Juanjo Artero se mete en la piel del mítico profesor John Keating para protagonizar  una nueva puesta en escena del clásico texto de Tom Schulman, que interpretó el oscarizado Robin Williams en la gran pantalla, y que ha marcado a muchas generaciones.

Pentación Espectáculos y A&A producen esta gran apuesta, bajo la dirección de Juan Luis Iborra.

Rodeado de los seis jóvenes actores que encarnan al alumnado del rígido colegio inglés (Jacobo Camarena, Gabriel Flores, Lennon Jon Sharp, Álvaro de Paz, Sergio Aguado y Marcos Saneiro), el actor nos confiesa que «basta mirarles para sentir como se te encoge el corazón de nuevo al grito de “¡Oh capitán, mi capitán!”.

-¿Cómo te has enfrentado a la presión de saber que muchos de los espectadores tendrán en la cabeza la interpretación que hizo Robin Williams en la gran pantalla?

No he sentido presión porque no he intentado competir con mi querido Robin Williams. Era inimitable, un actor maravilloso y único. Si lo hiciera tendría todas las de perder. No trabajo desde la imitación. Al profesor Keating nada más hay que dejarle sonar lo que dice, trabajar sobre el texto y las palabras, que son maravillosas.

Es un ser maravilloso, de los que creen que todavía se puede cambiar el mundo. Un idealista. Tiene una sensibilidad especial y eso intuyo que en su infancia le haría ser el raro y tener conflictos con sus padres.

Se trata de un profesor que quiere crear librepensadores, personas que se cuestionen las cosas, que no acepten las ideas porque sí y que persigan sus sueños.

-¿Que se debe rescatar de sus enseñanzas para este siglo XXI?

Todo. Es un texto que nunca caducará. Anima a explorar nuevos caminos y no conformarse con lo establecido, y a buscar la propia identidad. La identidad se está disolviendo todavía más en nuestra época con las redes sociales, están creando muchos conflictos entre la gente por ser diferentes o distintos. Asusta pensar en un mundo adormecido de borregos en el que los librepensadores no existan. Vivimos un momento muy peligroso de manipulación. Es bueno estar abierto a conocerlo todo, escuchar a unos y a otros y formar tu criterio propio, eso es lo que promulga Keating y eso nunca caduca. El arte y los libros enseñan eso. 

Es una cuidadosa obra de teatro musical con la que, según Juan Luis Iborra, se busca “sacar la humanidad de los personajes, la verdad en sus interpretaciones e, incluso, la comedia en algunas situaciones para conseguir que el espectador se sienta uno más en el aula y así recuperar para nuestros días ese famoso «Carpe Diem», que invita a disfrutar del momento presente y aprender a sacarle chispa a la vida.»

-¿Qué destacarías tú personalmente de esta puesta en escena?

Ha preparado una movilidad maravillosa para que se vea el aula, la cueva y ese colegio de valores tan estrictos de la época (la rígida Academia Welton). El proceso ha sido maravilloso. Somos cómplices todos, yo me alimento de la mirada de los chicos y sale todo solo. Es jugar, jugar y jugar. Son jóvenes pero tienen mucha experiencia, han entendido perfectamente que tienen algo entre manos muy importante.

Una obra imprescindible para los institutos, que en su día cambió la vida de mucha gente y que también puede hacerlo a día de hoy.

-¿Tienes una escena favorita?

Hay un momento en el que les habla de la poesía de la vida que es de una belleza tremenda, decir ese texto y ver las miradas de mis compañeros es un momento mágico. Pero en esta función de esos hay muchos. Lo disfruto como un niño porque, además es un profesor muy juguetón, que sabe muy bien cómo captar la atención de sus alumnos. 

-La poesía de Walt Whitman sigue vigente, a día de hoy es todavía un reclamo para los jóvenes…

Sí, su poesía es un canto que conecta muy bien con los jóvenes, apela a vivir intensamente y a creer en el poder de la palabra. Reivindica el derecho a expresarse y a no renunciar a hacerlo.

-Tú que empezaste tan joven en el mundo de la interpretación, ¿Cómo vives ahora estar rodeado de un reparto tan joven?

Es maravilloso. Tienen todos un gran talento y mucho que aportar, me contagian su energía y aprendo de ellos.

-¿Tienes más de idealista o de revolucionario?

Algo de ambos, va por etapas. He sido siempre muy revolucionario y muy pasional, jamás me he podido callar cuando he visto algo injusto y no me ha ido mal así.

Mi vocación es una de las cosas que más he defendido, desde los comienzos, en mi cabeza estaba el ser actor o nada.

-¿Has tenido algún Keating en tu vida, alguien al que decir “¡Oh Capitán, mi Capitán!”?

Muchos. Antonio Mercero fue el primero. De niño también tuve la suerte de tener un profesor en el pueblo que me demostró que no era tonto y me enseñó a ver las cosas de manera distinta. Luego Miguel Narros, Cristina Rota y muchos otros que me han enseñado desde la complicidad.

Podría no parar, he tenido la suerte de trabajar con grandes maestros.

-¿Tienes algún personaje pendiente al que te gustaría encarnar?

Ahora sólo pienso en éste. No soy de pedir, me gusta saborear, disfrutarlo hasta el final e ir partido a partido.

-El texto de Tom Schulman conmueve, remueve y hace llorar, ¿Cómo esperas que salga el espectador?

Habrá muchas risas al principio, sonrisas después porque es maravilloso meterse en la piel de esos chavales y sentir todo lo que sientes y lo que les provoca Keating. Después van a llorar, en una pausa de tres segundos que acabará en un aplauso tremendo. Esa pausa maravillosa de la tragedia y la emoción final, un final majestuoso, es una función que queda arriba. Espero que salgan con la chispa encendida de querer aprovechar la vida al máximo.

Manu Rodríguez y Tomy Álvarez completan el reparto, encarnando el peso de la tradición, la disciplina y el rigor bajo la piel del director del colegio y del padre de uno de los alumnos, que se oponen al librepensamiento del que habla esta gran tragicomedia.

«Una historia de luces y sombras llena de vida, poesía y aprendizaje que invita a perseguir el pensamiento propio”, según palabras del director.

El diseño de escenografía es de David Pizarro, el de vestuario es de Gabriela Salaverri, al frente de la música está Gerardo Gardelín y el diseño de iluminación es de Juanjo Llorens.

Teatro La Latina.

Una ópera italiana muy especial, con la parte de tenor más exigente que el compositor haya escrito jamás, y que convierte cada escena en un desafío vocal y dramático. 

L’histoire du chevalier des Grieux et de Manon Lescaut, de Antoine-François Prévost, publicada en 1731, inspiró tres óperas anteriores a la de Puccini: una de Auber (1865), otra de Ponchielli (1872) y la tercera, de Jules Massenet (1884), estrenada con éxito apenas nueve años antes (la misma novela inspiraría también a Hans Werner Henze en su Boulevard Solitude, ya en 1952).

El libreto de Manon Lescaut se resiente de su tormentosa redacción, en la que participaron varios autores, dejando la trama con elipsis y saltos narrativos que, sin embargo, ensambla la poderosa música de Puccini, fluida y evocadora, articulando las distintas escenas con una orquestación de extrema eficacia narrativa.

El drama fatal de Manon podría reducirse a una frase del refranero popular: «quien todo lo quiere, todo lo pierde». La bella y voluptuosa protagonista, con una personalidad impetuosa, voluble, contradictoria y compleja, no consigue renunciar al lujo y opulencia que la seducen, ni al amor que le ata a Des Grieux, que no puede ofrecerle la vida glamourosa y desahogada a la que aspira.

Para el director de escena Carlos Wagner, que debuta en el Teatro Real, Manon se aprovecha de sus relaciones licenciosas con hombres pudientes para financiar una vida económicamente desahogada con su verdadero amor, Des Grieux, incapaz de entenderla y sometido por su pasión hasta el desenlace fatal.

La producción, que evoluciona desde un cierto neorrealismo a la abstracción, se desarrolla sobre una estructura circular, una especie de carrusel de la vida en la que el tiovivo del primer acto da lugar a la intimidad de un boudoir, en el segundo; a la soledad de una cárcel, en el tercero, y a un descampado fantasmal en el final de la ópera.

La escenografía de Frank Philipp Schlößmann y el vestuario de Jon Morrell evocan la sociedad opresiva e hipócrita de los años 40 y 50 del siglo pasado, que guarda similitudes con el ambiente cortesano biempensante de la época de Luis XIV, durante la cual se publicó la novela de Prévost.

La producción, con ritmo y atmósfera cinematográficos, se nutre de distintas fuentes de inspiración, del neorrealismo italiano estetizante de Ossessione, de Visconti, a la intimidad de Eyes Wide Shut, de Kubrick, en la que el espectador presencia, como voyeur, el camino autodestructivo de una pareja.

Para dar voz y vida a la partitura de Puccini se alternarán dos repartos de grandes voces con Sondra Radvanovsky y Saioa Hernández (Manon Lescaut), Michael Fabiano y Jorge de León (Renato Des Grieux), Lucas Meachem y Szymon Mechlinski (Lescaut), Alejandro del Cerro y Albert Casals (Edmondo), secundados por Pietro Spagnoli, Mercedes Gancedo, Javier Franco, Javier Castañeda y Mikeldi Atxalandabaso.

Nicola Luisotti, que despidió la pasada temporada con Il trovatore, inaugura la presente dirigiendo su quinto título pucciniano al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, del que es director honorario.

Con la vuelta de Manon Lescaut, 102 años después de su última interpretación en el Teatro Real, se repara una incongruencia en la memoria artística del coliseo lírico madrileño, producto de su azarosa historia, que en los últimos 30 años se intenta normalizar.

Tras una exitosa gira, la nueva comedia de Gabriel Olivares llega al Gran Teatro Pavón. Un texto ácido y mordaz escrito por Ozkar Galán que pone el punto de mira en las redes sociales avivando un debate social y político que ha llegado ya también a los tribunales.

Hablamos con Ana Arias que protagoniza esta alta comedia junto a Nacho Guerreros, Rebeca Sala y Andrea Alvarado. Encarna a María, toda una especialista en vender humo que es, además, tan peculiar, que merece la pena ver cómo llega al final.

-¿Cuál ha sido el mayor reto a la hora de preparar el personaje de María?

Suele ser la preparación, acercarte a la personalidad según como sea, de diferente o igual a ti; pero en este caso el mayor reto ha sido físico porque la propuesta del director así lo requería. He tenido que trabajar mucho la parte física y la voz porque tampoco en ese sentido tenía nada que ver conmigo. Digamos que María es bastante exagerada, en todos los sentidos. El proceso creativo ha sido muy enriquecedor, Gabriel nos ha puesto a crear, a imaginar y a construir algo mucho más grande de lo que nos habíamos imaginado sólo leyendo el texto. Tienen una mente que no para y eso hace que el proyecto esté vivo.

-¿Cómo describirías a esta comunity manager agresiva?

La obra narra con mucho humor la historia de un escritor de poco éxito que coincide con una comunity manager segura de saberlo todo. Aborda grandes temas, inherentes al ser humano, desde el postureo, a la falta de valores o el amor y las relaciones de pareja.

Mi personaje no tiene pelos en la lengua, es muy segura de sí misma. Tiene toda la verdad y nada más que la verdad en su poder, según ella. Lo que pareces y aparentas es lo que más importa para ella. En su trabajo y en la vida porque no hace diferencias en ese sentido.

-A pesar de estar tan alejada de ti, ¿Te quedas con algo suyo para practicar en tu día a día?

Me gusta la aplastante seguridad que tiene, no se para a pensar si las formas tendrían que ser otras y esa manera tan peculiar de actuar, sin pensar en el que dirán. A veces, eso está bien porque mantener las formas no siempre es lo mejor.

-Comedia feroz e irónica, ¿qué más añadirías?

Diría que es necesaria a día de hoy, estamos a un nivel demasiado elevado de postureo. Da la sensación de que se están poniendo por delante las redes antes que la vida y se hace necesario invitar a reflexionar sobre ello. No está mal criticarlo un poco, desde el humor y la comedia. Mucha gente se va a sentir identificada.

-¿Qué otros temas trata?

Muchos. Desde la ausencia de valores morales hasta la pareja, el amor, la manera de sostener las relaciones…

-El tema de las redes sociales es de rabiosa actualidad, su regulación está ya en el debate político de Europa y en los tribunales se empiezan a tomar medidas, ¿cómo te posicionas en este sentido?

Soy defensora de la libertad en base al control del Estado. Pero no creo que vaya a funcionar. Creo que hay que regularlo, pero en el caso de los niños creo que somos los padres los que tenemos que regularlo.

-Como actriz, habiendo ya lidiado con la crítica y la fama, ¿sientes que tienes más tablas a la hora de enfrentarte a las redes?

Quizás, al menos en el tema de los comentarios, tanto los dañinos como los positivos. Intento dejarlos ahí, que fluyan en un cajón.

-¿Tienes alguna escena favorita en la función?

Me encanta cada vez que María se pone a dominar el cotarro y a decirles lo que tienen que hacer. Lo hace en varias ocasiones, no sabría cual escoger.

De toda la obra, me quedo con el final de la función, que no es como te lo esperas.

-Háblanos del resto del reparto, ¿Cómo habéis encajado?

Nacho y yo llevamos años ya trabajando juntos en “La que se avecina” y lo estamos pasando muy bien con la función, escuchándonos más y riéndonos mucho. Ha pasado una cosa muy graciosa: en la obra mi personaje es el que le abre los ojos a las redes sociales al suyo, pero en la vida real, es él quien más sabe de redes sociales y quien me suele dar consejos a mí, que tengo muy poca idea.

A Rebeca la conocí estudiando en la RESAD y hasta ahora no habíamos coincidido trabajando. Sin embargo, hace poco nos encontramos y justo lo comentamos.

A Andrea la he conocido en esta obra. Gabriel ha sabido crear un clima de creación estupendo, no sólo entre los actores sino entre todo el equipo. Es un genio y formar parte de lo que crea un honor.

-El título de la obra viene con coletilla “la obra que nunca escribió Lorca”. ¿Es esto parte de la estrategia de marketing de María para crear humo?

Responderé con una frase de mi personaje: “¡Pues Claro que utilizando a Lorca de una manera descarada y oportunista!”.

Fotos: Alejandro Palacios y Gerard Magrinyà. Gran Teatro Pavón.

En un taller que evoca una fría línea de montaje, la obra muestra un mundo distópico donde se invierte el mito clásico: los personajes no se tallan en madera, sino que los adultos transforman a los niños en muñecos vivientes. Este perturbador rito de iniciación trastoca el realismo tradicional del teatro de títeres; en lugar de animar lo inanimado, transita de lo vivo hacia el objeto.

«Es una propuesta que sigue una estructura rítmica y sonora en la que los movimientos están estrechamente vinculados al sonido. La escritura escénica está codificada y se convierte así en una forma de maquinaria orgánica que contiene tanto lo humano como el objeto. El reto consiste en reintroducir el movimiento en la imagen, poniendo en perspectiva las metamorfosis entre cuerpos vivos e inertes, y entre cuerpos animados e inanimados», comenta Alice Laloy.

Un montaje creado en colaboración con jóvenes estudiantes del Centre choréographique de Estrasburgo y el Conservatoire de Colmar, este espectáculo se sitúa entre la danza, las artes plásticas y la performance. Una producción inquietante donde, finalmente, los propios niños logran reapropiarse de sus cuerpos a través del movimiento y crear magia en escena. Del 25 al 27 de septiembre. Teatro Valle-Inclán. 

Es un acercamiento poético y escénico a la figura de Leonora Carrington. Inspirada en los diarios Memorias de abajo de la propia Carrington, Leonora aborda temas como el nacimiento de la vocación artística, la violencia psiquiátrica, y la imaginación como enlazadora de tiempos y de mundos.

Para su autor y director, «La obra y la figura de Leonora Carrington nos atraen porque percibimos en ellas la fuerza de voluntad de un ser humano extraordinario que inventó mundos para sobrevivir a un mundo despiadado. Me he inspirado en la belleza, la potencia y la libertad de la artista. La descubrí en México y me fascinó su libertad. Su paso por España, marcado por la violencia histórica, y sus memorias despiertan el impulso de transformar su vida en experiencia”. 

Y añade, «Con Natalia Huarte viajamos a la niñez de la pintora en Reino Unido, pasando por su juventud viajando por una Europa bélica y bulliciosamente artística, llena de luces y sombras, hasta su exilio a México, la tierra que la acogió hasta su muerte en 2011. La obra quiere representar en escena fragmentos del espíritu indócil y sublime de la creadora. Pero, sobre todo, Leonora es una carta de amor a la resistencia, a la rebeldía y al deseo de libertad de Carrington en tiempos de penumbra.» Teatro de la Abadía.

¿ Y si la locura fuera una cuestión de perspectiva?. Lope de Vega ya se hacía esta pregunta en esta comedia de juventud que pone en juego el amor, el deseo y las convenciones sociales. 

Hay algo profundamente teatral en Los locos de Valencia: sus personajes llegan al escenario huyendo de una realidad que no pueden o no quieren afrontar y terminan refugiándose en una ficción.
Floriano se hace pasar por loco para escapar de la justicia; Erífila acaba en el hospital después de huir de una vida que otros han decidido por ella. Una vez dentro, ambos se encuentran, se reconocen y se enamoran. Y a partir de ahí, como suele suceder en el teatro de Lope de Vega, todo se complica.

Es una obra temprana del dramaturgo, uno de los gérmenes de su teatro: el amor como fuerza capaz de alterar el orden de las cosas. La locura es aquí una máscara, pero también una forma de libertad. El hospital de Valencia se convierte en un espacio en el que quienes están considerados «locos» pueden llegar a comportarse con más libertad que quienes viven fuera de sus muros.

Pepa Pedroche nos habla del proceso de creación de esta producción en esta entrevista.

-Como experta en el siglo de oro, y en el verso, ¿cómo describirías Los Locos de Valencia?

Es una obra de juventud de Lope, por lo que todavía no nos encontramos con la madurez del dramaturgo. Pero tiene la grandeza de ser la primera obra de teatro europea en la que se habla de un hospital de locos y la vida que había alrededor de esa institución. Lope refleja lo cotidiano y lo excepcional de estos personajes a través de un verso ingenioso y divertido.

-Lope de Vega construyó en Los locos de Valencia una comedia alrededor de la locura, el deseo y las convenciones sociales. ¿Qué es lo que sigue resultando contemporáneo de esta obra?

Como bien dices la locura, el deseo y las convenciones sociales son parte de la historia y, desde luego, forman parte de nuestro mundo contemporáneo. Con una mirada distinta, sí, pero que influyen en nuestro modo de vivir y conectan directamente con el espectador de hoy.

-Viendo a los personajes dentro del manicomio, uno acaba preguntándose quién está realmente más cuerdo. ¿Te interesaba especialmente jugar con esa idea?

La locura y la cordura son, muchas veces, algo relativo. En la función, el personaje del Doctor Cabezas intenta curar la locura de amor y, en cambio, se queja de que nunca ha sentido el estar enamorado. Esa es también una especie de locura. Ningún personaje se salva de esa pasión y esto propone situaciones llenas de humor.

-Hay también una idea muy presente en el proyecto: amor, humor, belleza, poesía y optimismo. ¿Qué significa para ti reivindicar esas emociones sobre un escenario en estos tiempos oscuros?

Hemos creído que, en estos momentos, es fundamental que esas cinco palabras formen los pilares de la versión y de la puesta en escena. El teatro nos permite paréntesis de disfrute en medio de estos territorios oscuros de los que hablas.

-En la obras la locura puede ser enfermedad, refugio, libertad, pero también una forma de escapar de las normas sociales. ¿Qué lectura haces hoy de esa “locura” que Lope coloca en el centro de la historia?

La versión coloca al Amor como el principal instigador de locuras. Por amor hacemos cosas increíbles y terribles. Cada personaje tiene su propia experiencia con el Amor y todas son entendibles y reconocibles para el público de hoy.

-Dirigir un clásico implica dialogar con una tradición, pero inevitablemente desde una mirada contemporánea. ¿Dónde está para ti el límite entre respetar un clásico y permitirte intervenir sobre él?

La grandeza de los clásicos ofrece infinitas posibilidades y miradas para llevarlos a escena. Sus historias nos tocan siempre, en cualquier tiempo y lugar. El límite lo debe poner cada creador, no hay reglas para ello.

-José Luis Alonso de Santos ha hecho una nueva versión del texto. ¿Qué ha cambiado y qué habéis querido conservar de aquel Lope original?

La esencia de Lope está en cada uno de los versos que José Luis, como dramaturgo, ha intervenido. Ha elevado la historia a lo atemporal y ha eliminado los condicionantes que lo ceñían a una sociedad concreta. Además, ha añadido otros textos de Lope para ser cantados, lo que nos ha permitido crear una comedia musical.

-Has trabajado en varias ocasiones con José Luis Alonso de Santos. ¿Qué tiene de especial trabajar con él y qué crees que aporta su mirada a los clásicos?

José Luis es un maestro en muchos campos, pero su experiencia con los clásicos es de sobra conocida. Su trabajo como dramaturgo otorga a los textos que versiona conexiones directas con el público de hoy y eso es fundamental para el hecho escénico.

-Si tuvieras que convencer a alguien que piensa que el teatro clásico es algo lejano o difícil de abordar, ¿qué le dirías para que vaya a ver Los locos de Valencia?

El teatro siempre tiene que tener un sentido en el aquí y ahora, sea teatro clásico o contemporáneo. Los locos de Valencia es una obra divertida, directa, que nos habla del amor en sus diversas manifestaciones y que nos envuelve emocional y sensorialmente para salir del teatro con “las pilas cargadas” de optimismo y ganas de vivir. 

La llevan a escena Arturo Querejeta, Daniel Muriel, Jacobo Dicenta, Florencia Otero, Lucila Gandolfo, Xavi Caudevilla o Pepe Sevilla, Guillermo Calero, Antonia Paso, Ángeles Martín, Carlos Manrique Sastre, Alberto Vela y Beatriz Fernández.

Es una producción de la Comunidad de Madrid para Teatros del Canal. Coproducida con Club Media Network y el Complejo del Teatro San Martín de Buenos Aires. Teatros del Canal. 

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Recuperamos las entrevistas que les hicimos cuando estrenaron esta función.

LOLA HERRERA

-¿Qué tipo de mujer es la escultora sudafricana Miss Helen, la  protagonista de la obra?, ¿Cómo la describirías? ¿Qué sueño persigue o cuál es el motor de su vida?

Con rasgos de libertad. Es una mujer que quiere hacer lo que ella quiere, lo que sueña, lo que le gusta… Ella ha estado muy reprimida en un matrimonio. Cuando se libera de todo eso porque se queda viuda es una mujer que quiere, al precio que sea, hacer lo que más le gratifica.

-¿Por qué no podías rechazar interpretar este personaje?, ¿Cuáles son  los principales motivos por los que aceptaste llevarlo a escena?

Sobre todo porque es una mujer mayor, que se supone que no tiene derecho a muchas cosas. Primero, por ser mujer y luego ten en cuenta que esto se desarrolla en los años sesenta/setenta en Sudáfrica. No tiene derecho prácticamente a nada. Pero ella exige sus derechos, lucha por ellos, como mujer y como artista y creadora. Me parece que es muy gratificante para cualquier actriz hacer personajes de este tipo, porque la sociedad está totalmente cerrada a los mayores. Es como si fuese un pecado ser mayor, una cosa vergonzosa o algo que hay que desechar. Me parece que es un cántico a la gente mayor.

-Se ha comentado sobre “Camino a la Meca” que es “una reflexión  profunda sobre el aislamiento, la lucha interna, la libertad individual y el conflicto entre conformarse con lo que manda la sociedad o seguir los propios sueños o deseos”. ¿Estás de acuerdo?

Sí. Creo que uno tiene que intentar perseguir los sueños. Hace falta tener mucho valor, encontrarte con muchos obstáculos y posiblemente no conseguirlo pero no hay que dejar de intentarlo.

-¿Sobre qué otros temas trata esta función?

Sobre todo y, principalmente, de la libertad. También de la comunicación entre las personas, de la amistad, de cómo puedes relacionarte e intercambiar con otros seres humanos cosas importantes y de las relaciones. Por ejemplo Helen y Elsa están muy unidas. Aunque exista una diferencia de edad, de vidas y, aunque son muy diferentes, están muy unidas. A veces parece que hay que estar todo el día juntos o relacionarse muy de cerca y no hace falta. La comunicación entre personas va mucho más allá que hablar todos los días.

-¿Qué supone para ti volver a compartir escenario y gira con tu hija Natalia Dicenta?

Estamos las dos muy contentas e ilusionadas con este proyecto. Hacía veinte años que no trabajábamos juntas, desde que hicimos “Solas”. No podemos estar más contentas al haber encontrado esta función tan maravillosa, con personajes interesantes…Y dirigidas, además, por alguien tan extraordinario como Claudio Tolcachir.

NATALIA DICENTA Y CARLOS OLALLA

-¿Quién y cómo es tu personaje?

NATALIA DICENTA: Es Elsa Barlow, profesora de inglés en Ciudad del Cabo y la gran amiga y confidente de Helen Martins. Elsa es una mujer auténtica, fuerte, comprometida, empática… La idea del compromiso es muy importante en ella, incluso en su trabajo se ven reflejados los problemas que tiene por defender la igualdad y la justicia. Tiene un altísimo y agudo sentido de la Justicia. Si tenemos en cuenta que esta historia se desarrolla en la Sudáfrica del apartheid, Elsa lucha contra eso y por la igualdad de derechos. Precisamente por esa lucha se ve metida en muchos problemas, pero no le importa, no se arredra, ella sigue adelante porque es una mujer fuerte. También es frágil. Cuando aparece en escena lleva muchos problemas encima pero no se rinde, sigue luchando. La admiro profundamente, creo que estoy aprendiendo mucho de Elsa porque yo, como cualquier persona, a veces en la vida tenemos problemas y nos ahogamos en un vaso de agua y no sabemos cómo salir. Y Elsa me enseña la lucha, el compromiso, la verdad, la autenticidad del ser humano. Me conecta con valores e ideales muy profundos y muy importantes.

CARLOS OLALLA: El pastor Marius es una persona que se sabe como guía espiritual de la comunidad en la que vive. Es una comunidad muy tradicional y conservadora, de la iglesia reformista neerlandesa. Es un factotum en el pueblo. Tiene una relación muy próxima con todos los vecinos pero en la época del Apartheid en Sudáfrica, por lo tanto es muy cerrado en cuanto a sus planteamientos ideológicos. Su relación con los vecinos es la de autoridad, le gusta controlarlo todo.

–¿Qué tipo de relación mantiene con la escultora sudafricana Miss Helen, la protagonista de la obra?

NATALIA: Elsa en un desafío para Helen. Es curioso como se complementan. Elsa necesita la fortaleza de Helen y Helen necesita la fortaleza de Elsa. Ambas son frágiles y están en un cruce de caminos, en un punto de inflexión en sus vidas muy importante y, sin embargo, el hecho de estar juntas significa una ayuda, un estímulo y un desafío.  Es una relación de una profunda amistad y complicidad y de buscar la una en la otra la autenticidad, la fortaleza, el compromiso y el sentido de libertad en la vida. La verdad es que es una relación hermosa, muy enriquecedora y nutritiva.

CARLOS: Está preocupado por la evolución de Helen porque, desde que murió su marido, ha dejado de ir a la iglesia, y hace unas esculturas que para él son muy extrañas y no entiende qué está pasando ahí. Las respeta porque no ve opción a prohibirlas pero busca formas de controlarla, aunque es imposible por el carácter independiente y libre que tiene Helen. Es una oveja descarriada con la que mantiene contacto continuamente intentando llevarla al redil pero, habiéndose resistido durante 15 años, la cosa está complicada.

-¿Esta función se centra en la búsqueda de la libertad?

NATALIA: Fundamentalmente, creo que es la reivindicación de la libertad de elección en la vida. Nuestros cuerpos, mentes y corazones nos dictan el camino y hemos de ser libres para poder elegir. No queremos la presión de la sociedad convencional que nos diga cómo supuestamente debemos hacer o ser. Se lucha en esta obra por la libertad de elección, al principio de la vida, durante la vida e incluso elegir cómo quieres que sea el final de tu vida. Y eso es algo muy importante. Y habría que incluir la libertad de expresión, la lealtad, y, una vez más, surge el compromiso. La lucha por la libertad, la defensa de la justicia, la defensa de la libertad en el arte…Yo creo que esto último es fundamental, la defensa de esto a pesar de la incomprensión de quien esté alrededor. Tenemos derecho a tener deseos, a tener sueños y a ponerlos en práctica siempre que podamos.

CARLOS: También habla de la soledad impuesta, de la soledad voluntaria y de la soledad creativa. Creo que es importante diferenciar entre estos tipos de soledad, y también qué hacemos con nuestra soledad. Hay gente que tiene miedo y se deja dominar por el miedo a la soledad y también hay personas que la adoran, como es el caso de Helen. Ella se siente aislada pero porque la comunidad en la que vive no la entiende, pero aún así no renuncia a ella, no quiere claudicar, prefiere estar sola creando que renunciar a ella misma.

Y de la sororidad, de la relación entre esos dos personajes, Elsa y Helen, que se ayudan, se admiran y se respetan y es una maravilla ver esa relación transgeneracional. No hay una barrera de edad, a pesar de que la obra también trata de cómo afrontar la vejez, cuando nos acercamos a la etapa final de nuestra vida es el momento de echar la vista atrás pero también de disfrutar del aquí y del ahora. Es un mensaje de esperanza para los que llegan a esa parte que sabemos que es la última, pero con pasión, con ilusión, con alegría. Una vida sin amar no tiene sentido y eso es lo que demuestra Helen, que tiene un espíritu libre y es lo que da sentido a su vida.

-¿Tus dos escenas favoritas son…?

CARLOS: ¡Tiene tantas!. Algunas para mí son antológicas, por ejemplo, la entrada de Elsa en la casa, al principio de la obra, en ella se describe la relación entre Elsa y Helen. Y otra que me apasiona es escuchar el monólogo que Helen le dedica al pastor para explicarle ese mundo que ella ha creado. Esa escena me llega a lo más hondo y sé que me acompañará siempre.

-¿Qué destacarías de Claudio Tolcachir como Director?

NATALIA: No es que destaque una cosa o dos, es que Claudio Tolcachir es un genio. Yo tuve la gran oportunidad de conocerlo cuando se asentó aquí en Madrid y abrió su escuela, Timbre 4, que ya existía en Buenos Aires y tuvimos la increíble suerte de que quisiera traerla también aquí. En cuanto supe de su presencia en la ciudad hice lo imposible por apuntarme a sus cursos y por estudiar y aprender con él. Ya conocía sus montajes como director pero no había trabajado con él personalmente, y estaba dispuesta a vivir la gran aventura que es conocer a Claudio y su manera de navegar a través de los textos y los personajes. Para mi es una experiencia absolutamente inolvidable que él fuera mi profesor y yo su alumna. El sueño era poder algún día trabajar con él, y ahora se ha cumplido. Trabajar con Claudio es un sueño hecho realidad, su manera de profundizar en cada frase, de sacar partido y encontrar oro en cada situación, de saber utilizar los sentimientos y emociones que cada actor/actriz poseemos y plasmarlos. Y sumar, sumar y sumar para que nuestro trabajo sea cada vez más rico. No tengo palabras suficientes para describir la profunda admiración que siento por él, y el honor que para mi significa poder ponerme en sus manos y navegar con él en este proyecto.

CARLOS: Es una de las personas con más talento que he conocido y, sobre todo, con más sensibilidad, respeto y admiración por lo que hace. Cuida todos los detalles. Sabes que estás en buenas manos, que te va a llevar por el buen camino. El viaje que hemos hecho durante los ensayos, el ver la relación de Claudio con Lola y con Natalia ¡ha sido tan bonito!.  Con mucho cariño y admiración mutua. Y cuando tus propuestas le gustan y le encajan, te pregunta si te has sentido cómodo, y si la respuesta es “sí”, te dice “¡vale, lo encajamos!”.

– Termina esta frase: “El Teatro le aporta a mi vida…”

NATALIA: …gozo, alegría, compromiso, soledad, desafío, aprendizaje… ¡Tantas cosas!. Aprendizaje es una palabra espléndida, porque aprendo con cada personaje que interpreto, aprendo algo de mi misma y de la vida. El gozo es inigualable porque salir al escenario e interpretar a un personaje es la pasión de mi vida. Yo cuando estoy en un escenario estoy como en casa, igual que cuando salgo a cantar. Salir al escenario y comunicarme con la gente es un privilegio maravilloso al que no quiero renunciar nunca. El teatro le aporta a mi vida mucho sentido, la verdad. También podría decir disciplina, rigor, ceremonia, emoción, silencio. Y compartir, este es el gran sentido del teatro, compartir historias contadas desde el escenario a seres humanos que están ahí sentados dispuestos a escuchar, a vivir una historia y salir transformados. El teatro aporta una gran riqueza a mi vida. Doy gracias a la vida por poder seguir subida a un escenario.

CARLOS: ¿Qué es la vida sin teatro, sin poesía, sin amar? No es nada, es transitar de una nada a otra sin haber vivido. Hay cosas como el teatro que te hacen perfectamente consciente de lo maravilloso que es vivir, que te ayudan a ser ventana y que los espectadores vean a través de ti. En un escenario tienes que llevar lo mejor de cada personaje con sus puntos fuertes y débiles, con lo bueno y con lo malo, pero nunca hay que llevar al actor, el actor se queda en el camerino. Pero ese personaje que está en el escenario le enseña cosas nuevas todos los días al actor. Es un modelo de vida. Todo el mundo debería poder acercarse al mundo del teatro porque te ayuda a mirar la vida desde otro punto de vista, a cambiar tus puntos de vista y mirar de forma distinta lo que te rodea, a escuchar a los demás, pero no solo con los oídos. Fotografías de Daniel Dicenta. Teatro Bellas Artes.