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NAVE 10: NUEVA TEMPORADA 2026-2027

A ESCENA REVISTA — Fri, 12 Jun 2026 18:21:58 +0000

La nueva temporada se articula en torno a una idea central: la esperanza. Un concepto que atraviesa toda la programación y que propone una mirada al teatro como espacio de encuentro, posibilidad e imaginación compartida. En palabras de Luis Luque, «la palabra esperanza proviene del latín sperare, que significa confiar en aquello que todavía no existe. Y pensé que eso es exactamente lo que hacemos aquí. Por eso me pareció hermoso vincular esta temporada con la esperanza. No como una forma de optimismo ingenuo, sino como un acto de confianza. La confianza en que las cosas pueden ser distintas. En que todavía merece la pena reunirse, escuchar y ver una historia e imaginar juntos».

Empezará el 3 de septiembre con la reposición de Vendrán los alienígenas y tendrán tus ojos, de María Velasco, Premio Nacional de Literatura Dramática 2024. Tras convertirse en uno de los grandes acontecimientos escénicos de la Nave, la pieza regresa para ofrecer una nueva oportunidad de acercarse a esta singular historia de amor entre una mujer y un alienígena. Un espectáculo poético, musical y profundamente contemporáneo que invita a volver a creer en el amor como un acto de fe y de esperanza.

La primera gran producción de la temporada llegará con Verborrea (del 1 de octubre al 1 de noviembre), el nuevo estreno absoluto de Pablo Remón, director invitado de la temporada. Protagonizada por Javier Cámara, Israel Elejalde, Marta Nieto y Emilio Tomé, la obra reconstruye el universo de una ficticia banda punk de los años ochenta para reflexionar sobre el paso del tiempo, los sueños incumplidos y la resistencia en los márgenes y la amistad.

En noviembre, Nave 10 Matadero recibirá Take off. Nada de eto tuvo que haber ocurrido (del 5 al 15 de noviembre), la nueva creación escrita y dirigida por José Padilla. Inspirada en el accidente aéreo de Los Rodeos de 1977, la pieza transforma una de las mayores tragedias de la aviación civil en una reflexión escénica sobre el error, el azar y la capacidad humana para aprender de las catástrofes.

A continuación, llegará La forma humana (del 20 de noviembre al 20 de diciembre), el esperado regreso de Pablo Messiez.

Con Omar Ayuso, Cris Blanco, Rebeca Hernando y José Juan Rodríguez sobre el escenario, la obra plantea una pregunta esencial: ¿Hemos olvidados cómo estar juntos? Una propuesta que reflexiona sobre la comunidad, los vínculos y las formas de convivencia en una época marcada por el individualismo y la fragmentación.

La programación navideña volverá a articularse en torno al ciclo Navidiez. En esta ocasión incluirá el espectáculo Copiar (26, 27 y 29 de diciembre), una propuesta de teatro familiar de Animal Religion que convierte la imitación en motor de juego y aprendizaje. El ciclo se completará con el tradicional Concierto Roscón, que este año contará con la actuación de Alice Wonder (3 de enero), una de las voces más personales de la música española contemporánea. La artista madrileña presentará su nuevo trabajo en un concierto que culminará en un encuentro compartido con chocolate y roscón.

La programación de 2027 continuará con 27 Generation Tour (del 13 al 24 de enero), una producción propia escrita por Adrián Perea y dirigida por Carolina Román. Coincidiendo con el centenario de la Generación del 27, la obra propone un viaje teatral que convoca a Lorca, Alberti, María Zambrano, Concha Méndez y otros creadores en diálogo con nuestro presente.

En febrero llegará otro de los grandes estrenos absolutos de la temporada. Luis Luque dirigirá La mujer del tiempo (del 4 al 28 de febrero), nuevo texto de Antonio Rojano protagonizado por Ana Torrent e Inma Cuevas, entre otros. La obra sigue la transformación de una meteoróloga que, tras tomar una decisión aparentemente trivial, inicia una espiral de cambios que alterará por completo su vida. Una pieza inquietante y cargada de humor que reflexiona sobre la identidad, el deseo y la necesidad de reinventarse.

Le seguirá Conversación. Anna Karenina (del 10 al 28 de marzo), nuevo espectáculo del tándem creativo formado por José Manuel Mora y Carlota Ferrer. Lejos de ser una adaptación de la novela de Tolstói, la obra utiliza el universo de Anna Karenina para acompañar el tortuoso camino de un hombre en una búsqueda íntima donde se cruzan la literatura, la filosofía y la religión.

La primavera traerá también el estreno absoluto de La criatura (del 8 al 25 de abril), texto de Julio Rojas inspirado libremente en El lobo estepario de Hermann Hesse y dirigido por Aarón Lobato. A través de una mujer aparentemente exitosa que descubre el vacío de la identidad que ha construido para sí misma, la obra explora el éxito, la soledad y el deseo en una sociedad obsesionada con el rendimiento y la autoimagen.

La revisión contemporánea del repertorio europeo del siglo XX llegará este año de la mano de Friedrich Dürrenmatt con Play Strindberg (del 6 al 30 de mayo). Rubén Ochandiano firma esta nueva versión de la célebre pieza, protagonizada por María Adánez y Daniel Grao. Una comedia feroz sobre las relaciones de pareja, el resentimiento, la dependencia emocional y la imposibilidad de desprenderse del otro.

La temporada culminará con el Proyecto Sergio Blanco, colaboración con uno de los dramaturgos más relevantes de la escena internacional contemporánea. A través de este proyecto, Nave 10 Matadero propone al público una experiencia singular: acercarse a una misma obra desde dos miradas escénicas, dos elencos y dos contextos culturales diferentes. La primera cita nos traerá el estreno absoluto de El síndrome de Stendhal (del 10 al 27 de junio), dirigida por Antonio C. Guijosa y protagonizada por Natalia Millán y Ángela Cremonte. Partiendo del célebre trastorno descrito por la psiquiatra Graziella Magherini, la pieza reflexiona sobre el dolor y la belleza desde dos aproximaciones distintas: la científica y la artística. Dos maneras de afrontar el sufrimiento para que la vida siga su curso.

La segunda producción vendrá de la mano de la Comedia Nacional de Montevideo y será dirigida por el propio Sergio Blanco (del 6 al 11 de julio). Por medio de un cruce vertiginoso de épocas, lugares y personajes, la pieza no solo describe el funcionamiento del síndrome, sino que también propone una reflexión sobre la creación artística y el impacto que el arte puede tener sobre los seres humanos.

Pensamiento, formación y mediación

El programa de pensamiento seguirá ofreciéndonos espacios de reflexión donde abordar temas que nos ocupan a través de las Conferencias escénicas. La nueva dramaturgista de Nave 10 Matadero será Pilar G. Almansa, que se incorpora al proyecto para acompañar, asesorar y coordinar los proyectos de creación dramática de la temporada con su mirada. Por su parte, Pablo Remón será el director invitado de la temporada 26 /27, donde estrenará su nueva pieza, impartirá un taller a profesionales del sector y ofrecerá acompañamiento artístico a los creadores más jóvenes vinculados a Nave 10. Una manera de entender el teatro como lugar de creación, trasmisión y encuentro.

La línea formativa ofrecerá nuevos talleres dirigidos a profesionales de las artes escénicas impartidos por reconocidos creadores nacionales e internacionales como el propio Pablo Remón, Mario Tenconi e Iva Horvat, que regresa esta temporada con su programa sobre cómo internacionalizar proyectos, entornos y estrategias en las artes escénicas.

Asimismo, Nave 10 Matadero mantiene activo su compromiso con la mediación artística gracias a la tercera edición de la Escuela de Espectadores Sénior, un proyecto que convierte a los vecinos de Arganzuela y Usera en participantes activos del proyecto de Nave 10, acercando a nuestros mayores a los procesos de creación y sus protagonistas.

La temporada también dará continuidad a la Residencia de Dramaturgia Teatro del Futuro, una iniciativa destinada a apoyar la escritura contemporánea y a reflexionar, desde la ficción, sobre los conflictos y desafíos que marcarán la sociedad de los próximos años.

Todo ello conforma un proyecto que apuesta por el diálogo, el intercambio de ideas y la experiencia compartida. «En un tiempo con tanto ruido, velocidad y opiniones instantáneas, el teatro sigue siendo uno de los pocos lugares donde podemos detenernos a mirar lo humano. Seguimos creyendo en el encuentro. Seguimos creyendo en los creadores. Seguimos creyendo que imaginar juntos todavía tiene sentido», termina Luis Luque.

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LOLITA FLORES EN «PONCIA»

A ESCENA REVISTA — Thu, 22 Jan 2026 21:35:59 +0000

Lolita Flores da vida a la criada de la familia de “La casa de Bernarda Alba” de Federico García Lorca y nos narra lo que ocurrió en esa casa después del suicido de Adela, “ajustando cuentas” con el resto de las supervivientes… LUIS LUQUE ha escrito y dirigido esta función.

Siendo Miguel Narros director del Teatro Español de Madrid encargó un nuevo montaje de “La Casa de Bernarda Alba” al director José Carlos Plaza. Éste propuso a Lola Flores para el personaje de La Poncia. Lamentablemente, por motivos de agenda, Lola no pudo hacer el montaje y se lamentaba de ello en el programa “La Clave” de TVE. Al saber esta anécdota le llegó la idea a Luis Luque de leer la obra de nuevo y descubrir si podía rescatar el personaje y hacer una creación escénica a partir de él. Entonces decidió llamar a Lolita Flores para proponerle que hiciera este personaje. Dos años después de su estreno y, tras un exitoso paso por decenas de Teatros españoles, regresa esta obra a Madrid.

Para Lolita Flores, “Poncia” es un regalo del cielo que me está dando muchísimas satisfacciones. Poder llevar la palabra de Lorca junto con la de Luis Luque es un honor enorme.”

-“Dentro de una tormenta de niebla, Poncia, la criada de Bernarda Alba, reza por la muerte de Adela, la hija de Bernarda Alba. La casa se ha sumido en un mar de silencio. Poncia habla sola y también con ellas, con Bernarda Alba y sus hijas…” ¿Qué más le podemos contar a nuestros lectores sobre la historia de esta pieza?

Se trata de un spin-off de “La casa de Bernarda Alba”, y no quiero desvelar mucho más para que el público venga a descubrirlo al teatro. La obra de Lorca comienza con la muerte de Adela y “Poncia” arranca desde ahí.

-Comenta Luis Luque en la presentación de “Poncia” que “En un profundo análisis del personaje, he rescatado las intervenciones de Poncia y las he convertido en reflexión, soliloquios, diálogos con fantasmas y sombras…”

Coincido totalmente con Luis. Eso es “Poncia”, un análisis profundo de este personaje.

-El alma de “la Poncia” se abre para insistir en la necesidad de transferir a los demás la idea de amarnos en libertad. ¿De qué otros temas nos habla esta obra?

La obra habla de la injusticia, la severidad, la disciplina invasiva y, sobre todo, de la poca libertad para amar a quien quieras, donde quieras y cuando quieras.

-También comenta Luque: “Los personajes de las criadas encierran un enigma interesante: son testigos de los avatares de sus dueños y amos, conocen la verdad del interior de las casas y poseen la filosofía oculta de las clases populares”. ¿De qué ha sido testigo Poncia en la Casa de Bernarda Alba?

Mi personaje ha sido testigo durante más de ocho años de todas las injusticias que se han sufrido en esa casa.

Poncia es testigo de cómo Bernarda está educando a sus hijas y del peligro de una educación sin libertad y sin amor.

-¿Cuáles son sus principales reivindicaciones en el escenario?

Podría resumirse en combatir el exceso de disciplina, la falta de libertad y la lucha contra la injusticia.

-“Poncia” se dirige al público de 2023. ¿Qué tipo de lenguaje utiliza este personaje en este monólogo?

Utiliza un lenguaje coloquial, como cualquier mujer de su estatus y de su tiempo. Por supuesto, eleva el tono cuando quiere reivindicar algo. La potencia de los textos de Lorca sigue vigente.

-Sé que es difícil elegir pero, ¿qué dos o tres frases de la obra son tus preferidas?

“No me he preocupado de nacer, pero sí me voy a preocupar de morir”. Esa es una de mis frases favoritas.

-¿Cómo es la escenografía de Mónica Boromello?

Creo que Mónica ha realizado una escenografía moderna y minimalista, con el objetivo de dar importancia a Poncia y a sus palabras.

Es una coproducción de Pentación Espectáculos y el Teatro Español. Teatro Bellas Artes.

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LUIS LUQUE, DIRECTOR DE «FILOSOFÍA MUNDANA»

A ESCENA REVISTA — Wed, 12 Nov 2025 00:26:17 +0000

LUIS LUQUE es el adaptador y director de esta función que lleva a escena los artículos del filósofo español Javier Gomá Lanzón. La interpretan Jorge Calvo, Marta Larralde, Pepe Ocio y Laura Pamplona y cuentan con la colaboración de Covadonga Villamil.

-Comentas que “Filosofía mundana” es “una invitación al arte de sentarse, contemplar y escuchar”. Pero, ¿qué más le puedes contar a nuestros lectores sobre la historia de esta función?

Conocí a Javier Gomá y en nuestras primeras conversaciones le propuse llevar a escena sus micro ensayos filosóficos reunidos en el libro “Filosofía Mundana”. Después de superar la primera sorpresa me dijo que “¡adelante!”.

Me imaginaba una travesía escénica por la vida humana a través del pensamiento de Javier Gomá, ese pensamiento que nos ofrece la posibilidad de saber vivir mejor.

-¿Los actores y actrices interpretan a personajes o no?

No, los actores no interpretan a personajes como podemos entender en el sentido clásico. No hay biografías ni conflictos, sino voces que representan distintas dimensiones del ser humano. Jugamos con el carácter y emoción para encarnar el pensamiento de unos sencillos ciudadanos que piensan, dudan o aman, que se preguntan, como todos, ¿qué hacemos aquí?.

-A los espectadores que vayan a ver “Filosofía mundana”. ¿De qué les hablan los actores?

Los actores le hablan al público de lo que significa vivir: de la belleza, del tiempo, del deseo, de la muerte, de la dignidad, del ejemplo… Hablan de lo humano. Pero no desde la solemnidad, sino desde la contradicción, el humor y la ternura. Piensan en voz alta pero no enseñan, comparten.

-También comentas que “Filosofía para todas y todos. Filosofar, en esta propuesta, se parece a sembrar. A esperar sin exigir, sin prisas, que cada espectador encuentre, con mucho humor y mucha ironía, su propio camino entre las ideas, como quien recorre un jardín sin mapa”. ¿Verdaderamente crees que todos podemos filosofar? ¿por qué?

Creo profundamente que todos podemos filosofar. Filosofar no es exclusivo de los académicos filósofos, sino una actitud ante la vida. Es detenerse, observar, preguntarse, aceptar no saber. En escena sembramos reflexiones que son muy comunes. Por eso hablo de un jardín sin mapa: porque cada espectador recorre su propio camino entre las ideas. Filosofar también es eso: caminar, perderse y mirar con curiosidad.

-¿Dónde reside el humor?

El humor está en la vida misma. En la torpeza del pensamiento cuando se enfrenta a lo real, en la vanidad de nuestras aspiraciones, en lo imperfecto. Es un humor sereno que nos permite mirarnos sin crueldad. No busca la carcajada, sino esa sonrisa que aparece cuando uno se reconoce, con cierta ironía, en su propia contradicción.

-¿Cómo van a ser la puesta en escena y las transiciones?

La puesta en escena es poética y orgánica. No hay decorado fijo. El espacio se transforma cuadro a cuadro, como un organismo vivo. La artista floral Covadonga Villamil crea junto a los actores una instalación vegetal que crece a lo largo de la función, como si el pensamiento mismo echara raíces.

-¿Qué destacarías de Marta, Jorge, Laura y Pepe, los cuatro actores/actrices que la protagonizan?

Marta Larralde tiene una fuerza vital y una transparencia que hacen que cada palabra parezca recién nacida.

Jorge Calvo posee un humor finísimo y una inteligencia escénica que le permiten moverse entre lo trágico y lo irónico con una precisión admirable. Laura Pamplona aporta una profundidad emocional enorme, una capacidad de escuchar y de estar que hace vibrar el texto desde dentro. Y Pepe Ocio tiene una hondura vital y una serenidad que anclan la función, le dan su pulso más humano. Cuatro presencias muy distintas, pero que juntas conforman una unidad viva.

-¿Cuáles son tus cuatro escenas favoritas?

Marta me conmueve en un monólogo donde se habla del amanecer. De Jorge, elijo una escena sobre la vanidad, donde el humor se vuelve espejo.

De Laura, un fragmento donde la voz se quiebra al hablar del ejemplo. Y de Pepe, el cuadro donde se habla de la figura de nuestra vida, la que da ejemplo. En la escena final cuando se habla sobre la dignidad buscamos un gesto compartido. La dignidad es el cierre del viaje, o quizá su verdadero comienzo.

Es una producción de Nave 10 Matadero y Pentación Espectáculos. El diseño de vestuario es de Raúl Marina y el diseño de espacio escénico de Mónica Boromello. La composición musical es de Mariano Marín. Fotografías de Geraldine Leloutre.

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