte en su lugar es la mejor manera de solucionar los conflictos. La función trata también de la herencia pero no la del dinero, sino del legado que nos dejan quienes se van. Y a veces el legado es todo lo que ocultaron.

MARÍA ROJA: Las emociones y temáticas que van surgiendo durante la función nacen de un momento histórico muy concreto. Están  impregnadas de una amargura que, lamentablemente, resuena en problemáticas de nuestra realidad actual.

-Si tuvieras que elegir varias escenas de tu personaje… 

NIEVE: Desde luego la escena de presentación de mi personaje (a solas con el personaje de María Galiana) es mi preferida. Es una perla pequeñita pero redonda y brillante. Y la escena en la que le explico al público el por qué de mi comportamiento hace casi 40 años. Es importante explicarnos a nosotras mismas para saber quiénes somos realmente. Saber qué “personaje” estamos desempeñando en la vida.

MARÍA: Aquellos momentos en los que el silencio incómodo comienza a imperar en el escenario. Inés, incapaz de sostenerlo, empieza a vomitar palabras. Esa mezcla de falta de sentido de lo oportuno y de descaro me resulta muy divertida.

-Según tu opinión, ¿estas cuatro mujeres buscan “La libertad”? 

NIEVE: Leo e Inés tienen ese territorio ya conquistado. Las jóvenes están buscando saber qué pasó y descubrir su identidad y sus raíces. Pero todas han querido ser libres de una u otra forma.

MARÍA: Quizás esta reunión sea la última oportunidad de encontrar la libertad, de llegar a rozarla o, tal vez, de empezar a vislumbrarla.

-¿Qué significa para ti esa Francia simbólica del título de esta obra?

ANNA: La Francia del título fue el lugar soñado durante la Guerra civil española porque simbolizaba las libertades de las que carecían nuestros abuelos y abuelas. Francia es “la posibilidad viva de algo mejor”. 

-¿Qué frases te gustan de tu personaje?

ANNA: “No quiero cargar con nada, siempre he vivido ligero”.

“Ahora sí que estoy completamente sola, porque Pilar era como era, pero era mi abuela”.

«Pilar, tú eres mejor que esa cosa que hiciste”.

NIEVE: Hay una frase en una de las escenas que define a mi personaje: “No podía seguir encerrada aquí sabiendo lo que sabía”. Y otra es cuando ella confiesa ante el público: “Ni siquiera el sentimiento de culpa por dejarla con ésta me hizo volver aquí”.

-En esta función, nada es lo que parece a primera vista…

ANNA: Es una obra enrevesada. Parece a veces un thriller. El público va descubriendo con nosotras a dos personas que están muertas y el texto le va sorprendiendo constantemente… Aunque en la gira que hemos hecho con la obra, nadie nos ha dicho: ¡Qué lío!.  Avanza bien. Hay algo de comedia y hay mucha emoción en el escenario. Y es una obra con final feliz.  Fotografías de escena de Sergio Verde. Desde el 29 de Abril. Gran Teatro Pavón.

-A finales del siglo XVI, tres náufragos sobreviven a duras penas en alta mar a bordo de una barca de salvamento después de que una tempestad destruya la carabela en la que viajaban rumbo al Nuevo Mundo. ¿qué más le puedes contar a nuestros lectores de la historia de esta función?

Se trata de una parodia de “las Crónicas de Indias” al estilo ronlalero: teatro en verso, música en vivo y espíritu de comedia delirante para reflexionar sobre los imperios, las invasiones, la ambición de conquista…

Una aventura a tierras desconocidas, satírica y festiva, para nuestro gran quinteto de actores-músicos.

-¿Cómo describirías a los personajes del capitán Hernán Galán, fray Pío y el marino Fulano, sus tres protagonistas?

Cada uno representa un aspecto de aquel Imperio español en el Nuevo Mundo: Galán busca la gloria, fray Pío las almas y Fulano el oro. Pero la obra esconde sorpresas a la manera barroca: pronto descubriremos que nuestros náufragos no son lo que aparentan… Y, además, contamos en escena con dos Cronistas de Indias que nos van narrando y cantando sus desventuras.

-¿Cuáles son algunas de las escenas más divertidas de “La Desconquista”?

Los tiburones por bulerías, el micromusical de los piratas ingleses, la nana a Felipe II, la pesadilla con el Dios mexicano Huitzilopotchli… y quizá mi preferida: la humilde Patata cantando al son de cumbia sus orígenes andinos, su destierro a Europa y su amor por el Huevo para formar la obra maestra de la gastronomía mundial: la tortilla de patatas.

-¿El público va a poder disfrutar de una obra gamberra, divertida y sarcástica, como es habitual en vuestras producciones?

“La Desconquista” es puro Ron Lalá 100%: humor crítico y cítrico, música popular, texto en verso y juego teatral continuo (como es habitual bajo la batuta de Yayo Cáceres). Prometemos muchas risas, emoción y reflexión en torno a un tema tan candente como las fronteras, el ansia de poder, los estadistas ególatras, las guerras e invasiones. Una visión cómica, carnavalesca y bufonesca de un momento histórico polémico y poliédrico. Porque nos reímos de la leyenda negra y de la leyenda rosa.

-¿Qué tipo de música ambienta este montaje?

La música original, compuesta por Yayo Cáceres, Juan Cañas, Daniel Rovalher y Miguel Magdalena (que es el director musical), e interpretada en directo.

Está basada en la llamada “música de ida y vuelta”, en el diálogo musical entre dos continentes: la rumba, la cumbia, el candombe, el chamamé… y, ¡cómo no!, el aire flamenco que es la marca de la casa.

-Comentáis en la presentación de “La Desconquista” que la función reivindica ese arte escénico que, desde los tablados de plazas públicas hasta los salones de la Corte pasando por los corrales de comedias, ofrecía un espejo festivo y carnavalesco de las costumbres, vicios, tensiones y miedos de la sociedad española durante los siglos XVI y XVII. Explícanoslo…

En Ron Lalá intentamos practicar ese teatro esencial, primigenio, básico, que late en el origen de la comedia barroca: escasos elementos simbólicos para crear lugares y situaciones, texto en verso como poesía activa, empleo teatral de la música y el canto, apuesta por la imaginación del espectador… Para nosotros, que nos seguimos considerando una compañía independiente, la risa del bufón, del cómico de la lengua, conecta la sociedad del XXI con la esencia del arte teatral como crítica del poder. Es una reunión festiva y colectiva para formular preguntas, a veces incómodas.

-Una de las influencias de la obra es el teatro prebarroco, como “los Pasos” de Lope de Rueda y el teatro cortesano de Juan del Enzina o Gil Vicente, entre otros. Y es un espectáculo escrito íntegramente en verso clásico…Pero, ¿es un texto para todo tipo de públicos? 

¡Por supuesto!. Escribimos, componemos y creamos para el público de todas las edades y lugares. Y nos encanta la complicidad con los espectadores de toda España (y otros países) en nuestras giras. Aunque a veces se piense lo contrario (por el tópico totalmente erróneo de considerar que los clásicos son solemnes o aburridos), los poetas dramáticos renacentistas y barrocos son tan entretenidos, diversos y variados como las plataformas de streaming actuales: resultan divertidos, emocionantes, potentes, unas veces sublimes y otras grotescos. Y para nosotros el verso aporta claridad, concisión y potencia expresiva. El verso es el idioma convertido en música, pura síntesis activa, el lenguaje ideal para comunicar emociones, pasiones, sensaciones o sentimientos sobre un escenario.

-Ron Lalá lleva 30 años como compañía de teatro y fomenta un trabajo colectivo de creación entre los actores-músicos, el director y tú como dramaturgo… ¿Dónde crees que está la clave para mantenerse como compañía durante tantos años?

La clave, creo, es el respeto mutuo como personas y como artistas.

Una visión en común da lugar a una creación colectiva de historias y músicas que tienen algo de todos nosotros, y que intentamos compartir con el público. Ron Lalá responde a un modelo cada vez menos frecuente en compañías, bandas y grupos artísticos, una afortunada anacronía: el teatro como arte analógico y colectivo. 

Y otras dos claves: la risa y la plata. Seguimos juntos porque nos reírnos mucho en la sala de ensayos y porque repartimos lo que ganamos a partes iguales.

-¿Por qué sigue siendo importante llevar a escena textos clásicos? ¿De qué temas actuales nos habla este texto que has escrito en particular?

Los clásicos son los jóvenes eternos, los que formulan las preguntas esenciales del ser humano de manera inolvidable. Son nuestros espejos; por eso no mueren, por eso habitan en cada época, por eso en este siglo turbulento resultan tan necesarios. En este caso, nos basamos en los clásicos de la historia y la invención del Nuevo Mundo, las páginas tremendas y fascinantes de viajeros como Colón, Cortés, Díaz del Castillo, Cabeza de Vaca, Las Casas, etc., para elaborar nuestra trama cómica y levantar una Desconquista que cuestiona el afán de poder, la avaricia, la imposición de las creencias a los demás, las fronteras y las identidades.

Fotografías de David Ruiz. Teatro Infanta Isabel.

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La energía y las habilidades cómicas, musicales y acrobáticas  caracterizan a los cuatro intérpretes de “Chefs”, que, además, se desdoblan en muchos roles. La obra hace un recorrido por distintas facetas del mundo de la cocina como nuestra relación con los alimentos que ingerimos, los animales que nos alimentan, las diferentes cocinas y sabores del mundo, los egos, la competición entre estos “cocineros estrella”… Teatro Serrano. 

Una función sobre los límites entre el deber y el deseo, sobre la lealtad y la justicia, con una puesta en escena muy cinematográfica.

-¿Quién y cómo es tu personaje? ¿Qué tipo de relación mantiene con el personaje de Eddie?

MARÍA ADÁNEZ: Beatrice es la mujer de Eddie Carbone (José Luis García Pérez). Representa el sentido común, el equilibrio, la intuición. Es una buena mujer. Es acogedora, cálida y escucha a los demás. Pero es una mujer también de esa época (de los años 50 en Brooklyn). Eddie y Beatrice han tenido una buena vida. Se han hecho cargo de esta sobrina que es la hija de mi hermana que murió.

Hasta la llegada de esos primos a la casa era una vida común, la de una familia humilde, de Brooklyn. Beatrice va a estar en todo momento intentando evitar lo inevitable, lo que ocurre al final de la función. Y de lo que ella es consciente desde la primera escena. Intuye lo que va a ocurrir y protege a su marido hasta el último momento.

ANA GARCÉS: Catherine es una chica joven, inocente al principio de la obra y muy ilusionada con la vida. Quiere crecer, descubrir el mundo, enamorarse pero todavía vive bajo la protección de sus tíos Beatrice y Eddie.  Es una joven sensible e impulsiva pero también decidida y valiente que, poco a poco, se empieza a atrever a tomar sus propias decisiones. Su relación con Eddie es complicada. Es su figura paterna. El concepto del amor de Eddie es una mezcla entre la protección y algo más oscuro que ni él mismo sabe gestionar. Yo creo que Eddie es un personaje muy trágico, porque está atrapado en lo que siente y no sabe cómo manejarlo, y eso le lleva a destruirlo todo.

-La obra está ambientada en los años 50 en el barrio de Red Hook, en Brooklyn (Nueva York). Eddie Carbone es un estibador que vive con su esposa Beatrice y con Catherine, la sobrina de su mujer. La llegada de dos inmigrantes ilegales, Marco y Rodolfo, desata una serie de conflictos que revelan las pasiones ocultas de Eddie…

MARÍA: Es una mirada precisa sobre esta familia y narra lo que le ocurre a Eddie Carbone cuando, de una manera inconsciente, se da cuenta de que está enamorado de su sobrina que, por su parte, se ha enamorado de uno de estos dos inmigrantes ilegales. Y empieza a darse cuenta de que hay un torrente de sentimientos hacia esa niña. Por otra parte, impide a Rodolfo (interpretado por Pablo Béjar), un pobre chaval, buena persona, disfrutar del amor que siente por Beatrice. Arthur Miller utilizó el tema de la inmigración ilegal de la época para denunciar a esa sociedad porque Eddie no es capaz de aceptar sus emociones y sus sentimientos hacia Beatrice. Termina denunciando a estos dos hombres a la Policía de Inmigración como forma de acabar con esa relación.

ANA: Es como una bomba emocional que va creciendo poco a poco. Todo parece tranquilo al inicio de la función. Pero, posteriormente, hay tensiones muy fuertes. celos, deseos ocultos, miedo… Cuando llegan Marco y Rodolfo a la casa todo eso explota. Es una historia muy humana en la que se sufre por la ruptura de una familia.

-Dice Eduardo Galán, el adaptador de esta obra de Arthur Miller que “En nuestra versión potenciamos el drama pasional y la conducta irracional de los personajes que se dejan dominar por el deseo…”. ¿Estás de acuerdo?

ANA: Sí, totalmente. En esta obra nadie actúa desde lo racional. Todos están movidos por emociones muy fuertes: amor, celos, orgullo… y eso hace que tomen decisiones que, aunque saben que no son las correctas, no pueden evitar tomarlas. Son personajes viscerales.

MARÍA: Tanto la versión de Eduardo Galán como la obra original tienen un esquema de tragedia griega, clásica. Me gusta mucho la idea que plantea Miller del hombre contra los instintos más profundos,   contra el Mundo, contra las leyes de la época. 

-Si tuvieras que elegir varias escenas de tu personaje, ¿cuáles serían?

MARÍA: Me gusta mucho la que tengo con mi sobrina en la que le digo que “tiene que empezar a crecer, que no se puede comportar como una niña, que tienen que tomar sus decisiones”. Está muy bien escrita. Y también me gusta mucho una escena que tengo a solas con Eddie en la que le digo:“No te preocupes. Ya volverán. Se han ido al cine pero no hay mayor problema en eso…”.

ANA: Una de las escenas que más disfruto es la primera, cuando llegan los primos inmigrantes a casa. Otra es la escena en la que Catherine le pregunta a Rodolfo que si se seguiría queriendo casar con ella si se tuviesen que ir a vivir a Italia. Y, obviamente, las escenas de su conflicto con Eddie. Son muy duras, pero muy potentes.

-Según tu opinión, ¿Qué ha aportado la particular visión de Javier Molina (actual codirector artístico del Actors Studio) al dirigir esta versión?

MARÍA: Mucha frescura, mucha verdad. Hay dos cámaras que toman planos de lo que está pasando, llevamos micros para que la proyección sea más íntima. Tenemos muchas veces la sensación de que estamos haciendo cine. Y hemos levantado esta función a base de muchas improvisaciones, para que los actores encontremos los movimientos necesarios y los personajes sean adecuados. Hemos construido todo el elenco la escenografía, hemos participado en todo el proceso. Ha sido un trabajo muy bonito. No ha habido una opinión externa impuesta sobre el montaje. Lo hemos descubierto entre todos.

ANA: Yo creo que Javier Molina ha conseguido que todo sea como más cercano y más crudo. No es una historia lejana o antigua,  la sientes muy presente. Ha sacado mucho la verdad de los personajes, sin adornos, y eso hace que el público conecte más. Además de haber focalizado mucho en la familia. Para él era lo más importante, que fuese lo más parecido a una familia de verdad.

-El abogado Alfieri (interpretado por Francesc Galcerán) es también el narrador en esta obra. Su personaje recuerda al coro de las tragedias griegas…

ANA: Alfieri es como la conciencia de la obra. Está ahí viendo lo que pasa, sabiendo que todo va a acabar mal, pero sin poder evitarlo. En esta versión es alguien que nos guía emocionalmente, como si nos dijera: “¡mira, esto es lo que pasa cuando no controlamos lo que sentimos!”.

-¿Por qué no debería perderse esta función el público actual?

MARÍA: Es una función que, como espectador, desde que empieza hasta que acaba estás con mucha tensión y pensando “Ay, Dios mío, qué va a pasar!”. No sobra ninguna escena, no sobra ningún diálogo. Es una tragedia muy bien escrita. Es un montaje distinto, es muy atractivo, el elenco es estupendo. Todo es redondo.

ANA: Porque es una historia que, aunque esté ambientada en los años 50, sigue pasando hoy. Los conflictos emocionales, los celos, las relaciones tóxicas… todo eso sigue muy presente. Y además es una obra que te remueve, que no te deja indiferente.

Completan el elenco Rodrigo Poisón, Manuel de Andrés y Pedro Orenes. Fotografías de escena: Gerardo Sanz. Del 16 de abril al 17 de mayo. Teatro Fernán Gómez CCV.

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CARMEN CONESA

-Si tuvieras que presentarnos la historia que narra “El jardín de los cerezos” en esta versión de Ignacio García May, ¿qué nos dirías?

Que narra la historia de una familia aristócrata rusa en el momento en el que están sufriendo la ruina económica. No han sabido gestionar bien sus propiedades y su jardín de los cerezos. Se dan cuenta de que no pueden soportar los gastos de mantenimiento y se ven obligados a subastar las propiedades, perdiendo con ello su vida, su pasado y su manera de vivir. Es el fin de una era para ellos.

-Comenta Juan Carlos Pérez de la Fuente, su director, que “la obra no solo habla de la Rusia de finales del siglo XIX, sino de personas desorientadas y perplejas en medio de una encrucijada o un laberinto que les aturde, les noquea”. ¿Qué añadirías al respecto?

Añadiría que es un grupo de personas que no se opone al cambio pero que, simplemente, no puede aceptarlo.

-Liuba Andreyevna Ranevskaia (tu personaje) es una aristócrata rusa que regresa a su finca familiar después de vivir durante años en París…

Liuba es el corazón nostálgico y quebradizo de la obra. Es el centro afectivo del Universo de “El jardín”, como dice el autor. Representa a la vieja aristocracia rusa. Elegante, culta y encantadora, aunque es incapaz de adaptarse al mundo nuevo.

-Según Ignacio García May, esta familia opta por instalarse en la acedía, esperando que las cosas se solucionen solas. Pero, según tu opinión, ¿qué buscan los miembros de esta familia?

Creo que no buscan nada. Simplemente viven, están, soportan su presente terrorífico. Están destinados a una quiebra total pero quieren estar allí comprendiendo que todo su pasado está a punto de deshacerse en mil pedazos, en cenizas. La motivación por la que se quedan allí es porque no saben hacer otra cosa.

-¿Qué tres frases del texto de tu personaje destacarías?

-”Siento un escalofrío en el alma, en todo el cuerpo pero no puedo escapar. Tengo miedo de quedarme sola y en silencio.”

-”En vez de ver tantas obras de Teatro, deberían Ustedes verse más a sí mismos. ¡Qué vulgares son sus vidas!. ¡Cuántas tonterías dicen!.”

-”¡Usted contempla el futuro con temeridad pero no será que en realidad ni ve nada ni espera nada horrible porque la vida permanece escondida a sus ojos juveniles!”.

-¿Cuáles son los temas de los que nos habla “El jardín de los cerezos” que siguen de actualidad?

Habla de la evasión o de intentar no enfrentarse a un problema grave. Habla de vivir del pasado, de anclarse en los recuerdos. Habla de no afrontar el cambio y de no luchar por adaptarnos. Es un tema Universal, de total actualidad. Nadie quiere enfrentarse a la tragedia ni a los problemas en esta familia. Y esto sigue ocurriendo en muchos ámbitos de la vida actual.

El público no lo va a olvidar. Es una de las grandísimas obras de Teatro de todos los tiempos. Es de una gran dimensión humana, muy especial y les removerá todos sus sentimientos y emociones. Es un viaje inolvidable para el espectador.

-Sin duda puedes elegir los personajes que interpretas en el Teatro. ¿Qué tiene éste en concreto para no haberlo podido rechazar?

Es una gran oportunidad. Nunca había interpretado un personaje de una obra de Chéjov. Estaba en el elenco de “Cabaret” y lo he “aparcado” para poder ensayar e interpretar a la maravillosa Liuba. Es una heroína trágica porque es frágil, compasiva y amable. Pero también tiene una faceta cómica que no provoca adrede. Esa incapacidad para actuar produce una cierta comicidad tan sutil, tan bien escrita. Va de un extremo a otro. Desde la tragedia más cruel como es la pérdida de su hijo hasta la euforia más grande. Es precioso. Tengo mucha suerte de poder interpretarla.

MARKOS MARÍN

-¿Quién y cómo es Leonid Andreyevich Gaev?

Gaev es el hermano menor de Liuba, la dueña del Jardín de los cerezos. Los dos tienen una gran sensibilidad y son seres muy emocionales. Es también un hombre incapaz de hacer frente a las responsabilidades, está lleno de buenas intenciones y de grandes defectos.  

-Según Juan Carlos Pérez de la Fuente, su director, “en nuestro siglo XXI, cargados de interrogantes sobre cómo va a ser nuestra existencia, nos encontramos con El jardín de los cerezos más vigente que nunca”. ¿Qué añadirías?

Que Chéjov sigue siendo absolutamente actual. Todas sus obras lo son.

-Sabemos que los textos clásicos hablan de temas Universales pero, según tú, ¿Cuáles son los temas principales de los que habla esta obra y que siguen vigentes?

Del miedo al cambio y de los personajes incapaces de adaptarse a ese cambio.

-Háblanos un poco de los elementos escenográficos (si lo habéis visto ya) y del vestuario diseñado por Rosa García Andújar…

En este proceso de ensayos en el que estamos sólo he visto las maquetas y los figurines. Creo que los elementos escenográficos van a ser espectaculares.

-Una de tus escenas favoritas tiene lugar cuando…

Cuando Gaev es descubierto en un acto de cobardía y decide que puede y que va a hacerse cargo de los problemas por los que atraviesa su familia.

-¿Por qué recomendarías ir a ver esta obra de Chéjov?

Encontrarse con Chéjov, especialmente con el “Jardín de los Cerezos”, sabiendo además que no le quedaba mucho tiempo de vida cuando la escribió ya sería motivo más que suficiente para venir a ver la función. Pero si a esto le sumamos que no suele llevarse a escena muy a menudo, en mi opinión por el vértigo que provoca su enorme y compleja dificultad y su belleza, entonces se convierte en una función obligatoria. Pero, por si esto no bastara, el texto es de una dolorosa vigencia.

CHEMA LEÓN

-¿Cómo es tu personaje?

Ermolái Alekseyevich Lopajin es un campesino venido a más y convertido en mercader que propone salvar la propiedad de esta familia transformándola en otro tipo de edificio.  Es un personaje que convive con el dolor de su pasado y con la necesidad de ser aceptado. Resulta decisivo en la resolución de esta historia.

-¿Qué relación mantiene con Liuba?

Lopajin persigue la salvación a través de la búsqueda del amor y la aceptación de Liuba, la dueña del jardín de los cerezos. Pero la relación entre ambos llegará a un punto sin retorno.

-Las frases de tu personaje con las que te sientes identificado son…

“He comprado la finca donde mi padre y mi abuelo fueron esclavos; donde ni siquiera se les permitía entrar en la cocina”.

Estas dos frases resumen en gran medida la carga emocional y el dolor que tiene Lopajin en su interior.

-El tema central de la obra es el final de una era y la llegada de una especie de apocalipsis…

Sin duda, es un texto clásico e increíblemente vigente. Vivimos en un momento de la Historia en el que nos han vendido un “mundo ideal” y este mundo se cae a pedazos cada día más y ante nuestra mirada impotente.

-Y una de tus escenas favoritas tiene lugar cuando…

Cuando Lopajin finalmente adquiere “el jardín de los cerezos” para llevar a cabo su “propuesta”. Es un momento en el que el público que vaya a ver la función se quedará sin respiración y el tiempo se sostiene para siempre en lo que fue. Porque ya no hay vuelta atrás.

-¿Por qué no hay que perderse esta función e ir al Teatro Fernán Gómez?

Chéjov es el más grande entre los grandes de la Literatura dramática y “El jardín de los cerezos” es quizá su pieza más madura y celebrada. Fue escrita cuando ya estaba casi muriendo y rebosa verdad. Quizás lo que escribimos justo antes de nuestra muerte sea lo más importante que hayamos dicho en nuestra vida, y quizá así fue para él. Este texto es la sublimación del teatro naturalista y está lleno de simbolismo. Es un texto muy profundo y complejo para llevarlo a escena, con unos personajes y unas atmósferas casi inabarcables. Pero Juan Carlos Pérez de la Fuente la está dirigiendo a la altura de lo que se merece esta obra cumbre.

En el elenco están también Cristina Marcos (la institutriz Carlota Ivanovna), Helena Ezquerro (Anya, la hija de Liuba), Marta Poveda (Varya, la hija adoptiva de Liuba), Juanma Cifuentes (el terrateniente Boris Borísovich), Jesús Torres (el estudiante Piotr Sergueyevich), Manuel Maciá (el lacayo joven Yasha), Noelia Marló (la criada Dunyasha), Chema de Miguel (el lacayo Firs), José Gonçalo Pais (Semion Panteleyevich, empleado en la propiedad) y Borja Maestre (caminante/mendigo). Fotografías de Javier Naval. Teatro Fernán Gómez CCV.