En el segundo año de la dirección artística de Sabela Mendoza y Gena Baamonde, la MIT continúa apostando por la creación contemporánea, la diversidad de lenguajes y formatos y la capacidad de la escena para activar el pensamiento crítico, la emoción compartida y nuevas formas de relación con el presente. La edición de 2026, inspirada en las ideas de cita, eco y reverberación, reivindica la escena como celebración colectiva y espacio de encuentro.

El programa concede un lugar especial a cuestiones como el encuentro con la memoria histórica y la resistencia democrática, la exploración de la música en escena y la celebración de la diferencia y del encuentro con la alteridad. Con atención también a las nuevas dramaturgias y a las propuestas comunitarias y de apoyo a la creación, la programación busca generar conversación y «dejar huella».

La accesibilidad es una de las principales novedades de esta edición, que inicia una línea de trabajo para incorporar progresivamente medidas como la audiodescripción y la interpretación en lengua de signos, con el objetivo de avanzar hacia un festival más inclusivo y participativo. Cinco espectáculos de la programación contarán ya con estos recursos.

Uno de los grandes ejes de la MIT 2026 será la memoria histórica como herramienta para pensar el presente, con espectáculos como ICTUS (anatomía de «A derradeira leición» de Castelao), de Chévere, que reflexiona sobre la memoria democrática, los efectos del olvido y la transmisión de las historias colectivas a partir de la emblemática pintura de Castelao. A Fortaleza, de A Feroz, recupera la memoria de las guerrilleras antifranquistas gallegas; y José Afonso, ao vivo nos Coliseus 1983, de Teatro Experimental do Porto, es una propuesta escénico-musical que revisita el legado político y cultural de Zeca Afonso y de la Revolución de los Claveles.

Desde una dimensión autobiográfica y política se presenta Mi madre y el dinero, de la compañía mexicana Pornotráfico. También desde México, El cuerpo vacío, de la compañía Cuatro x Cuatro, aborda los cuerpos como lugar de pensamiento poético y político.

La presencia de la música y del sonido constituye otra de las líneas fundamentales de esta edición, que reivindica su capacidad para construir experiencias compartidas. Procedentes de Galicia, el espectáculo Mercedes máis eu, de Janet Novás y Mercedes Peón, elige Ribadavia para su despedida de los escenarios, y la creadora gallega Cris Balboa presentará Roland Mon Amour, una pieza atravesada por la música electrónica y el humor que reflexiona sobre la creación artística contemporánea.

También regresa la compañía Ibuprofeno Teatro, Premio del Público de la MIT 2025, con su último espectáculo, Bioconstrución, con música en directo de Macarena Montesinos, una reflexión metafórica sobre el fracaso, la crisis climática, la injusticia del sistema inmobiliario, el amor y la sociedad contemporánea.

Por otra parte, se presentarán dos estrenos en Galicia: el de la artista canaria Paula Quintana con Atlas de anatomía, un premiado solo de movimiento acompañado por un coro de voces en directo; y el de la compañía vasca Altraste Danza, con el espectáculo de calle El bolero, que celebra la fuerza de la icónica composición musical de Ravel.

La MIT reafirma también su apuesta por aquellas propuestas que exploran nuevas formas de relación con la diferencia y con las múltiples maneras de habitar el mundo. En este ámbito presenta tres estrenos en Galicia: Estudio para una extracción, de la coreógrafa brasileña Poliana Lima, una investigación en torno a lo invisible y lo fantástico presente en los cuerpos; Hospital de Campo, de Societat Doctor Alonso, que aborda con humor los cuidados como práctica colectiva; y Enchivas, de la creadora gallega Begoña Cuquejo junto a la matemática y performer mexicana Erika Roldán.

En la programación está también Jérôme Bel, emblemática creación del reconocido coreógrafo francés, interpretada en esta ocasión por la actriz y performer gallega María Roja, en una colaboración con la Bienal de Artes Vivas de Pontevedra que permite la primera traducción al gallego de esta obra.

La MIT 2026 refuerza igualmente su apuesta por las artes vivas y los formatos experimentales, como las muestras abiertas que realizarán los dos proyectos en residencia artística de la Mostra: ZOOMBIES, del artista brasileño afincado en Portugal Pedro Vilela, que utiliza la figura del zombi como metáfora de la producción del miedo y de la construcción histórica del enemigo externo; y El discurso, de la creadora andaluza Rosa Romero, que cuestiona quién ocupa históricamente el lugar de la palabra. Se presentará por primera vez en Galicia Acción Pálpito, de la plataforma valenciana Diàleg Obert, que pone en diálogo performance y literatura a partir de la reinterpretación de las greguerías de Ramón Gómez de la Serna.

La joven compañía gallega Alomais Teatro presentará una lectura performativa de O Miradoiro, texto de Isa Fernández ganador de la última edición del Premio Abrente de Textos Teatrales 2025, que abrirá el programa de la Mostra.

La dimensión comunitaria estará presente con Ribadavia 26, resultado del trabajo desarrollado durante dos años por el colectivo gallego-andaluz A Volátil junto al vecindario de la villa. La participación ciudadana se extiende también a proyectos como Colapso, laboratorio de creación para la juventud sobre las consecuencias de la crisis climática, coordinado por Juan Ayala y Miguel Oyarzun.

Especialmente dirigidos a públicos de todas las edades, la MIT acogerá espectáculos de calle como la premiada pieza de circo 361º, de la compañía andaluza Proyecto Tránsito; el humorístico El peor espectáculo del mundo. De momento!, de la mítica compañía vasca Zanguango Teatro; Circanelo, del gallego Fredi Muíño (Cía N+1); y la versión de calle de MONTE, de la compañía gallega Laboratorio Escénico. Además, la MIT acoge Berenguela na gaiola, de Galeteatro y Xarope Tulú, obra ganadora del Certamen Manuel María de Proyectos Teatrales 2024.

La programación paralela incluirá diversas actividades de formación, encuentro e investigación artística. Del 17 al 25 de julio. Ribadavia (Orense).

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En la 72ª Edición del Festival habrá 9 espectáculos en el Teatro Romano de Mérida y 7 montajes en el Teatro María Luisa y muchos más en las extensiones de Cáparra, Medellín y Regina. Hablamos con Jesús Cimarro, su Director.

-¿Cuáles son las coproducciones de este año del Festival con otras compañías?

Arrancamos esta edición con “Spartacus”, del Düsseldorg Ballet Theatre, con Miguel Ángel Muñoz como narrador, para posteriormente recibir a “Electra Jonda”, una coproducción con los Teatros del Canal de Madrid, con elementos del flamenco y que contará con Carolina Lapausa, Juan Gea, Alejandra Torray o María Garralón, entre otros grandes actores.

“Timón de Atenas”, con Pepe Viyuela al frente del elenco, es una coproducción con Bombonera de un clásico de Shakespeare. Repetimos la colaboración con Losdedae en “Bacanal”, una obra que mezcla teatro y danza, escrita por Juan Carlos Rubio y dirigida por Chevi Muraday que contará con grandes nombres como Carlos Hipólito, Toni Acosta, Juana Acosta y el propio Chevi Muraday.

La comedia tendrá un papel destacado en esta edición, con títulos como “La comedia de la olla”, protagonizada por Carlos Sobera y dirigida por Juan Luis Iborra o “Cómicos de Roma”, que supone el debut de Fernando Tejero en el Festival. Y también celebraremos la vuelta a los escenarios de Lydia Bosch en “Fedra”, entre otros actores.

Después se representará “El viaje de Edipo”, protagonizada por José Antonio Lucía y Marcial Álvarez, entre otros actores.

Y cerraremos el festival con un musical, “Las 9 musas”, una producción extremeña cargada de humor y protagonizada por un genial elenco de 9 mujeres como Angy Fernández, Clara Alvarado, Nerea Rodríguez o Carmen Conesa.

-¿Por qué habéis elegido el lema “Clásicos del pasado, emociones del presente”? ¿Qué queréis transmitirle a los espectadores que vayan a disfrutar de este Festival?

Porque resume perfectamente la esencia del Festival y, en realidad, la razón por la que seguimos representando textos escritos hace más de dos mil años en un escenario tan extraordinario como el Teatro Romano de Mérida. Con este lema queremos transmitir que los clásicos no son piezas de museo ni obras alejadas de nuestra realidad. Al contrario, son textos vivos que continúan interpelándonos, emocionándonos y ayudándonos a reflexionar sobre nuestro presente. Cada representación es un puente entre dos tiempos: el legado cultural del pasado y las inquietudes del espectador contemporáneo.

A quienes vengan a disfrutar del Festival queremos decirles que vivirán una experiencia única. No solo asistirán a grandes espectáculos teatrales, sino que sentirán cómo la historia, el arte y la emoción se unen en un espacio cargado de belleza y significado. Nuestro deseo es que salgan con la certeza de que los clásicos siguen teniendo mucho que decirnos y que, en cada verso y en cada escena, late algo profundamente actual y humano.

-¿Qué dos retos os habéis planteado tú y tu equipo en esta edición?

Mantener la excelencia artística que caracteriza al Festival y, en segundo lugar, seguir acercando el teatro clásico a nuevos públicos.

El primer reto consiste en estar a la altura de una cita cultural con una trayectoria y un prestigio extraordinarios. El Festival de Mérida no es solo el más antiguo de España dedicado al teatro clásico, sino también una referencia internacional.

Eso nos exige ofrecer una programación de máxima calidad, con propuestas rigurosas, innovadoras y capaces de emocionar al público en un escenario tan emblemático como el Teatro Romano de Mérida. Nuestro compromiso es honrar ese legado y, al mismo tiempo, seguir renovando la mirada sobre los textos grecolatinos.

El segundo gran reto es lograr que el Festival continúe creciendo en diversidad de espectadores. Queremos que quienes ya sienten pasión por los clásicos sigan encontrando montajes memorables, pero también que las nuevas generaciones descubran que estas historias hablan directamente de sus propias inquietudes. Para ello apostamos por propuestas accesibles, actividades paralelas y formatos que conviertan el Festival en una experiencia cultural abierta, cercana y participativa.

-“A Paz” y “Spartacus” son dos de los montajes de compañías de fuera de España. ¿Qué destacarías de ambos?

Ambos representan a la perfección una de las grandes vocaciones del Festival: abrir nuestras puertas a miradas internacionales que enriquecen el diálogo entre los textos clásicos y la sensibilidad contemporánea.

De “A Paz”, que llega desde Portugal, destacaría su capacidad para recuperar el espíritu satírico y profundamente humanista de Aristófanes. Aunque fue escrita hace siglos, la obra lanza un mensaje de enorme actualidad: la necesidad de defender la concordia y el entendimiento en tiempos convulsos. Es un montaje lleno de inteligencia, humor y frescura, que conecta de manera muy directa con el público actual.

En cuanto a “Spartacus”, sobresale por su fuerza escénica y por la vigencia del personaje que inspira la obra. La producción ofrece una puesta en escena de gran intensidad, capaz de emocionar y de invitar a la reflexión sobre cuestiones que siguen siendo plenamente contemporáneas.

Además, tenemos una tercera producción internacional que es un pasacalles llegado desde Colombia llamado “Regresos de Ulises: La Odisea”, con música en vivo y único en el mundo.

-Habéis presentado esta edición en Lima (Perú). ¿Por qué es importante e interesante dar a conocer este Festival fuera de España?

Presentar el Festival en Lima es una forma de reforzar su vocación internacional y de acercar nuestra programación a nuevos públicos. Los clásicos forman parte de un patrimonio universal y sus historias siguen emocionando a espectadores de cualquier país.  Además, en esta edición hemos puesto en marcha el Premio “Odiseo y Penélope”, una iniciativa impulsada por el Festival de Mérida y la Cátedra Vargas Llosa, centrado en textos teatrales de temática grecolatina escritos originalmente en castellano.

-Imagínate que estamos en el 31 de Agosto de 2026, ya ha terminado el Festival… ¿Con qué resultados te sentirías más que satisfecho?

Si conseguimos emocionar al público, mantener la excelencia artística y seguir creciendo en proyección, podremos considerar que esta edición habrá sido un verdadero éxito.

-¿Cuáles son las tres principales señas de identidad de este Festival que le sigue haciendo diferente de otros?

Creo que hay tres señas de identidad que hacen único al Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida. La primera es, sin duda, el Teatro Romano de Mérida, un escenario incomparable donde el público puede disfrutar de los clásicos en el mismo espacio para el que fueron concebidos hace más de dos mil años.

La segunda es la capacidad del Festival para demostrar que los textos grecolatinos siguen plenamente vivos y conectan con las emociones y los debates de nuestro tiempo. Y la tercera es su vocación internacional, que convierte a Mérida en un punto de encuentro entre artistas, compañías y espectadores de distintos países unidos por una misma pasión por el teatro clásico.

– ¿Por qué deberían acercarse nuestros lectores a Mérida a disfrutar de este Festival y, de paso, a conocer esta ciudad ?

Porque pocas experiencias culturales pueden compararse con asistir a una representación en el Teatro Romano de Mérida bajo las estrellas. El Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida ofrece la oportunidad de disfrutar de grandes espectáculos en un escenario único en el mundo, donde los clásicos cobran una fuerza especial. Y, además, Mérida es una ciudad extraordinaria, con un patrimonio histórico incomparable, una excelente gastronomía y una gran hospitalidad. Quien viene al Festival no solo disfruta del mejor teatro clásico, sino también de una experiencia cultural y turística completa que deja una huella imborrable.

Del 3 de Julio al 30 de Agosto. Mérida (Badajoz).

«El hilo argumental que unirá a gran parte de las obras será el amor, el deseo y sus laberintos presentes», según ha comentado Benjamín Sevilla Herrán, el codirector del Festival.

En la Corrala del Palacio del Caballero y en el Centro de Artes Escénicas San Pedro, sus dos espacios escénicos principales, se podrán ver trece espectáculos, fruto de una selección cuidadosa de las propuestas que ofrecen las principales compañías del género.

Lope de Vega será el invitado principal en esta edición, como no podía ser menos para celebrar un número tan redondo en la Villa del Caballero. Y no hay mejor manera de arrancar que con la puesta en escena de El caballero de Olmedo, llevada a escena por la CNTC y dirigida por Laila Ripoll.

Otros dos espectáculos de Lope, La dama boba (de Octubre Producciones, con versión de Xus de la Cruz y dirección de Josep María Mestres) y La vengadora de las mujeres (una versión de Alfonso Plou y María López Insausti y dirigida por Carlos Martín), darán testimonio del dominio de todos los registros trágicos, dramáticos y cómicos del conocido en su época como el Fénix de los Ingenios.

No faltará el otro grande de la escena española, Pedro Calderón de la Barca, en su faceta de prodigioso urdidor de cómicos enredos. Y pocos son tan magistrales como los de Casa con dos puertas (de Verbo Producciones).

Pero estarán también Cervantes (El retablo de las maravillas de El Joglars en versión de Albert Boadella y Ramon Fontserè y dirigido por Boadella)

Rojas Zorrilla (Entre bobos anda el juego. De Morboria Teatro), Moreto (El lindo don Diego de Mic Producciones, en versión de Fernando Sansegundo y dirección de Borja Rodríguez) o Claramonte (a partir de su obra «La estrella de Sevilla», se representará una versión de la compañía Elprecio delpeine & Arena Teatro y Danza, bajo la dirección de María Rodríguez).

La cuota internacional no puede estar mejor representada que por Shakespeare (Timón de Atenas. Una producción del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y Bombonera, en versión de Joaquín Hinojosa y Hernán Gené) y Molière (Don Juan en los infiernos. De Teatro Cheymoche).

La vigésima edición hará posible una vez más algo que es uno de los puntos fuertes del Festival: la concentración de sus actividades, con horarios que permiten que en diez días se pueda asistir a los trece espectáculos. A los que acompañarán otras propuestas (y es también una de sus señas de identidad), como el curso de interpretación especializado y las Jornadas sobre teatro clásico, con participación de primeras figuras de los distintos campos, en esta ocasión para tratar de las relaciones de los clásicos con el cine, con el mundo digital o con la educación.

Del 17 al 26 de Julio. Olmedo (Valladolid).

Más de una veintena de propuestas a concurso protagonizarán la 25ª edición del Certamen Internacional de Coreografía Burgos & Nueva York, que, entre los días 19 y 24 de julio, convertirá distintos escenarios de la ciudad de Burgos en un escaparate para acercarse a la creación dancística emergente y más actual.

Habrá propuestas de danza contemporánea y urbana (que compiten en la sección ‘Danza en el teatro’), obras concebidas para espacios no convencionales (como las que podrán verse junto a la Catedral en el apartado ‘Bailando con piedras’), un certamen para coreografías grabadas con dispositivos digitales y un amplio abanico de actividades paralelas conviven en un festival que repartirá 37.000 euros, consolidándose, así, como una de las citas coreográficas del mundo que destina un mayor volumen de galardones a los participantes.
La programación arrancará el domingo 19 con una gala conmemorativa del 25º aniversario que reunirá obras de destacados coreógrafos internacionales. Es el caso de ‘State of Mind’, trabajo del creador brasileño Ricardo Fernando, director del State Ballet Augsburg, y de ‘Birdy’ y ‘Push and Pull’, trabajos del taiwanés Lai Hung-Chung Lai, además de una cuarta pieza que firma Amaury Lebrun.

El lunes 20 será el turno para ‘Moving spaces’, un encuentro con la danza urbana que incluye batallas, shows y talleres gratuitos dirigidos a todos los públicos. Ese mismo día, el artista plástico Christian Sánchez, Sasa, iniciará la composición de un mural en grafiti de gran formato sobre la fachada de una vivienda emplazada en el centro histórico de la ciudad.
El 21 de Julio los espectadores podrán disfrutar de los seis montajes que compiten en la sección ‘Bailando con piedras’, que repartirá 6.000 euros en sus tres premios (con primer galardón de 3.000 euros, el segundo de 2.000 euros y un tercer reconocimiento con una cuantía de 1.000 euros). Este concurso reúne cada año propuestas de danza de cualquier lenguaje o estilo creadas para ser exhibidas en entornos públicos y cuyo motor principal es la interacción con el espacio y la cercanía con el espectador.
El 22 y el 23 de julio, el Teatro Principal acogerá las creaciones seleccionadas en ‘Danza en el Teatro’, competición que congrega en el mismo escenario piezas de danza contemporánea o de danza urbana, más próximas éstas últimas a los códigos del hip-hop, el house, el bboying o el
breaking, así como las nuevas fusiones con otros lenguajes actuales.
Los 16 trabajos finalistas (agrupados en dos semifinales) se disputarán en la final del viernes 24 de julio un total de 27.000 euros en galardones.
Además, los finalistas de esta competición podrán optar al Premio del Público, un galardón dotado con 1.000 euros que conceden los espectadores con sus votaciones y al Premio Sara Sáinz, con una dotación con 2.000 euros.
Y se invitará al público a disfrutar de otras propuestas y de actividades paralelas.

El Certamen Internacional de Coreografía Burgos & Nueva York está dirigido por el coreógrafo Alberto Estébanez y organizado por CIDANZ Producciones-Ballet Contemporáneo de Burgos.

Festival Danza en el Camino

Como prólogo al Certamen, la creación coreográfica contemporánea volverá a encontrarse este verano con el Camino de Santiago en una nueva edición de Danza en el Camino.

El festival itinerante, patrocinado por la Junta de Castilla y León y con el respaldo de otras administraciones, recorrerá del 1 al 19 de julio 18 enclaves patrimoniales de Aragón, La Rioja, Castilla y León, Galicia y País Vasco con una programación que reúne tres obras seleccionadas y dos propuestas invitadas, consolidando una cita que convierte el espacio público en escenario y acerca la danza actual y las artes del movimiento a públicos diversos.

Las tres propuestas seleccionadas este año llevan el sello del creador taiwanés Taboeh a ’Oebay Tataysi, los italianos Giovanni Leonarduzzi y Lia Claudi Latini, componentes de la Cia Bellanda, y el coreógrafo costarricense Adrián Arriaga, que presentará un trabajo realizado en colaboración con la compañía Sólodos, que forman Erick Jiménez y Maruxa Salas. Tres piezas concebidas para espacios no convencionales que dialogan con el tránsito, la identidad, la memoria, la naturaleza y las relaciones humanas a través de lenguajes coreográficos heterogéneos.

Programación de Almagro 49:

Entre otras obras, están programadas La Compañía Nacional de Teatro Clásico que estrenará el 2 de julio su nueva propuesta de ‘El caballero de Olmedo’ de Lope de Vega. Con versión y dirección de Laila Ripoll y con David Lorente, Elisabet Altube, Víctor Sáinz, Arantxa Aranguren y Clara Cabrera en el reparto.

La veterana compañía Teatro del Temple, con la coproducción de la CNTC, representará ‘La vengadora de las mujeres’ de Lope de Vega, con Silvia de Pé, Secun de la Rosa, Lorena Berdún e Itziar Miranda, entre otros.  También  ‘La dama boba’, dirigida por Josep María Mestres.

Alfonso Lara lidera el elenco de ‘El lindo don Diego’ de Agustín Moreto y ‘Entre bobos anda el juego’ de Rojas Zorrilla es la nueva producción de Morboria de la que también se podrá disfrutar.

Ana Wagener, bajo la dirección de Aitana Galán, reimagina el personaje femenino central de ‘Fuenteovejuna’ en ‘Laurencia’ (de Alberto Conejero) y Farah Hamed, Mina El Hammani y María Moreno representarán ‘Cautivas por Cervantes’. 

También ‘Palabra de perro’ de Juan Mayorga, con dirección de Rakel Camacho o ‘R&J’, que es una nueva vuelta de tuerca a ‘Romeo y Julieta’ versionada por María Goiricelaya.

De Danza estarán las piezas ‘Bruja!’, de Manuela Barrero dlcAos y la compañía Aracaladanza representará ‘Va de Bach’, entre otras propuestas. 

Del 2 al 26 de Julio. Almagro (Ciudad Real).

La XXV edición de este Festival (organizado por el Ayuntamiento de Alcalá de Henares y la Comunidad de Madrid) presenta una amplia y variada programación con más de 25 estrenos y cerca de 60 propuestas escénicas.

“Clásicos en Alcalá” celebra un cuarto de siglo convertido en uno de los grandes referentes de las artes escénicas dedicadas al Siglo de Oro. Bajo el lema “Celebra los clásicos”, el festival reúne en esta edición una programación que combina tradición, contemporaneidad con diferentes propuestas y formatos para todos los públicos.

Al frente de esta edición tan simbólica se encuentra Clara Pérez, quien “reivindica el poder del teatro clásico como espacio de encuentro, emoción y reflexión compartida.” Coproducciones entre España e Hispanoamérica, grandes nombres de la escena y nuevas miradas sobre los textos áureos conviven en una programación que convierte nuevamente Alcalá de Henares en un gran escenario abierto. 

-¿Qué significa para este Festival alcanzar esta edición tan especial y qué espíritu ha guiado la programación de este año?

Me siento muy afortunada de estar ocupando el cargo de directora artística justo cuando coincide este aniversario (un cuarto de siglo, se dice pronto), porque lo he vivido desde el principio, a veces como espectadora, otras como compañía dentro de la programación para estrenar en este Festival, que siempre ha sido un lujo, con espacios mágicos, un público cálido, y donde nos sentíamos muy bien tratados.

Ese es el espíritu: “Celebración”. Queremos festejar esa satisfacción que compartimos los amantes de las Artes Escénicas, convencidos de que el Teatro del Siglo de Oro Hispanoamericano seguirá siendo un espacio de encuentro, reflexión y emoción por muchos años.

-Uno de los montajes más esperados de esta edición es “Amor es más laberinto”, de Sor Juana Inés de la Cruz. ¿Qué representa para el festival recuperar una obra tan singular y hacerlo además en un espacio tan emblemático como el Corral de Comedias?

Es una coproducción entre España y México. Destacaría la riqueza que aporta al proyecto, con un equipo mitad español, mitad mexicano. Autoría, música, vestuario, asesoría de verso y seis intérpretes son de México; y la dirección, espacio escénico, iluminación, coreografías y otros seis artistas son de España.

Con dramaturgia y dirección de Abel González Melo, producción de Fundación Teatro de la Abadía con INBAL y Coordinación Nacional de Teatro y ENAT (México).

Es una comedia escrita en colaboración. Sor Juana Inés de la Cruz -primera autora mexicana que escribió en español- escribe los actos primero y tercero, y Fray Juan de Guevara el segundo acto.

-Rafael Álvarez “El Brujo” regresa una vez más al festival con una nueva aproximación al repertorio clásico. ¿Qué tiene su forma de dialogar con los textos del Siglo de Oro que conecta tan bien con el público de Clásicos en Alcalá?

“El Brujo” conecta bien con todos los públicos, parece que habla a cada persona sentada en el patio de butacas, de uno en uno. Es un comunicador excelente. “El Lazarillo” lleva girando más de 35 años y siempre aporta algo nuevo. Hay mucho talento en esta producción con dramaturgia de Fernando Fernán Gómez.

-“Clásicos en Alcalá” vuelve a convertir la ciudad en un gran escenario abierto con propuestas de calle, espectáculos musicales y actividades pensadas para todos los públicos. ¿Qué importancia tiene esa programación más abierta y festiva a la hora de acercar el Siglo de Oro a espectadores de todas las edades?

Queremos ofrecer una experiencia singular al público y también al paseante ocasional, compartiendo la magia del Teatro. Inauguran el festival el 12 de junio “The bike clickbox”, un fotomatón itinerante y otras piezas familiares como “De fanfarrias y maravillas” de Arlequina y Pablo Méndez; “La Alcarabía de los Clásicos” de generacionARTes, “Marcha barroca” con la Banda Sinfónica Complutense; “Big Dancers”, un espectáculo de marionetas gigantes y “Quixote” de Grupo Puja.

Y la clausura será por todo lo alto: Criaturas insólitas en “Sátiros y demonios”, la batucada de Alea Teatre, El pasacalle “Quimera” de LA FAM y “Bestias Ígneas” de L´Avalot Teatre.

En las calles y plazas habrá folclore con el Ballet Andino-Ecuatoriano Quitus Madrid y Leyendas de México con Mariachi Reyes; talleres (“Pinta los clásicos” de Gaac, Mon y sus Caricaturas de oro fino, Légolas A lo loco); poesía (“Lluvia de palabras” de Visitants, o “Cabinas literarias” de Proyecto Cultura).

-Este año tenéis otra Numancia, una de las grandes tragedias de Cervantes, un monólogo.  Además de las grandes obras, ¿qué cabida tienen en el festival propuestas más modestas de compañías habituales en otros circuitos?

“Habla, Numancia” es un espectáculo unipersonal dirigido por la argentina María Eugenia Muñoz Orozco, con Miguel Ángel Quirós en escena. El texto de Cervantes está más vigente que nunca, y eso debería horrorizarnos.

-En esta edición encontramos también propuestas que mezclan teatro clásico y música en directo, como el espectáculo protagonizado por Paloma San Basilio, o danza con Chevi Muraday. ¿Qué otras propuestas se podrán disfrutar?

Por ejemplo, “La esencia flamenca del Siglo de Oro” de Vicente Soto ‘Sordera’; “La Gallarda” con Silvia Marsó dirigida por Yayo Cáceres, con la Orquesta Filarmónica Cervantina de las 25 Villas; “Don Giovanni” con la Orquesta MDC y Katharsis Ensemble; “El lindo Don Diego” con la dirección de Borja Rodríguez, entre otros.

Y la danza contemporánea en el 30 aniversario de LOSDEDAE;  “Nascencia” del Ballet Español de la Comunidad de Madrid… y mucho más. 

-¿Y de las coproducciones internacionales?

“Los locos de Valencia”, con la dirección de Pepa Pedroche, de Teatros del Canal con Teatro San Martín de Buenos Aires; “El perro del hortelano” (Cuba, EEUU y España) dirigida por Carlos Díaz; “Cotidiáfonos clásicos” (España y Perú) de Bufa&sons–Xavi Lozano y “La dama boba”, dirigida por Josep María Mestres, que es una coproducción del Festival Hispanoamericano del Siglo de Oro. Clásicos en Alcalá con Octubre (España) y Ajedrez Eventos y Soluciones (México).

-Después de 25 años de trayectoria y reconocimientos como la Medalla de Oro de la Academia de las Artes Escénicas, ¿hacia dónde mira ahora Clásicos en Alcalá?

Cuando hace dos años la Academia nos concedió la medalla nos hizo muy felices. Ahora tenemos una programación de homenaje al pasado, celebración del presente y mirada ilusionada al futuro. Estoy convencida de que seguirá siendo un espacio de encuentro, reflexión y emoción. Hay mucha creación contemporánea que bebe de nuestros autores áureos. El festival seguirá llenando los escenarios de excelencia, las butacas de público y la ciudad de cultura. Ese es el futuro.

Y termina diciendo, “También quiero destacar que, dentro de ese homenaje al pasado, tendremos a compañías históricas como Teatro del Temple, Morfeo Teatro, Ángeles de Trapo, Malaje Solo, La Máquina Real, Tropos Teatro de Títeres, Fundación Siglo de Oro o Teatro Yeses. Y que  estrenamos en el Festival “Preciosa” de Alicia Merino, “Burladas” de Esther Berzal; “Patrañas cervantinas” de Daniel Llull y Jesús Teyssiere; “El mágico prodigioso” visto por Adolfo Simón, que es una fusión de títeres, máscaras y objetos; y “El Lazarillo y las cosas del comer” de Sol y Tierra y Teatro Percutor, con comida y cocinando. Son propuestas muy trabajadas de compañías que desde lo artesanal llenan los espacios y aportan al festival cercanía y realidad…” Del 12 de Junio al 5 de Julio. 

-Mal pelo, con su última producción “WE”, inaugura este Festival. ¿Cómo le presentarías a nuestros lectores esta coreografía?

Hablar de Mal Pelo siempre es hablar de perfección, de investigación artística permanente, lo que les ha llevado a un imaginario tremendamente personal. No hay grietas. Sus composiciones equilibran cada uno de los elementos que conforman la escena, los espacios sonoros, las composiciones coreográficas, la técnica impecable y siempre en espacios de una belleza plástica impresionante. Con “WE”, vuelven a esa búsqueda constante de obtener respuestas sobre el individuo y su papel en la comunidad, tomando como referencia el poema de John Berger “Separation” y trazando como recurso el principio básico del movimiento en su máxima expresión, el caminar.

-¿Algunas propuestas de compañías internacionales que te gustaría destacar?

Desde la poética irónica de la coreógrafa italiana Silvia Gribaudi y su “ROSA”, donde nos escenifica la expresión del cuerpo de la mujer y el rol social que se le asigna. A la fisicalidad de las propuestas de la francesa OUPS Dance Company, la perfección de movimientos de Patricia Crkovic & Tjasa Buscik de Eslovenia, o el dúo Empty Rooms de Francia. También el trabajo de la compañía italiana DanceHauspiù; de Duo Nux (con Alice Beatrice) y los cuestionamientos danzando  del coreógrafo alemán Jack Bannerman.

-¿Qué novedades destacables habrá esta edición respecto a la de otros años?

Contaremos con la colaboración de Cataluña (CataLAN Dance y ICEC/ Catalan Arts.) y de Galicia (Agencia Gallega de Industrias Culturales de la Xunta de Galicia), especialmente implicados este año en el Festival, para crear vínculos sólidos y dar visibilidad e impulsar la creación contemporánea de sus respectivos territorios.

También tendremos las V Jornadas Profesionales de Danza donde trabajaremos una hoja de ruta hacia el primer plan de impulso a la danza en Andalucía, que cristalice en un documento ambicioso las artes vivas y la danza, como un derecho cultural, motor de transformación y bienestar social y colectivo.

Y el proyecto Escuela de Futuros donde abordaremos la mediación artística y la educación expandida, en colaboración con redes de Colombia, Argentina y Portugal.

-Has declarado que “Cádiz en Danza” es un festival con un imaginario colectivo y donde la acción participativa es fundamental… ¿Sigues pensando así?

Por supuesto creo que es verdaderamente lo que define la identidad del festival. No creo que fuese posible defender un festival alejado de su contexto y de su propia comunidad y tampoco de la escucha activa del sector.

-¿Por qué es un Festival diferente?

No buscamos la diferenciación ni trazar un festival galáctico y único en su especie, pero si el que la ciudad necesita. Creo que podemos afirmar que hemos conseguido ir cumpliendo años siendo fieles a los propósitos que marcaron el inicio del Cádiz en Danza y quizás por esa labor de crecer de una manera frontal a su territorio, sin artificios y de una manera sostenible.

Somos un festival de kilómetro cero y eso nos gusta. Que escucha y que quiere seguir creciendo de esa manera, con base sólidas. El Festival se ha ido posicionando hacia esa participación, hacia la obra abierta y seguimos apostando por trabajos de espacio de mediación, cuestionamiento у de resignificación.

Otras propuestas de la Programación

Cerrará el Festival la bailaora y coreógrafa Rocío Molina (considerada como una de las principales renovadoras del flamenco contemporáneo). Su espectáculo «Calentamiento» ha sido creado y dirigido junto al dramaturgo y director Pablo Messiez, bajo la dirección musical del Niño de Elche y la colaboración de Cabosanroque.

Este año en el Gran Teatro Falla se sumará la propuesta Danzas Románticas de Montdedutor, un ballet inmersivo inspirado en escenas de los principales ballets del Romanticismo: Giselle, Coppelia, La Sylphide, Raymonda y Scherezade.

En el Teatro del Títere de la Tía Norica de la ciudad estarán las piezas de  las compañías La Venidera, Los Informalls, Olalla Hernández, Silvia Gribaudi y Nuria Guiu.

Y, además, se podrá disfrutar del «To be show», de Alberto Lucena en la Sala Central Lechera. Del 6 al 13 de Junio. Cádiz.

The post LORENA BENOT, DIRECTORA DEL festival internacional «CÁDIZ EN DANZA» first appeared on A ESCENA REVISTA.]]> https://aescenarevista.com/lorena-benot-directora-del-festival-internacional-cadiz-en-danza/feed 0 https://aescenarevista.com/festival-noches-clasicas-de-pedraza?utm_source=rss&utm_medium=rss&utm_campaign=festival-noches-clasicas-de-pedraza https://aescenarevista.com/festival-noches-clasicas-de-pedraza#respond Mon, 01 Jun 2026 17:50:10 +0000 https://aescenarevista.com/?p=274055 Celebrará su segunda edición con una programación ampliada que incluirá ocho conciertos durante el verano. Tras el éxito de su primera edición, el festival consolida su propuesta con un recorrido musical que abarca desde el Barroco hasta el Romanticismo y la ópera, incorporando este año dos nuevos programas: uno dedicado a Johann Sebastian Bach y […]

Además, su programación cuenta con actividades de calle, obras para el público infantil, música y un taller teatral con Yayo Cáceres, entre otras. Además de en la plaza de San Jorge, la programación se desarrollará en el Museo de Cáceres, la Fundación Tatiana Pérez de Guzmán el Bueno, el Gran Teatro, la plaza Mayor, el Palacio de Carvajal, la Escuela Superior de Arte Dramático de Extremadura, El Corral de las Cigüeñas y la Filmoteca de Extremadura. 
Éstas son algunas de las obras programadas en el Festival:

El retablo de las maravillas. ElsJoglars reflexiona sobre la vigencia del engaño y la manipulación en la sociedad actual, comparándola con la obra de Cervantes.

El festival empezará las funciones de «Escena Clásica» el jueves 11 de junio con el ballet Romeo y Julieta, cuya música compuso Sergei Prokofiev.

En total se representarán diez obras en la Escena Clásica, tres en Las Notas Clásicas, tres en El Rincón Infantil del Clásico y cuatro en Las Piezas Clásicas, más la Noche de Picos Pardos, el pasacalles, un taller-campamento infantil y El Laboratorio del Clásico.

Dulcinea es una de las grandes apuestas del Festival. El dramaturgo Juan Carlos Rubio escribió esta obra expresamente para Paloma San Basilio. Rubio da voz a la amada de Don Quijote, que éste inventa para su consuelo. En este montaje, en el que Paloma San Basilio actúa y canta acompañada al piano por Julio Awad, Dulcinea habla de sí misma, sin idealización alguna, en primera persona. En el Gran Teatro de Cáceres.

El primer estreno absoluto del festival (domingo, 14 de junio) es una coproducción entre Portugal y Extremadura. La compañía portuguesa Umcolectivo presenta con Actos Íntimos, del actor Santi Senso, Pândiga, una revisión de la comedia Farsa das Ciganas de Gil Vicente, que en 1521 informaba sobre la llegada del pueblo gitano a Portugal. El montaje establece un paralelismo entre aquellos gitanos que arribaban a un país ajeno y los inmigrantes que hoy vienen de fuera con la aspiración de hallar en Europa un lugar de posibilidades de vida y trabajo.

El Brujo representará Lazarillo de Tormes, que ha mantenido hace varias décadas en su repertorio.

Y un día el actor Pepe Viyuela tuvo noticia de la historia de Guiton Onofre y decidió que la llevaría a escena y la protagonizaría. Un relato escrito por Gregorio González en 1604, que cuenta la vida de un joven desde su infancia hasta su desarrollo vital y sus azarosas andanzas.

Y también se podrá disfrutar de La vengadora de las mujeres, una versión de la comedia de Lope de Vega, en una coproducción de Teatro del Temple y la Compañía Nacional de Teatro Clásico y de El lindo Don Diego, de Agustín Moreto. Con Alfonso Lara, Mariano Estudillo y Alba Recondo, entre otros. De Mic Producciones.

Un cóctel benéfico el lunes 29 de Junio en el Gran Teatro a favor de la Asociación Española Contra el Cáncer (AECC) clausurará esta edición junto al último espectáculo infantil Quijote y un aniversario muy especial de la compañía Emulsión Teatro al día siguiente.