Es uno de los textos más arriesgados del poeta Federico García Lorca, considerado uno de los grandes clásicos de la vanguardia histórica del teatro español. El montaje forma parte del ciclo que, con motivo del Centenario de la Generación del 27, se está celebrando durante este año.
En la obra, García Lorca no hace ninguna concesión al espectador. El protagonista es el propio público, que se ve obligado a enfrentarse a sí mismo para hacerle dudar de esos lugares comunes y plácidos desde los que
observa el Teatro.
Por su parte, los personajes, desesperados, buscan un amor puro, sin límites y sin máscaras. El elenco está integrado por Juan Motilla, Lorena Ávila, Luis Alberto Domínguez, Santi Rivera, Raquel de Sola, Íñigo Núñez, Piermario Salerno, José María del Castillo  y Silvia Beaterio, bajo la dirección y la versión de Alfonso Zurro.

La compañía de Teatro Clásico de Sevilla, dirigida por Juan Motilla, cuenta con una dilatada trayectoria en el campo de las artes escénicas y ha recibido más de noventa galardones. Su objetivo principal es acercar el teatro clásico de calidad al público actual.
“El público” ha sido galardonado con seis Premios Lorca 2023, el Premio Max 2024 a la mejor labor de producción y un premio ADE 2024 por la dirección y la puesta en escena. Fotografía de Luis Castilla. Teatro Fernán Gómez CCV.

Una obra dirigida por José Luis Arellano García y Mabel del Pozo.

En escena un matrimonio, un hijo, un amante y una sombra son los personajes que nos guiarán por esta historia en la que la moral se plantea como un ropaje reversible en según qué circunstancias. 

Para José Luis Arellano, «desde LaJoven nos sumergirnos en la herencia de una artista excepcional. De esta manera, les invitamos a que descubran una obra que nos previene contra los peligros de dejar de luchar por lo que se desea; una obra llena de emoción, misterio, denuncia y sobre todo de amor por el teatro y por las mujeres que lo habitan. Mercedes Pinto desarrolló una obra profundamente comprometida con la libertad, la dignidad humana y la defensa de los derechos de las mujeres en una época en la que estas ideas suponían un auténtico desafío al orden social».

Teatro Fernán Gómez  CCV (Sala Jardiel Poncela).

Magüi Mira ha dirigido esta adaptación de la novela del escritor y político valenciano Vicente Blasco Ibáñez (escrita a finales del siglo XIX). Daniel Albaladejo, Antonio Hortelano, Patricia Ross, Jorge Mayor, Antonio Sansano, Claudia Taboada, Elena Alférez y Jaime Riba llevan a escena esta función que reflexiona sobre la necesidad imperiosa de crear espacios en la vida social en los que la convivencia sea pacífica y sostenible. Marta Torres ha escrito la dramaturgia de esta función que conecta con el público de hoy porque habla de una historia actual y atemporal.

“La barraca” narra el rechazo al que se ve sometida la familia de Batiste Borrull al instalarse en una barraca y unas tierras de la huerta valenciana que pertenecieron durante años a la familia del tío Barret. Los hortelanos de la zona le hacen imposible el asentamiento a estos “forasteros” y les impiden trabajar con violencia y crueldad.

-Has comentado que “la verdadera tragedia es que la historia que narra esta obra (escrita en 1898) sigue siendo muy actual. Seguimos solucionando nuestros problemas matando, no hablando”… ¿Qué añadirías al respecto?
Que nos falta avanzar en conocimiento. En esa lucha entre la razón y la violencia estamos lejos de que el pulso lo gane la razón. La honestidad es un riesgo. Y un riesgo necesario ser buena persona.

-Preséntales a nuestros lectores a Batiste Borrull… ¿Quién y cómo es?
Un hombre de paz. Un hombre sencillo con principios nobles. Un hombre que sabe y quiere integrarse en una comunidad. La respuesta que recibe es salvaje, cruel…Dice: “ahora sé por qué los hombres matan”… Es un hombre que sigue luchando por unos valores que hoy se nos están deshaciendo entre las manos.

-¿De qué tipo de violencias nos habla esta función?
Del hambre, que es en sí una violencia. De la insolidaridad que es una violencia contra el más débil. De la negación de la identidad y los derechos básicos, que es otra violencia. Y, finalmente, de la muerte violenta.

-También se dice en la presentación de la obra que nos habla de la subida injustificada de los alquileres, de desahucios, de acoso infantil… ¿De qué otros temas?
Por ejemplo, de la incultura como semilla de violencia, de hostilidad, de rechazo al diferente.

-¿Qué tipo de mujeres son los personajes que interpretan Patricia Ross, Claudia Taboada y Elena Alférez?
Patricia, Claudia y Elena son tres actrices diferentes, con un talento que les lleva a poder encarnar a las mujeres del relato de “La Barraca”. Tres actrices inmensas, capaces de crear la sumisión, el valor, la determinación, la sabiduría, y el deseo de esas mujeres que quieren llegar a ser seres humanos en su propio espacio, y avanzar en el conocimiento. No quieren armas, ni cuchillos ni escopetas, quieren respeto, quieren cariño y quieren una existencia en paz. 

-Es la primera vez que se adapta esta novela al Teatro…
Es la primera vez que Blasco Ibáñez y “la Barraca” son llevados a escena. Mirada a mirada. Respirando el mismo aire. Que la sangre, el alma de unos actores y actrices es vehículo de esta tragedia. Y, por supuesto, vehículo de una lucha por la justicia, por la consciencia, por la tolerancia, por la paz. “La barraca” es una historia de siempre. Nos habla de la eterna lucha entre la razón y la violencia de una comunidad enferma que tiene comportamientos salvajes. Nos habla de la identidad necesaria que nos da el arraigo a la tierra en la que nacemos. Blasco Ibáñez denunciaba en el siglo XIX la explotación y la injusticia social. Su visión realista y crítica daba voz a los más desfavorecidos. Dos siglos después, parece que mucho no hemos cambiado.

-¿El espectador tiene que ir al Teatro a disfrutar, a volar, a gozar?
Es un arte que la inteligencia artificial no puede sustituir. La comunicación directa entre ser humanos. Y en esa comunicación se goza, se transmiten emociones, la palabra vuela preñada de inteligencia. De ideas. De pasión.

En la parte artística, la escenografía ha sido diseñada por Curt Allen y Leticia Gañá. La música ha sido compuesta por Santi Martínez y el diseño de Iluminación es una creación de José Manuel Guerra. Es una producción de Pentación Espectáculos, Teatro de Malta y Olympia Metropolitana. Fotografías de Javier Naval. Desde el 21 de Mayo. Teatro Fernán Gómez CCV.

“La aventura de la palabra” es una producción del Teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa.

Para el dramaturgo Raúl Losánez, “Fernán Gómez basó su discurso de ingreso a la Real Academia sobre la ‘palabra’; así, en su más amplio y etéreo sentido. Sobre la palabra escrita y sobre la palabra hablada; sobre los variados usos que los seres humanos hemos hecho y hacemos de ella…”

Y, según nos comentó Nancho Novo, “La obra habla de la incertidumbre de la creación, de la agonía que el proceso creativo produce en el creador. Habla de los miedos, de los complejos y de las aspiraciones de un ser humano. Habla de la fuerza sustentada desde la fragilidad… Fernán Gómez fue tan versátil y prolífico que es difícil, imposible encasillarlo. Pero, para mí, la faceta que siempre quedará será su impronta de cómico, que me hacía reír…”
 Teatro Fernán Gómez CCV (Sala Jardiel Poncela).

Juan Carlos Pérez de la Fuente es el director de esta versión de Ignacio García May de una de las obras cumbre de la Literatura teatral que nos narra la magnífica historia de una familia aristócrata rusa de finales del siglo XIX. Fue escrita por Antón Chéjov en 1903. La protagonizan unos personajes enfrentados a un dilema vital en esta tragicomedia que, según su director, «está más vigente que nunca porque, en nuestro siglo XXI seguimos cargados de interrogantes sobre cómo va a ser nuestra existencia”. En el escenario, la incertidumbre del fin de una era y un gran elenco formado por trece actores en esta producción del Teatro Fernán Gómez CCV (en colaboración con Octubre Producciones). 

CARMEN CONESA

-Si tuvieras que presentarnos la historia que narra “El jardín de los cerezos” en esta versión de Ignacio García May, ¿qué nos dirías?

Que narra la historia de una familia aristócrata rusa en el momento en el que están sufriendo la ruina económica. No han sabido gestionar bien sus propiedades y su jardín de los cerezos. Se dan cuenta de que no pueden soportar los gastos de mantenimiento y se ven obligados a subastar las propiedades, perdiendo con ello su vida, su pasado y su manera de vivir. Es el fin de una era para ellos.

-Comenta Juan Carlos Pérez de la Fuente, su director, que “la obra no solo habla de la Rusia de finales del siglo XIX, sino de personas desorientadas y perplejas en medio de una encrucijada o un laberinto que les aturde, les noquea”. ¿Qué añadirías al respecto?

Añadiría que es un grupo de personas que no se opone al cambio pero que, simplemente, no puede aceptarlo.

-Liuba Andreyevna Ranevskaia (tu personaje) es una aristócrata rusa que regresa a su finca familiar después de vivir durante años en París…

Liuba es el corazón nostálgico y quebradizo de la obra. Es el centro afectivo del Universo de “El jardín”, como dice el autor. Representa a la vieja aristocracia rusa. Elegante, culta y encantadora, aunque es incapaz de adaptarse al mundo nuevo.

-Según Ignacio García May, esta familia opta por instalarse en la acedía, esperando que las cosas se solucionen solas. Pero, según tu opinión, ¿qué buscan los miembros de esta familia?

Creo que no buscan nada. Simplemente viven, están, soportan su presente terrorífico. Están destinados a una quiebra total pero quieren estar allí comprendiendo que todo su pasado está a punto de deshacerse en mil pedazos, en cenizas. La motivación por la que se quedan allí es porque no saben hacer otra cosa.

-¿Qué tres frases del texto de tu personaje destacarías?

-”Siento un escalofrío en el alma, en todo el cuerpo pero no puedo escapar. Tengo miedo de quedarme sola y en silencio.”

-”En vez de ver tantas obras de Teatro, deberían Ustedes verse más a sí mismos. ¡Qué vulgares son sus vidas!. ¡Cuántas tonterías dicen!.”

-”¡Usted contempla el futuro con temeridad pero no será que en realidad ni ve nada ni espera nada horrible porque la vida permanece escondida a sus ojos juveniles!”.

-¿Cuáles son los temas de los que nos habla “El jardín de los cerezos” que siguen de actualidad?

Habla de la evasión o de intentar no enfrentarse a un problema grave. Habla de vivir del pasado, de anclarse en los recuerdos. Habla de no afrontar el cambio y de no luchar por adaptarnos. Es un tema Universal, de total actualidad. Nadie quiere enfrentarse a la tragedia ni a los problemas en esta familia. Y esto sigue ocurriendo en muchos ámbitos de la vida actual.

El público no lo va a olvidar. Es una de las grandísimas obras de Teatro de todos los tiempos. Es de una gran dimensión humana, muy especial y les removerá todos sus sentimientos y emociones. Es un viaje inolvidable para el espectador.

-Sin duda puedes elegir los personajes que interpretas en el Teatro. ¿Qué tiene éste en concreto para no haberlo podido rechazar?

Es una gran oportunidad. Nunca había interpretado un personaje de una obra de Chéjov. Estaba en el elenco de “Cabaret” y lo he “aparcado” para poder ensayar e interpretar a la maravillosa Liuba. Es una heroína trágica porque es frágil, compasiva y amable. Pero también tiene una faceta cómica que no provoca adrede. Esa incapacidad para actuar produce una cierta comicidad tan sutil, tan bien escrita. Va de un extremo a otro. Desde la tragedia más cruel como es la pérdida de su hijo hasta la euforia más grande. Es precioso. Tengo mucha suerte de poder interpretarla.

MARKOS MARÍN

-¿Quién y cómo es Leonid Andreyevich Gaev?

Gaev es el hermano menor de Liuba, la dueña del Jardín de los cerezos. Los dos tienen una gran sensibilidad y son seres muy emocionales. Es también un hombre incapaz de hacer frente a las responsabilidades, está lleno de buenas intenciones y de grandes defectos.  

-Según Juan Carlos Pérez de la Fuente, su director, “en nuestro siglo XXI, cargados de interrogantes sobre cómo va a ser nuestra existencia, nos encontramos con El jardín de los cerezos más vigente que nunca”. ¿Qué añadirías?

Que Chéjov sigue siendo absolutamente actual. Todas sus obras lo son.

-Sabemos que los textos clásicos hablan de temas Universales pero, según tú, ¿Cuáles son los temas principales de los que habla esta obra y que siguen vigentes?

Del miedo al cambio y de los personajes incapaces de adaptarse a ese cambio.

-Háblanos un poco de los elementos escenográficos (si lo habéis visto ya) y del vestuario diseñado por Rosa García Andújar…

En este proceso de ensayos en el que estamos sólo he visto las maquetas y los figurines. Creo que los elementos escenográficos van a ser espectaculares.

-Una de tus escenas favoritas tiene lugar cuando…

Cuando Gaev es descubierto en un acto de cobardía y decide que puede y que va a hacerse cargo de los problemas por los que atraviesa su familia.

-¿Por qué recomendarías ir a ver esta obra de Chéjov?

Encontrarse con Chéjov, especialmente con el “Jardín de los Cerezos”, sabiendo además que no le quedaba mucho tiempo de vida cuando la escribió ya sería motivo más que suficiente para venir a ver la función. Pero si a esto le sumamos que no suele llevarse a escena muy a menudo, en mi opinión por el vértigo que provoca su enorme y compleja dificultad y su belleza, entonces se convierte en una función obligatoria. Pero, por si esto no bastara, el texto es de una dolorosa vigencia.

CHEMA LEÓN

-¿Cómo es tu personaje?

Ermolái Alekseyevich Lopajin es un campesino venido a más y convertido en mercader que propone salvar la propiedad de esta familia transformándola en otro tipo de edificio.  Es un personaje que convive con el dolor de su pasado y con la necesidad de ser aceptado. Resulta decisivo en la resolución de esta historia.

-¿Qué relación mantiene con Liuba?

Lopajin persigue la salvación a través de la búsqueda del amor y la aceptación de Liuba, la dueña del jardín de los cerezos. Pero la relación entre ambos llegará a un punto sin retorno.

-Las frases de tu personaje con las que te sientes identificado son…

“He comprado la finca donde mi padre y mi abuelo fueron esclavos; donde ni siquiera se les permitía entrar en la cocina”.

Estas dos frases resumen en gran medida la carga emocional y el dolor que tiene Lopajin en su interior.

-El tema central de la obra es el final de una era y la llegada de una especie de apocalipsis…

Sin duda, es un texto clásico e increíblemente vigente. Vivimos en un momento de la Historia en el que nos han vendido un “mundo ideal” y este mundo se cae a pedazos cada día más y ante nuestra mirada impotente.

-Y una de tus escenas favoritas tiene lugar cuando…

Cuando Lopajin finalmente adquiere “el jardín de los cerezos” para llevar a cabo su “propuesta”. Es un momento en el que el público que vaya a ver la función se quedará sin respiración y el tiempo se sostiene para siempre en lo que fue. Porque ya no hay vuelta atrás.

-¿Por qué no hay que perderse esta función e ir al Teatro Fernán Gómez?

Chéjov es el más grande entre los grandes de la Literatura dramática y “El jardín de los cerezos” es quizá su pieza más madura y celebrada. Fue escrita cuando ya estaba casi muriendo y rebosa verdad. Quizás lo que escribimos justo antes de nuestra muerte sea lo más importante que hayamos dicho en nuestra vida, y quizá así fue para él. Este texto es la sublimación del teatro naturalista y está lleno de simbolismo. Es un texto muy profundo y complejo para llevarlo a escena, con unos personajes y unas atmósferas casi inabarcables. Pero Juan Carlos Pérez de la Fuente la está dirigiendo a la altura de lo que se merece esta obra cumbre.

En el elenco están también Cristina Marcos (la institutriz Carlota Ivanovna), Helena Ezquerro (Anya, la hija de Liuba), Marta Poveda (Varya, la hija adoptiva de Liuba), Juanma Cifuentes (el terrateniente Boris Borísovich), Jesús Torres (el estudiante Piotr Sergueyevich), Manuel Maciá (el lacayo joven Yasha), Noelia Marló (la criada Dunyasha), Chema de Miguel (el lacayo Firs), José Gonçalo Pais (Semion Panteleyevich, empleado en la propiedad) y Borja Maestre (caminante/mendigo). Fotografías de Javier Naval. Teatro Fernán Gómez CCV.

-Descríbenos a Don, tu personaje.

Es un hombre solitario en un mundo individualista, capitalista, cruel. Pero Don se aferra al intento de convertir dicho mundo el algo un poco más habitable. Tiene un buen corazón, podrido, también es verdad, pero pelea, por ejemplo, porque Bob, un chaval del barrio, no caiga otra vez en la droga. Y cuida de su tienda. Y, de alguna manera, también cuida de su amigo Teach.

-La historia se centra en el mundo de Don, el propietario de una tienda de chatarra en Chicago, y en su intento de recuperar una moneda de cinco centavos con la imagen de un búfalo que vendió por mucho menos de su valor real…

A pesar de estar escrita en 1975 y de hablar de personajes con nombres americanos y que viven en Chicago, la maestría de Mamet consigue trascender espacio y tiempo, y nos hace sentir su historia en nuestra propia piel, en nuestro propio barrio.

-Según Ignasi Vidal, “Esta obra es el mayor exponente de la escritura de David Mamet. De cómo el sinsentido, el caos emocional de los personajes, sus problemas y sus ocurrencias se convierten en un circo de entretenimiento para el espectador”. ¿Estás de acuerdo con él?

Sí. Hacer esta función es una locura. Pasas, lo prometo, por todos los estados de ánimo habidos y por haber. No se puede pedir más. Si encima haces semejante viajazo acompañado de Israel Elejalde y Roberto Hoyo, y al ritmo sabio y endiablado que marca Ignasi Vidal, pues vamos allá. Soy afortunado. Sin duda.

-Esta función nos habla de avaricia, de ambición, de amistad, de sacrificio… ¿De qué otros temas?

Habla de la vida. De nuestra vida. De lo que somos, de lo que quisiéramos ser, de lo que dejamos de ser, de lo que se nos olvida ser…. Y así todo el rato. Por eso es teatro del bueno. 

-¿Qué tipo de humor hay en el escenario y dónde reside?

Ésta es la verdadera magia de esta obra y de su autor: que también consigue risas. Y muchas. Creo que el humor reside en interpretarla de verdad. No manipular, no intentar mandar mensajes desde el escenario. Que el espectador viva la peripecia en su totalidad.

-Preséntanos a Teach y a Bob, los otros dos personajes de la función que interpretan Israel Elejalde y Roberto Hoyo…

Teach es, probablemente, el mejor amigo de Don. Agotador, insoportable, oscuro, tergiversador y envidioso pero Don no podría pasar un solo día sin él. Bob es el hilo que une a Don a la posibilidad de salvarse, de que las cosas tengan sentido. Es como un hijo.

-“American Buffalo” ha recibido numerosos premios en sus representaciones en Broadway.  Y ha sido definida como “Una tragicomedia llena de verdad, muy emocionante, de tres hombres que viven al margen de la sociedad pero que quieren apuntarse al sueño americano”. ¿Qué añadirías?

Que es una definición muy certera, pero que me quedo con la de que «es una función de teatro como la copa de un pino”. Y me atrevo a decir que los aficionados al Teatro tienen una buena oportunidad para disfrutar de dicha afición.

-¿Cuáles son algunas de tus escenas favoritas? Tienen lugar, ¿cuándo?…

La primera escena es grandiosa. Y cualquiera de los parrafazos de Teach me fascinan.

-¿Cómo es Ignasi Vidal como director? ¿En qué se está centrando con vosotros y con esta adaptación?

Ignasi es un teatrero. Conoce su maquinaria a la perfección. Esto hace que sepa dirigir poniéndose a tu lado, acompañándote. Y eso es vital para poder crecer, para poder alcanzar lo que hay que hacer para que la historia llegue a quien tiene que llegar: el público. 

-Nora Helmer es una mujer que necesita recuperar el tiempo utilizado en cuidar de su marido enfermo (Osvaldo Helmer) y de sus hijos para cuidar de sí misma, estudiando y trabajando… Un día decide decir “¡Basta!”… ¿Qué añadirías?

Nora es una súper heroína como todas las mujeres, que tiene un aprendizaje durante la obra necesario y valiente para seguir desarrollándose y ser consciente de su superpoder. Es una mujer valiente y generosa. La acción y la decisión de irse hacen que Nora pueda tener y ofrecer a los suyos más oportunidades.

La obra se centra en la historia de Nora Helmer, una esposa y madre que aparentemente lleva una vida feliz y tranquila con su marido, Torvald Helmer. Sin embargo, a medida que avanza la trama, se revela que Nora ha mantenido un secreto: años atrás falsificó la firma de su padre para obtener un préstamo que salvó la vida de su marido. Este acto, aunque bienintencionado, la pone en una situación vulnerable, ya que en la sociedad de la época, las mujeres no tenían derechos legales independientes. El conflicto de la obra surge cuando Torvald descubre el secreto de Nora y, en lugar de apoyarla, la condena. Esta reacción es un catalizador para Nora, quien empieza a cuestionar su papel en la familia y en la sociedad. 

-Sabemos que es difícil elegir pero, ¿Tus dos escenas favoritas de la función son…?

La primera escena con Cristina Linde y la última escena.

-Eduardo Galán comenta en la presentación de esta obra que “Hemos imaginado cómo serían la vida y las inquietudes de Nora en 2025, qué le llevaría a abandonar a su familia porque todavía mantenemos roles y estereotipos que impiden el desarrollo profesional y personal de la mujer en igualdad de condiciones que el hombre..”, ¿Qué añadirías?

En este caso en esta” Casa de muñecas” es una elección de Nora y salir de “Casa de muñecas” también es una elección de Nora.

Las inquietudes de la Nora del 2025 son tomar decisiones y acciones.

-Comenta Lautaro Perotti, su director, que “Esta obra nos permite ahondar en nuestros prejuicios y miserias, en la hipocresía y las injusticias, en los mandatos sociales, en las crueldades y limitaciones con las que convivimos y nos condicionan en nuestras vidas…”, ¿estás de acuerdo?

Totalmente. No añadiría nada más.

-¿Sobre qué otros temas nos habla esta función?

Sobre la amistad y sobre la importancia del desarrollo de la identidad.

-Este texto es uno de los más representados en la Historia del Teatro… ¿Por qué crees que es distinta esta versión en concreto?

Creo que es distinta porque la dirección de Lautaro es una mirada contemporánea de una obra clásica.

-¿Cuáles son los principales motivos por los que aceptaste interpretar este personaje tan emblemático y simbólico para los movimientos feministas?

Poder enfrentarme a un personaje clásico y trabajar con Lautaro Perotti, con el elenco de compañeros y con Eduardo Galán.

-¿Es una gran responsabilidad o no subirse a un escenario cuando eres una actriz muy popular?

Siempre es una responsabilidad subirse a un escenario, requiere un contacto directo con el público y un viaje íntimo que solo se puede vivir en el Teatro.

En escena también están los actores Santi Marín, Patxy Freytez, Alejandro Bruni y Pepa Gracia.

Es una producción de Secuencia 3, Pentación, Saga Producciones, Magasaz, Idetra, Hawork Studio y Timbre 4.