Es una de las comedias de enredo más conocidas y representadas del dramaturgo Lope de Vega. Ahora es llevada a escena por un gran elenco de actores y actrices en una nueva adaptación escrita por Xus de la Cruz y dirigida por Josep María Mestres. Hablamos con Carolina Rubio, Silvana Navas, Carlos Serrano y Pablo Béjar.

CAROLINA RUBIO
-¿Cómo es Finea?
Es muy ingenua, sin filtros y aparentemente torpe. Y su torpeza la convierte en objeto de burlas. Es una persona que no tiene filtros ni pudor en decir lo que piensa y a la que se la ha atribuido un roll dentro de su familia que se ha creído. Es un ser libre sin saberlo y muy transformable, tiene un gran potencial que despierta conforme avanza la función. No es el que amor la salve, es que se activa algo que ya estaba en ella…

-En el Madrid del S.XVI, Finea, heredera de una gran fortuna, es prometida en matrimonio con Liseo. Laurencio, el enamorado de su hermana Nise, interesado también en la dote de Finea, trata de enamorarla con palabras y requiebros que ella desconocía. Llegado el momento de la presentación de los prometidos, Liseo, decepcionado por el imprudente y “bobo” comportamiento de Finea, renuncia a casarse con ella… ¿Qué añadirías sobre la historia que nos narra esta obra?
Que más allá del enredo amoroso, la obra plantea una pregunta muy actual: cuánto de lo que somos es realmente nuestro y cuánto viene determinado por el entorno. Y en el caso de Finea, cuando cambia su entorno social, cambia también su forma de pensar y de entender el mundo.

– ¿De qué le habla tu personaje al público?
Habla de cómo la mirada de los demás y los roles que se nos atribuyen nos construyen. A lo largo de la obra, cuando cambia la forma en la que la ven, también cambia la forma en la que ella se percibe a sí misma. En este sentido, le habla al público de la importancia de no etiquetar, de no dar por hecho quiénes somos, porque todos estamos en constante transformación. Finea me parece un personaje muy luminoso, no cambia para encajar, sino que descubre una versión mas completa de ella misma, y eso conecta mucho con la idea de que todos tenemos partes aún por descubrir si se nos da el espacio adecuado.

-¿Qué párrafos de tu personaje destacarías? ¿Por qué?
“Nunca oscura yo seré; Los libros me han brindado, Astrolabio delicado, donde universos veré”
“Tu desataste y rompiste la oscuridad de mi ingenio”
“Yo no entiendo cómo ha sido.  Desde que el hombre me habló porque si es que siento yo, Él me ha llevado el sentido…”
Porque descubrirse a sí misma hablando con un lenguaje distinto y descubriendo el mundo con otra mirada y con otro conocimiento es algo que me fascina.

-¿Qué personalidad tiene Liseo?
Liseo es un personaje realista que encarna los valores tradicionales del matrimonio y la jerarquía social. Es racional y práctico y actúa movido por la lógica social y el prestigio. Es un caballero que da valor a la inteligencia.

CARLOS SERRANO
-¿Quién es Laurencio?
Es un disfrutón y un superviviente. Un seductor al que la vida le seduce. Al principio de la obra se enfrentará a tomar decisiones porque, aunque él quiera, no se puede tener todo, y a sacrificar y renunciar a una parte importante de él. Con todas las consecuencias que eso conlleva.
-Según Mestres, “La sensualidad y la belleza de los versos de Lope te desarman con una profundidad serena y una sencillez clara; con una complejidad transparente. Y siempre sientes que te habla de aquello que nunca hubieras podido expresar, pero que, sin duda, reconoces como propio”
Lope es adrenalina y a la vez pausa en el tiempo. Profundiza sobre el alma humana y nos hace pensar. Es alucinante como los versos de Lope, escritos en el siglo XVII, vuelven a nosotros con la misma vigencia.
-Si tuvieras que elegir varias escenas de tu personaje… ¿cuáles serían? ¿por
qué?
Cuando llega Liseo a la casa de Otavio. Y la escena con Finea del tercer acto. Y comenta que “Tenemos muchas ganas de compartir el resultado de los ensayos con el público que venga a vernos…”.

-¿Qué frases de tu personaje destacarías? ¿Por qué?
“Soy tan pobre como bien nacido”, es un buen verso para definir al personaje. Su pobreza, y evitarla, es la razón para tomar la decisiones que toma. “Se atreve a censurallos/quien no se atreve a entendellos”, más de 400 años después de ser escrito, no puede ser más actual este verso.
La obra habla de las pasiones cotidianas con las palabras mejor hilvanadas de la Literatura de nuestra lengua.

-¿Y una parte de la función que te encanta es…?
Uno de los pocos momentos en los que el personaje se queda solo, sin otros ante los que fingir o actuar de tal o cual manera. Es la parte en la que se ve claramente la honestidad más pura y brutal del personaje.

-¿Cuáles son los principales temas de los que nos habla esta función?
Esta obra trata del amor y de sus consecuencias. Cuando el amor te sorprende y te hace engrandecerte, y cuando el amor te abandona y te reduce a cenizas. El amor reflejado en muchas de sus variantes: el amor fraternal, el amor por admiración, el amor y la falta de él. Habla del miedo a la soledad, de lo imposible que es controlar los sentimientos, de la necesidad de sobrevivir en un mundo que dominan los hombres. Y, sobre todo, de lo necesarios que son la cultura, las letras y el conocimiento.
-¿Quién y cómo es Nise, tu personaje?
Es la hermana mayor de Finea. Nise es una mujer ávida de conocimientos, interesada en las letras, en la filosofía, en los versos y en la cultura. Ella cultiva el intelecto y el mundo de las ideas. Es un personaje elegante, educado, mental, racional y lógico. Es muy inteligente pero, como no tiene la misma dote que su hermana, no tiene tantas posibilidades para casarse como Finea. Creo que Nise es un personaje que se defiende de la situación mediante la cultura y el conocimiento, pero que es terriblemente vulnerable ante el amor.
-¿Por qué es diferente esta versión?
Creo que esta versión es diferente porque da espacio a que los personajes femeninos tengan voluntad propia y cierta capacidad de decisión, aunque respetando las palabras de Lope. La adaptación hace que se genere un punto de profundidad sobre los personajes femeninos. Por tradición cultural y social, los personajes femeninos han quedado relegados a las voluntades masculinas, y esta versión favorece que tanto Finea como Nise tengan un punto de vista y una opinión respecto a sus propias vidas, que no sean solo marionetas víctimas de los caballeros que las rodean, teniendo siempre en cuenta que hablamos de mujeres en el siglo de Oro.
-Según Mestres, “La pieza se centra en la transformación de la boba Finea. A través de ella vemos cómo, desde su aparente ingenuidad, va adquiriendo un conocimiento propio, un saber que se nutre del amor y de la curiosidad y que le permite desprenderse de las máscaras…” ¿Qué añadirías?
Que es una de mis obras favoritas de Lope. Mezcla amor, humor, sensibilidad. Soy muy afortunada de poder interpretar este personaje.

Completan el elenco Joaquín Notario, Markos Marín, Concha Delgado y Víctor de la Fuente.

Es una producción del Festival Hispanoamericano del Siglo de Oro CAM. Clásicos en Alcalá y Octubre Producciones. Fotografías de Javier Naval. Del 28 de Mayo al 14 de Junio. Teatros del Canal.

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“Si Miguel Delibes me enseñó a mirar, Fernando Fernán-Gómez me enseñó a escuchar. Durante unos años tuve el privilegio de estar cerca de él y escucharle, entre otras, la historia de Fernanda López, “la rubia”, su bisabuela, de la que heredó el color de pelo y que era de Valdelaguna, un pueblo al lado de Chinchón, el mío… Y de Carolina Gómez, costurera, la abuela que cuidó de su infancia como Natividad López cuidó de la mía. Fernán Gómez quiso ¿por qué no? ser Jackie Cooper, “el de “La isla del tesoro”, y también, decía, quería ser “escritor de novelas de Salgari”…

Con estos maravillosos párrafos nos presenta José Sacristán  “El hijo de la cómica”, un monólogo que, además de protagonizar, ha versionado y dirigido.

Para escribirlo, el actor se ha inspirado en la primera parte de las memorias de Fernando Fernán Gómez  (de 1921 a 1943) y en sus conversaciones privadas con el actor y director durante muchos años en los que compartieron viajes, cientos de conversaciones, confidencias, bromas…  Un homenaje al que Sacristán define como “mi gran amigo. El maestro”.

-En el escenario, das vida a trece personajes…

Sí. Ya hice una lectura dramatizada el año en el que Fernando Fernán Gómez hubiera cumplido 100 años y en el que daba vida a seis personajes.

Después escribí esta nueva función, más compleja y más arriesgada que aquella lectura.

-El monólogo nos habla de sentimientos y emociones como la ternura,  la melancolía…

Son historias de supervivencia, de ausencias, de miedos, de esperanzas, de sueños de libertad.

-Dices que Fernán Gómez te enseñó a escuchar. ¿A qué más te enseñó?

Tuvimos una amistad artística y humana que marcó mi trayectoria profesional. Me enseñó a conversar. A lo que es la capacidad de transformar… A disertar, a dialogar. Era un hombre que era capaz de hablar de forma inteligente hasta de lo que era disfrutar de beber un vino blanco.

-¿Te gustaría que le conociesen las nuevas generaciones?

Después de más de 60 años de carrera y a mi edad ya he aceptado que todo es efímero e intrascendente. Y que hay que ser humilde. ¿O saben muchas personas jóvenes quienes fueron Homero, Mozart o Esquilo?. No aspiro a que trascienda tampoco este monólogo. Me gustaría que los espectadores jóvenes vinieran a ver esta función pero también los de todas las edades.

-¿Qué se siente estando solo en el escenario?

Si hay un buen texto, hay un buen compañero en el escenario. Y también quiero que sea el público mi compañero de este viaje… Si hay un público al que le interese lo que cuento, ya tengo un buen compañero… Voy a contar historias como “se me antojaban las voces de su abuela y de la mía, la lejana de Carola, su madre, la de María, la criada analfabeta…”

La temporada pasada hemos estado de gira con el monólogo “Señora de rojo sobre fondo gris” de Miguel de Delibes. Con gran respaldo del público. Ahí está el triunfo.

-A Fernán Gómez no le gustaba hacer Teatro. ¿De esto también hablas en esta función?

Subirse a un escenario no le gustaba, no. Decía: “Me cuesta tanto memorizar un texto y soltarlo en un escenario que no me merece la pena…” Tenía mucho sarcasmo. Había algo en él que… Para conversar, tenías que despojarte de cualquier frase hueca. Era formidable.

-Has estado de gira con esta función por algunos teatros en España. ¿Cómo ha sido la reacción del público? ¿Te ha sorprendido alguna reacción o comentario de algún espectador en concreto?

A mí me sorprende cada día que veo el Teatro lleno. Me importa la calidad del público, que recibe este monólogo con aplausos. Estoy muy contento y les estoy muy agradecido.

Estoy recogiendo poco a poco el interés que está suscitando esta función…

-¿Sigues pensando que el Teatro “engancha”?

Por supuesto. Mientras “la madre naturaleza” me lo permita, seguiré actuando.

No pienso dar el espectáculo encima de un escenario tampoco porque esté en un estado de salud lamentable. Yo quiero seguir practicando lo que tiene de juego el ser actor.

-¿Qué destacarías de la puesta en escena de “El hijo de la cómica”?

En el escenario hay algunos objetos. Pocos. Los necesarios para apoyar las transiciones… Y tenemos proyecciones que sirven para situar al espectador en el contexto histórico.

También hay videos de Fernando Fernán Gómez. La escenografía audiovisual es de Juan Estelrich y el diseño de Iluminación de Tatiana Reverto.

Y termina José Sacristán diciéndole al público: “Confío en que me escuchéis con la misma o parecida emoción con la que yo le escuchaba a él, a Fernán Gómez, al nieto de la costurera…al hijo de la cómica.”

Es una producción de Pentación Espectáculos. Desde el 29 de Abril. Teatro Bellas Artes.

María Adánez y Ana Garcés son las dos actrices que protagonizan esta versión de Eduardo Galán de la obra que escribió Arthur Miller. Un drama familiar que avanza inevitablemente hacia la tragedia griega y que también interpretan José Luis García Pérez, Pablo Béjar, Rodrigo Poisón, Francesc Galcerán, Manuel de Andrés y Pedro Orenes.

Una función sobre los límites entre el deber y el deseo, sobre la lealtad y la justicia, con una puesta en escena muy cinematográfica.

-¿Quién y cómo es tu personaje? ¿Qué tipo de relación mantiene con el personaje de Eddie?

MARÍA ADÁNEZ: Beatrice es la mujer de Eddie Carbone (José Luis García Pérez). Representa el sentido común, el equilibrio, la intuición. Es una buena mujer. Es acogedora, cálida y escucha a los demás. Pero es una mujer también de esa época (de los años 50 en Brooklyn). Eddie y Beatrice han tenido una buena vida. Se han hecho cargo de esta sobrina que es la hija de mi hermana que murió.

Hasta la llegada de esos primos a la casa era una vida común, la de una familia humilde, de Brooklyn. Beatrice va a estar en todo momento intentando evitar lo inevitable, lo que ocurre al final de la función. Y de lo que ella es consciente desde la primera escena. Intuye lo que va a ocurrir y protege a su marido hasta el último momento.

ANA GARCÉS: Catherine es una chica joven, inocente al principio de la obra y muy ilusionada con la vida. Quiere crecer, descubrir el mundo, enamorarse pero todavía vive bajo la protección de sus tíos Beatrice y Eddie.  Es una joven sensible e impulsiva pero también decidida y valiente que, poco a poco, se empieza a atrever a tomar sus propias decisiones. Su relación con Eddie es complicada. Es su figura paterna. El concepto del amor de Eddie es una mezcla entre la protección y algo más oscuro que ni él mismo sabe gestionar. Yo creo que Eddie es un personaje muy trágico, porque está atrapado en lo que siente y no sabe cómo manejarlo, y eso le lleva a destruirlo todo.

-La obra está ambientada en los años 50 en el barrio de Red Hook, en Brooklyn (Nueva York). Eddie Carbone es un estibador que vive con su esposa Beatrice y con Catherine, la sobrina de su mujer. La llegada de dos inmigrantes ilegales, Marco y Rodolfo, desata una serie de conflictos que revelan las pasiones ocultas de Eddie…

MARÍA: Es una mirada precisa sobre esta familia y narra lo que le ocurre a Eddie Carbone cuando, de una manera inconsciente, se da cuenta de que está enamorado de su sobrina que, por su parte, se ha enamorado de uno de estos dos inmigrantes ilegales. Y empieza a darse cuenta de que hay un torrente de sentimientos hacia esa niña. Por otra parte, impide a Rodolfo (interpretado por Pablo Béjar), un pobre chaval, buena persona, disfrutar del amor que siente por Beatrice. Arthur Miller utilizó el tema de la inmigración ilegal de la época para denunciar a esa sociedad porque Eddie no es capaz de aceptar sus emociones y sus sentimientos hacia Beatrice. Termina denunciando a estos dos hombres a la Policía de Inmigración como forma de acabar con esa relación.

ANA: Es como una bomba emocional que va creciendo poco a poco. Todo parece tranquilo al inicio de la función. Pero, posteriormente, hay tensiones muy fuertes. celos, deseos ocultos, miedo… Cuando llegan Marco y Rodolfo a la casa todo eso explota. Es una historia muy humana en la que se sufre por la ruptura de una familia.

-Dice Eduardo Galán, el adaptador de esta obra de Arthur Miller que “En nuestra versión potenciamos el drama pasional y la conducta irracional de los personajes que se dejan dominar por el deseo…”. ¿Estás de acuerdo?

ANA: Sí, totalmente. En esta obra nadie actúa desde lo racional. Todos están movidos por emociones muy fuertes: amor, celos, orgullo… y eso hace que tomen decisiones que, aunque saben que no son las correctas, no pueden evitar tomarlas. Son personajes viscerales.

MARÍA: Tanto la versión de Eduardo Galán como la obra original tienen un esquema de tragedia griega, clásica. Me gusta mucho la idea que plantea Miller del hombre contra los instintos más profundos,   contra el Mundo, contra las leyes de la época. 

-Si tuvieras que elegir varias escenas de tu personaje, ¿cuáles serían?

MARÍA: Me gusta mucho la que tengo con mi sobrina en la que le digo que “tiene que empezar a crecer, que no se puede comportar como una niña, que tienen que tomar sus decisiones”. Está muy bien escrita. Y también me gusta mucho una escena que tengo a solas con Eddie en la que le digo:“No te preocupes. Ya volverán. Se han ido al cine pero no hay mayor problema en eso…”.

ANA: Una de las escenas que más disfruto es la primera, cuando llegan los primos inmigrantes a casa. Otra es la escena en la que Catherine le pregunta a Rodolfo que si se seguiría queriendo casar con ella si se tuviesen que ir a vivir a Italia. Y, obviamente, las escenas de su conflicto con Eddie. Son muy duras, pero muy potentes.

-Según tu opinión, ¿Qué ha aportado la particular visión de Javier Molina (actual codirector artístico del Actors Studio) al dirigir esta versión?

MARÍA: Mucha frescura, mucha verdad. Hay dos cámaras que toman planos de lo que está pasando, llevamos micros para que la proyección sea más íntima. Tenemos muchas veces la sensación de que estamos haciendo cine. Y hemos levantado esta función a base de muchas improvisaciones, para que los actores encontremos los movimientos necesarios y los personajes sean adecuados. Hemos construido todo el elenco la escenografía, hemos participado en todo el proceso. Ha sido un trabajo muy bonito. No ha habido una opinión externa impuesta sobre el montaje. Lo hemos descubierto entre todos.

ANA: Yo creo que Javier Molina ha conseguido que todo sea como más cercano y más crudo. No es una historia lejana o antigua,  la sientes muy presente. Ha sacado mucho la verdad de los personajes, sin adornos, y eso hace que el público conecte más. Además de haber focalizado mucho en la familia. Para él era lo más importante, que fuese lo más parecido a una familia de verdad.

-El abogado Alfieri (interpretado por Francesc Galcerán) es también el narrador en esta obra. Su personaje recuerda al coro de las tragedias griegas…

ANA: Alfieri es como la conciencia de la obra. Está ahí viendo lo que pasa, sabiendo que todo va a acabar mal, pero sin poder evitarlo. En esta versión es alguien que nos guía emocionalmente, como si nos dijera: “¡mira, esto es lo que pasa cuando no controlamos lo que sentimos!”.

-¿Por qué no debería perderse esta función el público actual?

MARÍA: Es una función que, como espectador, desde que empieza hasta que acaba estás con mucha tensión y pensando “Ay, Dios mío, qué va a pasar!”. No sobra ninguna escena, no sobra ningún diálogo. Es una tragedia muy bien escrita. Es un montaje distinto, es muy atractivo, el elenco es estupendo. Todo es redondo.

ANA: Porque es una historia que, aunque esté ambientada en los años 50, sigue pasando hoy. Los conflictos emocionales, los celos, las relaciones tóxicas… todo eso sigue muy presente. Y además es una obra que te remueve, que no te deja indiferente.

Completan el elenco Rodrigo Poisón, Manuel de Andrés y Pedro Orenes. Fotografías de escena: Gerardo Sanz. Del 16 de abril al 17 de mayo. Teatro Fernán Gómez CCV.

La actriz da vida a la rebelde, brillante, culta, juguetona, apasionada y libre princesa Laura en esta versión de Teatro del Temple y la Compañía Nacional de Teatro Clásico de la comedia que escribió Lope de Vega. Una versión que ha dirigido Carlos Martín y que han escrito Alfonso Plou y María López Insausti.

-¿Cómo describirías a Laura, tu personaje?
Laura es un personaje precioso y con un arco infinito. Es una mujer brillante, culta, juguetona, apasionada y, sobre todo, muy libre. Hiperbólica y muy contradictoria como todo ser humano. Muy aragonesa en su testarudez. Ella no quiere someterse al hombre, a su poder impuesto porque sí y a su teoría de que la mujer no es igual a él. Se rebela ante eso y esto le genera enfrentamientos con su propio hermano, sus amigas, la sociedad…

400 años después sigue siendo muy necesaria esta obra y cuando aparece el amor, ha de hacer, digamos, unos pequeños ajustes en “su teoría”. Laura no es solo una mujer que cuestiona a los hombres, es alguien que ha construido un discurso para protegerse.

-La princesa Laura, defensora a ultranza de los valores de la mujer, de sus capacidades físicas e intelectuales, que en nada desmerecen a las de los hombres, está decidida a crear en Palacio una escuela de mujeres para corregir siglos de ignominia literaria…¿A qué más está dispuesta Laura?
Decide formarse, cultivarse, estudiar, para poder escribir las faltas y errores de los hombres y poder demostrar ser su igual. También participa en un torneo para demostrar su valor y, por lo tanto, el de todas las mujeres. Y ahí seguimos, teniendo que demostrar y esforzarnos el doble para ser acreditadas como válidas e iguales. Es una obra de hace 400 años pero parece escrita ayer.

-¿Con qué párrafo de tu personaje te sientes identificada? ¿Por qué?
“Que necia pensaba yo que sin el amor pudiera vivir de esta manera y al mejor tiempo faltó.” Porque no se puede ni se debe vivir sin amor.

-¿De qué temas habla esta función?
Habla de la injusticia, de la desigualdad, de los hombres, de las  mujeres, de filosofía, de las normas rígidas impuestas, del amor, del deseo, de la amistad, de los celos. De las contradicciones.

-¿Sería Laura una mujer feminista de su época?
Es un personaje ficticio pero, si hubiera existido, claro que sí. Su lucha y su búsqueda tienen que ver con lograr la igualdad entre hombres y mujeres.

-¿Qué destacarías de su relación con la dama Diana?
Mantienen una bonita y sincera amistad que se estropea un poquito cuando un hombre se interpone entre ellas, aunque todo se arregla finalmente. Es muy evidente esa complicidad cuando Laura la elige a ella para confesarle que ama, aunque no llega a decírselo… Además de ser primas, Diana también es la pupila de Laura.

-Esta obra está coproducida y dirigida por Teatro del Temple, una compañía con una larga trayectoria teatral (más de 30 años)… ¿Qué destacarías de ella como compañía?
Teatro del Temple es una compañía con mucha experiencia y una larguísima trayectoria y se nota en cada paso del proceso. Trabajar con una compañía que es un referente es todo un lujo.

El resto de personajes de la función están interpretados por Gabriel Moreno (Arnaldo); Secun de la Rosa (Julio); José Vicente Moirón (Lisardo); Xavi Caudevilla (Octavio); Nacho Rubio (Alejandro); Chavi Bruna (Augusto); Lorena Berdún (Lucela) e Itziar Miranda (Diana).

-¿Cómo son las transiciones de la puesta en escena?
Son curiosas, gracias a unos simpáticos personajes que aparecen…

-¿Qué te parece el vestuario de esta obra?
El vestuario es un sueño, una fantasía. Es muy original, divertido, habla mucho de los personajes pero no desde un prisma tradicional. Es muy emocional y, a la vez, ayuda a entender ciertos momentos de la trama. Acompaña muy bien a la comedia y le aporta un peso magnífico.

La Escenografía es una creación de Óscar Sanmartín y Carlos Martín; el vestuario ha sido diseñado por Agustín Petronio; la Música es de David Angulo; la Iluminación es un diseño de Felipe Ramos y la Asesoría del verso es de Pepa Pedroche. Teatro de la Comedia.

Magüi Mira ha dirigido esta adaptación de la novela del escritor y político valenciano Vicente Blasco Ibáñez (escrita a finales del siglo XIX). Daniel Albaladejo, Antonio Hortelano, Patricia Ross, Jorge Mayor, Antonio Sansano, Claudia Taboada, Elena Alférez y Jaime Riba llevan a escena esta función que reflexiona sobre la necesidad imperiosa de crear espacios en la vida social en los que la convivencia sea pacífica y sostenible. Marta Torres ha escrito la dramaturgia de esta función que conecta con el público de hoy porque habla de una historia actual y atemporal.

“La barraca” narra el rechazo al que se ve sometida la familia de Batiste Borrull al instalarse en una barraca y unas tierras de la huerta valenciana que pertenecieron durante años a la familia del tío Barret. Los hortelanos de la zona le hacen imposible el asentamiento a estos “forasteros” y les impiden trabajar con violencia y crueldad.

-Has comentado que “la verdadera tragedia es que la historia que narra esta obra (escrita en 1898) sigue siendo muy actual. Seguimos solucionando nuestros problemas matando, no hablando”… ¿Qué añadirías al respecto?
Que nos falta avanzar en conocimiento. En esa lucha entre la razón y la violencia estamos lejos de que el pulso lo gane la razón. La honestidad es un riesgo. Y un riesgo necesario ser buena persona.

-Preséntales a nuestros lectores a Batiste Borrull… ¿Quién y cómo es?
Un hombre de paz. Un hombre sencillo con principios nobles. Un hombre que sabe y quiere integrarse en una comunidad. La respuesta que recibe es salvaje, cruel…Dice: “ahora sé por qué los hombres matan”… Es un hombre que sigue luchando por unos valores que hoy se nos están deshaciendo entre las manos.

-¿De qué tipo de violencias nos habla esta función?
Del hambre, que es en sí una violencia. De la insolidaridad que es una violencia contra el más débil. De la negación de la identidad y los derechos básicos, que es otra violencia. Y, finalmente, de la muerte violenta.

-También se dice en la presentación de la obra que nos habla de la subida injustificada de los alquileres, de desahucios, de acoso infantil… ¿De qué otros temas?
Por ejemplo, de la incultura como semilla de violencia, de hostilidad, de rechazo al diferente.

-¿Qué tipo de mujeres son los personajes que interpretan Patricia Ross, Claudia Taboada y Elena Alférez?
Patricia, Claudia y Elena son tres actrices diferentes, con un talento que les lleva a poder encarnar a las mujeres del relato de “La Barraca”. Tres actrices inmensas, capaces de crear la sumisión, el valor, la determinación, la sabiduría, y el deseo de esas mujeres que quieren llegar a ser seres humanos en su propio espacio, y avanzar en el conocimiento. No quieren armas, ni cuchillos ni escopetas, quieren respeto, quieren cariño y quieren una existencia en paz. 

-Es la primera vez que se adapta esta novela al Teatro…
Es la primera vez que Blasco Ibáñez y “la Barraca” son llevados a escena. Mirada a mirada. Respirando el mismo aire. Que la sangre, el alma de unos actores y actrices es vehículo de esta tragedia. Y, por supuesto, vehículo de una lucha por la justicia, por la consciencia, por la tolerancia, por la paz. “La barraca” es una historia de siempre. Nos habla de la eterna lucha entre la razón y la violencia de una comunidad enferma que tiene comportamientos salvajes. Nos habla de la identidad necesaria que nos da el arraigo a la tierra en la que nacemos. Blasco Ibáñez denunciaba en el siglo XIX la explotación y la injusticia social. Su visión realista y crítica daba voz a los más desfavorecidos. Dos siglos después, parece que mucho no hemos cambiado.

-¿El espectador tiene que ir al Teatro a disfrutar, a volar, a gozar?
Es un arte que la inteligencia artificial no puede sustituir. La comunicación directa entre ser humanos. Y en esa comunicación se goza, se transmiten emociones, la palabra vuela preñada de inteligencia. De ideas. De pasión.

En la parte artística, la escenografía ha sido diseñada por Curt Allen y Leticia Gañá. La música ha sido compuesta por Santi Martínez y el diseño de Iluminación es una creación de José Manuel Guerra. Es una producción de Pentación Espectáculos, Teatro de Malta y Olympia Metropolitana. Fotografías de Javier Naval. Desde el 21 de Mayo. Teatro Fernán Gómez CCV.

Cuatro excelentes actrices de cuatro generaciones distintas protagonizan esta tragicomedia que le habla al público de la LIBERTAD, de secretos familiares y de las herencias sentimentales. Una obra en la que las cuatro imaginan “un lugar mejor” y en la que el humor les sirve  de “defensa” ante el dolor. Hablamos con ellas de esta obra escrita y dirigida por la actriz Elisabeth Larena y producida por Contraproducións.

MARÍA GALIANA

-Pilar, tu personaje, estuvo de acuerdo con el régimen dictatorial y, además de tener mucha retranca, ¿cómo es?

Es un personaje muy curioso para la gente joven. Les va a impresionar. Es una mujer de mi edad que tuvo un cargo muy importante en la sección femenina de las JONES. Me recuerda a una de mis tías que era una “mujer católica y apostólica”, como se decía antes. Era una mujer “ejemplar”, sacrificada. Una mujer enquistada, por la idea de ese machismo, de aquella época. Las mujeres eran casi beatas. Y Pilar era una mujer de esas de “oír, ver y callar”. También es una de esas muchas mujeres que estaban de acuerdo con aquel régimen que duró 40 años. Pilar ya está muerta, está presenciando (sin que a ella “la vean”) todo lo que las dos chicas jóvenes (Inés y Leo) están hablando. Y hace como que invita a su velatorio al público del Teatro.

Reflexiona sobre el escenario con los espectadores. Pilar habla de alguna de las otras mujeres de la obra con frases como: “¿Han visto Ustedes?. ¡Es pura envidia!”.

En su monólogo comenta “¡Vamos, estamos en mi velatorio y ésta se pone a llorar por una puta gata!”.  Cambia de estado de ánimo constantemente.

También dice en otra escena “La mujer siempre ha tenido la tendencia a someterse”.  Como justificándolo…

-¿Por qué cinco motivos no debería perderse el público esta obra?

Porque es descubridora (para mucha gente) de toda una época, de la historia de España, que no es suficientemente conocida por muchos/as.

El espectador se encuentra con la historia de una familia, en la que las protagonistas son cuatro mujeres porque las mujeres son las que aportan las historias de las familias.

Es una obra que, además de ser una comedia, tiene una categoría extraordinaria porque no es intrascendente. Está dando en el meollo de una serie de cuestiones muy importantes para el presente de todos.

Porque se narra de una forma muy novedosa. Hay escenas “paranormales”.

Y, por si fueran pocos motivos, porque está llena de giros de la historia y de sorpresas.

-Mediante tu personaje, la autora habla de temas de nuestro reciente pasado que todavía son actuales…

Sí. Como la mala relación de algunos hombres con las mujeres, de la inseguridad de las mujeres que buscaban en los hombres el refugio económico, de la dependencia permanente de los hombres. Y, lo peor, que eso se hiciera y que se aceptara como si tal cosa. Y sigue ocurriendo.

-¿Qué es lo que más te ha llamado la atención de las reacciones del público de los Teatros en los que habéis estado?

Lo que me llama mucho la atención es que la gente, al salir, nos dice “Es mucho mejor esta obra de lo que yo me esperaba”. Creo que descubren una forma de hacer teatro que es muy especial.

-¿Cómo te definirías como actriz de Teatro?

Pongo el alma y la vida en el escenario. Cada vez que represento la función, estoy más contenta que cuando se estrena. Estoy mucho más compenetrada con el texto. Nunca me canso. No bajo de energía. Nunca se nota nada de mi estado de ánimo en el escenario. Antes de que empiece, siempre me concentro. Estoy  calladita y muy tranquila. Me lo paso bomba en el escenario. Esa trasmisión de energía con el público me motiva en cada representación y en cada bolo.

ANNA MAYO, MARÍA ROJA y NIEVE DE MEDINA

-¿Quién y cómo es tu personaje?

ANNA MAYO: Mi personaje es Leo, la nieta de Pilar. Es de carácter fuerte, resuelta y diligente,  más bien lógica y poco emocional. Se ha criado sin su madre, quien la abandonó dejándola con su abuela Pilar, una mujer dura, autoritaria y rancia. Leo ha tenido que hacerse a sí misma y ha aprendido a vivir en soledad y ha valerse por si misma. Es piloto de aviación y lleva los mandos de su vida con gran practicidad. No ha gozado de demasiado cariño en la infancia, por lo que resulta una persona más bien fría y distante, al menos a primera vista, ya que poco a poco se le irá cayendo la coraza que la ha protegido toda su vida.

NIEVE DE MEDINA: Marisol es una mujer que estuvo bajo la tutela de una supuesta madre (Pilar). Es una mujer libre, que quería conocer el mundo y tener otra vida como mujer. Se quedó embarazada de joven de forma accidental, decidió escapar del lugar donde estaba con una valentía y un arrojo sorprendentes para aquella época. Se ha enfrentado al dilema de querer o no ser madre. Quería “volar” en su momento pero ha pagado cara esa libertad de abandonar su hogar familiar.

MARÍA ROJA: Mi personaje es Inés, la más joven de esta particular cita de mujeres. Calma su vocación literaria como redactora en una revista de moda y belleza bajo la dirección de su padre, mientras se enfrenta a un momento de búsqueda interior, tras el reciente fallecimiento de su madre. Es una joven que oculta su inseguridad detrás de la incontinencia verbal, impertinente sin ser consciente, ciertamente inmadura, bastante atolondrada… llegando a rozar lo cómico. Pero, al mismo tiempo, en su afán por intentar entenderse a sí misma, rezuma entusiasmo, perseverancia, curiosidad y ternura.

-La obra se inicia narrando que en un pueblo pequeño de España, Inés asiste al velatorio de una anciana llamada Pilar, quien decide dejarle su casa en herencia sin haberla conocido nunca y sin avisar a Leo, su nieta…

NIEVE: La historia se va a ir desvelando poquito a poco. Es como un puzle y cada pieza va encajando sutilmente, aunque al principio parece que ninguna va a cuadrar. Es una historia de sororidad femenina en la que cuatro mujeres que no estaban invitadas a entenderse acaban haciéndolo. Una función amable que en estos tiempos tan terribles en los que vivimos viene a recordarnos que el trato directo con el otro, intentar entenderle y ponerte en su lugar es la mejor manera de solucionar los conflictos. La función trata también de la herencia pero no la del dinero, sino del legado que nos dejan quienes se van. Y a veces el legado es todo lo que ocultaron.

MARÍA ROJA: Las emociones y temáticas que van surgiendo durante la función nacen de un momento histórico muy concreto. Están  impregnadas de una amargura que, lamentablemente, resuena en problemáticas de nuestra realidad actual.

-Si tuvieras que elegir varias escenas de tu personaje… 

NIEVE: Desde luego la escena de presentación de mi personaje (a solas con el personaje de María Galiana) es mi preferida. Es una perla pequeñita pero redonda y brillante. Y la escena en la que le explico al público el por qué de mi comportamiento hace casi 40 años. Es importante explicarnos a nosotras mismas para saber quiénes somos realmente. Saber qué “personaje” estamos desempeñando en la vida.

MARÍA: Aquellos momentos en los que el silencio incómodo comienza a imperar en el escenario. Inés, incapaz de sostenerlo, empieza a vomitar palabras. Esa mezcla de falta de sentido de lo oportuno y de descaro me resulta muy divertida.

-Según tu opinión, ¿estas cuatro mujeres buscan “La libertad”? 

NIEVE: Leo e Inés tienen ese territorio ya conquistado. Las jóvenes están buscando saber qué pasó y descubrir su identidad y sus raíces. Pero todas han querido ser libres de una u otra forma.

MARÍA: Quizás esta reunión sea la última oportunidad de encontrar la libertad, de llegar a rozarla o, tal vez, de empezar a vislumbrarla.

-¿Qué significa para ti esa Francia simbólica del título de esta obra?

ANNA: La Francia del título fue el lugar soñado durante la Guerra civil española porque simbolizaba las libertades de las que carecían nuestros abuelos y abuelas. Francia es “la posibilidad viva de algo mejor”. 

-¿Qué frases te gustan de tu personaje?

ANNA: “No quiero cargar con nada, siempre he vivido ligero”.

“Ahora sí que estoy completamente sola, porque Pilar era como era, pero era mi abuela”.

«Pilar, tú eres mejor que esa cosa que hiciste”.

NIEVE: Hay una frase en una de las escenas que define a mi personaje: “No podía seguir encerrada aquí sabiendo lo que sabía”. Y otra es cuando ella confiesa ante el público: “Ni siquiera el sentimiento de culpa por dejarla con ésta me hizo volver aquí”.

-En esta función, nada es lo que parece a primera vista…

ANNA: Es una obra enrevesada. Parece a veces un thriller. El público va descubriendo con nosotras a dos personas que están muertas y el texto le va sorprendiendo constantemente… Aunque en la gira que hemos hecho con la obra, nadie nos ha dicho: ¡Qué lío!.  Avanza bien. Hay algo de comedia y hay mucha emoción en el escenario. Y es una obra con final feliz.  Fotografías de escena de Sergio Verde. Desde el 29 de Abril. Gran Teatro Pavón.

-¿Con qué adjetivos le presentarías a nuestros lectores tu coreografía?
LUZ: “Masa” es una obra muy física en la que se trabaja el movimiento desde una perspectiva iconográfica. Es despojada e intensa, bella y oscura.
KOR’SIA: “Tablero” es una coreografía física, viva y en constante transformación. También es coral, rítmica y muy conectada a la Tierra, donde el peso del cuerpo y el sonido de los pies generan una energía casi festiva. Al mismo tiempo, tiene algo arquitectónico y poético: está construida a partir de “cuadros” o tableaux vivants inspirados en la tradición, la pintura y lo contemporáneo, sin ser nunca descriptiva. Es una danza en la que conviven lo colectivo y lo íntimo, y donde siempre hay espacio para que aparezca lo inesperado.

-¿De qué temas le habla al público tu pieza?
KOR’SIA: Propone un espacio vivo de encuentro, como una plaza imaginaria donde los cuerpos atraviesan una experiencia compartida. Es un lugar en constante transformación, donde los intérpretes se organizan y se desorganizan, creando relaciones y situaciones en tiempo real. De alguna forma, es un espacio que conecta el pasado con el presente. La pieza no busca narrar una historia cerrada, sino abrir un imaginario. La danza es física y dinámica. Conviven momentos más poéticos con otros más intensos y energéticos. Además, hay una relación muy fuerte con la madera y con los tableros, que no solo construyen el espacio, sino que también condicionan la manera en que los cuerpos se mueven y se relacionan. El pulso escénico se articula desde una fisicidad muy vibrante, atravesada por la banda sonora de Alejandro da Rocha, con una intervención de El Niño de Elche, que no acompaña, sino que irrumpe y transforma la energía de los intérpretes.  Así, todo funciona como un sistema interdependiente en el que cuerpo, sonido y espacio se afectan mutuamente.

LUZ: La masa como potencia humana constante en la Historia. Casi como una criatura mitológica que espera el contexto adecuado para resurgir.

-¿Este programa va destinado a todos los públicos y de todas las edades?
KOR’SIA: Sí, es un programa abierto a todo tipo de público y a todas las edades. No cuenta una historia cerrada ni depende de un código específico, por lo que cada espectador puede entrar desde su propia experiencia. Es una propuesta muy sensorial, física y visual, que se percibe más desde lo que se siente que desde lo que se explica. Además, aborda temas muy universales, con los que cualquier público puede conectar de una manera u otra.
LUZ: Creemos que todo el mundo puede disfrutar de la Danza.

-¿Qué te gustaría transmitirle a los espectadores con esta coreografía?
LUZ: La danza tiene la capacidad de resonar y despertar sensaciones que surgen de la experiencia vital-personal de cada espectador. Siempre persigo la conmoción, la conexión profunda e intuitiva con el viaje físico que plantea la obra, sin pretender que se entienda ningún mensaje en concreto.
KOR’SIA: Nos gustaría transmitir, sobre todo, una experiencia compartida: la idea de estar juntos en un mismo espacio, el teatro, y en un mismo tiempo, aunque cada uno lo viva de una manera diferente. Nos interesa que el espectador pueda dejarse llevar más por lo sensorial, que se emocione y se deje atravesar por la pieza, sin necesidad de buscar preguntas o respuestas cerradas. Que se permita simplemente “estar” en la obra, sentirla, sin intentar entenderla de forma racional o fija. Y, sobre todo, nos gustaría que quedara la sensación de algo vivo y en constante transformación: que todo cambia, que todo se construye y se deshace delante de nuestros ojos, y que en ese movimiento aparece algo común.

-¿Qué destacarías de la escenografía, del vestuario y de las transiciones de esta puesta en escena?
KOR’SIA: De “Tablero” destaca, sobre todo, cómo todos estos elementos están pensados para funcionar juntos, como un único sistema. La escenografía (las tablas) es un elemento vivo que construye y transforma el espacio en tiempo real, afectando directamente al movimiento y a la relación entre los cuerpos. El vestuario acompaña esta idea sin imponerse, permitiendo que el cuerpo y la acción sean protagonistas, pero aportando también una identidad y una atmósfera. Lo más importante es cuando todo esto se conecta (la danza, el vestuario, la luz, el espacio) y, casi sin darte cuenta, todo se convierte en una sola cosa viva.
LUZ: En “Masa” hemos trabajado desde una perspectiva pictórica. La escenografía y el vestuario están concebidos como una prolongación de la piel. Fotografías de ensayos: Alba Muriel. 

Del 26 al 31 de Mayo. Centro Danza Matadero (Nave 11).

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