Esta comedia musical cuenta con la dramaturgia de Yolanda García Serrano y la dirección musical y el piano de Miguel Huertas. 

El director artístico del Fernán Gómez, Juan Carlos Pérez de la Fuente, pretende recuperar con este ciclo la zarzuela que se ha representado en el centro desde sus inicios, hace ahora casi 50 años.

Del 25 de junio al 5 de julio. Teatro Fernán Gómez CCV. 

En la presentación han estado presentes la directora general del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), Paz Santa Cecilia, e Isamay Benavente para la que «La programación quiere ser el espejo donde lo popular se mezcla con lo culto. Inspirados por el espíritu transformador de la generación del 27, hemos diseñado una programación que busca borrar las fronteras a través de la cultura como un bien común que enriquece nuestra sociedad».

La temporada incluirá producciones que ya han obtenido éxitos emblemáticos en este teatro, alguno de estos títulos marcados por un emocionante y peculiar lirismo, junto a nuevas y ambiciosas producciones, entre las que se incluye una muy sugerente coproducción internacional. El teatro cumplirá, asimismo, su compromiso con la nueva creación a la vez que seguirá explorando nuevos lenguajes musicales y artísticos. Abordará también la obligación de recuperar patrimonio, y celebrará un año más la danza manteniendo la sólida oferta de la presente temporada.

Isamay Benavente manifiesta el deseo de que la temporada 26/27 sea “un viaje musical de 360 grados”, desde los grandes conciertos líricos, hasta el arte de figuras de especial relevancia en la música popular con mayúsculas. Estas son las líneas generales del Teatro de la Zarzuela que, con ilusiones renovadas, levantará el telón el próximo mes de septiembre.

De acuerdo con esta idea primordial e ineludible, la nueva temporada lírica transita a través de sus distintas formas y maneras, por buena parte de lo que ha sido la historia del género. Contará así con tres títulos de zarzuela grande: La reposición de ‘Los Gavilanes’ de Jacinto Guerrero, con dirección musical de Jordi Bernàcer y de escena de Mario Gas, además de contar con la escenografía de Ezio Frigerio y el vestuario de Franca Squarciapino; una nueva producción de ‘La bruja’ de Ruperto Chapí, con dirección musical de José Miguel Pérez-Sierra –director musical del teatro– y de escena de Ignacio García; y la coproducción internacional con el Festival de Teatro Lírico Español de Oviedo y el Theater Basel de ‘El barberillo de Lavapiés’ de Francisco Asenjo Barbieri, dirigido por el maestro Pérez-Sierra y con dirección escénica de Christof Loy.

Dos serán las producciones de género chico: ‘La verbena de la Paloma’ de Tomás Bretón, ideada por Nuria Castejón, que contará en el foso de la orquesta con el maestro Carlos Aragón, y que en este montaje da inicio con el prólogo ‘Adiós, Apolo’ de Álvaro Tato; y por otro, la propuesta del Proyecto Zarza, que este año cumple ya su decimoprimera edición, y que recupera para la ocasión aquella singular propuesta de ‘El dúo de La africana’ de Manuel Fernández Caballero, en versión libre de Susana Gómez, responsable también de la escena, que contará con la dirección musical de la maestra Julia Cruz; estará representada, como es habitual, por un grupo de jóvenes actores-cantantes elegidos tras un proceso de audiciones y en colaboración con la Joven Orquesta Nacional de España, JONDE.  La temporada lírica incluirá, además, la recuperación de una zarzuela barroca: ‘Venus y Adonis’ de José de Nebra, con dirección musical de Alberto Miguélez Rouco al frente del Ensemble Los Elementos y escena de Amelia Ochandiano. En el ánimo de fomentar y consolidar la nueva creación, a todos estos títulos se suma el estreno absoluto de la ópera ‘Las trece rosas rojas’ de la compositora Cecilia Bercovich, con dirección musical de Luis Miguel Méndez y escena de Alfonso Romero.

La danza, por su parte, siempre ha ocupado un lugar especial en las temporadas del Teatro de la Zarzuela, y sigue consolidando su presencia y calidad en este histórico escenario. El público volverá a disfrutar de las propuestas y la creciente calidad de las dos compañías nacionales que, como cada año, visitan este teatro del que son residentes. Por un lado, en otoño recalará en él la Compañía Nacional de Danza que dirige Muriel Romero con ‘AIÓN’, un espectáculo que explora el tiempo a través del cuerpo y que incluye coreografías de Marius Petipa y Joseph Mazilier, David Dawson y William Forsythe. Por su parte, el Ballet Nacional de España, dirigido por Rubén Olmo, cerrará la temporada con un clásico: ‘Carmen’. El programa de danza lo completarán otros dos espectáculos: Por un lado, ‘Les ballets espagnols de «La Argentina»’ interpretados por la Companía de Antonio Najarro, que rememora el nuevo éxito sin paliativos que la bailarina obtuvo en París en 1929; este nuevo proyecto recupera dos títulos emblemáticos estrenados en aquel año con gran éxito: ‘Juerga’, de Julián Bautista, y ‘Triana’, de Isaac Albéniz. Además, la programación de danza de la temporada incluye ‘Bailar al gallo (Música y danza para la generación del 27)’, de los multipremiados Olga Pericet y Marco Flores, con dirección escénica de Rita Cosentino. Una producción impulsada por el Teatro de la Zarzuela que supone un acto de memoria y celebración para honrar, 100 años después, a esa generación tan inspirada e inspiradora como irrepetible, que quiso transformar el mundo a través del arte.

Especial mención merecen el Coro Titular del Teatro de la Zarzuela y su director, el maestro Antonio Fauró, así como la Orquesta de la Comunidad de Madrid –ORCAM–, titular del teatro.

El ciclo de Teatro Musical de Cámara no solo extiende y vigoriza la próspera colaboración con la Fundación Juan March, sino que además permite crear firmes alianzas con diferentes teatros e instituciones como la Compañía Nacional de Teatro Clásico o el Espacio Turina de Sevilla. Los dos primeros participando en la coproducción a tres bandas de ‘Andrómeda y Perseo’ de Hidalgo, con dirección musical de Aarón Zapico y dirección de escena de Nuria Castejón, con la séptima promoción de la Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico integrando el reparto; las funciones se repartirán entre el escenario de la Fundación y el del Teatro de la Comedia.

El Espacio Turina, por su parte, es coproductor junto a La Zarzuela de ‘Poeta en Nueva York’ del compositor Alberto Carretero, un trabajo sobre la obra más controvertida de Federico García Lorca cuya escena estará dirigida por Rita Cosentino.

En lo que se refiere a los conciertos, la propuesta de la temporada se compone de cuatro conciertos líricos que celebrarán por un lado el pasado con ‘Feliz cumpleaños, don Manuel’ en conmemoración del nacimiento y la muerte de Manuel de Falla —150 y 80 años respectivamente—, y con el ‘Homenaje a Alfredo Kraus’, que evocará la figura del irrepetible intérprete canario en el centenario de su nacimiento; y por otro lado, exaltarán el presente y el futuro con el concierto de Año Nuevo, en el que bajo el título de ‘La zarzuela y sus paladines’ será celebrada la llegada del nuevo año de la mano de un grupo de jóvenes artistas que impulsan la zarzuela más allá de nuestras fronteras. Por su parte, Ruth Iniesta, será quien protagonice la nueva entrega de ‘Con alma de zarzuela’, la colección de discos del teatro. A estos se sumarán otros cuatro conciertos de músicas actuales con las emocionantes propuestas de Rosa León, Mayte Martín, Carmen Linares y Jesús Méndez.

Y contará con los conciertos programados en el Ambigú y con la 33ª edición del Ciclo de Lied, esta última junto al Centro Nacional de Difusión Musical y con artistas internacionales de primer nivel como la soprano Christiane Karg, los tenores  Andreas Schager e Ian Bostridge, la soprano y la mezzosoprano Adriana González y Marina Viotti, la también mezzo Anja Mittermüller, el tenor Julian Prégardien, la soprano Julia Kleiter y el barítono José Antonio López. Todos ellos actuarán acompañados por algunos de los pianistas más destacados y especialistas en el género del lied y la canción europea.

Los proyectos dirigidos a nuevos públicos ocuparán nuevamente un lugar destacado en la temporada 26/27, un año más con la intención de implicar en sus propuestas público de todas las edades: desde la infancia más temprana hasta los últimos años de adolescencia, y más. Para ello, a las ya mencionadas ‘El dúo de «La africana»’ del Proyecto Zarza o ‘Andrómeda y Perseo’ del Teatro Musical de Cámara, se añadirá una nueva edición de ’Zarzuelita’, la rompedora propuesta para bebés y niños de 0 a 5 años y sus familias, que acerca los ritmos y nuestra música de zarzuela a la primera infancia, y ‘De la Z a la A’, de la compañía Diabolus in Música, un espectáculo intergeneracional para abuelos y nietos donde se comparten recuerdos con ilusiones.

El proyecto didáctico del teatro se completa con visitas presenciales y virtuales para centros escolares, una amplia variedad de materiales para el aula, invitaciones a alumnos a los ensayos, desarrollo por tercera temporada consecutiva del proyecto «Mujeres de Zarzuela» en el que, con la colaboración de Wikiesfera, se ha conseguido ya que más de 50 mujeres relacionadas con el mundo de nuestra lírica tengan una presencia digna en Wikipedia, o el «Escape Room Digital».

-El programa “NumEros” que estrenáis este mes es una combinación de los términos numen y eros que conforman dos elementos de la danza. ¿Qué destacarías de la puesta en escena de “Serenade” de Balanchine, la primera parte del programa?

“Serenade” fue el primer ballet que creó Balanchine en Norteamérica y lo hizo para la Escuela del American Ballet. Creado con la música de Serenata para cuerdas en do mayor de Tchaikovsky, si bien el tercer y cuarto movimiento de la partitura están cambiados de orden, constituye un significativo ejemplo del personalísimo estilo del creador ruso-norteamericano. No existe argumento. En palabras del propio Balanchine “el ballet cuenta su historia de manera musical y coreográfica, sin recurrir a ninguna narración ajena”. “Serenade” expresa el ritmo, dinamismo y las tonalidades de la música. Una sencilla escenografía de tonos azules sirve de marco a los movimientos rítmicos, precisos y solo aparentemente narrativos de los cinco solistas y veinte bailarines del cuerpo de baile que Balanchine pone en escena. Sus encuentros y desencuentros, su interacción, cruzada o simétrica, componen una serie sucesiva e ininterrumpida de escenas en las que se percibe un romanticismo puro, muy sutil y plenamente acorde con el carácter neoclásico del estilo Balanchine.

Para este estreno de 2025, la puesta en escena de esta coreografía es de Colleen Neary, considerada una de las más relevantes stagers de la obra de Balanchine en el mundo.

-¿De qué nos hablan “Echoes from a Restless Soul” y “Playlist (Track 1,2)”, las otras dos coreografías?

“Echoes from a Restless Soul” está ambientada en “Le Gibet y Ondine”, ambas parte del tríptico “Gaspard de la Nuit”, una composición para piano solo escrita por Maurice Ravel en 1908.

En una creación de increíble virtuosismo, Ravel da vida a los poemas de Bertrand, empleando una innovadora técnica pianística dentro de una forma clásica. Los elementos coreográficos forman un hilo conductor, fundiéndose en una atmósfera que trasciende el tiempo y el espacio. A través de ellos, se presentan intrincadas e infinitas combinaciones de una relación formal: el pas de deux. Godani realza el movimiento con zapatillas de punta, a la vez que crea una notable libertad dentro de ciertos parámetros estéticos, propios de un enfoque más clásico. La partitura es interpretada en vivo por Gustavo Díaz Jerez.

La “Playlist (1,2)” de William Forsythe, conocido por su innovador enfoque en la danza contemporánea y su capacidad para desafiar las convenciones del ballet clásico, fue estrenada en 2018 basada en la idea de una “lista de reproducción” en la que se utilizan diferentes estilos y movimientos para crear un collage dinámico y diverso. Destaca por su fusión de elementos de la danza clásica y la danza contemporánea, mostrando la versatilidad y el rango técnico de los bailarines.

Forsythe es famoso por su habilidad para jugar con el espacio y la estructura, y “Playlist (1,2)” no es una excepción ya que presenta una rica interacción entre el movimiento y el entorno, así como una exploración del tiempo y el ritmo.  Además, incorpora elementos de improvisación, lo que permite a los bailarines expresar su individualidad dentro de la coreografía. Esto crea una experiencia única en cada representación, manteniendo al público intrigado y comprometido.

-¿Qué destacarías de las escenografías, los vestuarios y las transiciones de esta puesta en escena?

La puesta en escena de estas tres coreografías reúne belleza y minimalismo. Se realza el cuerpo y la música actúa como eje central de su narrativa coreográfica.

-¿Qué tiene que tener un/a bailarín/a para que emocione?

Una excelente conexión entre espíritu-cuerpo-mente-emoción combinada con la mayor cualidad que tiene que tener un bailarín: la generosidad.

-¿Este programa va destinado a todos los públicos?

Así es. Es un programa que se puede disfrutar a cualquier edad.

-¿Por qué crees que es importante llevar a los niños/as a disfrutar de un espectáculo de danza?

Los/as niños/as tienen innato el movimiento y el ritmo, por eso a todos ellos y ellas les gusta bailar. La apreciación y el conocimiento de los espectáculos de danza es parte fundamental de su formación.

-Estás trayendo a la Compañía a coreógrafas y coreógrafos que no habían estado anteriormente. ¿A qué maestros/as invitados tendréis en los próximos meses?

Tendremos nuevas obras de William Forsythe, Johan Inger, Luz Arcas y Kor’sia.

-Háblanos de los tres principales planes que tienes para la Compañía en el 2026…

Habrá cinco producciones nuevas, de diferentes estilos coreográficos combinadas con giras internacionales y nacionales. Continuaremos con la 2ª edición de CREADORES CND, donde los bailarines desarrollan sus intereses creativos. Y desarrollaremos diferentes actividades educativas y de inclusión social del programa SOMOS CND. Fotografías de Alba Muriel. 

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