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«EL CABALLERO DE OLMEDO»

A ESCENA REVISTA — Thu, 03 Sep 2026 15:02:21 +0000

Elisabet Altube, Arantxa Aranguren, Clara Cabrera, Javier Díaz Gil, Carlos Jiménez Alfaro, Sandra Landín, David Lorente, Teo Maiztegi, José Luis Martínez, Gerardo Quintana, Mateo Rubistein, Víctor Sáinz y Jorge Varandela protagonizan esta producción de la Compañía Nacional de Teatro Clásico con la que inauguran su nueva temporada.

Laila Ripoll ha dirigido esta versión de la obra de Lope de Vega. Para ella, «Estrenada en 1620, los espectadores asistían a una especie de crónica de una muerte anunciada en la que, desde el inicio, conocían más que los personajes mismos, por lo que esa suerte de fatalidad, de destino terrible e inexorable, generaba una profunda inquietud. Lo que comienza siendo un cuento amable, una aparentemente previsible historia de amor, con sus lances, su criado gracioso, sus divertidos engaños y disfraces, poco a poco se va enturbiando hasta convertirse en un angustioso y siniestro cuento de miedo. Pero nosotros, el público, eso ya lo sabíamos.

Más de cuatrocientos años después, los espectadores continuamos siendo cómplices, continuamos compartiendo un secreto en el que está encerrado el destino de los personajes, pero también conocemos muchas más cosas que en 1620 estaban por suceder. ¿Cómo no volver a Olmedo con todo ese arsenal de conocimiento contemporáneo?…». Teatro de la Comedia.

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La Compañía Nacional de Teatro Clásico presenta su Temporada 26/27

A ESCENA REVISTA — Thu, 30 Jul 2026 09:45:02 +0000

La Compañía Nacional de Teatro Clásico (CNTC), centro de creación del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), ha presentado su Temporada 26/27 en un acto que ha contado con la participación de Paz Santa Cecilia, directora general del INAEM, organismo dependiente del Ministerio de Cultura, y Laila Ripoll, en su segunda temporada al frente de la Compañía.

Laila Ripoll ha destacado que el legado de estas cuatro décadas es “una institución consolidada y sólida que ha sabido tender un puente entre el pasado y el presente, convirtiendo nuestros textos clásicos en teatro profundamente contemporáneo”. Su propuesta para la nueva temporada se ancla en “seguir alternando títulos del repertorio con otros nunca representados, afianzando y descubriendo, mezclando el verso y la prosa”, así como apostando por nuevas voces, por la interdisciplinaridad, y por el apoyo a la producción de compañías periféricas y a aquellas de dilatada trayectoria.

PRODUCCIONES PROPIAS Y COPRODUCCIONES

La próxima temporada se inaugurará con El caballero de Olmedo, de Lope de Vega, con versión y dirección de Laila Ripoll, y producida por la CNTC. La pieza es, según Laila, “uno de los textos más poéticos de nuestro Siglo de Oro, anticipa el universo del héroe romántico y destaca por su modernidad». Podrá verse en el Teatro de la Comedia del 24 de septiembre al 22 de noviembre.

La segunda producción propia de la temporada abordará otra obra de Lope: El amor enamorado, con versión de Brenda Escobedo y dirección de Marta Pazos, que dirigirá a la Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico. “Un juego escénico donde lo divino y lo humano conviven en un mismo pulso que trasladará los versos de Lope a su particular lenguaje escénico y plástico», ha comentado Marta. Será en la Sala Principal, del 18 de marzo al 9 de mayo de 2027.

Por su parte, el elenco de la Joven CNTC participará en otro montaje de carácter transdisciplinar. Una partitura de Juan Hidalgo, considerado el padre de la ópera y la zarzuela en español, y un texto de Calderón de la Barca de temática mitológica se funden en una propuesta que combina teatro áureo y música antigua desde una visión contemporánea. Andrómeda y Perseo es una coproducción de la CNTC junto con el Teatro de la Zarzuela y la Fundación Juan March, con versión de Álvaro Tato, dirección de Nuria Castejón y dirección musical de Aarón Zapico. Se estrenará el 30 de septiembre en la sede madrileña de la Fundación Juan March y llegará a la Sala Principal del Teatro de la Comedia el 4 de diciembre.

La Sala Principal acogerá también, del 4 al 21 de febrero de 2027, un tercer Lope: El anzuelo de Indias, una versión de El anzuelo de Fenisa a cargo de Luis O’Malley, en colaboración con Ruth Sánchez y Mario Vega, y dirigida por este último. “Una relectura caribeña, feminista y revolucionaria donde la sororidad se vuelve estrategia de resistencia y espejo de nuestro presente”, producida por la CNTC junto con el Teatro Pérez Galdós, Barco Pirata Producciones Teatrales y unahoramenos producciones.

Junto con la veterana compañía sevillana Atalaya, la CNTC coproducirá El Libro de buen amor, de Juan Ruiz, Arcipreste de Hita, que acogerá la Sala Principal del 20 de mayo al 6 de junio de 2027. La versión y dirección de Ricardo Iniesta de este gran clásico de la literatura medieval reivindica, según sus palabras, “el carpe diem frente a la religiosidad imperante y sitúa en primer plano la emancipación de la mujer y el libre albedrío frente al orden establecido”.

En coproducción con la compañía portuguesa Terra Amarela, con la que el director Marco Paiva atesora una consolidada trayectoria de teatro inclusivo, la CNTC estrenará Jardín de flores curiosas. Una dramaturgia de Magda Labarga a partir de textos renacentistas y barrocos que propone “una miscelánea de prosa y verso”, “una performance barroca” que mezcla “las palabras con lo imposible de decir” y que acogerá la Sala Tirso de Molina del 1 al 18 de abril de 2027.

COMPAÑÍAS INVITADAS

Una de las compañías invitadas esta temporada será El Vodevil, fundada por Pepe Viyuela y Elena González. Del 21 de enero al 21 de febrero, la Sala Tirso de Molina albergará su producción Guitón Onofre. El pícaro perdido, obra basada en la novela picaresca de Gregorio González y adaptada por Bernardo Sánchez y Pepe Viyuela. Luis d’Ors dirige una divertida puesta en escena protagonizada por Pepe Viyuela y acompañada musicalmente por Sara Águeda.

La joven dramaturga Aurora Parrilla firma Tinta y mujer, el oro de un siglo, donde da voz a autoras femeninas de esta época, como María de Zayas, Feliciana Enríquez de Guzmán, Leonor de la Cueva o Sor Juana Inés de la Cruz. Una producción de Prodigio Teatro con la dirección de David Boceta que se podrá ver en la Sala Tirso de Molina del 5 al 21 de marzo de 2027.

A finales de la próxima temporada, del 29 de abril al 9 de mayo, la Tirso de Molina acogerá también el estreno de La jácara de los cuerpos imposibles, un ‘cabaré sicalíptico’ escrito por Ruth Rubio e hilvanado por escenas de autores y autoras del Siglo de Oro. Con dirección y coreografía de Alberto Velasco, vendrá precedido por un taller de investigación escénica destinado a personas LGTBIQ+ mayores de 60 años, con o sin experiencia en escena, con quienes se trabajará en la performatividad de género que ha servido de base para el montaje.

MÚSICA Y TEATRO PARA PÚBLICO FAMILIAR

La música estará muy presente a lo largo de toda la temporada en la CNTC, comenzando por un Concierto de Navidad muy especial: el 19 y 20 de diciembre, el célebre músico Jordi Savall nos deleitará con sus Folías antiguas y criollas, donde conecta la tradición musical del Viejo y el Nuevo Mundo acompañado por una increíble orquesta en la que participan miembros de la Capella Reial de Catalunya, de Hespèrion XXI y del Tembembe Ensamble Continuo.

Del 27 al 29 de noviembre, la Sala Tirso de Molina acogerá la propuesta Ana por Ana. Barroco a compás flamenco, de Histrión Teatro. Con dramaturgia y dirección de Paula Rodríguez, la cantaora Ana Mar y el guitarrista Antonio de Quero reviven el legado de Ana Caro de Mallén, destacada dramaturga y poeta del Siglo de Oro, a través del lenguaje universal del flamenco.

Y también podremos volver a disfrutar del aclamado montaje El rey de la farándula, un “cabaré barroco y provocador” creado, dirigido e interpretado por Ángel Ruiz y acompañado por el músico Bru Ferri. En la Sala Tirso de Molina del 5 al 22 de noviembre.

Volverá también al Teatro de la Comedia otro montaje muy celebrado: Farra, un espectáculo familiar coproducido por la CNTC y la Compañía Lucas Escobedo que se estrenó en enero de 2025 en el Clásico y que supone una fiesta de teatro, música y circo para todas las edades. Estará de nuevo del 7 al 24 de enero de 2027.

El público familiar podrá disfrutar, una temporada más, del espectáculo ganador del certamen Barroco Infantil del Festival de Almagro. Así, del 18 de diciembre al 3 de enero, la Sala Tirso de Molina acogerá la versión de Hamlet de la compañía asturiana Guayominí Producciones, un juego teatral, musical y participativo pensado para acercar a Shakespeare al público más joven.

OTRAS ACTIVIDADES Y UNA EXPOSICIÓN DE ANIVERSARIO

Entre las actividades destacan el proyecto pedagógico Préstame tus palabras, que desde su creación en 2015 sigue acercando el valioso patrimonio clásico a los estudiantes de institutos de toda España a través de la interpretación y el entusiasmo de la Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico; o las actividades de mediación, que este año ofrecerán el citado taller para personas LGTBIQ+ mayores de 60 dirigido por Alberto Velasco, así como un taller de música urbana que acercará el Siglo de Oro a menores en riesgo de exclusión, invitados a traducir el verso clásico al lenguaje del rap o del hip hop.

Además, esta temporada la CNTC volverá a salir de gira con El caballero de Olmedo, con otras coproducciones y con el nuevo proyecto Versos a viva voz. Recital de flamenco y poesía del Siglo de Oro; y continuará enriqueciendo su colección editorial con nuevas publicaciones de los textos de la temporada, con los Cuadernos de Teatro Clásico y con los cuadernos pedagógicos ligados a los estrenos.

Dentro del marco de celebración de las cuatro décadas que cumple en 2026 la Compañía Nacional de Teatro Clásico, cuya historia está narrando a través de la campaña «40 años, 40 voces», el Teatro de la Comedia acogerá la exposición Lope para todos, un recorrido que recoge la evolución de la CNTC a través de los montajes de textos de Lope de Vega a lo largo de estos últimos cuarenta años. Una exhibición comisariada por Cristina Santolaria y que recopila desde figurines a diseños de escenografía, pasando por elementos escenográficos o carteles, músicas y fragmentos audiovisuales. La muestra estará en el Teatro de la Comedia del 1 al 25 de octubre.

Esta nueva temporada, la CNTC renueva su compromiso de continuar implementando cada vez más medidas para contribuir a la inclusión y a la accesibilidad de forma transversal en la institución, un trabajo que se está realizando de manera armonizada con todas las unidades del INAEM bajo el paraguas del Plan Integral de Inclusión en las Artes Escénicas y la Música recientemente puesto en marcha por el Ministerio de Cultura.

Y la CNTC ha renovado su acuerdo de colaboración con el Museo Nacional del Prado para nutrirse del valioso patrimonio que custodia la pinacoteca y fusionar el legado teatral con el pictórico de nuestros artistas clásicos en los carteles de la temporada.

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FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO CLÁSICO CASTILLO DE PEÑÍSCOLA

A ESCENA REVISTA — Fri, 26 Jun 2026 09:09:16 +0000

Celebra este año su XXIX edición. Organizado por la Diputación de Castellón, el festival reunirá en el Patio de Armas, junto a otros espacios destacados, una cuidada programación de espectáculos que revisitan los clásicos desde lenguajes contemporáneos y acercan al público algunos de los grandes textos y personajes de la literatura universal.

Durante dos semanas, el festival recorrerá autores y épocas que van desde la tragedia griega al siglo XX, y se escucharán las palabras de Lope de Vega, Cervantes, Molière, Juan Ruiz de Alarcón, Lorca, Machado, Emily Dickinson, Gloria Fuertes, María Moliner, Miguel Hernández, Sor Juana Inés de la Cruz o Shakespeare.

La programación cuenta con ocho propuestas de compañías y creadores procedentes de distintas comunidades, además de una propuesta internacional llegada de Nueva York.

El festival arrancará el lunes 6 de julio en el Paseo Marítimo de la ciudad con Cabinas literarias, una propuesta de Proyecto Cultura. La instalación, formada por tres cabinas telefónicas inglesas, invita al público a escuchar textos de Shakespeare, Emily Dickinson, Lorca, Machado o Gloria Fuertes en las voces de intérpretes como Ana Fernández, Rafael Álvarez ‘El Brujo’ o Pedro Casablanc. Esta experiencia sensorial propone detener el ritmo cotidiano y reconectar con la literatura.

Este año el Patio de Armas resonará con ecos de la antigua Grecia, gracias a Jasón y las furias.

El Siglo de Oro tendrá un peso destacado gracias a propuestas como la comedia de Lope La dama boba, una revisión de un mito (Don Juan en los infiernos), la fascinante historia de Catalina de Erauso (La monja alférez), una conversación entre dos canes (Palabra de perro) y un homenaje a las compañías de cómicos (La trova de Buena Saña). Finalmente, el viaje llegará al siglo XX con Doña Rosita la soltera de Lorca.

En su apuesta por la creación contemporánea, dos de estas propuestas son coproducciones del festival: Palabra de perro, junto a Lantia Escénica, con texto de Juan Mayorga; y La trova de Buena Saña, junto a La Jalea Teatro, una propuesta vinculada a la creación joven e inspirada en las compañías de cómicos del Siglo de Oro.

Además, como en años anteriores, habrá una actividad creada especialmente para jóvenes: la cuarta edición del Taller Pepe Monleón de Periodismo Joven. Del 6 al 18 de julio. Peñíscola (Castellón).

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FESTIVAL DE TEATRO CLÁSICO DE CÁCERES

A ESCENA REVISTA — Mon, 01 Jun 2026 10:30:46 +0000

Durante casi cuatro semanas se exhibirán veintiún espectáculos en esta 27ª edición, entre propuestas teatrales y musicales, de los que tres son estrenos absolutos en su «Escena Clásica».

Además, su programación cuenta con actividades de calle, obras para el público infantil, música y un taller teatral con Yayo Cáceres, entre otras. Además de en la plaza de San Jorge, la programación se desarrollará en el Museo de Cáceres, la Fundación Tatiana Pérez de Guzmán el Bueno, el Gran Teatro, la plaza Mayor, el Palacio de Carvajal, la Escuela Superior de Arte Dramático de Extremadura, El Corral de las Cigüeñas y la Filmoteca de Extremadura.
Éstas son algunas de las obras programadas en el Festival:

El retablo de las maravillas. ElsJoglars reflexiona sobre la vigencia del engaño y la manipulación en la sociedad actual, comparándola con la obra de Cervantes.

El festival empezará las funciones de «Escena Clásica» el jueves 11 de junio con el ballet Romeo y Julieta, cuya música compuso Sergei Prokofiev.

En total se representarán diez obras en la Escena Clásica, tres en Las Notas Clásicas, tres en El Rincón Infantil del Clásico y cuatro en Las Piezas Clásicas, más la Noche de Picos Pardos, el pasacalles, un taller-campamento infantil y El Laboratorio del Clásico.

Dulcinea es una de las grandes apuestas del Festival. El dramaturgo Juan Carlos Rubio escribió esta obra expresamente para Paloma San Basilio. Rubio da voz a la amada de Don Quijote, que éste inventa para su consuelo. En este montaje, en el que Paloma San Basilio actúa y canta acompañada al piano por Julio Awad, Dulcinea habla de sí misma, sin idealización alguna, en primera persona. En el Gran Teatro de Cáceres.

El primer estreno absoluto del festival (domingo, 14 de junio) es una coproducción entre Portugal y Extremadura. La compañía portuguesa Umcolectivo presenta con Actos Íntimos, del actor Santi Senso, Pândiga, una revisión de la comedia Farsa das Ciganas de Gil Vicente, que en 1521 informaba sobre la llegada del pueblo gitano a Portugal. El montaje establece un paralelismo entre aquellos gitanos que arribaban a un país ajeno y los inmigrantes que hoy vienen de fuera con la aspiración de hallar en Europa un lugar de posibilidades de vida y trabajo.

El Brujo representará Lazarillo de Tormes, que ha mantenido hace varias décadas en su repertorio.

Y un día el actor Pepe Viyuela tuvo noticia de la historia de Guiton Onofre y decidió que la llevaría a escena y la protagonizaría. Un relato escrito por Gregorio González en 1604, que cuenta la vida de un joven desde su infancia hasta su desarrollo vital y sus azarosas andanzas.

Y también se podrá disfrutar de La vengadora de las mujeres, una versión de la comedia de Lope de Vega, en una coproducción de Teatro del Temple y la Compañía Nacional de Teatro Clásico y de El lindo Don Diego, de Agustín Moreto. Con Alfonso Lara, Mariano Estudillo y Alba Recondo, entre otros. De Mic Producciones.

Un cóctel benéfico el lunes 29 de Junio en el Gran Teatro a favor de la Asociación Española Contra el Cáncer (AECC) clausurará esta edición junto al último espectáculo infantil Quijote y un aniversario muy especial de la compañía Emulsión Teatro al día siguiente.

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SILVIA DE PÉ EN «LA VENGADORA DE LAS MUJERES»

A ESCENA REVISTA — Mon, 25 May 2026 10:15:50 +0000

Por Ana Carrasco

La actriz da vida a la rebelde, brillante, culta, juguetona, apasionada y libre princesa Laura en esta versión de Teatro del Temple y la Compañía Nacional de Teatro Clásico de la comedia que escribió Lope de Vega. Una versión que ha dirigido Carlos Martín y que han escrito Alfonso Plou y María López Insausti.

-¿Cómo describirías a Laura, tu personaje?
Laura es un personaje precioso y con un arco infinito. Es una mujer brillante, culta, juguetona, apasionada y, sobre todo, muy libre. Hiperbólica y muy contradictoria como todo ser humano. Muy aragonesa en su testarudez. Ella no quiere someterse al hombre, a su poder impuesto porque sí y a su teoría de que la mujer no es igual a él. Se rebela ante eso y esto le genera enfrentamientos con su propio hermano, sus amigas, la sociedad…

400 años después sigue siendo muy necesaria esta obra y cuando aparece el amor, ha de hacer, digamos, unos pequeños ajustes en “su teoría”. Laura no es solo una mujer que cuestiona a los hombres, es alguien que ha construido un discurso para protegerse.

-La princesa Laura, defensora a ultranza de los valores de la mujer, de sus capacidades físicas e intelectuales, que en nada desmerecen a las de los hombres, está decidida a crear en Palacio una escuela de mujeres para corregir siglos de ignominia literaria…¿A qué más está dispuesta Laura?
Decide formarse, cultivarse, estudiar, para poder escribir las faltas y errores de los hombres y poder demostrar ser su igual. También participa en un torneo para demostrar su valor y, por lo tanto, el de todas las mujeres. Y ahí seguimos, teniendo que demostrar y esforzarnos el doble para ser acreditadas como válidas e iguales. Es una obra de hace 400 años pero parece escrita ayer.

-¿Con qué párrafo de tu personaje te sientes identificada? ¿Por qué?
“Que necia pensaba yo que sin el amor pudiera vivir de esta manera y al mejor tiempo faltó.” Porque no se puede ni se debe vivir sin amor.

-¿De qué temas habla esta función?
Habla de la injusticia, de la desigualdad, de los hombres, de las mujeres, de filosofía, de las normas rígidas impuestas, del amor, del deseo, de la amistad, de los celos. De las contradicciones.

-¿Sería Laura una mujer feminista de su época?
Es un personaje ficticio pero, si hubiera existido, claro que sí. Su lucha y su búsqueda tienen que ver con lograr la igualdad entre hombres y mujeres.

-¿Qué destacarías de su relación con la dama Diana?
Mantienen una bonita y sincera amistad que se estropea un poquito cuando un hombre se interpone entre ellas, aunque todo se arregla finalmente. Es muy evidente esa complicidad cuando Laura la elige a ella para confesarle que ama, aunque no llega a decírselo… Además de ser primas, Diana también es la pupila de Laura.

-Esta obra está coproducida y dirigida por Teatro del Temple, una compañía con una larga trayectoria teatral (más de 30 años)… ¿Qué destacarías de ella como compañía?
Teatro del Temple es una compañía con mucha experiencia y una larguísima trayectoria y se nota en cada paso del proceso. Trabajar con una compañía que es un referente es todo un lujo.

El resto de personajes de la función están interpretados por Gabriel Moreno (Arnaldo); Secun de la Rosa (Julio); José Vicente Moirón (Lisardo); Xavi Caudevilla (Octavio); Nacho Rubio (Alejandro); Chavi Bruna (Augusto); Lorena Berdún (Lucela) e Itziar Miranda (Diana).

-¿Cómo son las transiciones de la puesta en escena?
Son curiosas, gracias a unos simpáticos personajes que aparecen…

-¿Qué te parece el vestuario de esta obra?
El vestuario es un sueño, una fantasía. Es muy original, divertido, habla mucho de los personajes pero no desde un prisma tradicional. Es muy emocional y, a la vez, ayuda a entender ciertos momentos de la trama. Acompaña muy bien a la comedia y le aporta un peso magnífico.

La Escenografía es una creación de Óscar Sanmartín y Carlos Martín; el vestuario ha sido diseñado por Agustín Petronio; la Música es de David Angulo; la Iluminación es un diseño de Felipe Ramos y la Asesoría del verso es de Pepa Pedroche.

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BEATRIZ ARGÜELLO, DIRECTORA DE «EL ESCONDIDO Y LA TAPADA»

A ESCENA REVISTA — Fri, 13 Mar 2026 20:32:37 +0000

La actriz dirige a la Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico en este nuevo estreno de la CNTC.

-Háblanos de la historia que le narra al público “El escondido y la tapada”…

La obra comienza con César llegando a Madrid acompañado de Mosquito, su criado. Están perseguidos por la justicia por haber matado a un hombre (hermano de una de las dos damas que corteja). Su llegada a la ciudad se debe a una carta que le ha enviado Celia (una de las damas) para que vaya a su casa, esconderse allí, y así disfrutar de su amor. Pero la historia se ve truncada por la llegada de Félix, hermano de Celia, a Madrid. A partir de ahí, se desarrollan un sinfín de acontecimientos en cascada que llevarán a Celia y a su hermano a mudarse de la casa dejando encerrados a César y a Mosquito. Para más inri, Lisarda (la otra dama que corteja César) se muda a la misma casa donde están escondidos…

-Diriges por primera vez a la Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico, ¿qué sensaciones y qué emociones estás sintiendo en esta fase de ensayos?

Está siendo una experiencia maravillosa. Son actores y actrices con un talento inmenso y llenos de energía. Es un placer poder dirigir a esta promoción de la JCNTC. Y, por si fuera poco, sostenidos por un maravilloso texto de Calderón de la Barca.

-Es una comedia delirante llena de enredos, de luchas de capa y espada y de humor… pero, según tu opinión, ¿De qué temas principalmente pretendía hablar Calderón con esta obra?

Como en otros títulos de Calderón, los pilares sobre los que se basa esta función son el amor, los celos y el honor.

Con una trama vertiginosa en la que los personajes se irán sorprendiendo una y otra vez ante las descabelladas situaciones a las que se ven abocados.

-Preséntales a nuestros lectores a los personajes femeninos…

Zoe da Fonte es Celia, la urdidora de la trama. Belén Landaluce es Lisarda, la otra dama de la que está enamorado César. Es impetuosa y aunque es más tradicional que Celia, saca su carácter fuerte en muchos momentos.

Laura Ferrer es Beatriz, criada de Lisarda. Diestra en conjuros y esoterismos, se divierte metiendo miedo a otra criada en una escena magistral. Anna Nácher encarna a Octavia (Octavio en el texto original). Es una viuda italiana que esconde un pasado misterioso.

Andrea Real hace de Inés, criada pizpireta de Celia y a un personaje mudo que nació en los ensayos y que acompaña a Octavia en todo momento.

Andrea Santos interpreta a Otáñez (personaje masculino también en el texto original) y con ella rendimos un homenaje a todas las heroínas disfrazadas de hombre en el teatro barroco.

-Una vez más, Calderón reivindica en esta pieza el papel de la mujer en aquella época.

Efectivamente. Las mujeres en este texto tienen mucho poderío. Calderón nos muestra a mujeres activas en la acción dramática. Celia es la que escribe la carta a escondidas, rompiendo así las normas de lo establecido en el cortejo amoroso del siglo XVII. Es, por tanto, una mujer que podría vivir en la actualidad perfectamente. Se rebela contra la autoridad.

Además está Lisarda, la otra dama de la que está enamorado César. Es impetuosa y saca su carácter fuerte en muchos momentos.

-Éste no es un texto ni muy conocido ni muy representado. De hecho, es la primera vez que se va a representar en el Teatro de la Comedia. ¿Por qué aceptaste dirigirlo?

Fue una propuesta de Laila Ripoll, directora de la Compañía, y me pareció muy adecuado representarlo con un elenco de actrices y actores jóvenes.

El conflicto que presenta Calderón es apasionado, divertido, guasón, con escenas muy dinámicas y delirantes.

-Imagínate que es el 12 de Marzo y estrenáis… ¿Con qué “resultado” de la puesta en escena y de las reacciones del público pensarías “¡Prueba superada!”?

Todo estreno es un acontecimiento lleno de expectación y misterio. La función no nace hasta que se abren las puertas del Teatro, así que para mí es el momento más ansiado del proceso. Es como entregar un regalo que has estado preparando durante mucho tiempo.

Sam Arribas, Jordan Blasco, Luis Espacio, Diego Garisa, Julio Montañana Hidalgo y Gabriel de Mulder completan el elenco. Fotografía de escena de la CNTC. Teatro de la Comedia.

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EVA DEL PALACIO, DIRECTORA DE «LO QUE SON MUJERES»

A ESCENA REVISTA — Sat, 17 Jan 2026 15:54:09 +0000

Morboria Teatro (como compañía invitada por la CNTC) representa esta comedia de Rojas Zorrilla adaptada y dirigida por Eva del Palacio

“Hombres, lo que son mujeres. Mujeres, lo que son hombres!. Una de las frases más conocidas de esta función que nos habla sobre que “cada género alerta siempre sobre lo que significa el otro género”, aunque, está claro que la trama es un constante “ni contigo ni sin ti”.

-Con esta obra celebráis vuestros 40 años de trayectoria. Llevaba 150 años sin llevarse a escena. ¿Por qué la eligió Morboria Teatro para representarla?

Es una obra perdida y “olvidada” desde hace 20 años en un cajón. Nos “la presentó” el que era entonces el Director del Festival de Almagro. Triunfó entre el público en los siglos XVII y XVIII. Es muy original, muy particular, porque ni hay boda ni hay muerte, tan típicos en las historias de aquella época. Es una comedia de salón, llena de buen humor, muy ágil y en la que tienen mucha importancia las mujeres, con carácter y que toman decisiones.

-¿Quiénes son sus protagonistas?

Las dos hermanas protagonistas son damas. La mayor es Serafina (Virginia Sánchez) aborrece a todos los hombres. Se cree muy culta y muy fina. Y la pequeña, Matea (Luna Aguado), es una joven apasionada a la que le atraen todos los hombres. El padre les ha dejado un legado del que pueden disponer. De esto se entera Gibaja (Fernando Aguado), un alcahuete “a lo divino”. Es un celestino. Se introduce en la casa y va a llevar a algunos pretendientes para Serafina. Se pasa el día paseando y haciendo un casting de pretendientes con “lo peor de cada casa”. Adolfo Pastor, Paúl Hernández, Vicente Aguado y Ana Belén Serrano interpretan a estos cuatro desastrosos pretendientes.

-La obra nos habla también de los celos entre los hombres y las mujeres, de la coquetería, de la picardía y Zorrilla plantea una situación de búsqueda de pareja muy parecida a la que vemos actualmente en ciertos programas de Televisión…

Sí. Lo podemos ver a diario en ciertos programas. De lo que se trata es de reírse de la galantería, de la retórica, de las modas. Ya descubrió Zorrilla hace cuatrocientos años también las curiosidades de las relaciones y descubrió que, con un poco de picardía, se anima todo. Es la historia del Mundo, de la Literatura Universal, del antes y del ahora.

Y también quiero destacar que todas las mujeres son de armas tomar. Tienen cosas que decir y lo dicen en voz alta.

-Morboria es reconocida por su ardua labor de caracterización y por su vistoso sello estético… ¿Qué tiempo necesitáis para caracterizar a los protagonistas y cuál ha sido vuestra dinámica de preparación de esta obra?

La caracterización de estos cuatro figurones y del resto nos puede llevar hasta cuatro horas cada día. Y lo hacemos con mucho amor. Desde fuera se ve que ese maquillaje simboliza el carácter de cada personaje.

Y diseñamos nuestros trajes. Tenemos muchos cambios de vestuario. En esta obra hay 18 cambios. En otras puede llegar a los 47 o incluso los 50.

De lo que se trata es de que el público se ría, lo pase bien. Y “Lo que son mujeres” es una obra de sonrisa continua.

-También te has encargado de la adaptación de la obra original. ¿Qué tipo de verso recitan los protagonistas en vuestra versión?

El verso es el original. No está actualizado. Lo he respetado. Hay mucho lenguaje Barroco, con mucha hipérbaton, ese lenguaje “imposible de entender” pero que se entiende por los gestos y el comportamiento en escena de los/as actores/actrices. He intentado que se entienda con el movimiento de los personajes.

Y es destacable la sonoridad de esta obra. Es un clásico y, como tal, hay que tratarlo en escena.

Completan el reparto Marina Andina, Miguel Barón y Trajano del Palacio.

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ANA WAGENER EN «LAURENCIA»

A ESCENA REVISTA — Fri, 12 Dec 2025 15:50:50 +0000

Hablamos con la actriz sobre esta obra que ha escrito Alberto Conejero y que ha dirigido Aitana Galán para la Compañía Nacional de Teatro Clásico. Un espectáculo-recital con música en directo que nos habla, entre otros temas, de la memoria, de las cicatrices de la violencia, del no olvido.

-Descríbenos a Laurencia, tu personaje… ¿Cómo es en esta función?

Es la Laurencia de “Fuenteovejuna” que tiene 60 años y que le narra la público el antes, el durante y el después de todo lo que sucedió aquel día. Alberto Conejero se pregunta qué pasa después de ese día con esa mujer, después de esa violación y qué ocurre con esas personas protagonistas de la obra. Es una confesión de ella. Le queda muy poco tiempo de vida y quiere compartir con el público lo que empieza cuando todo termina. Se ha quedado marcada por este hecho.

Conejero lo que quiere es desmontar el mito de la heroína de “Fuenteovejuna” para quedarse con la mujer que tiene que rehacer su vida desde el absoluto miedo y la vergüenza. Ella tiene que seguir viviendo. Laurencia narra las miserias que hay detrás de todo eso. Piensa “Ya no me queda nada” y, por eso, quiere hacer cómplice al público. Ese peso no quiere llevarlo sola. Y también hablar de ese pueblo que ha quedado marcado.

-¿Cuál crees que es la principal intención de este texto?

Me arrebató el texto desde que lo leí. Está lleno de poesía. Es un como un acto de justicia. Es darle voz a una mujer que ha sido como la heroína de una rebelión pero que ahora es una mujer cansada porque realmente su vida ha sido muy dura. Se ha quedado sola, la han tachado de loca. Habla de la soledad desde ese lugar.

Soy fan de Alberto Conejero porque escribe muy bien. Tiene una forma de escribir muy terrenal y es una gozada a la hora de interpretarlo. Y tiene mucha poesía.

-Comenta Alberto Conejero que “Laurencia es una carta de amor (con respeto y libertad) a nuestro inmortal teatro clásico.”. ¿Estás de acuerdo?

Absolutamente. Alberto Conejero es un gran conocedor del teatro clásico. Yo no he hecho mucho teatro clásico. Me parece muy difícil. Hay algo en este texto que es como si fuera una carta de amor de autor (Conejero) a autor (Lope de Vega). Hay mucha grandeza en Conejero. Se atreve a escribir este texto. Es muy bonito.

-¿Qué frases de tu personaje destacarías?

Destacaría este párrafo: “¡Ojalá que ahora mis recuerdos sean también los vuestros porque si esto ha sido una confesión no ha sido sólo la mía, es la nuestra. Para que, cuando se escuche el primer grito, no volvamos la cabeza hacia otro lado. Para que cuando caiga la primera sangre, sepamos que también es la nuestra. Y para que nadie bendiga un crimen ni lo llame justo ni heroico!”.

Por mucho tiempo que pase, a veces hay frases que resuenan como si fueran de hoy, de los tiempos que vivimos en la actualidad. Desgraciadamente.

-¿Qué aporta la guitarra flamenca en el escenario?

Antonia Jiménez es una especialista en flamenco. Ella va a acompañarme con la guitarra en algunos momentos. Va a estar conmigo presente en el escenario todo el tiempo.

-¿Qué tipo de directora es Aitana Galán?

Trabajamos hace años en “Málaga”, con Roberto Enríquez. Es una directora muy observadora, te lleva al huerto porque tiene claro lo que quiere aunque también deja espacio. Al final ella te guía con una mano bastante sutil. Creo que me está cogiendo de la mano y vamos a hacer un salto al vacío juntas.

-Completa esta frase: “Ir al Teatro le aporta a la vida de las personas…”

Riqueza. Le alimenta el alma.

Y termina Ana Wagener: “A mí me gustaría poder llevar al público a los sitios donde quiero que llegue porque esta obra tiene partes muy emocionantes. Me rompí cuando la leí. Tiene cosas maravillosas. Tiene la emoción a flor de piel. Y les llevaré con el miedo y los nervios que eso supone porque es un espectáculo con mucha exigencia de actuación. Con mucha exigencia de atención.” Es una producción de la Compañía Nacional de Teatro Clásico.

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CHANI MARTÍN EN «FUENTEOVEJUNA»

A ESCENA REVISTA — Sat, 27 Sep 2025 17:34:29 +0000

La Compañía Nacional de Teatro Clásico inicia su nueva temporada con esta impactante versión de la obra de Lope de Vega escrita por María Folguera y dirigida por Rakel Camacho. En escena la supervivencia del uso de poder sobre el pueblo, sobre los débiles, la resiliencia humana de los oprimidos, la violencia de género contra las mujeres, la libertad, el amor como contraposición a la violencia… Temas tan Universales como actuales de los que habla (y también canta y baila) un gran elenco de actores.

CHANI MARTÍN da vida al tirano Comendador en esta función. Con él hablamos.

-¿Cómo ves a tu personaje?

Fernán Gómez de Guzmán es un tirano. Un militar que instiga y participa en la guerra que hay por el trono, entre Isabel la Católica y su hermana Juana. Escoge el bando de esta última y pierde esa guerra. Hablar de este contexto de guerra es muy importante en nuestro montaje porque, aunque esas batallas aparezcan como elipsis en la función, el eco de las bombas incide directamente en el ambiente de la puesta en escena de Rakel Camacho. El Comendador regresa al pueblo arrastrando toda la violencia de la batalla. Todo en él está teñido por esa violencia.

Hemos trabajado con la imagen de que el pueblo de Fuenteovejuna es como esos refugios donde la gente se pone a salvo de las bombas. En ese ecosistema particular transcurre la vida del pueblo y a ese ecosistema llega para interferir en él de forma perversa ese Comendador cacique, abusador, violento y rancio.

Entre las obligaciones del Comendador está la de proteger a los pobladores de su encomienda, sin embargo también tiene derecho de pernada, es decir, puede acostarse con sus vasallas. En un momento de la función Fernán Gómez señala este extremo preguntando de forma retórica a Laurencia y a Pascuala “¿mías no sois?”. A lo que Pascuala se atreve a responder “Sí, pero no para cosas tales”.

-En la presentación de la obra se dice que “Esta Fuenteovejuna quiere mirar al pasado para no olvidar. Para comprender nuestros orígenes.” Desgraciadamente es una obra muy actual…¿Sobre qué temas principales nos habla esta versión?

Los temas transversales son el amor y la violencia, contrapuestos y enfrentados. También la lucha de clases y el abuso de poder. El contexto en el que se desarrolla Fuenteovejuna es el de un cambio de paradigma político: los llamados Señoríos Medievales están dando paso a los Señoríos Modernos. En este contexto de cambio, las clases menos pudientes van adquiriendo ciertos derechos. Sin embargo, cuando el poder recae en personas corruptas y perversas, las leyes que protegen el orden y el bien común, son susceptibles de ser manipuladas, violadas y pervertidas por esos poderosos. También incide en la violencia ejercida contra las mujeres.

Hay en este montaje algo atávico que nos habla de lo cíclico de la historia del ser humano, de la repetición. Las expresiones de la violencia siempre han encontrado su coartada; aquellas lanzas que luego fueron espadas, después fusiles y hoy son drones, siempre han estado al servicio de lo mismo: poseer lo ajeno, destruir al diferente, manifestar la fuerza, coronarse como el más poderoso. Hablan de que se avecina una nueva guerra o de que quizás ya estemos inmersos en ella. Tal vez por eso, esta Fuenteovejuna resuena tanto.

-En contraposición, el amor en escena representado en…

La unión del pueblo. Los escarceos de los más jóvenes buscándose en los rincones de ese refugio, el hermoso punto de vista de Mengo disertando sobre el “amor propio” como principio de todo querer. Los rituales, los bailes, los cantes, la celebración.

Y en este montaje hay un personaje que se revela al amor romántico y que, en mi opinión, cobra una dimensión muy contemporánea: Laurencia. Aporta la vitalidad de una mujer independiente, terrenal y feminista, que la hace destacar entre las demás. Quizá por eso se convierte en la obsesión y el objeto de deseo del Comendador. Ella no se somete: lucha y persevera. Frondoso, a punta de ballesta, la rescata de las manos del tirano y esto desencadena la escalada de violencia que se produce posteriormente. La perversión del Comendador no solo pretende poseer ese cuerpo, también es un modo de acabar con la voz de la más rebelde…. Tras ser salvada por Frondoso, viendo que él ha arriesgado la vida por ella y sintiendo el aliento del Comendador en su cuello, Laurencia se resigna y accede a casarse con Frondoso.

Es mi lectura de lo que ocurre en la historia y creo que también es la de Rakel. Me gusta pensar que, en otras circunstancias, Laurencia sería esa chica que se va del pueblo a los 18 a conocer mundo.

-Esta versión de Rakel Camacho no elude el impacto sensorial ni emocional del espectador, con escenas que muestran la violencia sin ningún tipo de pudor, con humillaciones a los hombres y a las mujeres…

Es una opción muy valiente y tiene un fuerte impacto en el espectador. El dolor y la sangre cobran el carácter de símbolo en esta puesta en escena, aluden al instinto y generan catarsis. Este impacto no sólo incide en el espectador. Personalmente es la primera vez que trabajo tan cerca de mis límites físicos y morales. En algunos momentos del proceso de ensayos, me ha sorprendido mi propia imaginación cruel y sádica. Supongo que las sombras de cada uno encuentran en el escenario un lugar óptimo para manifestarse.

-¿Algunas de las frases de tu personaje que le definen sin duda son?

“Basta de melindres”, “Perro villano”, “Yo tomaré venganza del agravio y del estorbo, que no pudiera con él. Vive el cielo esto lo cobro” , “A una liebre que por pies, al momento se me va” , “Mujer hay y principal de alguno que está en la plaza que dió a la primera traza, traza de verme”.

-Rakel Camacho suele presentar una potente y llamativa plasticidad escénica en sus montajes. En esta ocasión en el escenario hay lanzas de madera, una res, el fondo de las cadenas que simbolizan la opresión…

No son símbolos explícitos. Rakel es una directora muy plástica, efectivamente, pero también muy libre y muy inteligente. Los objetos cobran el valor del símbolo en consonancia con la propuesta escénica y con el resto de elementos que configuran el espacio escénico diseñado por Mónica Borromello. Además de los símbolos que mencionas, la plataforma que ocupa el escenario es una gran cruz que será muy importante en el desarrollo de la Historia. Rakel es un ser hiperbólico, que busca los márgenes y el exceso, y los habita con gran precisión.

Por su parte, María Folguera, la adaptadora, comenta que “En un Mundo en el que el poder hace alarde de crueldad y se rompen alianzas tradicionales, he querido preservar la trama de los reyes y la guerra, reflejo de un mundo sumido en la urgencia; interrogarse por las reacciones del pueblo entre el servilismo, la ira y la euforia… “¿Qué añadirías?

Añadiría que la reacción del pueblo contra el comendador, por más que la trama lo justifique, es también una reacción violenta, que no hace sino incluir al pueblo en ese círculo sangriento. En un momento dado de la obra, Esteban que es el Alcalde, Juan Rojo y Barrildo, que son sus apoyos políticos, y Mengo, disertan sobre cuales son las opciones que tienen contra el tirano. Barrildo dice “Si mi voto de vos fuera escuchado / abandonar la villa doy por voto”, es decir, plantea que los villanos abandonen Fuente Ovejuna (como se hizo en Moscú siglos más tarde para combatir a Napoleón).

Entonces aparece Laurencia tras haber sido violada por el Comendador. El monólogo de Laurencia recriminando a los tres hombres y animando a la venganza, provoca que el pueblo se alce en armas y asalte la casa del Comendador hasta asesinarlo.

Yo me planteo que habría sido precioso seguir la recomendación de Barrildo y desertar, abandonar el pueblo. La satisfacción inmediata que produce la venganza sobre el tirano, convierte al pueblo de Fuente Ovejuna en una manada homicida.

-¿Por qué son importantes la música y la danza en esta obra? ¿Qué destacarías al respecto?

No sólo la música y la danza. Hemos hecho un trabajo ímprobo con Kike Inchausti para ajustar todo lo posible las escenas de acción y lucha escénica, tratando de hacerlas veraces sin que nos hiciéramos daño. Chelo García ha sido nuestra asesora de verso y nos ha cuidado y exigido mucho. Sara Cano se ha encargado de dotar a este pueblo de esa movilidad en la que los individuos se convierten en masa y la masa en individuo. También ha sido nuestra coreógrafa, entendiendo desde un lugar hermoso las propuestas de Raquel Molano, nuestra directora musical, Pablo Peña y Darío del Moral, que se han encargado del espacio sonoro. Raquel Molano ha rescatado y adaptado canciones de la tradición popular, dotándolas de una vitalidad enorme y convirtiéndolas en parte fundamental de la propuesta. No puedo dejar de mencionar a un elenco polifacético y dotado de enormes capacidades para Interpretar, cantar, tocar instrumentos tradicionales y bailar, con una disponibilidad y un amor únicos.

En el escenario están también Cristina Marín-Miró, Jorge Kent, Pedro Almagro, Mikel Arostegui Tolivar, Pascual Laborda, Nerea Moreno, Mariano Estudillo y Alberto Velasco, entre otros. Fotografías de Pablo Lorente. Teatro de la Comedia.

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