¿Quiénes somos cuando la imagen del espejo tan sólo nos devuelve miedo y vergüenza? ¿Qué queda de nosotros mismos cuando todo lo que creemos ser parece insuficiente? Son algunas de las preguntas que, según Javier Hernández-Simón, su director y coadaptador (junto a Ignacio del Moral), le plantea al público esta función. Hablamos con el actor Fernando Cayo que interpreta a uno de los protagonistas de esta emocionante obra.

-¿Cómo describirías a Santa?

Santa representa al tipo que, al quedarse sin empleo, todavía está en una actitud de resistencia. Es el tipo incombustible, que mantiene el calor de la amistad en la cuadrilla de amigos.

Tiene un gran sentido del humor, muy alegre, tiene muchas carencias personales, y muchos claroscuros. Quiere ser muy fuerte pero, al mismo tiempo, está muy tocado emocionalmente por la injusticia y la vida que están viviendo y el lugar en el que les ha colocado este sistema. Es un tipo que une al grupo, que acoge y que pone sentido del humor a todo. Aunque, interiormente, está muy tocado.

-¿Qué crees que simboliza Santa en el desarrollo de la función?

La resistencia. Es el “¡no nos moverán!”. Es el tipo que dice “¡yo no me rindo. Seguimos hasta el final. Habrán ganado pero no nos domaron!”.

Representa el espíritu de lucha.

-Esta función habla de “la importancia de estar unidos en los momentos difíciles, de intentar salir adelante pese a estar en el paro después de un despido industrial…”¿De qué otros temas nos habla?

Nos habla de cómo nuestra vida laboral determina todas nuestras relaciones. En la sociedad el trabajo es muy importante. Pero también nos coloca en el borde de lo robótico. Somos personas. De ser conscientes de esto. De tener autoestima.  Y nos habla también de estos procesos de adaptación cuando hay despidos masivos.

De las desigualdades sociales. Porque, a veces puedes adaptarte a los cambios y a veces no. Hay personas que no se pueden adaptar por sus circunstancias, por lo que les rodea…Habla de tener esperanza…

-Según Javier Hernández-Simón, el director de esta función, “Los lunes al sol” nos ofrece una esperanza, una línea en el horizonte para ayudarnos a seguir caminando; al menos ganar una batalla, por pequeña que sea, para demostrarte que sigues existiendo…. ¿Qué añadirías?

El gran mensaje de la obra es la importancia de estar juntos en los momentos difíciles, de tener empatía. El ser conscientes de que formamos parte de un grupo aunque, a veces, nos sintamos muy solos. Siempre formamos parte de grupos. Y también hay que recordar que vivimos en un país muy solidario y nuestra capacidad de solidaridad es máxima.

-¿Qué crees que diferencia esta función de la película homónima?

La película tiene un aroma de melancolía, de soledad, de cercanía.

La función de teatro es muy divertida, tiene mucha energía, mucho ritmo y el diseño de personajes es diferente. El reparto es muy compacto. Genera un impacto en el público. El público nos ha comentado durante esta gira de más de dos años que llevamos que “A los tres minutos me he olvidado de que existe la película con el mismo nombre”.

Es distinta. Tiene una impronta energética de sentido del humor durante toda la obra.

-¿Cómo describirías a Ana y Nata, los personajes femeninos de esta obra que interpretan Lidia Navarro y Mónica Asensio? Preséntaselos a nuestros lectores…

Los personajes femeninos son el rayo de luz. Los hombres están inmersos en una montaña de oscuridad.  Ellas están con la mirada puesta en el futuro, en el salir de allí. Están fuera del problema. Es una mirada externa tan necesaria…

-En la presentación de la función se dice que “la obra nos plantea preguntas sobre la justicia social y el sistema laboral contemporáneo, invitándonos a reflexionar sobre las desigualdades en nuestra sociedad…” ¿Qué añadirías al respecto?

Nos pone delante un espejo que nos dice que nuestra vida laboral no es lo único. Somos mucho más que trabajadores. Somos personas, amigos, familia, pareja y, después  de todo eso, somos trabajadores.

-Si tuvieras que elegir varias escenas de tu personaje… ¿cuáles serían?, ¿por qué?

Hay una escena en la que se explica lo que suponía el antes del despido, cuando ellos empezaron a trabajar. Y se recuerda que cada uno daría la vida por el otro. Y me gustan mucho las escenas grupales, con muchos chascarrillos. Y también cuando Santa defiende el estar juntos, más allá de las vicisitudes.

-¿El humor de esta versión reside en los diálogos entre los personajes? ¿Por qué es también divertida esta función?

En la película había mucho humor. Bebía del cine social italiano y de la comedia inglesa. Creo que hacer una crítica social desde el humor es fundamental. Los personajes son contradictorios, defienden unas cosas y luego hacen otras. Es una función muy divertida. Y los diálogos de besugos que tienen entre ellos son fantásticos.

-Llegáis a Madrid este mes pero ya habéis representado esta función en otras ciudades, en la gira… ¿Por qué crees que se sienten identificados con los personajes muchos de los espectadores que ya han visto esta función?

Después de dos años de gira a teatro lleno tenemos claro que los espectadores se sienten identificados con esta función.  Es muy emocionante, con mucha crítica social. Es un clásico contemporáneo.

-¿Qué destacarías de la escenografía diseñada por Ricardo Sánchez Cuerda?

Ricardo es un maestro de la escenografía. Destacaría su plasticidad y su multifuncionalidad.

Es un espacio muy evocador, con mucha poesía. Se transforma en muchos ambientes, también gracias a la maravillosa iluminación creada por Juan Gómez Cornejo e Ion Aníbal.

Y termina: “Esperamos en los Canal, con el corazón abierto, al público madrileño”.

Completan el elenco Marcial Álvarez, Mónica Asensio, Fermí Herrero, Fernando Huesca, Lidia Navarro, César Sánchez y José Luis Torrijo.

Una producción de GG Producción Escénica y Teatro del Nómada. Teatros del Canal. 

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Paula Iwasaki es la protagonista de esta producción del Teatro Español y Nao d´amores. Una versión de la obra de Valle-Inclán dirigida por Ana Zamora que, al cierre de esta edición, se seguía ensayando.

-¿Cómo describirías a tu personaje?¿Cómo es en esta versión?

Interpreto a la reina Isabel II a través del filtro del esperpento, del teatrillo del guiñol, de la caricatura de la chirigota y del tablado de fantoches.

En esta versión (según el propio Valle Inclán) “la comadre se ríe feliz y carnal de todo y de todos.”

-En la presentación de esta función se comenta que “En un Madrid de sainete y miseria, Isabel II y su corte desfilan como figuras ridículas, atrapadas en un mundo de corrupción, farsa y doble moral…”¿Qué añadirías?

Dice Ana Zamora que Valle Inclán podría ser considerado como el padre del teatro documento en España o quizá del teatro documento a la española.

Los personajes de esta obra son un retrato sórdido y muñequizado de la cara más corrupta y miserable de la sociedad. El público asistirá a la degradación y perversión de un gobierno nacional a través del humor descarnado, de canciones populares y de una atmósfera carnavalera en la que cada uno de los personajes acaba descubriéndose como una marioneta más dentro de un sistema frívolo y grotesco

-Según Ana Zamora, “La obra nos presenta una serie de hechos, más o menos documentados históricamente, desde una convención escénica absolutamente guasona, constituyendo una crítica feroz del reinado de Isabel II…”¿Qué añadirías sobre la historia que narra “Farsa y licencia…?

Valle Inclán no solo denuncia la corrupción del individuo que ostenta el poder, sino que se burla de una sociedad regida por los instintos más frívolos, sucios y primarios. La acción de la obra gira en torno a la aparición de unas cartas escritas por Isabel II a uno de sus amantes y cómo sus allegados y cargos importantes de la corte se mofan de la señora, se pisan entre ellos y urden todo tipo de tramas conspiranoicas para venderlas y sacar algún rédito de la incontinencia epistolar de la reina.

-¿Cómo describirías brevemente al resto de los personajes?

En “Farsa y licencia de la reina castiza”  aparecen todo tipo de personajes populares del Madrid del siglo XIX. Hay casi veinte personajes que entran y salen de escena, confabulan, se ríen de los poderes políticos y también los temen.

Aparecen los típicos manolos y manolas del imaginario castizo y popular, el general Narváez como el Gran Preboste, diversos amantes del rey y la reina, el rey Francisco de Asís, la infanta Francisca (abuela de ambos monarcas porque eran primos hermanos), las damas de su cámara real…

A estos personajes les darán vida Miguel Ángel Amor, Alejandro Pau, Aisa Pérez, Rafael Ortiz e Isabel Zamora.

-Si tuvieras que elegir varias escenas de tu personaje… ¿cuáles serían?, ¿por qué?

En la obra interpreto a la reina Isabel II y también a la infanta Francisca, a la que Valle describe como una bruja de entremés.

Los dos son divertidísimos y pasan por todo tipo de situaciones surrealistas y grotescas… Es difícil elegir un solo momento de la función.

Las escenas que más disfruto son las corales, en las que el esperpento se dispara y todos los personajes aparecen a la vez en escena. Hay un momento de la función en el que aparecen como diez personajes en escena y somos solo cinco actores…

-¿Por qué fue Valle-Inclán un visionario ya cuando escribió esta función?

Porque la corrupción, las estrategias políticas, los instintos primarios y la picaresca no entiende de épocas, culturas, ni géneros.

Y porque la obra podría ser perfectamente un meme caricaturizando la sátira política de nuestro tiempo.

-¿De qué temas actuales nos habla esta función?

En la actualidad estamos normalizando la corrupción como costumbre nacional y a los dirigentes políticos como caricaturas de sí mismos. El autor entendió que el esperpento no era solo una estética teatral, sino una forma muy española de mirar y sentir, entonces y ahora, la realidad en la que vivimos.

Completan el equipo artístico: Vicente Fuentes (Voz y palabra), Víctor Pliego de Andrés (en la Dirección musical),  Deborah Macías (como diseñadora de Vestuario).

El espacio escénico y trabajo de objetos es una creación de David Faraco y el diseño de la Iluminación es una creación de Juan Gómez Cornejo.  Retrato de Javier Naval. Fotografía de ensayos de Alonso Zamora Canellada. Desde el 30 de Junio. Teatro Español  (Sala Margarita Xirgu). 

TRIANA

Es una coreografía de todo el cuerpo de bailarines del Ballet en la que Rafaela Carrasco, además de ser la coreógrafa y la directora de escena, estará en el escenario cantando y bailando. Los ayudantes de coreografía son Carmen Ángulo y Florencia Oz. El ballet está inspirado en la música del grupo Triana y en la de Ángeles Toledano, que también es la artífice de la adaptación musical.
La Iluminación y la puesta en escena son de Gloria Motesinos. Y el vestuario es una creación de Belén de la Quintana y del Ballet Nacional de España.

MEDEA

El Ballet Nacional busca celebrar el legado de José Granero, una de las figuras más importantes de la historia de la danza en España. Las funciones de “Medea” tendrán en el papel principal a la bailarina Inmaculada Salomón, con la música de Manolo Sanlúcar y la escenografía creada por Andrea D’Odorico.

Esta icónica obra, estrenada el 13 de julio de 1984 en el Teatro de la Zarzuela de Madrid, es posiblemente el trabajo coreográfico más interpretado y reinterpretado de la historia de la danza española.

“Medea” es uno de los mejores ballets teatralizados del flamenco. Su dramaturgia, escrita por Miguel Narros sobre la tragedia de Séneca, la música de Manolo Sanlúcar y la coreografía de José Granero, componen un espectáculo desgarrador, sin fisuras. El Ballet es un relato de amor, traición y venganza, cuyo valor artístico ha permanecido inalterable hasta hoy.

Según explica la compañía, “Medea, hechicera y maga, descendiente del sol, traiciona a su padre y a su raza, asesina a su hermano y ayuda a robar el Vellocino de Oro al aventurero griego Jasón, a quien ama y con quien huye. Jasón y Medea con sus dos hijos viven en Corinto, donde reina el anciano Creonte, que tiene una bella y única hija, Creusa. El rey Creonte ofrece su joven hija a Jasón, quien la acepta repudiando a Medea. Para Medea, mujer bárbara, consumida por los celos, no puede brotar justicia, enloquecedora sino una venganza. Comienza la larga noche de Medea…”

José Granero (1936-2006), bailarín y coreógrafo español de origen argentino, es el gran referente de la nueva composición coreográfica del baile español, al que dotó de una capacidad narrativa y una teatralidad que han mantenido vivas sus creaciones hasta hoy y han servido de guía y camino a los nuevos creadores. Del 11 al 22 de Julio. Teatro de la Zarzuela. 

En la 72ª Edición del Festival habrá 9 espectáculos en el Teatro Romano de Mérida y 7 montajes en el Teatro María Luisa y muchos más en las extensiones de Cáparra, Medellín y Regina. Hablamos con Jesús Cimarro, su Director.

-¿Cuáles son las coproducciones de este año del Festival con otras compañías?

Arrancamos esta edición con “Spartacus”, del Düsseldorg Ballet Theatre, con Miguel Ángel Muñoz como narrador, para posteriormente recibir a “Electra Jonda”, una coproducción con los Teatros del Canal de Madrid, con elementos del flamenco y que contará con Carolina Lapausa, Juan Gea, Alejandra Torray o María Garralón, entre otros grandes actores.

“Timón de Atenas”, con Pepe Viyuela al frente del elenco, es una coproducción con Bombonera de un clásico de Shakespeare. Repetimos la colaboración con Losdedae en “Bacanal”, una obra que mezcla teatro y danza, escrita por Juan Carlos Rubio y dirigida por Chevi Muraday que contará con grandes nombres como Carlos Hipólito, Toni Acosta, Juana Acosta y el propio Chevi Muraday.

La comedia tendrá un papel destacado en esta edición, con títulos como “La comedia de la olla”, protagonizada por Carlos Sobera y dirigida por Juan Luis Iborra o “Cómicos de Roma”, que supone el debut de Fernando Tejero en el Festival. Y también celebraremos la vuelta a los escenarios de Lydia Bosch en “Fedra”, entre otros actores.

Después se representará “El viaje de Edipo”, protagonizada por José Antonio Lucía y Marcial Álvarez, entre otros actores.

Y cerraremos el festival con un musical, “Las 9 musas”, una producción extremeña cargada de humor y protagonizada por un genial elenco de 9 mujeres como Angy Fernández, Clara Alvarado, Nerea Rodríguez o Carmen Conesa.

-¿Por qué habéis elegido el lema “Clásicos del pasado, emociones del presente”? ¿Qué queréis transmitirle a los espectadores que vayan a disfrutar de este Festival?

Porque resume perfectamente la esencia del Festival y, en realidad, la razón por la que seguimos representando textos escritos hace más de dos mil años en un escenario tan extraordinario como el Teatro Romano de Mérida. Con este lema queremos transmitir que los clásicos no son piezas de museo ni obras alejadas de nuestra realidad. Al contrario, son textos vivos que continúan interpelándonos, emocionándonos y ayudándonos a reflexionar sobre nuestro presente. Cada representación es un puente entre dos tiempos: el legado cultural del pasado y las inquietudes del espectador contemporáneo.

A quienes vengan a disfrutar del Festival queremos decirles que vivirán una experiencia única. No solo asistirán a grandes espectáculos teatrales, sino que sentirán cómo la historia, el arte y la emoción se unen en un espacio cargado de belleza y significado. Nuestro deseo es que salgan con la certeza de que los clásicos siguen teniendo mucho que decirnos y que, en cada verso y en cada escena, late algo profundamente actual y humano.

-¿Qué dos retos os habéis planteado tú y tu equipo en esta edición?

Mantener la excelencia artística que caracteriza al Festival y, en segundo lugar, seguir acercando el teatro clásico a nuevos públicos.

El primer reto consiste en estar a la altura de una cita cultural con una trayectoria y un prestigio extraordinarios. El Festival de Mérida no es solo el más antiguo de España dedicado al teatro clásico, sino también una referencia internacional.

Eso nos exige ofrecer una programación de máxima calidad, con propuestas rigurosas, innovadoras y capaces de emocionar al público en un escenario tan emblemático como el Teatro Romano de Mérida. Nuestro compromiso es honrar ese legado y, al mismo tiempo, seguir renovando la mirada sobre los textos grecolatinos.

El segundo gran reto es lograr que el Festival continúe creciendo en diversidad de espectadores. Queremos que quienes ya sienten pasión por los clásicos sigan encontrando montajes memorables, pero también que las nuevas generaciones descubran que estas historias hablan directamente de sus propias inquietudes. Para ello apostamos por propuestas accesibles, actividades paralelas y formatos que conviertan el Festival en una experiencia cultural abierta, cercana y participativa.

-“A Paz” y “Spartacus” son dos de los montajes de compañías de fuera de España. ¿Qué destacarías de ambos?

Ambos representan a la perfección una de las grandes vocaciones del Festival: abrir nuestras puertas a miradas internacionales que enriquecen el diálogo entre los textos clásicos y la sensibilidad contemporánea.

De “A Paz”, que llega desde Portugal, destacaría su capacidad para recuperar el espíritu satírico y profundamente humanista de Aristófanes. Aunque fue escrita hace siglos, la obra lanza un mensaje de enorme actualidad: la necesidad de defender la concordia y el entendimiento en tiempos convulsos. Es un montaje lleno de inteligencia, humor y frescura, que conecta de manera muy directa con el público actual.

En cuanto a “Spartacus”, sobresale por su fuerza escénica y por la vigencia del personaje que inspira la obra. La producción ofrece una puesta en escena de gran intensidad, capaz de emocionar y de invitar a la reflexión sobre cuestiones que siguen siendo plenamente contemporáneas.

Además, tenemos una tercera producción internacional que es un pasacalles llegado desde Colombia llamado “Regresos de Ulises: La Odisea”, con música en vivo y único en el mundo.

-Habéis presentado esta edición en Lima (Perú). ¿Por qué es importante e interesante dar a conocer este Festival fuera de España?

Presentar el Festival en Lima es una forma de reforzar su vocación internacional y de acercar nuestra programación a nuevos públicos. Los clásicos forman parte de un patrimonio universal y sus historias siguen emocionando a espectadores de cualquier país.  Además, en esta edición hemos puesto en marcha el Premio “Odiseo y Penélope”, una iniciativa impulsada por el Festival de Mérida y la Cátedra Vargas Llosa, centrado en textos teatrales de temática grecolatina escritos originalmente en castellano.

-Imagínate que estamos en el 31 de Agosto de 2026, ya ha terminado el Festival… ¿Con qué resultados te sentirías más que satisfecho?

Si conseguimos emocionar al público, mantener la excelencia artística y seguir creciendo en proyección, podremos considerar que esta edición habrá sido un verdadero éxito.

-¿Cuáles son las tres principales señas de identidad de este Festival que le sigue haciendo diferente de otros?

Creo que hay tres señas de identidad que hacen único al Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida. La primera es, sin duda, el Teatro Romano de Mérida, un escenario incomparable donde el público puede disfrutar de los clásicos en el mismo espacio para el que fueron concebidos hace más de dos mil años.

La segunda es la capacidad del Festival para demostrar que los textos grecolatinos siguen plenamente vivos y conectan con las emociones y los debates de nuestro tiempo. Y la tercera es su vocación internacional, que convierte a Mérida en un punto de encuentro entre artistas, compañías y espectadores de distintos países unidos por una misma pasión por el teatro clásico.

– ¿Por qué deberían acercarse nuestros lectores a Mérida a disfrutar de este Festival y, de paso, a conocer esta ciudad ?

Porque pocas experiencias culturales pueden compararse con asistir a una representación en el Teatro Romano de Mérida bajo las estrellas. El Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida ofrece la oportunidad de disfrutar de grandes espectáculos en un escenario único en el mundo, donde los clásicos cobran una fuerza especial. Y, además, Mérida es una ciudad extraordinaria, con un patrimonio histórico incomparable, una excelente gastronomía y una gran hospitalidad. Quien viene al Festival no solo disfruta del mejor teatro clásico, sino también de una experiencia cultural y turística completa que deja una huella imborrable.

Del 3 de Julio al 30 de Agosto. Mérida (Badajoz).

La XXV edición de este Festival (organizado por el Ayuntamiento de Alcalá de Henares y la Comunidad de Madrid) presenta una amplia y variada programación con más de 25 estrenos y cerca de 60 propuestas escénicas.

“Clásicos en Alcalá” celebra un cuarto de siglo convertido en uno de los grandes referentes de las artes escénicas dedicadas al Siglo de Oro. Bajo el lema “Celebra los clásicos”, el festival reúne en esta edición una programación que combina tradición, contemporaneidad con diferentes propuestas y formatos para todos los públicos.

Al frente de esta edición tan simbólica se encuentra Clara Pérez, quien “reivindica el poder del teatro clásico como espacio de encuentro, emoción y reflexión compartida.” Coproducciones entre España e Hispanoamérica, grandes nombres de la escena y nuevas miradas sobre los textos áureos conviven en una programación que convierte nuevamente Alcalá de Henares en un gran escenario abierto. 

-¿Qué significa para este Festival alcanzar esta edición tan especial y qué espíritu ha guiado la programación de este año?

Me siento muy afortunada de estar ocupando el cargo de directora artística justo cuando coincide este aniversario (un cuarto de siglo, se dice pronto), porque lo he vivido desde el principio, a veces como espectadora, otras como compañía dentro de la programación para estrenar en este Festival, que siempre ha sido un lujo, con espacios mágicos, un público cálido, y donde nos sentíamos muy bien tratados.

Ese es el espíritu: “Celebración”. Queremos festejar esa satisfacción que compartimos los amantes de las Artes Escénicas, convencidos de que el Teatro del Siglo de Oro Hispanoamericano seguirá siendo un espacio de encuentro, reflexión y emoción por muchos años.

-Uno de los montajes más esperados de esta edición es “Amor es más laberinto”, de Sor Juana Inés de la Cruz. ¿Qué representa para el festival recuperar una obra tan singular y hacerlo además en un espacio tan emblemático como el Corral de Comedias?

Es una coproducción entre España y México. Destacaría la riqueza que aporta al proyecto, con un equipo mitad español, mitad mexicano. Autoría, música, vestuario, asesoría de verso y seis intérpretes son de México; y la dirección, espacio escénico, iluminación, coreografías y otros seis artistas son de España.

Con dramaturgia y dirección de Abel González Melo, producción de Fundación Teatro de la Abadía con INBAL y Coordinación Nacional de Teatro y ENAT (México).

Es una comedia escrita en colaboración. Sor Juana Inés de la Cruz -primera autora mexicana que escribió en español- escribe los actos primero y tercero, y Fray Juan de Guevara el segundo acto.

-Rafael Álvarez “El Brujo” regresa una vez más al festival con una nueva aproximación al repertorio clásico. ¿Qué tiene su forma de dialogar con los textos del Siglo de Oro que conecta tan bien con el público de Clásicos en Alcalá?

“El Brujo” conecta bien con todos los públicos, parece que habla a cada persona sentada en el patio de butacas, de uno en uno. Es un comunicador excelente. “El Lazarillo” lleva girando más de 35 años y siempre aporta algo nuevo. Hay mucho talento en esta producción con dramaturgia de Fernando Fernán Gómez.

-“Clásicos en Alcalá” vuelve a convertir la ciudad en un gran escenario abierto con propuestas de calle, espectáculos musicales y actividades pensadas para todos los públicos. ¿Qué importancia tiene esa programación más abierta y festiva a la hora de acercar el Siglo de Oro a espectadores de todas las edades?

Queremos ofrecer una experiencia singular al público y también al paseante ocasional, compartiendo la magia del Teatro. Inauguran el festival el 12 de junio “The bike clickbox”, un fotomatón itinerante y otras piezas familiares como “De fanfarrias y maravillas” de Arlequina y Pablo Méndez; “La Alcarabía de los Clásicos” de generacionARTes, “Marcha barroca” con la Banda Sinfónica Complutense; “Big Dancers”, un espectáculo de marionetas gigantes y “Quixote” de Grupo Puja.

Y la clausura será por todo lo alto: Criaturas insólitas en “Sátiros y demonios”, la batucada de Alea Teatre, El pasacalle “Quimera” de LA FAM y “Bestias Ígneas” de L´Avalot Teatre.

En las calles y plazas habrá folclore con el Ballet Andino-Ecuatoriano Quitus Madrid y Leyendas de México con Mariachi Reyes; talleres (“Pinta los clásicos” de Gaac, Mon y sus Caricaturas de oro fino, Légolas A lo loco); poesía (“Lluvia de palabras” de Visitants, o “Cabinas literarias” de Proyecto Cultura).

-Este año tenéis otra Numancia, una de las grandes tragedias de Cervantes, un monólogo.  Además de las grandes obras, ¿qué cabida tienen en el festival propuestas más modestas de compañías habituales en otros circuitos?

“Habla, Numancia” es un espectáculo unipersonal dirigido por la argentina María Eugenia Muñoz Orozco, con Miguel Ángel Quirós en escena. El texto de Cervantes está más vigente que nunca, y eso debería horrorizarnos.

-En esta edición encontramos también propuestas que mezclan teatro clásico y música en directo, como el espectáculo protagonizado por Paloma San Basilio, o danza con Chevi Muraday. ¿Qué otras propuestas se podrán disfrutar?

Por ejemplo, “La esencia flamenca del Siglo de Oro” de Vicente Soto ‘Sordera’; “La Gallarda” con Silvia Marsó dirigida por Yayo Cáceres, con la Orquesta Filarmónica Cervantina de las 25 Villas; “Don Giovanni” con la Orquesta MDC y Katharsis Ensemble; “El lindo Don Diego” con la dirección de Borja Rodríguez, entre otros.

Y la danza contemporánea en el 30 aniversario de LOSDEDAE;  “Nascencia” del Ballet Español de la Comunidad de Madrid… y mucho más. 

-¿Y de las coproducciones internacionales?

“Los locos de Valencia”, con la dirección de Pepa Pedroche, de Teatros del Canal con Teatro San Martín de Buenos Aires; “El perro del hortelano” (Cuba, EEUU y España) dirigida por Carlos Díaz; “Cotidiáfonos clásicos” (España y Perú) de Bufa&sons–Xavi Lozano y “La dama boba”, dirigida por Josep María Mestres, que es una coproducción del Festival Hispanoamericano del Siglo de Oro. Clásicos en Alcalá con Octubre (España) y Ajedrez Eventos y Soluciones (México).

-Después de 25 años de trayectoria y reconocimientos como la Medalla de Oro de la Academia de las Artes Escénicas, ¿hacia dónde mira ahora Clásicos en Alcalá?

Cuando hace dos años la Academia nos concedió la medalla nos hizo muy felices. Ahora tenemos una programación de homenaje al pasado, celebración del presente y mirada ilusionada al futuro. Estoy convencida de que seguirá siendo un espacio de encuentro, reflexión y emoción. Hay mucha creación contemporánea que bebe de nuestros autores áureos. El festival seguirá llenando los escenarios de excelencia, las butacas de público y la ciudad de cultura. Ese es el futuro.

Y termina diciendo, “También quiero destacar que, dentro de ese homenaje al pasado, tendremos a compañías históricas como Teatro del Temple, Morfeo Teatro, Ángeles de Trapo, Malaje Solo, La Máquina Real, Tropos Teatro de Títeres, Fundación Siglo de Oro o Teatro Yeses. Y que  estrenamos en el Festival “Preciosa” de Alicia Merino, “Burladas” de Esther Berzal; “Patrañas cervantinas” de Daniel Llull y Jesús Teyssiere; “El mágico prodigioso” visto por Adolfo Simón, que es una fusión de títeres, máscaras y objetos; y “El Lazarillo y las cosas del comer” de Sol y Tierra y Teatro Percutor, con comida y cocinando. Son propuestas muy trabajadas de compañías que desde lo artesanal llenan los espacios y aportan al festival cercanía y realidad…” Del 12 de Junio al 5 de Julio. 

-Mal pelo, con su última producción “WE”, inaugura este Festival. ¿Cómo le presentarías a nuestros lectores esta coreografía?

Hablar de Mal Pelo siempre es hablar de perfección, de investigación artística permanente, lo que les ha llevado a un imaginario tremendamente personal. No hay grietas. Sus composiciones equilibran cada uno de los elementos que conforman la escena, los espacios sonoros, las composiciones coreográficas, la técnica impecable y siempre en espacios de una belleza plástica impresionante. Con “WE”, vuelven a esa búsqueda constante de obtener respuestas sobre el individuo y su papel en la comunidad, tomando como referencia el poema de John Berger “Separation” y trazando como recurso el principio básico del movimiento en su máxima expresión, el caminar.

-¿Algunas propuestas de compañías internacionales que te gustaría destacar?

Desde la poética irónica de la coreógrafa italiana Silvia Gribaudi y su “ROSA”, donde nos escenifica la expresión del cuerpo de la mujer y el rol social que se le asigna. A la fisicalidad de las propuestas de la francesa OUPS Dance Company, la perfección de movimientos de Patricia Crkovic & Tjasa Buscik de Eslovenia, o el dúo Empty Rooms de Francia. También el trabajo de la compañía italiana DanceHauspiù; de Duo Nux (con Alice Beatrice) y los cuestionamientos danzando  del coreógrafo alemán Jack Bannerman.

-¿Qué novedades destacables habrá esta edición respecto a la de otros años?

Contaremos con la colaboración de Cataluña (CataLAN Dance y ICEC/ Catalan Arts.) y de Galicia (Agencia Gallega de Industrias Culturales de la Xunta de Galicia), especialmente implicados este año en el Festival, para crear vínculos sólidos y dar visibilidad e impulsar la creación contemporánea de sus respectivos territorios.

También tendremos las V Jornadas Profesionales de Danza donde trabajaremos una hoja de ruta hacia el primer plan de impulso a la danza en Andalucía, que cristalice en un documento ambicioso las artes vivas y la danza, como un derecho cultural, motor de transformación y bienestar social y colectivo.

Y el proyecto Escuela de Futuros donde abordaremos la mediación artística y la educación expandida, en colaboración con redes de Colombia, Argentina y Portugal.

-Has declarado que “Cádiz en Danza” es un festival con un imaginario colectivo y donde la acción participativa es fundamental… ¿Sigues pensando así?

Por supuesto creo que es verdaderamente lo que define la identidad del festival. No creo que fuese posible defender un festival alejado de su contexto y de su propia comunidad y tampoco de la escucha activa del sector.

-¿Por qué es un Festival diferente?

No buscamos la diferenciación ni trazar un festival galáctico y único en su especie, pero si el que la ciudad necesita. Creo que podemos afirmar que hemos conseguido ir cumpliendo años siendo fieles a los propósitos que marcaron el inicio del Cádiz en Danza y quizás por esa labor de crecer de una manera frontal a su territorio, sin artificios y de una manera sostenible.

Somos un festival de kilómetro cero y eso nos gusta. Que escucha y que quiere seguir creciendo de esa manera, con base sólidas. El Festival se ha ido posicionando hacia esa participación, hacia la obra abierta y seguimos apostando por trabajos de espacio de mediación, cuestionamiento у de resignificación.

Otras propuestas de la Programación

Cerrará el Festival la bailaora y coreógrafa Rocío Molina (considerada como una de las principales renovadoras del flamenco contemporáneo). Su espectáculo «Calentamiento» ha sido creado y dirigido junto al dramaturgo y director Pablo Messiez, bajo la dirección musical del Niño de Elche y la colaboración de Cabosanroque.

Este año en el Gran Teatro Falla se sumará la propuesta Danzas Románticas de Montdedutor, un ballet inmersivo inspirado en escenas de los principales ballets del Romanticismo: Giselle, Coppelia, La Sylphide, Raymonda y Scherezade.

En el Teatro del Títere de la Tía Norica de la ciudad estarán las piezas de  las compañías La Venidera, Los Informalls, Olalla Hernández, Silvia Gribaudi y Nuria Guiu.

Y, además, se podrá disfrutar del «To be show», de Alberto Lucena en la Sala Central Lechera. Del 6 al 13 de Junio. Cádiz.

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El Centro Dramático Nacional estrena esta propuesta escénica de The Cross Border Project, con texto y dirección de Lucía Miranda. Una función que la dramaturga y directora describe como “su obra más personal”, que combina teatro documental y ficción, para abordar, con humor y honestidad, la huella del colonialismo entre España y Filipinas. 

-¿Podrías contarle al público qué verá sobre el escenario?
Verá una obra que tiene un 75% de documental y un 25% de ficción. La ficción es muy disparatada, muy divertida, y la parte documental es muy sincera. Es el elenco compartiendo sus historias. Es una obra que habla de la herencia colonial recibida que, a priori, parece algo del pasado, pero que, en realidad, es de una contemporaneidad abrumadora. “Las últimas” es una pieza que no busca dar respuestas, sino invitar al espectador a cuestionarse ¿qué hacer con aquello que hemos heredado?. Un viaje escénico que invita al público a seguir explorando sobre esta relación.

-¿Cómo fue el proceso de seleccionar qué voces y qué relatos entraban en la pieza y cuáles se quedaban fuera?
Ha sido lo más complicado, porque he realizado 40 entrevistas entre España y Filipinas, lo que son unas 80 horas de audio, incluyendo al elenco y a sus madres, pero también a historiadores, antropólogos, lingüistas, o los taxistas que me llevaban y me traían en Manila. Son perfiles muy diversos. Siempre elijo en función de cómo encaja el puzzle: a veces encuentro una historia muy interesante pero que no hace match, que no tiene relación con el resto, y debo dejarla caer. También elijo en función de lo más jugoso dramáticamente, y al tiempo, abandono algunas historias que me parece que pueden poner en riesgo a aquellos que las compartieron. No es lo mismo hablarle a una desconocida, que después escuchar tu voz en un teatro. Trabajo encontrando el equilibrio entre lo dramatúrgicamente interesante y lo éticamente responsable. También buscaba historias que tuvieran que ver con la herencia en líneas muy concretas: el lenguaje, la religión, el relato, el cuerpo, el poder adquisitivo o la clase social.

-La obra mezcla episodios históricos, figuras reconocibles y situaciones aparentemente dispares (desde Magallanes hasta Imelda Marcos). ¿Qué te hace relacionar a estos personajes?
Leí el libro “Programa de desorden absoluto. Descolonizar los museos de Françoise Vergès (Akal, 2024)” y me voló la cabeza. Me parece muy interesante su perspectiva de los museos como escenarios de crímenes. Así que, desde esa lectura, elegí una serie de obras: esculturas, pinturas, fotografías, que se encuentran en el Prado, el Antropológico, el Nacional de
Filipinas, el Museo Oriental de Valladolid o en la calle (como la estatua de Los últimos de Filipinas), para que sirvan de motor en la obra…  ¡Son muchos años!.
También pensé: ¿qué obras son las más representativas de la relación entre los dos países? Si los artistas de la época reflejaron estos momentos, serán las piezas documentales de mis momentos históricos. Y después entrevisté a  curadores (3 españoles y 3 filipinos) para que me hablaran de ello.
Cada figura reconocible está ligada a un tema y a una obra de arte: Almeida y Carmena nos hablan de colonialismo. Magallanes y Pigafetta son el relato de la conquista. Sor Jerónima de la Asunción es la religión, Carmen Polo e Imelda Marcos son el poder administrativo y económico… y la exposición sobre Filipinas realizada en el Retiro en 1887 sirve para hablar de la exotización y el racismo.

-Hablas de la relación entre el cáncer, la madre y la idea de “madre patria”. ¿De qué manera dialogan en la obra lo político, lo generacional y lo emocional?
Hay dos generaciones representadas en la obra: la del elenco que es de 30-40 años, y la de las madres que va desde 60 a 80 años. Los actores comparten su historia y hacemos verbatim de sus madres. Casi todo en la vida es político: que alguien elija hablar el idioma de tus padres o no hacerlo, asumir o no la religión de tus progenitores, maquillarte para parecer blanca en lugar de racializada… De tu madre heredas unas cosas, de tu país también. El conflicto reside en decidir qué haces con lo que heredas.

-“Las últimas” invita a pensar qué hacemos con la herencia histórica y emocional que recibimos. ¿Qué esperáis que el público se lleve a casa al salir del teatro?
Ganas de aprender más, ganas de preguntarse ¿qué hago con el privilegio que yo tengo? ¿cómo lo uso?. Y que se lo hayan pasado muy bien con una obra que a priori habla de “colonialismo”, una palabra que asusta tanto como el cáncer y que cada vez que la nombras en las instituciones te miran con cara de: ¿qué vas a contar en esta obra?.

-¿Qué destacarías del trabajo con el elenco en el proceso de creación?
El elenco, excepto la actriz que interpreta el papel de “la Matria”, es de origen filipino, y Julia Enríquez ha viajado desde Manila, exclusivamente para realizar este proyecto, ya que ella es actriz de la compañía filipina Peta Theatre. A raíz del cáncer de mi madre les planteé entrevistar a sus madres y todos aceptaron, lo que deriva en que muchas de ellas aparecen en la función como personajes o se las nombra. Por ejemplo, en una escena, Laurence Aliganga hace del abuelo de Juan Paños pero luego es Juan, quien representa al padre de Laurence. Hicimos una lectura a la que vinieron algunos de esos familiares y algunas de las personas entrevistadas. Fue precioso. Si normalmente en una obra los actores están al servicio de una historia, en ésta, se redobla. Han sido profundamente generosos conmigo y con la historia que contamos.

-El proyecto nace atravesado por una experiencia vital muy fuerte: la enfermedad de tu madre. ¿Cómo transformó el enfoque inicial de «Las últimas»?

Me entero de que mi madre tiene cáncer en grado 4 (que es el más grave) 3 días antes de coger el vuelo a Manila donde estuve 10 días haciendo entrevistas, con una agenda maratoniana. Cuando subo a ese avión, estoy hecha un lío. Me planteo parar el proyecto en función del diagnóstico que nos den en las siguientes semanas…

Cuando aterrizo en Manila, y viene a buscarme J-mee Katanyag, que es la directora artística y amiga de Peta Theatre, le digo que a mí en ese momento el colonialismo y sus consecuencias me dan igual, y que a mí ahora lo que me importa es mi madre.

Al día siguiente, me trae el libro «Noli me tangere» de José Rizal, la figura más importante de la independencia Filipina, donde habla en el prólogo de que su madre está enferma de un cáncer terrible que es el colonialismo. Su madre era Filipinas como madre patria, y el cáncer el colonialismo español. Y ahí empiezo a pensar en el proyecto desde el punto de vista de la herencia: lo que heredamos de nuestras madres y de nuestros países, lo que decidimos hacer con ello, lo que podemos hacer con ello (cambiarlo, olvidarlo, negarlo)… y empiezo a trazar un hilo entre lo personal y lo político, donde imagino a un personaje que es la Matria que tiene cáncer. Y también decido el tono: si ésta fuera la última vez que viera a mi madre: ¿qué le gustaría a ella ver y qué me gustaría a mí que viera?… Ella me dijo que le gustaría reírse mucho y es lo que he intentado. 

-Propone un recorrido por 461 años de historia compartida entre España y Filipinas. ¿Cómo surgió la necesidad de abordar esta relación?
Desde mi compañía, The Cross Border, tenemos relación con la compañía filipina Peta Theatre. Son un referente en Asia en el trabajo con comunidades y tenemos la suerte de llamarles amigos. Hace 10 años realizamos un intercambio con ellos y a la vuelta de nuestro viaje vinimos impresionados de lo poco que sabíamos de Filipinas y lo mucho qué sabían ellos de España. Un día hablando, nos dimos cuenta de que Belén de Santiago y Juan Paños tenían abuelos filipinos, y pensé que eran muchas casualidades juntas. Pensamos que era necesario hablar de esa relación, del privilegio y del poder histórico establecido que llega hasta el presente.

-A lo largo de tu trayectoria con la compañía Cross Border Project, tus proyectos han explorado el diálogo entre teatro, educación y transformación social. ¿Dirías que existe una base común o una “pregunta motor” recurrente en todos tus espectáculos y a ti misma a lo largo de los años?

Creo que cómo se forja la identidad de cada uno o de una comunidad es algo que se repite desde el principio: desde Perdidos en Nunca Jamás, que es uno de nuestros primeros trabajos hasta Casa. A unos les roban el futuro como en Perdidos o Fiesta, Fiesta, Fiesta, a otros la vivienda, a otras la libertad (Nora, 1959, o La chica que soñaba). También nos preocupan las relaciones de poder, ¿cómo se establece el privilegio?, ¿qué hace que en una sociedad unos decidan sobre otros?, y, sobre todo, ¿qué podemos hacer para cambiarlo?. Fotografías de Bárbara Sánchez-Palomero. Teatro Valle Inclán.