Libertad, cabaré y rebeldía se encuentran en este espectáculo que recupera las voces de las mujeres libertarias y el universo de las llamadas sicalípticas, dos movimientos que hicieron de la autonomía, la creación y la provocación una forma de transformar su tiempo. Escrita por Esther F. Carrodeguas y dirigida por Andrés Lima, la propuesta nace de la colaboración entre Teatro del Barrio y el Comisionado para la Celebración de los 50 años de España en Libertad.

Alba Flores

-¿Cómo llegó LIBRES!!! a ti? ¿Qué fue lo primero que te interesó de este proyecto cuando lo recibiste?

Fue Ana Belén Santiago, de Teatro del Barrio, quien nos convocó a Nüll y a mí a una reunión. Las dos hemos estado trabajando en Teatro del Barrio desde hace tiempo, tanto juntas como por separado, y ella sabía por conversaciones que hemos ido teniendo todos estos años de nuestro interés en el feminismo y el anarquismo. Lo recibí como una gran noticia porque este es de los proyectos que asumo desde mi lado artístico, pero también desde mi propio interés personal en la memoria histórica y en repensarnos políticamente.

-La obra se acerca a la historia desde el cabaré, la música y el humor. ¿Qué te está permitiendo ese lenguaje como actriz que quizá no te permitiría un relato más convencional?

El título de la función está muy bien elegido por múltiples razones y una de ellas es la libertad para estar viva sobre las tablas, fluyendo de un momento a otro con toda la diversidad de repertorio creativo que se nos ocurre y sin la
presión de tener que servir un espectáculo de virtuosismo técnico.
La gracia del cabaré es que tiene momentos de virtud, pero también cabe
lo imperfecto, que resulta incluso todavía más interesante.

-Estas mujeres lucharon por cosas que hoy nos resultan familiares, pero que entonces eran tremendamente radicales. ¿Qué has descubierto de ellas que te haya cambiado o sorprendido?

Que también luchaban con mucha soltura por cosas que ahora suenan radicales como, por ejemplo, querer abolir el matrimonio por considerarlo una forma de prostitución de las mujeres. O reivindicar guarderías en los puestos de trabajo y cabinas de lactancia. O diseñar un plan de uso de pisos desocupados, esto lo hizo la Montseny como ministra.

-Hay algo muy poderoso en la idea de mujeres que se reúnen, crean sus propios espacios y deciden tomar la palabra. ¿Qué te interesa personalmente de esa parte de la historia de Mujeres Libres?

Que son un referente. Que vivieron hitos que lograron con la fuerza de su trabajo, de su inteligencia y de su capacidad de organización. Y no solo son un referente para las luchas feministas, creo que lo son para cualquier tipo de activismo que tenga en cuenta la perspectiva de clase.

-¿Qué mujeres son tus referentes de libertad?, ¿Alguna de estas mujeres han cambiado tu perspectiva respecto a la visión que tú tenías de la libertad femenina antes de trabajar en este montaje?

Solo conocía a la Montseny y a Emma Goldman, que siempre ha sido un referente para mí. La sorpresa ha sido encontrarme con la vida, obra y pensamiento de todas las mujeres que nombramos en la obra como Teresa Claramunt, Guillermina Rojas y Orgís, Mercedes Comaposada, Lucía Sánchez Saornil, Amparo Poch y Gascón. Y no son ni mucho menos todas las mujeres clave que forman parte del tejido anarquista, hay muchas más por descubrir y reivindicar. Es asomarse a un filón de referentes que espero que sigan nutriendo libros, obras de teatro, conferencias, películas, conversatorios… Tenemos ahí un legado maravilloso del que queda mucho por explorar y divulgar.

-¿Cómo está siendo el trabajo con Laura Galán, Nüll García y Eva Valdelomar?

Se está pareciendo mucho a ser una banda de música, es precioso escuchar cómo día a día, sin hacer ningún sobreesfuerzo, simplemente de manera natural, a través del trabajo, nuestras voces empastan cada vez más. Lo digo de manera literal, mientras estamos cantando, pero también para ilustrar algo que está ocurriendo a diferentes niveles. 

-Has trabajado con Andrés Lima en otras ocasiones. ¿Qué destacarías del reencuentro con él en un proceso creativo como éste?

Me resulta interesante cómo ha cambiado mi manera de asumirle como director. Creo que en los proyectos anteriores venía yo más educada en la obediencia y en respetar lo jerárquico. Bajo la luz de los temas que estamos tratando, estoy aprendiendo a relacionarme más desde la cooperación que desde la obediencia y asumiendo su papel de director desde un liderazgo que le otorgamos por la maravilla de sus ideas y de su saber hacer. Me siento muchísimo más libre para fluir con mi propia creatividad, algo que Andrés recoge de buen grado, y a veces también para cuestionar alguna propuesta, algo que Andrés también sabe aprovechar a favor de obra.

Es una bella evolución hacia un lugar más maduro de trabajar donde todas estamos pudiendo tener espacio para desarrollarnos exponencialmente gracias a la compañía de las demás.

-En el escenario vais a hablar de libertad, pero también vais a cantar, jugar y reíros. ¿Qué lugar ocupa para ti la alegría como forma de resistencia?

Pues le da sentido y a la vez es la gasolina. Alegres no solo somos más felices, también somos más resistentes.

-Si pudieras sentar hoy a aquellas mujeres de Mujeres Libres en una butaca de La Abadía, ¿qué crees que pensarían al ver cómo contáis su historia?

Es que si estuvieran  vivas ya las habríamos liado para escribir y cocrear con nosotras. No las veo yo sentadas pasivamente en el público. Es más, ¡Ojalá nadie en el público se quede pasivo ante lo que ocurre en el escenario.!

¡Ojalá salgan con ganas de construir alegremente una alternativa mejor a cómo está organizada la vida o, al menos, que salgan dando palmas y sintiendo que estamos todas vivas todavía.!

La Composición musical y los arreglos son de Jaume Manresa y la Dirección musical y coach vocal de Pepe Alacid.

Hasta el 11 de octubre. Teatro de la Abadía. 

-¿A qué personajes das vida?

MARÍA MORALES. El que se mantiene en los tres actos de la función es Manuel Azaña, el que fue Presidente de la II República, además de un pensador y escritor fabuloso. Con él voy haciendo el recorrido desde sus inicios en la labor de Presidente de la República hasta su dimisión al perder la guerra. Es muy importante porque aporta una mirada muy lúcida. También a Largo Caballero, a Clara Campoamor, entre otros. 

PACO OCHOA. Interpreto a diez personajes. Destacaría a Pau Casals (gran compositor y director de orquesta), Pepe el Algabeño (torero defensor de la causa golpista), Emilio Mola (general organizador de la sublevación militar), José Calvo Sotelo y George Orwell (fiel defensor de la causa republicana que vino a luchar por la misma).

NATALIA HERNÁNDEZ. Es una obra muy coral en la que aparecen muchos personajes. Algunos a los que doy vida tienen nombres y apellidos, otros son anónimos, otros narrativos… Entre otros, a Yangüas Messía, al Cardenal Gomá y a la Señora Guerra.

-Comenta Andrés Lima que “una guerra no sólo es un fracaso como sociedad, sino un enorme desgarro emocional. Una guerra civil, entre hermanos, es posiblemente la peor de las guerras. El teatro puede reflejar esa emoción.…”

NATALIA. El Teatro pretende trasmitir sensaciones, emociones, reflexión, no solo dar información. Nuestros abuelos o padres o bisabuelos lo vivieron en primera persona. Nosotros, a través del Teatro, intentamos llegar a esos recuerdos, transmitir esas sensaciones, intentar profundizar un poco más en la memoria.

-¿Qué dos escenas de la función elegirías?

MARÍA. Me gusta mucho la escena de los milicianas y milicianos, que acaban cantando, y también la de la compañía de Teatro con el número de variedades y cómo acaba…

-En la presentación de “1936” se comenta que “¿Qué se siente bajo un bombardeo, refugiado en una estación del metro, junto con tus vecinos, que posiblemente te denunciarán por tus ideas? ¿Qué se siente huyendo por una carretera de Málaga mientras la armada alemana y los aviones italianos exterminan a lisiados, ancianos y niños? ¿Qué se siente tomando la decisión de arrasar Guernica?…

NATALIA. Por suerte, los que estamos en la función no hemos sufrido una guerra, pero puedes imaginar el horror que es. Si añades que es una guerra entre compatriotas, vecinos, familia… es más terrible aún. Como actores intentamos poner toda nuestra imaginación y empatía para poder entender esa situación y el estado de shock, terror, desconcierto, miedo que provoca en las personas.

MARÍA. Hemos hecho hincapié en cómo afecta la guerra y su horror a las vidas de las personas, y no sólo cómo se fraguan y se financian en los despachos o mansiones.

-También se dice sobre esta obra que “el espectador es testigo de un viaje de casi cuatro horas en el que el texto fluye para que ría, llore, se emocione, se le encoja el corazón, sienta rabia”. ¿Estás de acuerdo?

PACO. En cierta medida sí estoy de acuerdo. Es el sello de la casa. Andrés Lima hace que público e intérpretes se den la mano y viajen durante esas cuatro horas. La información te golpea el cerebro y acto seguido se te ponen los pelos de punta escuchando cantar un coro. Como ocurre con el discurso de Primo de Rivera mientras cantan ‘Cara al sol’.

-¿De qué otros temas habla?

MARÍA. También habla, como pasaba en “Shock I” y “Shock II”, los anteriores montajes de Andrés Lima, de que las guerras no son algo accidental o inevitable, son muy deseadas y trabajadas por algunos para calmar ciertos miedos y, sobre todo, dar rienda suelta a algunos intereses.

NATALIA. Quizá habla de quiénes somos, de dónde venimos como país.

-¿Algunas de las frases favoritas de tu personaje son…?

NATALIA. “Y además se perpetuó” . -“No me dejéis aquí, no nos dejéis aquí.”

-“Se rebozaba el pan duro del día anterior o se engordaba cualquier cosa con harina. Se mezclaba agua con harina y ajo y se freía con lo blanco de la cáscara de naranja para hacer una tortilla de patatas, sin huevo y sin patatas. Lo único que no faltó en casi toda España fue el vino.“

MARÍA. “(Pero) Es obligación moral, sobre todos los que padecen la guerra, sacar de la lección y de la musa del escarmiento el mayor bien posible, y cuando la antorcha pase a otras manos, a otros hombres, a otras generaciones, que se acordarán, si alguna vez sienten que le hierve la sangre iracundo, y otra vez el genio español vuelve a enfurecerse con la intolerancia, con el odio y con el apetito de destrucción, que piensen en los muertos y que escuchen su lección: la de esos hombres, que han caído embravecidos en la batalla luchando magnánimamente por un ideal grandioso y que ahora, abrigados en la tierra materna, ya no tienen odio, ya no tienen rencor, y nos envían, con los destellos de su luz, tranquila y remota como la de una estrella, el mensaje de la patria eterna que dice a todos sus hijos: paz, piedad y perdón.” (Manuel Azaña).

-¿Esta obra es una gran clase de Historia para el público joven?. ¿Por qué?

PACO. Para un público joven, mayor, mediano. Es un periodo trascendental de nuestra historia reciente y se ha ocultado, manipulado, tergiversado, desde siempre por miedo, intereses ideológicos, por no querer remover, porque hubo mucho dolor. Hemos llevado a cabo talleres y encuentros con historiadores que nos han asesorado y han aportado sus conocimientos del hecho histórico. Como Ángel Viñas, Julián Casanova, Tania Balló, Emilio Silva, Miguel Garau, Mirta Núñez y Andrés Rojo.

NATALIA.  Ahora nos damos cuenta de lo terribles que son las guerras a través de la Televisión. Si queremos, podemos informarnos y saber lo que ocurre. Casi en directo podemos ver cómo lo sufre la población o cómo un mandatario toma esas decisiones. Aquí hacemos un acercamiento a lo que vivieron sus/nuestros abuelos o bisabuelos. En una función que habla de la historia de nuestro país. Habrá momentos en los que te sientas removido, cercano a lo que cuentan, identificado, que quieras saber más de tus raíces, de cómo lo vivió tu familia… Esta guerra marcó un antes y un después en nuestro país, transformó la sociedad en la que vivimos, todavía arrastramos el miedo heredado por nuestros padres y abuelos, y el enfrentamiento. Nosotros intentamos trasmitir sensaciones, emociones, y por qué no, inquietud por volver a revisar nuestra  la historia. Saber de dónde venimos.

Creo que para los jóvenes puede ser muy interesante, a ellos les pilla un poco más lejos pero aún arrastramos ese momento histórico en la actualidad. Es bonito poder acercárselo a través del teatro, que lo conozcan y profundicen en ello.

-Según Andrés Lima,  la función le plantea a espectador preguntas como “¿Cómo y por qué se apoya un régimen basado en la represión? Siendo un ser humano ¿cómo no se es humanista? ¿Y hoy? Antes la ultraderecha se imponía por golpes de estado, pero hoy son votados en las urnas. ¿Por qué?”. ¿Estás de acuerdo con él?, ¿Por qué?

NATALIA. Son preguntas que nos deberíamos hacer como seres humanos. ¿Por qué producir dolor en el prójimo para conseguir un beneficio propio?. Me encantaría que esta función pudiese llevar a ese tipo de reflexiones.

MARÍA. En todas ellas me parece que late la misma cuestión de fondo. Mientras tengamos sistemas gubernamentales, educativos, económicos, laborales cuya prioridad no sea preservar la dignidad de cada vida, tendrán cabida todas las rabias y avaricias posibles que se acaban volviendo muy destructivas.

-¿Por qué es importante la música en esta obra? ¿Qué destacarías de la interpretación del coro de Madrid?

PACO: La música es una pieza fundamental en la obra porque enmarca muy bien todos los episodios por los que se va pasando. Oxigena los momentos más dramáticos que son ejecutados con una belleza que sólo el Coro de Jóvenes de Madrid puede llevar a cabo. Además de cantar hacen mucho más durante la función, están continuamente presentes y son una pieza fundamental de ‘1936’.

En el elenco también están Cristina Arias (que interpreta a José Antonio Primo de Rivera, a Von Richthofen, a Rosario La Dinamitera, entre otros), Juan Vinuesa (Francisco Franco, Norman Bethune, Ramiro de Maeztu, entre otros), Mamen Camacho (La Pasionaria, General Rojo y Mika Etchebéhère), Antonio Durán “Morris” (Queipo de Llano, Obispo Antonio Montero y Nicolás Franco) y Guillermo Toledo (el General Yagüe, Alfonso XIII y el General Miaja, entre otros). Es una coproducción del Centro Dramático Nacional, Check in Producciones y El Terrat.