¿Quiénes somos cuando la imagen del espejo tan sólo nos devuelve miedo y vergüenza? ¿Qué queda de nosotros mismos cuando todo lo que creemos ser parece insuficiente? Son algunas de las preguntas que, según Javier Hernández-Simón, su director y coadaptador (junto a Ignacio del Moral), le plantea al público esta función. Hablamos con el actor Fernando Cayo que interpreta a uno de los protagonistas de esta emocionante obra.

-¿Cómo describirías a Santa?

Santa representa al tipo que, al quedarse sin empleo, todavía está en una actitud de resistencia. Es el tipo incombustible, que mantiene el calor de la amistad en la cuadrilla de amigos.

Tiene un gran sentido del humor, muy alegre, tiene muchas carencias personales, y muchos claroscuros. Quiere ser muy fuerte pero, al mismo tiempo, está muy tocado emocionalmente por la injusticia y la vida que están viviendo y el lugar en el que les ha colocado este sistema. Es un tipo que une al grupo, que acoge y que pone sentido del humor a todo. Aunque, interiormente, está muy tocado.

-¿Qué crees que simboliza Santa en el desarrollo de la función?

La resistencia. Es el “¡no nos moverán!”. Es el tipo que dice “¡yo no me rindo. Seguimos hasta el final. Habrán ganado pero no nos domaron!”.

Representa el espíritu de lucha.

-Esta función habla de “la importancia de estar unidos en los momentos difíciles, de intentar salir adelante pese a estar en el paro después de un despido industrial…”¿De qué otros temas nos habla?

Nos habla de cómo nuestra vida laboral determina todas nuestras relaciones. En la sociedad el trabajo es muy importante. Pero también nos coloca en el borde de lo robótico. Somos personas. De ser conscientes de esto. De tener autoestima.  Y nos habla también de estos procesos de adaptación cuando hay despidos masivos.

De las desigualdades sociales. Porque, a veces puedes adaptarte a los cambios y a veces no. Hay personas que no se pueden adaptar por sus circunstancias, por lo que les rodea…Habla de tener esperanza…

-Según Javier Hernández-Simón, el director de esta función, “Los lunes al sol” nos ofrece una esperanza, una línea en el horizonte para ayudarnos a seguir caminando; al menos ganar una batalla, por pequeña que sea, para demostrarte que sigues existiendo…. ¿Qué añadirías?

El gran mensaje de la obra es la importancia de estar juntos en los momentos difíciles, de tener empatía. El ser conscientes de que formamos parte de un grupo aunque, a veces, nos sintamos muy solos. Siempre formamos parte de grupos. Y también hay que recordar que vivimos en un país muy solidario y nuestra capacidad de solidaridad es máxima.

-¿Qué crees que diferencia esta función de la película homónima?

La película tiene un aroma de melancolía, de soledad, de cercanía.

La función de teatro es muy divertida, tiene mucha energía, mucho ritmo y el diseño de personajes es diferente. El reparto es muy compacto. Genera un impacto en el público. El público nos ha comentado durante esta gira de más de dos años que llevamos que “A los tres minutos me he olvidado de que existe la película con el mismo nombre”.

Es distinta. Tiene una impronta energética de sentido del humor durante toda la obra.

-¿Cómo describirías a Ana y Nata, los personajes femeninos de esta obra que interpretan Lidia Navarro y Mónica Asensio? Preséntaselos a nuestros lectores…

Los personajes femeninos son el rayo de luz. Los hombres están inmersos en una montaña de oscuridad.  Ellas están con la mirada puesta en el futuro, en el salir de allí. Están fuera del problema. Es una mirada externa tan necesaria…

-En la presentación de la función se dice que “la obra nos plantea preguntas sobre la justicia social y el sistema laboral contemporáneo, invitándonos a reflexionar sobre las desigualdades en nuestra sociedad…” ¿Qué añadirías al respecto?

Nos pone delante un espejo que nos dice que nuestra vida laboral no es lo único. Somos mucho más que trabajadores. Somos personas, amigos, familia, pareja y, después  de todo eso, somos trabajadores.

-Si tuvieras que elegir varias escenas de tu personaje… ¿cuáles serían?, ¿por qué?

Hay una escena en la que se explica lo que suponía el antes del despido, cuando ellos empezaron a trabajar. Y se recuerda que cada uno daría la vida por el otro. Y me gustan mucho las escenas grupales, con muchos chascarrillos. Y también cuando Santa defiende el estar juntos, más allá de las vicisitudes.

-¿El humor de esta versión reside en los diálogos entre los personajes? ¿Por qué es también divertida esta función?

En la película había mucho humor. Bebía del cine social italiano y de la comedia inglesa. Creo que hacer una crítica social desde el humor es fundamental. Los personajes son contradictorios, defienden unas cosas y luego hacen otras. Es una función muy divertida. Y los diálogos de besugos que tienen entre ellos son fantásticos.

-Llegáis a Madrid este mes pero ya habéis representado esta función en otras ciudades, en la gira… ¿Por qué crees que se sienten identificados con los personajes muchos de los espectadores que ya han visto esta función?

Después de dos años de gira a teatro lleno tenemos claro que los espectadores se sienten identificados con esta función.  Es muy emocionante, con mucha crítica social. Es un clásico contemporáneo.

-¿Qué destacarías de la escenografía diseñada por Ricardo Sánchez Cuerda?

Ricardo es un maestro de la escenografía. Destacaría su plasticidad y su multifuncionalidad.

Es un espacio muy evocador, con mucha poesía. Se transforma en muchos ambientes, también gracias a la maravillosa iluminación creada por Juan Gómez Cornejo e Ion Aníbal.

Y termina: “Esperamos en los Canal, con el corazón abierto, al público madrileño”.

Completan el elenco Marcial Álvarez, Mónica Asensio, Fermí Herrero, Fernando Huesca, Lidia Navarro, César Sánchez y José Luis Torrijo.

Una producción de GG Producción Escénica y Teatro del Nómada. Teatros del Canal. 

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Así, los días 12, 13 y 14 de junio se ofrecerá el taller infantil Escenarios (im)posibles, creación escénica que se desarrollará simultáneamente a las funciones, cuya inscripción debe hacerse en web de los Teatros del Canal, que estará sujeta a confirmación por correo electrónico, ya que el envío de la solicitud no garantiza la obtención de plaza.

Es imprescindible que los adultos tengan entrada para alguno de los espectáculos vinculados: Los Estunmen, de Nao Albet y Marcel Borràs, en la Sala Roja Concha Velasco; La dama boba, de Lope de Vega, con dirección de Josep Maria Mestres, en la Sala Verde; y Quien sea llega tarde, de Eusebio Calonge, en la Sala Negra. Los horarios del taller se adaptarán a los de cada representación.

Organizado por La Grieta Teatro Social, esta actividad propone a los jóvenes participantes crear sus propias maquetas escenográficas y marionetas de papel, explorando conceptos básicos de construcción de personajes y narración visual. A través de la técnica del collage y utilizando materiales como cartón, papel, telas y otros elementos reciclados, los niños construirán pequeños mundos imaginarios que podrán habitar con personajes creados por ellos mismos mediante el dibujo, la fotografía y el diseño de vestuario.

Con esta propuesta, Teatros del Canal busca generar una experiencia cultural compartida que permita a las familias integrar el disfrute de las artes escénicas en sus momentos de ocio y tiempo libre, a la vez que ofrece a los más pequeños una primera aproximación a la dramaturgia.

Es una de las comedias de enredo más conocidas y representadas del dramaturgo Lope de Vega. Ahora es llevada a escena por un gran elenco de actores y actrices en una nueva adaptación escrita por Xus de la Cruz y dirigida por Josep María Mestres. Hablamos con Carolina Rubio, Silvana Navas, Carlos Serrano y Pablo Béjar.

CAROLINA RUBIO
-¿Cómo es Finea?
Es muy ingenua, sin filtros y aparentemente torpe. Y su torpeza la convierte en objeto de burlas. Es una persona que no tiene filtros ni pudor en decir lo que piensa y a la que se la ha atribuido un roll dentro de su familia que se ha creído. Es un ser libre sin saberlo y muy transformable, tiene un gran potencial que despierta conforme avanza la función. No es el que amor la salve, es que se activa algo que ya estaba en ella…

-En el Madrid del S.XVI, Finea, heredera de una gran fortuna, es prometida en matrimonio con Liseo. Laurencio, el enamorado de su hermana Nise, interesado también en la dote de Finea, trata de enamorarla con palabras y requiebros que ella desconocía. Llegado el momento de la presentación de los prometidos, Liseo, decepcionado por el imprudente y “bobo” comportamiento de Finea, renuncia a casarse con ella… ¿Qué añadirías sobre la historia que nos narra esta obra?
Que más allá del enredo amoroso, la obra plantea una pregunta muy actual: cuánto de lo que somos es realmente nuestro y cuánto viene determinado por el entorno. Y en el caso de Finea, cuando cambia su entorno social, cambia también su forma de pensar y de entender el mundo.

– ¿De qué le habla tu personaje al público?
Habla de cómo la mirada de los demás y los roles que se nos atribuyen nos construyen. A lo largo de la obra, cuando cambia la forma en la que la ven, también cambia la forma en la que ella se percibe a sí misma. En este sentido, le habla al público de la importancia de no etiquetar, de no dar por hecho quiénes somos, porque todos estamos en constante transformación. Finea me parece un personaje muy luminoso, no cambia para encajar, sino que descubre una versión mas completa de ella misma, y eso conecta mucho con la idea de que todos tenemos partes aún por descubrir si se nos da el espacio adecuado.

-¿Qué párrafos de tu personaje destacarías? ¿Por qué?
“Nunca oscura yo seré; Los libros me han brindado, Astrolabio delicado, donde universos veré”
“Tu desataste y rompiste la oscuridad de mi ingenio”
“Yo no entiendo cómo ha sido.  Desde que el hombre me habló porque si es que siento yo, Él me ha llevado el sentido…”
Porque descubrirse a sí misma hablando con un lenguaje distinto y descubriendo el mundo con otra mirada y con otro conocimiento es algo que me fascina.

-¿Qué personalidad tiene Liseo?
Liseo es un personaje realista que encarna los valores tradicionales del matrimonio y la jerarquía social. Es racional y práctico y actúa movido por la lógica social y el prestigio. Es un caballero que da valor a la inteligencia.

CARLOS SERRANO
-¿Quién es Laurencio?
Es un disfrutón y un superviviente. Un seductor al que la vida le seduce. Al principio de la obra se enfrentará a tomar decisiones porque, aunque él quiera, no se puede tener todo, y a sacrificar y renunciar a una parte importante de él. Con todas las consecuencias que eso conlleva.
-Según Mestres, “La sensualidad y la belleza de los versos de Lope te desarman con una profundidad serena y una sencillez clara; con una complejidad transparente. Y siempre sientes que te habla de aquello que nunca hubieras podido expresar, pero que, sin duda, reconoces como propio”
Lope es adrenalina y a la vez pausa en el tiempo. Profundiza sobre el alma humana y nos hace pensar. Es alucinante como los versos de Lope, escritos en el siglo XVII, vuelven a nosotros con la misma vigencia.
-Si tuvieras que elegir varias escenas de tu personaje… ¿cuáles serían? ¿por
qué?
Cuando llega Liseo a la casa de Otavio. Y la escena con Finea del tercer acto. Y comenta que “Tenemos muchas ganas de compartir el resultado de los ensayos con el público que venga a vernos…”.

-¿Qué frases de tu personaje destacarías? ¿Por qué?
“Soy tan pobre como bien nacido”, es un buen verso para definir al personaje. Su pobreza, y evitarla, es la razón para tomar la decisiones que toma. “Se atreve a censurallos/quien no se atreve a entendellos”, más de 400 años después de ser escrito, no puede ser más actual este verso.
La obra habla de las pasiones cotidianas con las palabras mejor hilvanadas de la Literatura de nuestra lengua.

-¿Y una parte de la función que te encanta es…?
Uno de los pocos momentos en los que el personaje se queda solo, sin otros ante los que fingir o actuar de tal o cual manera. Es la parte en la que se ve claramente la honestidad más pura y brutal del personaje.

-¿Cuáles son los principales temas de los que nos habla esta función?
Esta obra trata del amor y de sus consecuencias. Cuando el amor te sorprende y te hace engrandecerte, y cuando el amor te abandona y te reduce a cenizas. El amor reflejado en muchas de sus variantes: el amor fraternal, el amor por admiración, el amor y la falta de él. Habla del miedo a la soledad, de lo imposible que es controlar los sentimientos, de la necesidad de sobrevivir en un mundo que dominan los hombres. Y, sobre todo, de lo necesarios que son la cultura, las letras y el conocimiento.
-¿Quién y cómo es Nise, tu personaje?
Es la hermana mayor de Finea. Nise es una mujer ávida de conocimientos, interesada en las letras, en la filosofía, en los versos y en la cultura. Ella cultiva el intelecto y el mundo de las ideas. Es un personaje elegante, educado, mental, racional y lógico. Es muy inteligente pero, como no tiene la misma dote que su hermana, no tiene tantas posibilidades para casarse como Finea. Creo que Nise es un personaje que se defiende de la situación mediante la cultura y el conocimiento, pero que es terriblemente vulnerable ante el amor.
-¿Por qué es diferente esta versión?
Creo que esta versión es diferente porque da espacio a que los personajes femeninos tengan voluntad propia y cierta capacidad de decisión, aunque respetando las palabras de Lope. La adaptación hace que se genere un punto de profundidad sobre los personajes femeninos. Por tradición cultural y social, los personajes femeninos han quedado relegados a las voluntades masculinas, y esta versión favorece que tanto Finea como Nise tengan un punto de vista y una opinión respecto a sus propias vidas, que no sean solo marionetas víctimas de los caballeros que las rodean, teniendo siempre en cuenta que hablamos de mujeres en el siglo de Oro.
-Según Mestres, “La pieza se centra en la transformación de la boba Finea. A través de ella vemos cómo, desde su aparente ingenuidad, va adquiriendo un conocimiento propio, un saber que se nutre del amor y de la curiosidad y que le permite desprenderse de las máscaras…” ¿Qué añadirías?
Que es una de mis obras favoritas de Lope. Mezcla amor, humor, sensibilidad. Soy muy afortunada de poder interpretar este personaje.

Completan el elenco Joaquín Notario, Markos Marín, Concha Delgado y Víctor de la Fuente.

Es una producción del Festival Hispanoamericano del Siglo de Oro CAM. Clásicos en Alcalá y Octubre Producciones. Fotografías de Javier Naval. Del 28 de Mayo al 14 de Junio. Teatros del Canal.

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Es una de las protagonistas de esta adaptación de la obra de Lucy Prebble (creadora de la serie “Succesion”) que ha sido dirigida por Juan Carlos Fisher. Una experiencia teatral intensa y estimulante que examina con profundidad y humor el origen del amor y los límites de la ética. Alicia Borrachero, Itzan Escamilla y Fran Perea completan el elenco.

Volvemos a publicar la entrevista que le hicimos con motivo del estreno de esta función que ahora vuelve a Madrid.

-¿Cómo les contarías a nuestros lectores la historia de esta función?

Es un viaje entre lo que decimos ser y lo que realmente somos; entre lo que decimos querer y lo que queremos de verdad. Connie y Tristán, dos jóvenes muy diferentes que se prestan a participar en un ensayo clínico con un medicamento. A medida que avanzan los días, bien por efecto del medicamento, bien por las circunstancias del propio ensayo o bien por lo que uno produce en el otro, tanto Tristán como Connie comenzarán a ser personas bien diferentes a las que vemos en un primer momento. Quizá su verdadera versión de cada uno. Y, además de ellos, los dos médicos, que también muestran una fachada que se desquebraja a medida que la historia transcurre y se descubren antiguos sucesos del pasado.

-Preséntanos a Connie, tu personaje…

Es una chica que aparenta seguridad, que sabe lo que quiere y que parece que pisa fuerte. Hace lo que tiene que hacer, lo que se espera de ella. Es disciplinada y no se plantea que las reglas se puedan romper porque es de la clase de personas que cree que una norma es buena per sé, que si están es por algo. Pero Connie encierra muchas contradicciones; y entrar a formar parte de este ensayo clínico la colocará delante de un espejo que la obligará a tener que afrontar esas contradicciones, y en ese ensayo entrará en contacto con personas que despertarán en ella sentimientos inesperados e, incluso, desconocidos.

-¿Qué relación mantiene Connie con sus médicos supervisores, interpretados por Alicia Borrachero y Fran Perea?

Al principio, de confianza. En especial con el personaje de Alicia. Connie es una chica disciplinada y por ello sigue a rajatabla las instrucciones del ensayo y confía plenamente en lo que le pide la doctora, a quien posiblemente incluso la vea como un modelo a seguir. Pero la propia evolución de Connie provocará la evolución de la relación con los médicos. Aparecerá el conflicto y ahí comprobaremos hasta qué punto un conflicto entre dos personas puede resultar catártico y puede reforzar vínculos a la vez que romperlos.

-Se comenta en la presentación de esta obra que “es una experiencia teatral intensa y estimulante que examina con profundidad y humor el origen del amor y los límites de la ética…”, ¿estás de acuerdo?, ¿Por qué?

‘El efecto’ es un viaje de emociones, un viaje sensorial. Es una obra en la que tan importante como el texto o la interpretación es la atmósfera creada por una escenografía minimalista y por la música y la luz, que funcionan también como herramientas narrativas. Esto sumerge al espectador en la historia y le permite conectar con las vivencias de los personajes con los que, de alguna forma u otra, todos nos podemos sentir identificados en algo. Al menos, entender cómo se pueden sentir. La obra busca remover al espectador.

-¿Sobre qué otros temas nos habla esta función?

La obra habla de las personas, de la vida. Del amor, de las contradicciones, de la ilusión de la juventud, del miedo a la incertidumbre, del miedo a quitarnos complejos y a ser lo que queremos ser, de aquellos para los que el fin justifica los medios y también de aquellos para los que el cómo es mucho más importante que el qué. Muestra personajes poliédricos y complejos en los que no hay blancos o negros, sino grises, y donde todos somos dueños y víctimas de nuestras decisiones. Es una mirada al interior de las personas.

-¿Tus dos escenas favoritas son…?

La escena en la que Connie y Tristán huyen de ese encierro y empiezan a conocerse más, y la escena final que es desoladora pero lanza un mensaje muy bonito…

-¿Cuáles son los principales motivos por los que aceptaste interpretar este personaje?

Por todos los matices que tiene mi personaje, Connie. Por la complejidad del texto, de la historia. Por Juan Carlos, el director. Y, por supuesto, por mis compañeros que son un reparto maravilloso y con los que aprendo y disfruto cada día en cada función que hacemos.

-¿Es una gran responsabilidad o no subirse a un escenario cuando eres una actriz muy popular?

Subirse al escenario es una gran responsabilidad siempre porque el público está ahí para ver tu mejor versión, ha pagado y está invirtiendo algo mucho más importante que el dinero: su tiempo. Y también tienes un compromiso con tus compañeros de función, que seguro lo darán todo a tu lado. Con esta filosofía y este compromiso he salido siempre al escenario. Y no cambiará nunca sea más o menos conocida porque si un actor o actriz deja que la popularidad le condicione su trabajo, nunca podrá dar lo mejor de sí mismo/a.

-¿Crees que influye positivamente como atractivo para el público?

Influye como reclamo. Al final, en el teatro, como en el cine o como cuando estrenas una serie, es más fácil que el público le dé una oportunidad a algo si conoce a quienes forman parte del proyecto. También puede provocar el efecto contrario, que alguien decida no ver algo por quién está ahí. El ser conocido hace que el público tenga una opinión sobre ti y sobre tu trabajo porque te han visto en otros proyectos. Por eso, yo intento dar siempre lo mejor en cada proyecto.

-¿Qué destacarías de Juan Carlos Fischer como director?

Su olfato por los buenos textos y su intuición a la hora de plantear la puesta en escena. Es un director que apuesta mucho por lo potente que pueda ser el actor/actriz y su palabra, y eso como y te pone en una situación de vértigo que, para mí, es muy motivador cuando haces teatro. Retratos de Javier Naval. Fotografías de escena de Elena C. Graiño. 

Hablamos con estas dos excelentes actrices que protagonizan esta función escrita y dirigida por Mariano Tenconi Blanco. 

-¿Quién y cómo es tu personaje?
MALENA ALTERIO: Aurora (la mejor amiga de Blanca) es culta, leída. Viaja a la capital para formarse como maestra. Allí tiene una vida conservadora, “normal”. Con su marido, su perro y su hijo. Pero, como siempre, la vida se desarma y te desarma. Y así le ocurre a Aurora.
CARMEN RUIZ: Soy Blanca, que es una mujer muy espontánea, muy fresca y natural. Blanca no tiene filtros. Dice verdades como puños. Sólo ha salido una vez de su pueblo. Tiene mucha inteligencia emocional. Aparentemente parece menos culta que su amiga, pero no es así. Es más naif, quizás. Es muy atrevida, divertida y muy humana.

-La presentación de la historia de “La vida extraordinaria” habla de “Dos vidas normales de dos amigas. Sin grandes premios, ni historias trágicas, ni aventuras inolvidables…” 
MALENA: Es una historia con la que todo el Mundo se va a sentir identificado. En el escenario hay momentos duros, otros son divertidos, otros complicados. Es una “historia común” narrada de una forma extraordinaria.

-A estas dos mujeres les une el tiempo, el amor y que ambas escriben poesía… ¿Qué otras circunstancias o vivencias les unen?
CARMEN: Les une su amistad desde la infancia. Verdadera. Les une su pueblo, sus vivencias. La relación de admiración de una hacia la otra. Se quieren mucho, se respetan mucho. Tienen una amistad auténtica, verdadera y preciosa.
MALENA: Les une su propia Historia. Han compartido su infancia y eso une para toda la vida. Los primeros besos, los amores, la familia, los padres, los sabores, los miedos y los descubrimientos unen para siempre.

-Una de las frases claves de esta función es “La muerte y la vida producen el movimiento y cada segundo es un milagro”… Pero, ¿qué frases de tu personaje elegirías tú?
MALENA: “Y, de pronto, aparece eso que estaba ahí. Todo eso que estuvo siempre y que ya no va a estar nunca más: mi infancia”.
CARMEN: “La amistad hace que el Mundo sea mejor. Entonces, cuando muere gente que hace que el Mundo sea mejor, el Mundo se convierte en algo peor porque eso se ha muerto”.

-¿De qué habla la voz en off de Alicia Borrachero en la historia de la función?
MALENA: Son unos textos muy poéticos, hermosos y filosóficos que hablan de la creación del Mundo, de la Naturaleza y van poniendo en contexto las historias que vamos a ir representando nosotras.”

-En el escenario, las dos amigas van pasando de la risa al llanto, de la incertidumbre al asombro… ¿Qué añadirías?
MALENA: Pasamos por muchos estados emocionales durante la función. Es como una gincana endiablada, no para desde el principio hasta el final. Es un gran reto para mí porque en nuestro cuerpo, en nuestra voz y en nuestra alma se tiene que ver todo: el pueblo en el que viven, el mar, el padre, la madre, el amor, el miedo…
CARMEN: Van pasando por todos los estados emocionales. Juntas y solas. Pasan por recuerdos y momentos las dos en el escenario y el resto son monólogos de cada personaje en los que podemos descubrir la fragilidad y la fuerza del ser humano.

-Sin duda puedes elegir los personajes que interpretas en el Teatro. ¿Qué tiene éste en concreto para no haberlo podido “rechazar”?
CARMEN: Antes de conocer el texto, lo primero que me animó a aceptar este personaje fue que iba a trabajar con Malena. Nos conocíamos ya, habíamos trabajado en el Cine y en la Televisión pero nunca en el Teatro. Cuando la leí, pensé que era un reto para mí. Es un personaje muy difícil, que requiere de mucho esfuerzo. Imposible decir que no a un proyecto así. Y cada día que pasa, mientras ensayamos, valoro más y más que me hayan propuesto este reto increíble.
MALENA: El texto me conmovió desde la primera lectura. Todo lo expresa de una manera contundente. Parte de una frase tan maravillosa como ¿Qué hace que cualquier vida sea extraordinaria?. Es como una fábula sobre dos mujeres que viven, aman, se equivocan y siguen… Y siguen. Me emociona, me reta como actriz. No lo dudé desde el primer momento en el que me lo ofrecieron. Retratos de Javier Naval. Teatros del Canal.

Para Lola Lara, “Teatralia no solo forma parte del exclusivo club de festivales familiares de referencia en el mundo, sino que se ha convertido en uno de los veteranos en el ámbito internacional, con una fórmula de durabilidad basada, a partes iguales, en un pacto con el sector y en un compromiso férreo con el público. Unas mil obras han pasado por los escenarios de la Comunidad en estos 30 años. En esta trigésima edición habrá obras de once países (Canadá, Francia, Suiza, Alemania, Dinamarca, República Checa, Chile, Brasil, Italia, Reino Unido y España). Y, con el afán de dejar huella, las 30 obras convocadas forman un programa en el que priman la variedad y la calidad, además de tener un acento europeo muy marcado. Compañías de Reino Unido, Dinamarca, Suiza, Francia, Italia, Alemania, República Checa y España forman un programa que se completa con cuatro compañías del continente americano (de Canadá, Brasil y Chile).
Treinta obras, treinta mundos a explorar, treinta años propiciando que artistas y público dialoguen en esa inmensa experiencia de las artes en vivo. Treinta, por treinta motivos, para volver a levantar el telón…»

Les presentamos algunos de los espectáculos que están programados en esta Edición número 30 del Festival:
El universo futurista que imaginó el escritor francés Julio Verne inspira “Verne”, de Onírica Mecánica. Con un lenguaje visual del siglo XXI, invita a imaginar posibles futuros.

“Pato, patito”, de Teatrocinema, es un innovador espectáculo de música, teatro, animación y cine, que versiona “El patito feo” de Hans Christian Andersen. “Racontars arctiques (Rumores árticos)” es una adaptación de cuentos del joven escritor y aventurero danés Jørn Riel. Trata sobre unos cazadores sometidos a condiciones climáticas extremas. Es de la
compañía La ruée vers lòr.

En “La isla del tesoro”, adaptación musical de la novela homónima de Robert Louis Stevenson, de la compañía Inhabitants, se habla, entre otros temas, de que las aventuras nos ayudan a crecer. Y el espectáculo que la compañía vasca Teatro Gorakada (una de las compañías de referencia y con una larga trayectoria a sus espaldas) trae a Teatralia es “Pico Pato”, que narra la historia del poeta y versolari Bilintx a través de la mirada de un niño al que un golpe le deformó la cara.

Este año, temas como la convivencia con la naturaleza están en los montajes
“De l’hêtre à l’être (Del haya al ser)” y “Le chant de l’ arbre (El canto del árbol)” de Compagnie ACTA. Dos espectáculos de danza, cuyos bailarines se transforman con sus movimientos en árboles; “FLOres”, de la compañía Milímetro, es una poética composición que recuerda lo diferentes, frágiles y fuertes que somos; “NILU” (de Infinit) habla de la necesidad de cuidar el planeta combinando malabares, funambulismo y teatro físico con trucos de magia y teatro de objetos en el escenario.
Y en “WILD (Salvaje)”, unos mástiles forman una especie de bosque urbano por el que se mueven los artistas. Es un espectáculo de Motionhouse.

De las migraciones habla “Bailo”. Una pieza de danza de Ventrículo Veloz que ensalza la valentía de quienes deciden migrar en busca de un futuro más seguro y justo. Y de la memoria histórica y del olvido se ocupa “Mambrú volvió de la guerra” (De Factoría Teatro).
Por su parte, “Boléro”(de Cie DK59) es una divertida pieza de danza basada en la hipnótica melodía de Maurice Ravel. En “MIKRO/ BARTÓK” (de Cas Public), se habla de los primeros pasos en el aprendizaje de la vida.
Muchas de las piezas son muy humorísticas y presentan situaciones en escena que conseguirán hacer reír al público. Es el caso de lo que provocan los payasos de “Actapalabra” (de Théâtre Am Stram Gram); de las dificultades de subir una escalera que ocurren en “Ákri” (de (Teatergruppen Batida); de los enredos con el tiempo que se hace Eugenia Manzanera en «¡Ay qué lío!» y de la inspiración en Charles Chaplin de “Smile” (de Factory Compagnia Transadriatica) que hablan de la ausencia, la pérdida o la memoria pero desde la sonrisa o la risa.

Y la versión de “El lago de los cisnes” que trae L´EOLIENNNE es muy original y libre y tiene acrobacias.
Además, “Pablo y su estrella” (de Teatro de Pavel Smid) es un montaje de títeres con el que se recuperan los juegos infantiles; en “Historia de una muñeca abandonada” (Teatro Silfo), una niña pobre rescata una muñeca que ha abandonado una niña rica; en “Copiar” (de Animal Religion) los espectadores son invitados a subir al escenario para crear la obra y “Terra” (de Grupo Sobrevento) es un espectáculo para bebés.

“La fabulosa historia de BasarKus” (de Cie. Lamento) propone el autodescubrimiento a través del circo y la danza y, con objetos de madera, palabras y música, “Tumbalafusta” (dirigida por Xavier Bobés y Pau Matas) habla de la amistad, de la infancia, del juego. Del 6 al 29 de Marzo.

-Después de más de quince años de lucha infructuosa contra la ciudad de Numancia, el Senado Romano manda a Hispania, sobre el año 130 a. de Cristo, al victorioso general Escipión, que acababa de derrotar a los cartagineses y había sido coronado como triunfador en Roma. Escipión aísla del exterior a Numancia, condenando a su pueblo al hambre y la miseria…

La obra comienza con una guerra que lleva 16 años de lucha. La estrategia que plantea Escipión añade despiadada crueldad hacia los numantinos que buscarán una solución desesperada.

-Además de gritarle al público sobre las devastadoras consecuencias de una guerra y sobre el buen uso de la Resistencia, ¿De qué otros temas principales nos habla?

Es un texto que habla de la dignidad y la libertad, y de los sacrificios que estamos dispuestos a hacer para defenderlas. El amor y la amistad tienen un peso importante dentro del horror.

-Interpretas al personaje de la Fama. Háblanos sobre él…

Es la Alegoría que cierra el espectáculo. Alaba el coraje del pueblo numantino y a uno de sus personajes más jóvenes, Virino. Les  otorga, por su valentía, el triunfo y “el deseo ardiente de eternizar un hecho tan subido”.

-Descríbenos a los personajes de Escipión, Teógenes, España y Morandro…

La ambición de Escipión (Javier Lara) es enorme. Necesita ser el triunfador en esta guerra para alcanzar la gloria total en Roma. Hará lo que sea para conseguirla.

Teógenes (Arturo Querejeta) es el jefe de Numancia. Busca diálogo y consenso en las decisiones que toma junto a los consejeros. Es lo opuesto del general romano.

España (Karmele Aramburu) es una Alegoría que dialoga con el río Duero pidiéndole ayuda para aliviar el encierro de los numantinos. Sufre por ellos.

Morandro (Jimmy Castro) es el enamorado de la historia. Es capaz de perder la vida en un acto heroico para llevar algo de comer a su amada. Representa la valentía en el amor y la amistad.

Completan el reparto Jacobo Dicenta, Manuel Navarro, Jesús Calvo, David Soto Giganto, Ania Hernández, José Fernández, Carmen del Valle, Carlos Lorenzo, Esther del Cura, Carlos Manrique, Pepe Sevilla, Alberto Conde, Guillermo Calero y Esther Berzal.

-Sabemos que el Teatro Clásico nos habla de temas Universales pero, ¿por qué es actual este texto?

Sólo hay que estar un poco al día con lo que pasa en el mundo para ver el porqué. Hemos estado de gira y es impresionante cómo el público empatiza con los hechos que narra esta obra y con sus protagonistas.

-En “Numancia” las mujeres participan de todas las decisiones que toma el pueblo

Son ellas las que impulsan a los hombres a tomar la terrible decisión final.

-¿Qué se ha añadido o de qué se ha prescindido en esta adaptación de José Luis Alonso de Santos?

José Luis Alonso de Santos ha clarificado y acercado el texto de Cervantes a los espectadores de hoy. Ha dado personalidades definidas a los personajes para mejor desarrollo de los conflictos. Ha impregnado de humanidad reconocible cada uno de los momentos de la puesta en escena.

-Los actores declamáis en el escenario en el verso original, ¿es una función para todo tipo de público?

Sí. Hemos estado de gira y en el recorrido que ya tenemos con esta función, hemos comprobado que la historia llega a todos los públicos con intensidad y cercanía.

-¿Cuáles son tus tres frases favoritas? ¿Por qué?

 “¿Estaba, dioses, este pecho mío tan de soberbia y arrogancia lleno, y de piedad justísima vacío?”. Porque es la pregunta que muchos mandatarios tendrían que plantearse.  

-¿Qué destacarías de la escenografía de Ricardo Sánchez Cuerda, de la Iluminación de Juan Gómez Cornejo e Ion Aníbal y de la música de José R. Jiménez de esta puesta en escena?

El espacio sonoro y la escenografía son elementos magníficos que nos elevan hacia la grandeza de la tragedia colectiva, a la vez que crean las distintas atmósferas y espacios en cada escena. Además el Vestuario es una creación de Elda Noriega. Fotografías de MarcosGPunto. Teatros del Canal (Sala Verde).

Christos Papadopoulos, Emma Dante, Lukas Avendaño, Marco da Silva Ferreira, Alain Platel con Fabrizio Cassol y Rodríguez Vangama o Alondra de la Parra destacan en un festival que ha programado 4 estrenos absolutos, 8 estrenos en España y 9 en la Comunidad de Madrid. Además, un tercio del programa está pensado para el público joven.

Las obras se representarán en Teatros del Canal, el Centro de Cultura Contemporánea Condeduque, el Teatro de La Abadía, Réplika Teatro, la Sala Cuarta Pared, el Teatro Pradillo, el Teatro Auditorio de San Lorenzo de El Escorial y el Teatro del Bosque de Móstoles.

La 43ª Edición del Festival de Otoño abrirá, según Diez, “un espacio para el diálogo artístico, estético, cultural y generacional”, que, de nuevo, exhibe su carácter internacional, con 18 producciones procedentes de 16 países. Pero es Hispanoamérica la que atraerá las miradas de esta edición, con más del 50 por ciento de los montajes y colaboraciones. El Festival propone un viaje de norte a sur por la mejor escena del continente con obras que abordan temas como las desapariciones en México, las agresiones contra las mujeres y la violencia política.

Desde Colombia, llega el humor e incisivo análisis de la realidad colombiana propuesto en la icónica obra “Labio de liebre”, de Teatro Petra.

Destacan tres monólogos de mujeres, como el de Conchi León, que en “Cachorro de León” se adentra en su propia vida para contarnos la relación con su padre maltratador y alcohólico. Otra actriz mexicana, Cecilia Suárez, se transmuta en la escritora Cristina Rivera Garza en “El invencible verano de Liliana”, memoria personal de esta autora sobre su hermana, Liliana Rivera Garza, asesinada en 1990 por un exnovio, que huyó y hasta hoy no ha sido atrapado. La dramaturga y actriz mexicana Vicky Araico levanta, por su parte, un testimonio contra el olvido en “Hasta encontrarte” con experiencias reales de familiares de desaparecidos en México. En el territorio de las identidades sexuales opera Lukas  Avendaño en “Réquiem para un alcaraván” y en “Edipo: Nadie es ateo, el joven y talentoso David Gaitán se realiza una lectura en torno a la confrontación entre fe y verdad y la fuerza del destino. 

Por su parte, “Los días afuera” de Lola Arias, habla sobre la vida de mujeres cis y personas trans después de salir de la cárcel.

Y la creadora argentina Marina Otero, presentará el estreno de “Ayoub”. Una conferencia performativa sobre el proceso de creación de su próxima obra y sobre el amor romántico que ella vivió con un hombre árabe.

Y una de las compañías emblemáticas de Chile, Teatrocinema, representa “Historia de Amor” con una puesta en escena deslumbrante, con su mezcla de cómic y película.

De Uruguay nos llegan dos muestras diferentes de su bullente escena: “Las cosas que perdimos en el fuego”, adaptación por Leonel Schmidt de seis cuentos de terror social de la rock star de la literatura hispanoamericana Mariana Enríquez, atravesados por la pobreza, la violencia, los crímenes contra las mujeres, la política, los desaparecidos… Y “Ofrenda para el monstruo” de la reconocida coreógrafa Tamara Cubas, que incluye a jóvenes nacidos este siglo en una puesta en escena preparada en un taller dirigido a presentar una obra en la que esos jóvenes lleven a cabo una serie de acciones rituales en torno a la idea de la juventud como choque entre pasado, presente y futuro

De Europa proceden dos montajes que reinterpretan el legado de los clásicos y los imbrican en nuestro presente. El primero, “La vida es sueño” (“Life is a dream”), de Calderón de la Barca, es una producción ucraniana de la Lesya Ukrainka National Academic Drama Theatre.

Y “Re Chicchinella”, que es uno de los espectáculos grotescos que definen el teatro de la directora italiana Emma Dante. Con él zarandea los comportamientos morales derivados de la desventura de un rey.

Por su parte, el gran coreógrafo griego Christos Papadopoulos evoca su juventud en su pueblo natal de Nemea en uno de los selectos montajes de danza del Festival, “My Fierce Ignorant Step”. Papadopoulos ha volcado la mirada hacia el pasado para tratar de recuperar a través de la música y el baile algún tipo de esperanza.

Otro coreógrafo, el portugués Marco da Silva Ferreira,  combate desde la danza en “Fucking Future” contra el machismo, el militarismo y el patriarcado, con una mezcla de baile urbano africano y folclore portugués.

La Comédie de Genève regresa al Festival de Otoño con una auténtica fiesta multicultural de música y danza: “Coup Fatal”, dirigida por Alain Platel con su compañía Les ballets C de la B junto a intérpretes musicales de Kinshasa.

Para atraer a los jóvenes están las piezas “DUB”, del gran coreógrafo francés Amala Dianor, que ha reclutado a bailarines urbanos y creado con ellos una fiesta underground; “Odiseas”, de la compañía mallorquina La Mecànica que es un espectáculo cautivador dirigido a adolescentes a partir de los 12 años y adultos. Esta experiencia inmersiva fusiona la actuación física en vivo con tecnología digital. Y el montaje sin palabras “Macbeth Muet”, procedente de Quebec de la mano de la compañía La Fille Du Laitier.  La obra deconstruye el texto original, condensa escenas en un solo vistazo y hace magia con los objetos.

La poesía y la música conjugan con emoción en otros dos espectáculos: “De Púrpura y Melancolía” de los músicos Emilia y Pablo. Y, por otro lado, Violeta Gil regresa a la lírica de su primer libro con “Andábamos maravillados”. El montaje es la versión escénica de un libro que se publica también en otoño y toma la forma de un concierto (con el músico Marcos Nadie) y una conversación sobre el amor entre personas de dos generaciones.

Por último, la Orquesta de la Comunidad de Madrid, bajo la dirección de Alondra de la Parra, ha reunido en un mismo programa músicas de George Gershwin (Catfish Row, suite sinfónica de «Porgy and Bess»), Serge Prokofiev (una selección de «Romeo y Julieta») y «La noche de los mayas» de Silvestre Revueltas. Del 6 al 30 de Noviembre. Madrid y su Comunidad.

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