Su director, Alfredo Sanzol, que ha estado acompañado por la directora general del INAEM, Paz Santa Cecilia, ha afirmado que «esta nueva programación puede ayudar a dar forma a nuestro presente, a solidificarlo unos instantes para que quede huella de lo que estamos viviendo y que esta huella sirva de impulso para lo que queremos vivir. Esta temporada la palabra de referencia es FUTURO. Desde el drama hacia el futuro. Todas las personas que hacemos la temporada 26-27 aportamos con nuestros dramas alimento para el pensamiento sobre el futuro. Frente al futuro negado, o inevitable, frente a la destrucción asegurada o frente al futuro incontrolable, estos dramas proponen recordar que el futuro es una tarea de pensamiento colectivo y no un destino fabricado por unos pocos».

La Sala Grande del Teatro Valle-Inclán acogerá siete montajes. La temporada arranca con el montaje internacional Pinocchio(live)#3 (25 – 27 de septiembre), una performance escénica creada y dirigida por Alice Laloy para 22 intérpretes —niños y jóvenes— y dos percusionistas adolescentes que invierte el proceso de búsqueda de realismo propio del arte de los títeres. En lugar de animar lo inanimado, se trata de transitar de lo vivo al títere. 

La Punzión (27 de noviembre–10 de enero), reúne a la dramaturga Esther F. Carrodeguas y la directora Beatriz Jaén, quienes nos presentan esta pieza teatral afilada que, con mucho humor, pone el foco sobre ChatGPT para reflexionar sobre las ficciones que construimos y los prejuicios que nos atraviesan. Todo ello a través de la crisis vital de una chica que afronta la mediana edad enfrentándose a sus ideales. 

Diálogos (5 de febrero–21 de marzo) es la propuesta del Centro Dramático Nacional para participar en la celebración de los cien años de la Generación del 27. Alfredo Sanzol versiona y dirige estas piezas breves que son momentos de recogimiento de Lorca. Nacieron como experimentos surrealistas, publicados algunos de ellos en vida del autor, mientras que otros permanecieron inéditos hasta que fueron rescatados por Andrew A. Anderson en 1998.

Avalancha / L’allau (9 de abril–2 de mayo), de Agrupación Señor Serrano, con texto y dirección de Pau Palacios y Àlex Serrano, nos presenta tres relatos entrelazados que se construyen alrededor de las ideas de crecimiento, pasividad, gigantismo, colapso y posibles imaginarios alternativos. Una pieza sobre esta avalancha global en forma de exceso que se despliega ante nuestra mirada apática. 

Catarina e a beleza de matar fascistas (12–14 de mayo) y By Heart (15–16 de mayo), dos montajes escritos y dirigidos por el director del Festival d’Avignon, Tiago Rodrigues, dialogarán en días consecutivos en el Centro Dramático Nacional, dentro de su gira internacional. La primera propuesta cuenta la historia de una familia que mata fascistas como tradición. Pero Catarina, que debe hacerlo por primera vez, se resiste a participar, provocando una gran pelea familiar y muchas preguntas. El segundo montaje invita a sentarse en el escenario a diez espectadores con el objetivo de que se aprendan un texto de memoria. Este espectáculo nos habla del poder de la poesía mediante la creación de una comunidad inesperada.

La tercera fuga (27 de mayo–6 de junio), escrita y dirigida por Victoria Szpunberg sigue el rastro de una familia a lo largo de 100 años de historia y cuenta en forma de autoficción el trepidante periplo por Ucrania, Buenos Aires y Barcelona de tres generaciones víctimas del exilio.

La Sala Francisco Nieva del Teatro Valle-Inclán ofrecerá seis producciones. ICTUS (Anatomía de ‘La última lección’ de Castelao) (8 de octubre-8 de noviembre), una creación de Chévere que tendrá todas sus funciones inclusivas, con dramaturgia y dirección de Xron. Es una obra que trata la memoria histórica tomando como referencia un cuadro que se ha convertido en símbolo de la represión franquista tomando como protagonista a un maestro gallego republicano represaliado. Quiero imaginar un mundo (26 de noviembre–20 de diciembre) es la propuesta de Nuevos Dramáticos, que esta temporada han trabajado con Lautaro Perotti y Claudio Tolcachir, quienes escriben y dirigen esta pieza que cuenta un viaje al Olimpo para exigirle a la Diosa de la Paz que regrese a la Tierra.

Oniro (29 de diciembre–6 de enero), escrita y dirigida por Estitxu Zaldua, es una pieza de teatro visual que se adentra en la relación entre nuestras emociones y el mundo onírico.

Europa catacrack (27 de enero–28 de febrero), con texto y dirección de Maite Pérez Astorga, narra el viaje por Europa de una madre, su hijo y el abuelo del pequeño para abordar la crisis de las sociedades occidentales y descubrir aquello que nos conecta con el Todo.

Una pequeña historia de superación (17 de marzo–18 de abril), es la nueva obra escrita y dirigida por Berta Prieto y Lola Rosales, quienes nos trasladan hasta el año 2034, cuando la ultraderecha ya ha arrasado en Europa, para contarnos la importancia de superar el trauma cuando ha invadido todos nuestros relatos.

Y como viento de invierno llegaré (5 de mayo–6 de junio), una creación de Club Caníbal, con dramaturgia y dirección de Chiqui Carabante, y texto de Font García, Vito Sanz y Juan Vinuesa, toma como materia dramática a un grupo de vecinos que defienden sus hogares ante la presión de un fondo de inversión que quiere comprar su edificio.

La Sala El Mirlo Blanco del Teatro Valle-Inclán acogerá el ciclo Titerescena, dirigido al público familiar. Este año, las funciones incluirán los siguientes títulos: Biblioteca de ruidos y sonidos, Un trozo de pan, Sòmion, Malaika, Flor de greguerías, Monstruo rosa, Tretatxu, El circo de los gerundios y El pozo de los mil demonios.

La Sala Grande del Teatro María Guerrero presentará cinco obras teatrales. Los huesos (15–18 de octubre), con texto de Michael de Cock, Manuela Infante y Marcela Salinas y dirección de Manuela Infante, es un trabajo sobre la memoria histórica de las víctimas desaparecidas que escucha lo que los huesos nos cuentan sobre la violencia.

Magda (13 de noviembre–27 de diciembre), escrita y dirigida por Chela De Ferrari, tiene como protagonista a Magda Goebbels, esposa del ministro de Propaganda nazi Joseph Goebbels, quien asesinó a sus seis hijos pequeños antes de suicidarse en el búnker en 1945 convencida de que estaba protegiéndolos. La autora y directora traza un paralelismo entre la Europa de esa época y la actual, preguntándose cómo una sociedad puede deslizarse, lentamente, hacia formas de pensamiento donde el miedo termina justificándolo todo.

Justices (14–17 de enero), creada y dirigida por Clément Papachristou, sigue a un artista con síndrome de Down en su viaje existencial, inspirado en la Divina Comedia de Dante, a través de los círculos del infierno. 

Los fugaces (12 de febrero–28 de marzo), con texto y dirección de Denise Despeyroux, que retoma al personaje de Dunia, de su anterior montaje Misericordia, una mujer que despierta de un coma y descubre que algo ha cambiado en su relación con el lenguaje.

Un drama romántico/Un drama romàntic (23 de abril–23 de mayo), es el nuevo montaje que escribe y dirige Lucía Carballal. En él nos presenta la historia de dos mujeres que se adentran en la crisis del crecimiento, que cancelan su boda en el último momento. A partir de aquí la creadora reflexiona sobre el amor como acción.

En La Sala de la Princesa del Teatro María Guerrero habra cinco montajes: Al final de las cosas (9 de octubre–15 de noviembre), obra que escribe y dirige Noemi Rodríguez. Es una comedia trágica que aspira a ser una oda a quienes retan la inercia y arriesgan su porvenir; una carta de amor a los amores desaparecidos y a quienes plantan flores sobre sus propias cenizas.

Museo de los relámpagos (25 de noviembre–27 de diciembre) es una creación de la compañía Oligor y Microscopía formada por Shaday Larios y Jomi Oligor que se han especializado en teatro de objetos documentales. En esta nueva producción reflexionan sobre la labor patrimonial y cultural de los museos como custodios de nuestro legado. Club Cariño (20 de enero–28 de febrero), escrita y dirigida por Anto Rodríguez, convertirá la Sala de la Princesa en un cabaret clandestino para contar la cara oculta y censurada durante la dictadura franquista, pero de enorme popularidad: la de la rica escena de la comunidad trans.

Manchas de sangre/Manchas de sangue (19 de marzo–25 de abril), una creación de la compañía Torta Torta formada por dos de las integrantes de la compañía gallega A Panadaría, Areta Bolado y Ailén Kendelman, quienes escriben y dirigen con mucho humor este espectáculo menstrual que se pregunta por qué hay sangre que da asco y se oculta con vergüenza y hay otra honorable, la de los héroes de guerra, que hace que se alcen monumentos.

Como un árbol que cae en mitad del bosque (14 de mayo–20 de junio), texto escrito por Sergio Serrano durante la 5ª promoción de sus Residencias Dramáticas. La historia de dos personas que viven en la calle y que descubren al despertar que uno de ellos ha desaparecido.

Actividades de Acción Dramática y Mediación

En esta nueva temporada, el Dramático continúa con el trabajo de mediación y de creación de públicos a través de la programación transversal de Acción Dramática dirigida a públicos y profesionales de las Artes Escénicas. Con esta línea de acción, el Dramático busca desbordar los muros de la institución para conectar con la ciudadanía más allá de sus sedes.

En la temporada 2026-2027, continuarán con iniciativas consolidadas y fundamentales de la programación como Nuevos Dramáticos, con la coordinación pedagógica de Lucía Miranda; el Club de lectura, moderado en esta ocasión por Diego Garrido; o el Taller de iniciación a la escritura teatral, a cargo de sus autoras y autores residentes. Además, en colaboración con Acción Cultural Española, la Real Academia de España en Roma, La Chartreuse o las Münchner Kammerspiele, entre otros, convocarán una nueva edición de las Residencias Dramáticas.

También estará la quinta edición de las Residencias Dramáticas Europeas, en las que participan el Festival Actoral de Marsella, Koninklijke Vlaamse Schouwburg (KVS), el Lietuvos Nacionalinis Dramos Teatras (Teatro Nacional de Lituania), y el Zagrebačko Kazalište Mladih (Teatro de la Juventud) de Zagreb.

Además, continúan su colaboración con la Sala Beckett a través de la participación en el encuentro internacional de dramaturgia Obrador d’estiu¸ y una Residencia de escritura breve con la participación añadida de la Fundación SGAE. Y darán continuidad al intercambio de autoría con el Teatro Nacional de Taiwán. Otra colaboración internacional que se está consolidando es la participación en el programa Transmission Impossible del Festival de Aviñón.

Y continúan sus ciclos de + Dramas, Cinedrama y Cartas Blancas, con creadoras y creadores como Silvia Agüero y Gena Baamonde, Anto Rodríguez, Denise Duncan y Jimmy Castro o Club Caníbal, entre otros.

El Dramático Weekend Pro continuará un año más consolidando su posición como foro de referencia de la dramaturgia contemporánea española para profesionales de la gestión cultural.

También retomarán los talleres de conciliación vinculados a sus producciones, contando una vez más con Plena Inclusión Madrid para poder ofrecer plazas también a niñas y niños con discapacidad intelectual y del desarrollo.

Durante la temporada 2026-2027, una nueva edición de Jóvenes Dramáticos reunirá a un grupo de jóvenes de entre 15 y 25 años para acercarse de forma activa a la programación, dialogar con sus equipos artísticos y desarrollar propuestas propias en torno a los espectáculos. Además, las y los jóvenes de la primera edición de Jóvenes Dramáticos seguirán vinculados al teatro a través de nuevas iniciativas de participación, creación y generación de pensamiento.

El programa Dramawalker continuará su recorrido internacional con Dramawalker Montevideo, desarrollado en colaboración con la Comedia Nacional de Uruguay y la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID). Asimismo, se pondrá en marcha Dramawalker: Memoria de un país. Historias de la España democrática, un nuevo proyecto realizado junto al Comisionado España en Libertad que explorará, a través de la ficción sonora geolocalizada, la memoria colectiva y la historia reciente de nuestro país.

También se ampliará el programa de trabajo con instituciones penitenciarias, incorporando nuevos centros. A través de esta iniciativa, grupos de personas internas asistirán a ensayos generales de distintos espectáculos de la programación y participarán en encuentros con sus equipos artísticos, generando espacios de diálogo, intercambio y reflexión.

La actividad del Dramático se extiende asimismo al territorio y a su entorno más próximo mediante iniciativas como Open Almendrales, unas jornadas de puertas abiertas en las salas de ensayo de Almendrales, en Usera. Esta propuesta busca acercar los procesos de creación teatral a la ciudadanía, abrir espacios habitualmente reservados al trabajo artístico y fortalecer los vínculos entre el teatro y las comunidades que lo rodean.

Completan la programación de Acción Dramática las clases magistrales y talleres para profesionales de la escena, impartidas, entre otras, por Torta Torta, Shaday Larios, Manuela Infante, Hugo Torres o la Agrupación Señor Serrano.

Colaborarán con el Centro Internacional del Títere de Tolosa (TOPIC) para ofrecer un taller de títeres para las niñas y niños y se abrirán a procesos creativos para el público a través de encuentros con los equipos artísticos, visitas guiadas, mercadillos, funciones matinales, o el Salón del Libro Teatral organizado junto con la Asociación de Autores de Teatro, que se celebrará entre el 22 y el 25 de octubre.

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El legado de la Generación del 27

Destaca la conmemoración del centenario de la Generación del 27 con nombres como Charo López, Pedro Casablanc o Juan Echanove. Este homenaje recorrerá distintas modalidades de las artes escénicas: desde la danza, con una nueva producción del Ballet Español de la Comunidad de Madrid en torno a La Argentinita, hasta el teatro, con títulos como Yerma y Las hijas de Bernarda, además de una producción propia vinculada a la figura de Rafael de León.

En el apartado de danza sobresalen importantes compañías como Kidd Pivot, Sydney Dance Company, la Compañía Nacional de Danza y el Ballet Español de la Comunidad de Madrid, que estrenará tres nuevas producciones: Nascencia, Cibeles, el ritual y La Argentinita. El eco de los pasos. Reunirá además a destacados intérpretes y coreógrafos como Olga Pericet, Manuel Liñán, David Coria, Sharon Fridman, Blanca Li y Crystal Pite, junto con la Compañía Antonio Gades.

Laila Ripoll ha destacado que el legado de estas cuatro décadas es “una institución consolidada y sólida que ha sabido tender un puente entre el pasado y el presente, convirtiendo nuestros textos clásicos en teatro profundamente contemporáneo”. Su propuesta para la nueva temporada se ancla en “seguir alternando títulos del repertorio con otros nunca representados, afianzando y descubriendo, mezclando el verso y la prosa”, así como apostando por nuevas voces, por la interdisciplinaridad, y por el apoyo a la producción de compañías periféricas y a aquellas de dilatada trayectoria.

PRODUCCIONES PROPIAS Y COPRODUCCIONES 

La próxima temporada se inaugurará con El caballero de Olmedo, de Lope de Vega, con versión y dirección de Laila Ripoll, y producida por la CNTC. La pieza es, según Laila, “uno de los textos más poéticos de nuestro Siglo de Oro, anticipa el universo del héroe romántico y destaca por su modernidad». Podrá verse en el Teatro de la Comedia del 24 de septiembre al 22 de noviembre.

La segunda producción propia de la temporada abordará otra obra de Lope: El amor enamorado, con versión de Brenda Escobedo y dirección de Marta Pazos, que dirigirá a la Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico. “Un juego escénico donde lo divino y lo humano conviven en un mismo pulso que trasladará los versos de Lope a su particular lenguaje escénico y plástico», ha comentado Marta. Será en la Sala Principal, del 18 de marzo al 9 de mayo de 2027.

Por su parte,  el elenco de la Joven CNTC participará en otro montaje de carácter transdisciplinar. Una partitura de Juan Hidalgo, considerado el padre de la ópera y la zarzuela en español, y un texto de Calderón de la Barca de temática mitológica se funden en una propuesta que combina teatro áureo y música antigua desde una visión contemporánea. Andrómeda y Perseo es una coproducción de la CNTC junto con el Teatro de la Zarzuela y la Fundación Juan March, con versión de Álvaro Tato, dirección de Nuria Castejón y dirección musical de Aarón Zapico. Se estrenará el 30 de septiembre en la sede madrileña de la Fundación Juan March y llegará a la Sala Principal del Teatro de la Comedia el 4 de diciembre.

La Sala Principal acogerá también, del 4 al 21 de febrero de 2027, un tercer Lope: El anzuelo de Indias, una versión de El anzuelo de Fenisa a cargo de Luis O’Malley, en colaboración con Ruth Sánchez y Mario Vega, y dirigida por este último. “Una relectura caribeña, feminista y revolucionaria donde la sororidad se vuelve estrategia de resistencia y espejo de nuestro presente”, producida por la CNTC junto con el Teatro Pérez Galdós, Barco Pirata Producciones Teatrales y unahoramenos producciones.

Junto con la veterana compañía sevillana Atalaya, la CNTC coproducirá El Libro de buen amor, de Juan Ruiz, Arcipreste de Hita, que acogerá la Sala Principal del 20 de mayo al 6 de junio de 2027. La versión y dirección de Ricardo Iniesta de este gran clásico de la literatura medieval reivindica, según sus palabras, “el carpe diem frente a la religiosidad imperante y sitúa en primer plano la emancipación de la mujer y el libre albedrío frente al orden establecido”.

En coproducción con la compañía portuguesa Terra Amarela, con la que el director Marco Paiva atesora una consolidada trayectoria de teatro inclusivo, la CNTC estrenará Jardín de flores curiosas. Una dramaturgia de Magda Labarga a partir de textos renacentistas y barrocos que propone “una miscelánea de prosa y verso”, “una performance barroca” que mezcla “las palabras con lo imposible de decir” y que acogerá la Sala Tirso de Molina del 1 al 18 de abril de 2027.

COMPAÑÍAS INVITADAS

Una de las compañías invitadas esta temporada será El Vodevil, fundada por Pepe Viyuela y Elena González. Del 21 de enero al 21 de febrero, la Sala Tirso de Molina albergará su producción Guitón Onofre. El pícaro perdido, obra basada en la novela picaresca de Gregorio González y adaptada por Bernardo Sánchez y Pepe Viyuela. Luis d’Ors dirige una divertida puesta en escena protagonizada por Pepe Viyuela y acompañada musicalmente por Sara Águeda.

La joven dramaturga Aurora Parrilla firma Tinta y mujer, el oro de un siglo, donde da voz a autoras femeninas de esta época, como María de Zayas, Feliciana Enríquez de Guzmán, Leonor de la Cueva o Sor Juana Inés de la Cruz. Una producción de Prodigio Teatro con la dirección de David Boceta que se podrá ver en la Sala Tirso de Molina del 5 al 21 de marzo de 2027.

A finales de la próxima temporada, del 29 de abril al 9 de mayo, la Tirso de Molina acogerá también el estreno de La jácara de los cuerpos imposibles, un ‘cabaré sicalíptico’ escrito por Ruth Rubio e hilvanado por escenas de autores y autoras del Siglo de Oro. Con dirección y coreografía de Alberto Velasco, vendrá precedido por un taller de investigación escénica destinado a personas LGTBIQ+ mayores de 60 años, con o sin experiencia en escena, con quienes se trabajará en la performatividad de género que ha servido de base para el montaje.

MÚSICA Y TEATRO PARA PÚBLICO FAMILIAR

La música estará muy presente a lo largo de toda la temporada en la CNTC, comenzando por un Concierto de Navidad muy especial: el 19 y 20 de diciembre, el célebre músico Jordi Savall nos deleitará con sus Folías antiguas y criollas, donde conecta la tradición musical del Viejo y el Nuevo Mundo acompañado por una increíble orquesta en la que participan miembros de la Capella Reial de Catalunya, de Hespèrion XXI y del Tembembe Ensamble Continuo.

Del 27 al 29 de noviembre, la Sala Tirso de Molina acogerá la propuesta Ana por Ana. Barroco a compás flamenco, de Histrión Teatro. Con dramaturgia y dirección de Paula Rodríguez, la cantaora Ana Mar y el guitarrista Antonio de Quero reviven el legado de Ana Caro de Mallén, destacada dramaturga y poeta del Siglo de Oro, a través del lenguaje universal del flamenco.

Y también podremos volver a disfrutar del aclamado montaje El rey de la farándula, un “cabaré barroco y provocador” creado, dirigido e interpretado por Ángel Ruiz y acompañado por el músico Bru Ferri. En la Sala Tirso de Molina del 5 al 22 de noviembre.

Volverá también al Teatro de la Comedia otro montaje muy celebrado: Farra, un espectáculo familiar coproducido por la CNTC y la Compañía Lucas Escobedo que se estrenó en enero de 2025 en el Clásico y que supone una fiesta de teatro, música y circo para todas las edades. Estará de nuevo del 7 al 24 de enero de 2027.

El público familiar podrá disfrutar, una temporada más, del espectáculo ganador del certamen Barroco Infantil del Festival de Almagro. Así, del 18 de diciembre al 3 de enero, la Sala Tirso de Molina acogerá la versión de Hamlet de la compañía asturiana Guayominí Producciones, un juego teatral, musical y participativo pensado para acercar a Shakespeare al público más joven.

OTRAS ACTIVIDADES Y UNA EXPOSICIÓN DE ANIVERSARIO

Entre las actividades destacan el proyecto pedagógico Préstame tus palabras, que desde su creación en 2015 sigue acercando el valioso patrimonio clásico a los estudiantes de institutos de toda España a través de la interpretación y el entusiasmo de la Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico; o las actividades de mediación, que este año ofrecerán el citado taller para personas LGTBIQ+ mayores de 60 dirigido por Alberto Velasco, así como un taller de música urbana que acercará el Siglo de Oro a menores en riesgo de exclusión, invitados a traducir el verso clásico al lenguaje del rap o del hip hop.

Además, esta temporada la CNTC volverá a salir de gira con El caballero de Olmedo, con otras coproducciones y con el nuevo proyecto Versos a viva voz. Recital de flamenco y poesía del Siglo de Oro; y continuará enriqueciendo su colección editorial con nuevas publicaciones de los textos de la temporada, con los Cuadernos de Teatro Clásico y con los cuadernos pedagógicos ligados a los estrenos.

Dentro del marco de celebración de las cuatro décadas que cumple en 2026 la Compañía Nacional de Teatro Clásico, cuya historia está narrando a través de la campaña «40 años, 40 voces», el Teatro de la Comedia acogerá la exposición Lope para todos, un recorrido que recoge la evolución de la CNTC a través de los montajes de textos de Lope de Vega a lo largo de estos últimos cuarenta años. Una exhibición comisariada por Cristina Santolaria y que recopila desde figurines a diseños de escenografía, pasando por elementos escenográficos o carteles, músicas y fragmentos audiovisuales. La muestra estará en el Teatro de la Comedia del 1 al 25 de octubre.

Esta nueva temporada, la CNTC renueva su compromiso de continuar implementando cada vez más medidas para contribuir a la inclusión y a la accesibilidad de forma transversal en la institución, un trabajo que se está realizando de manera armonizada con todas las unidades del INAEM bajo el paraguas del Plan Integral de Inclusión en las Artes Escénicas y la Música recientemente puesto en marcha por el Ministerio de Cultura.

Y la CNTC ha renovado su acuerdo de colaboración con el Museo Nacional del Prado para nutrirse del valioso patrimonio que custodia la pinacoteca y fusionar el legado teatral con el pictórico de nuestros artistas clásicos en los carteles de la temporada.

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En el escenario, una familia de artistas flamencos enfrentada entre la tradición más estricta y el deseo de renovación. Una comedia musical vertiginosa donde el cante, el baile y la guitarra dialogan con el pop, el rock y la música disco, dirigida por David Ottone y Juan Ramos. Los dos nos desvelan que hay detrás de esta ambiciosa propuesta.

-¿Qué significa para Yllana estrenar una producción con el Sadler’s Wells de Londres?

DAVID y JUAN: Es un paso adelante en nuestra trayectoria. Que después de 35 años, estemos coproduciendo con una institución tan prestigiosa como el Sadler’s Wells, y estrenando el espectáculo en el Peacock Theatre de Londres es un sueño y una confirmación de que hemos hecho las cosas bien.

-¿Cómo describiríais a los protagonistas? ¿Quiénes son?

DAVID: Son una familia de artistas flamencos muy arquetípicos. Las relaciones familiares siempre dan mucho juego, porque todos podemos identificarnos con muchos de los conflictos que se desarrollan en el espectáculo.

JUAN: Partimos del entorno de esta familia, comenzando a trabajar desde estereotipos para romperlos. En el escenario hay cinco personajes: El patriarca, con su autoridad. Es un cantaor extraordinario. Los hijos que son dos bailaores de flamenco espectaculares, que intentan mantener la tradición flamenca pero que encuentran otros estímulos musicales.

También tenemos a un virtuoso guitarrista guaperas y a la madre, que hará un viaje muy interesante descubriendo quién es realmente su marido.

-Una familia de artistas flamencos está de gira. El jefe de la familia es un tradicionalista, estricto con sus principios, y no tolera influencias modernas de ningún tipo en sus actuaciones. Los miembros más jóvenes se rebelan… ¿Qué más le podéis contar a los espectadores sobre la historia de esta función?

DAVID y JUAN: Realmente el punto de partida para la creación del espectáculo era enfrentar dos conceptos: tradición y renovación.

Nosotros pensamos que el arte es un reflejo de la sociedad en la que vivimos y que, para mantener su relevancia, tiene que evolucionar con el mundo que lo rodea. Ese es el tema principal del espectáculo y también nuestra propuesta artística: una propuesta de fusión alrededor de un arte tan antiguo como el flamenco.

Además, este planteamiento nos daba la excusa perfecta para desarrollar la mezcla de estilos musicales, una de las características de nuestros espectáculos cómico-musicales.

Durante la función se producen conflictos generacionales que provocan muchas situaciones cómicas y nos permiten fusionar el flamenco con otras corrientes musicales.

También es importante recalcar que, como en otros proyectos musicales de la compañía (como “Pagagnini”, “Maestríssimo” o “The Opera Locos”), partimos desde un profundo respeto por el arte con el que trabajamos; en este caso, el flamenco. Y eso se nota desde el minuto uno.

Pero una cosa es el respeto y otra la reverencia. Y uno de los objetivos principales del show es provocar la risa, y eso solo se consigue con cierta transgresión.

-¿Cuáles son los principales temas que aborda?

JUAN: Hablamos del amor, la envidia, la codicia, el poder. Siempre trasladamos al ser humano a situaciones al límite, como siempre en Yllana, siendo un poco gamberros en la propuesta. Mostrándolo de la forma más amable, graciosa y simpática. No queremos adelantar mucho más.

DAVID: El principal tema es el enfrentamiento entre tradición y modernidad. Pero también abordamos cuestiones como la identidad de género.

-En esta ocasión volvéis a dirigir juntos (ya lo habíais hecho en “Pagagnini” y “Maestríssimo”). ¿Quién se ocupa de qué? ¿Cómo es el proceso de creación?

DAVID: Llevamos 35 años creando juntos y nos conocemos perfectamente. Los dos desarrollamos la historia general del espectáculo y las ideas principales. Después, ambos estamos presentes en los ensayos durante todo el proceso de creación con los actores.

Yo suelo encargarme más de la parte musical y del vestuario (tema en el que Juan nunca se mete), mientras que Juan trabaja más directamente con los actores y disfruta mucho de la parte técnica.

Aunque, muchas veces, esa división desaparece y acabamos intercambiando los papeles. Casi siempre trabajamos mano a mano en los ensayos.

Por supuesto, no siempre estamos de acuerdo en todo, pero siempre conseguimos encontrar lo mejor para el espectáculo. Yo siempre digo que es mejor trabajar en equipo.

JUAN: David y yo nos compenetramos muy bien. Él es un obsesivo del universo musical de los espectáculos, yo de la parte actoral y de la técnica. La creatividad de cada uno confluye en un aluvión de ideas. Cuando, a partir de todo eso, vemos nacer el espectáculo juntos es muy interesante y maravilloso. Y para los actores, es como estar en un partido de tenis, mirando a uno y a otro, y entrar en el código de propuestas…

Es un juego muy divertido, también tiene mucho de presión por lo que implican 35 años de carrera, pensando en dar al público algo nuevo, sin perder nuestra esencia.

-¿Qué destacaríais de la música compuesta por Juan Cañas, Daniel Rovalher y Miguel Magdalena, de Ron Lalá?

JUAN: El trabajo parte del flamenco más puro y la búsqueda de la ruptura, desde el respeto más absoluto, para que dialogue con otros lenguajes musicales.

DAVID: Somos compañías amigas y es un lujo poder contar con ellos durante todo el proceso de creación del espectáculo.

En realidad, no hay composiciones originales en el show. Trabajamos desde la tradición flamenca. Lo que sí hay son numerosos arreglos musicales, especialmente en las partes de fusión del flamenco con el pop, el rock, la música disco. Su trabajo ha sido más el de arreglistas y asesores musicales.

-¿Algunos títulos de las canciones son…?

DAVID y JUAN: Ahhh… esa es una sorpresa que el público debe descubrir y disfrutar.

Pero, por adelantar alguna pista: ¿qué tal os sonaría “Flashdance”… en versión flamenca?

-¿Qué sorpresas le depara al público este espectáculo?

DAVID: Creo que va a gustar muchísimo. La estética del show está muy cuidada. La escenografía es de Carlos Brayda y el vestuario de Tatiana de Sarabia, ambos estupendos y colaboradores habituales de la compañía.

Pero, sobre todo, tenemos un elenco de primera. Yo les llamo “Los cinco magníficos”, porque son únicos y han sido elegidos entre muchísimos artistas: Raquela Ortega, como la madre; David Bastidas, como el padre; Anabel Moreno, la hija; Raúl Ortega, el hijo y Luis Gallo, el guitarrista contratado por la familia. Son grandes profesionales del flamenco y, además, tienen ese “extra” que Yllana siempre busca para poder llevar a cabo nuestras locuras.

JUAN: Si a la gente le gusta el flamenco va a disfrutar del flamenco porque hay mucha calidad, y si viene buscando a Yllana también lo va a encontrar. El espectáculo es una sorpresa detrás de otra con un ritmo trepidante. ¡Es una locura!. Es una celebración del flamenco desde el humor, la emoción y la libertad creativa. Un espectáculo pensado tanto para los amantes del flamenco más tradicional como para quienes quizá nunca se han acercado a él. Porque creemos que la mejor manera de mantener vivo un arte es permitirle evolucionar, jugar y sorprender…”

Julio. Teatro la Estación.

En la 72ª Edición del Festival habrá 9 espectáculos en el Teatro Romano de Mérida y 7 montajes en el Teatro María Luisa y muchos más en las extensiones de Cáparra, Medellín y Regina. Hablamos con Jesús Cimarro, su Director.

-¿Cuáles son las coproducciones de este año del Festival con otras compañías?

Arrancamos esta edición con “Spartacus”, del Düsseldorg Ballet Theatre, con Miguel Ángel Muñoz como narrador, para posteriormente recibir a “Electra Jonda”, una coproducción con los Teatros del Canal de Madrid, con elementos del flamenco y que contará con Carolina Lapausa, Juan Gea, Alejandra Torray o María Garralón, entre otros grandes actores.

“Timón de Atenas”, con Pepe Viyuela al frente del elenco, es una coproducción con Bombonera de un clásico de Shakespeare. Repetimos la colaboración con Losdedae en “Bacanal”, una obra que mezcla teatro y danza, escrita por Juan Carlos Rubio y dirigida por Chevi Muraday que contará con grandes nombres como Carlos Hipólito, Toni Acosta, Juana Acosta y el propio Chevi Muraday.

La comedia tendrá un papel destacado en esta edición, con títulos como “La comedia de la olla”, protagonizada por Carlos Sobera y dirigida por Juan Luis Iborra o “Cómicos de Roma”, que supone el debut de Fernando Tejero en el Festival. Y también celebraremos la vuelta a los escenarios de Lydia Bosch en “Fedra”, entre otros actores.

Después se representará “El viaje de Edipo”, protagonizada por José Antonio Lucía y Marcial Álvarez, entre otros actores.

Y cerraremos el festival con un musical, “Las 9 musas”, una producción extremeña cargada de humor y protagonizada por un genial elenco de 9 mujeres como Angy Fernández, Clara Alvarado, Nerea Rodríguez o Carmen Conesa.

-¿Por qué habéis elegido el lema “Clásicos del pasado, emociones del presente”? ¿Qué queréis transmitirle a los espectadores que vayan a disfrutar de este Festival?

Porque resume perfectamente la esencia del Festival y, en realidad, la razón por la que seguimos representando textos escritos hace más de dos mil años en un escenario tan extraordinario como el Teatro Romano de Mérida. Con este lema queremos transmitir que los clásicos no son piezas de museo ni obras alejadas de nuestra realidad. Al contrario, son textos vivos que continúan interpelándonos, emocionándonos y ayudándonos a reflexionar sobre nuestro presente. Cada representación es un puente entre dos tiempos: el legado cultural del pasado y las inquietudes del espectador contemporáneo.

A quienes vengan a disfrutar del Festival queremos decirles que vivirán una experiencia única. No solo asistirán a grandes espectáculos teatrales, sino que sentirán cómo la historia, el arte y la emoción se unen en un espacio cargado de belleza y significado. Nuestro deseo es que salgan con la certeza de que los clásicos siguen teniendo mucho que decirnos y que, en cada verso y en cada escena, late algo profundamente actual y humano.

-¿Qué dos retos os habéis planteado tú y tu equipo en esta edición?

Mantener la excelencia artística que caracteriza al Festival y, en segundo lugar, seguir acercando el teatro clásico a nuevos públicos.

El primer reto consiste en estar a la altura de una cita cultural con una trayectoria y un prestigio extraordinarios. El Festival de Mérida no es solo el más antiguo de España dedicado al teatro clásico, sino también una referencia internacional.

Eso nos exige ofrecer una programación de máxima calidad, con propuestas rigurosas, innovadoras y capaces de emocionar al público en un escenario tan emblemático como el Teatro Romano de Mérida. Nuestro compromiso es honrar ese legado y, al mismo tiempo, seguir renovando la mirada sobre los textos grecolatinos.

El segundo gran reto es lograr que el Festival continúe creciendo en diversidad de espectadores. Queremos que quienes ya sienten pasión por los clásicos sigan encontrando montajes memorables, pero también que las nuevas generaciones descubran que estas historias hablan directamente de sus propias inquietudes. Para ello apostamos por propuestas accesibles, actividades paralelas y formatos que conviertan el Festival en una experiencia cultural abierta, cercana y participativa.

-“A Paz” y “Spartacus” son dos de los montajes de compañías de fuera de España. ¿Qué destacarías de ambos?

Ambos representan a la perfección una de las grandes vocaciones del Festival: abrir nuestras puertas a miradas internacionales que enriquecen el diálogo entre los textos clásicos y la sensibilidad contemporánea.

De “A Paz”, que llega desde Portugal, destacaría su capacidad para recuperar el espíritu satírico y profundamente humanista de Aristófanes. Aunque fue escrita hace siglos, la obra lanza un mensaje de enorme actualidad: la necesidad de defender la concordia y el entendimiento en tiempos convulsos. Es un montaje lleno de inteligencia, humor y frescura, que conecta de manera muy directa con el público actual.

En cuanto a “Spartacus”, sobresale por su fuerza escénica y por la vigencia del personaje que inspira la obra. La producción ofrece una puesta en escena de gran intensidad, capaz de emocionar y de invitar a la reflexión sobre cuestiones que siguen siendo plenamente contemporáneas.

Además, tenemos una tercera producción internacional que es un pasacalles llegado desde Colombia llamado “Regresos de Ulises: La Odisea”, con música en vivo y único en el mundo.

-Habéis presentado esta edición en Lima (Perú). ¿Por qué es importante e interesante dar a conocer este Festival fuera de España?

Presentar el Festival en Lima es una forma de reforzar su vocación internacional y de acercar nuestra programación a nuevos públicos. Los clásicos forman parte de un patrimonio universal y sus historias siguen emocionando a espectadores de cualquier país.  Además, en esta edición hemos puesto en marcha el Premio “Odiseo y Penélope”, una iniciativa impulsada por el Festival de Mérida y la Cátedra Vargas Llosa, centrado en textos teatrales de temática grecolatina escritos originalmente en castellano.

-Imagínate que estamos en el 31 de Agosto de 2026, ya ha terminado el Festival… ¿Con qué resultados te sentirías más que satisfecho?

Si conseguimos emocionar al público, mantener la excelencia artística y seguir creciendo en proyección, podremos considerar que esta edición habrá sido un verdadero éxito.

-¿Cuáles son las tres principales señas de identidad de este Festival que le sigue haciendo diferente de otros?

Creo que hay tres señas de identidad que hacen único al Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida. La primera es, sin duda, el Teatro Romano de Mérida, un escenario incomparable donde el público puede disfrutar de los clásicos en el mismo espacio para el que fueron concebidos hace más de dos mil años.

La segunda es la capacidad del Festival para demostrar que los textos grecolatinos siguen plenamente vivos y conectan con las emociones y los debates de nuestro tiempo. Y la tercera es su vocación internacional, que convierte a Mérida en un punto de encuentro entre artistas, compañías y espectadores de distintos países unidos por una misma pasión por el teatro clásico.

– ¿Por qué deberían acercarse nuestros lectores a Mérida a disfrutar de este Festival y, de paso, a conocer esta ciudad ?

Porque pocas experiencias culturales pueden compararse con asistir a una representación en el Teatro Romano de Mérida bajo las estrellas. El Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida ofrece la oportunidad de disfrutar de grandes espectáculos en un escenario único en el mundo, donde los clásicos cobran una fuerza especial. Y, además, Mérida es una ciudad extraordinaria, con un patrimonio histórico incomparable, una excelente gastronomía y una gran hospitalidad. Quien viene al Festival no solo disfruta del mejor teatro clásico, sino también de una experiencia cultural y turística completa que deja una huella imborrable.

Del 3 de Julio al 30 de Agosto. Mérida (Badajoz).

En total, el festival ofrecerá 31 funciones escénicas y musicales, a cargo de 27 compañías y artistas, además de dos residencias creativas, varios talleres de formación y encuentros abiertos al público. La programación mantiene la apuesta por combinar espectáculos en espacios patrimoniales y escénicos con propuestas de calle y actividades de mediación, formación y acompañamiento a la creación.

Organizado por el Gobierno de Navarra y Fundación Baluarte, el certamen ha sido presentado esta mañana en Baluarte por la consejera de Cultura, Deporte y Turismo, Rebeca Esnaola; el director del servicio de Acción Cultural del Gobierno de Navarra, Lorenzo García Echegoyen; las directoras artísticas del festival, Ane Pikaza y María Goiricelaya; y representantes de algunas de las compañías participantes.

Como en las últimas ediciones, el Festival de Teatro de Olite refuerza su condición de espacio de convivencia entre disciplinas, generaciones y lenguajes. El programa reúne propuestas que dialogan con la memoria, la identidad, la adolescencia, la precariedad, la imaginación, el cuerpo, la comunidad y las formas contemporáneas de relación con el mundo.

Bajo el lema ‘Celebrando el territorio’, las directoras artísticas del certamen plantean el festival como algo más que una programación de espectáculos: «un espacio vivo de encuentro, convivencia y pensamiento compartido. La edición quiere invitar a públicos de todas las generaciones a participar en una experiencia que emocione, provoque reflexión y abra conversaciones desde la tolerancia, la igualdad, la inclusión y la diversidad». Con esta mirada, Olite «reafirma una dramaturgia territorial propia, feminista, libre y cambiante, que impulsa la escena local y la proyecta también hacia el ámbito internacional«.

El escenario de La Cava acogerá doce espectáculos, todos ellos a las 22:00 horas. La programación se abrirá el viernes 17 de julio con Adolescencia infinita, de Pont Flotant, una mirada irónica, tierna y musical sobre la adolescencia actual y la propia memoria adolescente.

El sábado 18 llegará Mi madre y el dinero, de Anacarsis Ramos/ Pornotráfico, una pieza de teatro documental construida a partir de la historia laboral y vital de Josefina Orlaineta en Campeche, México. El domingo 19 se representará Las Gratitudes, adaptación teatral de la novela de Delphine de Vigan, con Gloria Muñoz, Macarena Sanz y Rómulo Assereto.

La segunda semana de festival comenzará en La Cava el jueves 23 con Itzulera, de Dejabu Konpainia, una road movie escénica en euskera que cruza teatro, cine en directo y poética visual. El viernes 24 será el turno de Leonora, de Producciones Come y Calla y Teatro del Acantilado, un acercamiento libre al universo de Leonora Carrington, con texto y dirección de Alberto Conejero e interpretación de Natalia Huarte. El sábado 25 se presentará No mires, de Cultura i Conflicte, un thriller escénico sobre culpa, silencio, compromiso político y memoria familiar. El domingo 26, Teatro de La Abadía llegará con Declaración de amor (para siempre), una pieza que convierte al público en destinatario directo de una declaración de agradecimiento.

La recta final de La Cava incluirá SELFI — Ser joven en la sociedad del espectáculo, de Unavezenlavida, el miércoles 29; Mujeres que cantan tras el balcón, de la compañía navarra Boga-Boga, el jueves 30; Niebla, de Pílades Teatro, versión escénica de la novela de Miguel de Unamuno dirigida por Fernanda Orazi, el viernes 31; Sueño, de Compañía Criolla, el sábado 1 de agosto; y Ultimatum, de Led Silhouette, el domingo 2 de agosto, una pieza de danza sobre el cuerpo como territorio, frontera y último espacio de resistencia.

La Plaza de los Teobaldos acogerá Bath-Flop, de Et D’Ailleurs, el viernes 17 de julio a las 19:00, una propuesta de circo clown llegada de Francia que también podrá verse el sábado 18 de julio a las 19:00 en la Plaza del Ayuntamiento de Pitillas y el domingo 19 de julio a las 19:00 en la plaza de San Martín de Unx. En ese mismo espacio se presentarán Gota, de Txema Muñoz, el domingo 19 de julio a las 19:00; ¡Qué buen día!, de Maite Guevara, el sábado 25 de julio a las 19:00; Tenet, de Eunoia Kolektiva, un espectáculo de gran formato con ocho acróbatas y un músico, el domingo 26 de julio a las 19:00; y Refugi, de Cia. Manolo Alcántara, el domingo 2 de agosto a las 19:00. Todas estas funciones en Olite tendrán lugar en la Plaza de los Teobaldos.

La Iglesia de los Franciscanos será sede de varias propuestas de pequeño y mediano formato: Nuur, de La Banda Teatro Circo, el jueves 23 de julio a las 19:30; Feliz Día, de la compañía argentina Sutottos, el viernes 24 de julio a las 19:30; Yo bailo, proyecto dirigido por Damián Malvacio con personas mayores, el sábado 25 de julio a las 20:00; y El enterrador, de Pepe Zapata / Teatro de Dos, el martes 28 de julio a las 21:30. Esta última es una obra sobre memoria histórica inspirada en figuras anónimas de la Guerra Civil y la posguerra.

El Palacio Real acogerá dos citas musicales y performativas, ambas en el patio de entrada: el concierto de Olaia Inziarte, una de las voces más singulares de la escena musical en euskera, el viernes 31 de julio a las 20:30; y Bahía Botánica, de Hugo Torres, una performance sonora concebida como diálogo entre música y plantas vivas, el sábado 1 de agosto a las 20:30.

El festival volverá a acompañar procesos de creación a través de sus residencias artísticas. La residencia emergente será para Edurne Pena y La Majica con Amortzia, un proyecto en proceso que mezcla autoficción, memoria familiar, lenguaje de internet y preguntas sobre la intimidad, la exposición y las relaciones entre generaciones. La muestra podrá verse el lunes 27 de julio a las 19:00 en la Casa de Cultura de Beire y el martes 28 de julio a las 20:00 en Olite.

Las Nenas Theatre desarrollarán la residencia profesional con Gatomaquia. El proyecto tendrá apertura pública el miércoles 29 de julio a las 18:00 en el Centro Cultural Tafalla Kulturgunea y el jueves 30 de julio a las 20:00 en Olite.

La programación formativa incluirá el taller de gestión de Nines Carrascal, centrado en la distribución y comercialización de proyectos escénicos, del lunes 20 al viernes 24 de julio, de 10:00 a 14:00, en la Casa de Cultura de Olite; el taller de dramaturgia Encender la mecha, impartido por Jordi Casanovas, también del lunes 20 al viernes 24 de julio, de 10:00 a 14:00, en la Casa de Cultura de Olite; un taller de creación con Fernanda Orazi, del lunes 27 al viernes 31 de julio, de 10:00 a 14:00, en la Casa de Cultura de Olite; y un taller juvenil con Oier Zuñiga y Maialen Diez para jóvenes de entre 8 y 16 años, del lunes 27 al viernes 31 de julio, de 11:00 a 14:00, en las Escuelas Franciscanas, Olite, que culminará con una muestra el viernes 31 de agosto.

Del 17 de julio al 2 de agosto. Olite (Navarra).

La XXV edición de este Festival (organizado por el Ayuntamiento de Alcalá de Henares y la Comunidad de Madrid) presenta una amplia y variada programación con más de 25 estrenos y cerca de 60 propuestas escénicas.

“Clásicos en Alcalá” celebra un cuarto de siglo convertido en uno de los grandes referentes de las artes escénicas dedicadas al Siglo de Oro. Bajo el lema “Celebra los clásicos”, el festival reúne en esta edición una programación que combina tradición, contemporaneidad con diferentes propuestas y formatos para todos los públicos.

Al frente de esta edición tan simbólica se encuentra Clara Pérez, quien “reivindica el poder del teatro clásico como espacio de encuentro, emoción y reflexión compartida.” Coproducciones entre España e Hispanoamérica, grandes nombres de la escena y nuevas miradas sobre los textos áureos conviven en una programación que convierte nuevamente Alcalá de Henares en un gran escenario abierto. 

-¿Qué significa para este Festival alcanzar esta edición tan especial y qué espíritu ha guiado la programación de este año?

Me siento muy afortunada de estar ocupando el cargo de directora artística justo cuando coincide este aniversario (un cuarto de siglo, se dice pronto), porque lo he vivido desde el principio, a veces como espectadora, otras como compañía dentro de la programación para estrenar en este Festival, que siempre ha sido un lujo, con espacios mágicos, un público cálido, y donde nos sentíamos muy bien tratados.

Ese es el espíritu: “Celebración”. Queremos festejar esa satisfacción que compartimos los amantes de las Artes Escénicas, convencidos de que el Teatro del Siglo de Oro Hispanoamericano seguirá siendo un espacio de encuentro, reflexión y emoción por muchos años.

-Uno de los montajes más esperados de esta edición es “Amor es más laberinto”, de Sor Juana Inés de la Cruz. ¿Qué representa para el festival recuperar una obra tan singular y hacerlo además en un espacio tan emblemático como el Corral de Comedias?

Es una coproducción entre España y México. Destacaría la riqueza que aporta al proyecto, con un equipo mitad español, mitad mexicano. Autoría, música, vestuario, asesoría de verso y seis intérpretes son de México; y la dirección, espacio escénico, iluminación, coreografías y otros seis artistas son de España.

Con dramaturgia y dirección de Abel González Melo, producción de Fundación Teatro de la Abadía con INBAL y Coordinación Nacional de Teatro y ENAT (México).

Es una comedia escrita en colaboración. Sor Juana Inés de la Cruz -primera autora mexicana que escribió en español- escribe los actos primero y tercero, y Fray Juan de Guevara el segundo acto.

-Rafael Álvarez “El Brujo” regresa una vez más al festival con una nueva aproximación al repertorio clásico. ¿Qué tiene su forma de dialogar con los textos del Siglo de Oro que conecta tan bien con el público de Clásicos en Alcalá?

“El Brujo” conecta bien con todos los públicos, parece que habla a cada persona sentada en el patio de butacas, de uno en uno. Es un comunicador excelente. “El Lazarillo” lleva girando más de 35 años y siempre aporta algo nuevo. Hay mucho talento en esta producción con dramaturgia de Fernando Fernán Gómez.

-“Clásicos en Alcalá” vuelve a convertir la ciudad en un gran escenario abierto con propuestas de calle, espectáculos musicales y actividades pensadas para todos los públicos. ¿Qué importancia tiene esa programación más abierta y festiva a la hora de acercar el Siglo de Oro a espectadores de todas las edades?

Queremos ofrecer una experiencia singular al público y también al paseante ocasional, compartiendo la magia del Teatro. Inauguran el festival el 12 de junio “The bike clickbox”, un fotomatón itinerante y otras piezas familiares como “De fanfarrias y maravillas” de Arlequina y Pablo Méndez; “La Alcarabía de los Clásicos” de generacionARTes, “Marcha barroca” con la Banda Sinfónica Complutense; “Big Dancers”, un espectáculo de marionetas gigantes y “Quixote” de Grupo Puja.

Y la clausura será por todo lo alto: Criaturas insólitas en “Sátiros y demonios”, la batucada de Alea Teatre, El pasacalle “Quimera” de LA FAM y “Bestias Ígneas” de L´Avalot Teatre.

En las calles y plazas habrá folclore con el Ballet Andino-Ecuatoriano Quitus Madrid y Leyendas de México con Mariachi Reyes; talleres (“Pinta los clásicos” de Gaac, Mon y sus Caricaturas de oro fino, Légolas A lo loco); poesía (“Lluvia de palabras” de Visitants, o “Cabinas literarias” de Proyecto Cultura).

-Este año tenéis otra Numancia, una de las grandes tragedias de Cervantes, un monólogo.  Además de las grandes obras, ¿qué cabida tienen en el festival propuestas más modestas de compañías habituales en otros circuitos?

“Habla, Numancia” es un espectáculo unipersonal dirigido por la argentina María Eugenia Muñoz Orozco, con Miguel Ángel Quirós en escena. El texto de Cervantes está más vigente que nunca, y eso debería horrorizarnos.

-En esta edición encontramos también propuestas que mezclan teatro clásico y música en directo, como el espectáculo protagonizado por Paloma San Basilio, o danza con Chevi Muraday. ¿Qué otras propuestas se podrán disfrutar?

Por ejemplo, “La esencia flamenca del Siglo de Oro” de Vicente Soto ‘Sordera’; “La Gallarda” con Silvia Marsó dirigida por Yayo Cáceres, con la Orquesta Filarmónica Cervantina de las 25 Villas; “Don Giovanni” con la Orquesta MDC y Katharsis Ensemble; “El lindo Don Diego” con la dirección de Borja Rodríguez, entre otros.

Y la danza contemporánea en el 30 aniversario de LOSDEDAE;  “Nascencia” del Ballet Español de la Comunidad de Madrid… y mucho más. 

-¿Y de las coproducciones internacionales?

“Los locos de Valencia”, con la dirección de Pepa Pedroche, de Teatros del Canal con Teatro San Martín de Buenos Aires; “El perro del hortelano” (Cuba, EEUU y España) dirigida por Carlos Díaz; “Cotidiáfonos clásicos” (España y Perú) de Bufa&sons–Xavi Lozano y “La dama boba”, dirigida por Josep María Mestres, que es una coproducción del Festival Hispanoamericano del Siglo de Oro. Clásicos en Alcalá con Octubre (España) y Ajedrez Eventos y Soluciones (México).

-Después de 25 años de trayectoria y reconocimientos como la Medalla de Oro de la Academia de las Artes Escénicas, ¿hacia dónde mira ahora Clásicos en Alcalá?

Cuando hace dos años la Academia nos concedió la medalla nos hizo muy felices. Ahora tenemos una programación de homenaje al pasado, celebración del presente y mirada ilusionada al futuro. Estoy convencida de que seguirá siendo un espacio de encuentro, reflexión y emoción. Hay mucha creación contemporánea que bebe de nuestros autores áureos. El festival seguirá llenando los escenarios de excelencia, las butacas de público y la ciudad de cultura. Ese es el futuro.

Y termina diciendo, “También quiero destacar que, dentro de ese homenaje al pasado, tendremos a compañías históricas como Teatro del Temple, Morfeo Teatro, Ángeles de Trapo, Malaje Solo, La Máquina Real, Tropos Teatro de Títeres, Fundación Siglo de Oro o Teatro Yeses. Y que  estrenamos en el Festival “Preciosa” de Alicia Merino, “Burladas” de Esther Berzal; “Patrañas cervantinas” de Daniel Llull y Jesús Teyssiere; “El mágico prodigioso” visto por Adolfo Simón, que es una fusión de títeres, máscaras y objetos; y “El Lazarillo y las cosas del comer” de Sol y Tierra y Teatro Percutor, con comida y cocinando. Son propuestas muy trabajadas de compañías que desde lo artesanal llenan los espacios y aportan al festival cercanía y realidad…” Del 12 de Junio al 5 de Julio.