La compañía Zoe Theatre, bajo la dirección de la reconocida directora y dramaturga Triana Lorite, ha producido y llevado a escena un sorprendente Tenorio convertido en un cuento, con una estética muy cuidada que dialoga con el realismo mágico y en el que es muy importante la música que lo ambienta.

El recinto amurallado del Palacio Arzobispal será de nuevo testigo de las andanzas del seductor y burlador de mujeres más famoso de nuestra literatura, Don Juan Tenorio.

Rubén de Eguía, Paula Iwasaki, Antonio Ponce, Abril Zamora, Antonio Albella, Andrés Requejo, Rafa Sánchez, Críspulo Cabezas, Belén Orihuela, Elvira Cuadrupani, Huichi Chiu, Javier Del Arco, David Bueno e Irene Hernández son los protagonistas de este 40 Aniversario del Don Juan en Alcalá.

Los papeles protagonistas estarán interpretados por el actor Rubén de Eguía como Don Juan y la actriz Paula Iwasaki, que se meterá en la piel de Doña Inés.

Hablamos con Diana Palazón y Dafne Fernández que protagonizan esta comedia  dirigida por Paco Mir que invita al espectador a preguntarse “¿Qué habría pasado si hubiera tomado otras decisiones en mi vida?”, ¿Qué sucedería si hubiera dicho «sí» en lugar de «no»? ¿Y si hubiera elegido otro camino? o ¿Hay dimensiones paralelas en la vida?.

Una comedia provocadora e inteligente en la que sus protagonistas viven de forma onírica en un espacio irreal. 

DAFNE FERNÁNDEZ

-Preséntanos a Luz, tu personaje
Es una arquitecta que lleva una vida estable y cómoda con su marido. Ella es totalmente terrenal pero al pasarle algo sobrenatural empieza incluso a dudar de ella.
-¿Con qué adjetivos describirías esta comedia?
Sorprendente, divertida, inusual.

-Dicen que esta obra invita al espectador a preguntarse qué habría pasado si hubiera tomado otras decisiones en su vida. ¿A qué más le invita?
Invita a pensar que la comodidad a veces no es lo que nos hace felices y que  podemos ser los dueños de nuestro propio universo. Como que a veces si se camina lo suficiente es cuando llegamos al sitio que queremos, pero eso nos obliga a alejarnos de lo cómodo.
-Dos vidas aparentemente ajenas terminan cruzándose en un universodonde las reglas dejan de tener sentido… ¿Cómo les explicarías a nuestros lectores lo que ocurre en escena?
Dos parejas que viven en el mismo apartamento pero en diferentes dimensiones y que por caprichos del destino terminan coincidiendo en el mismo espacio y tiempo. Y que esa persona con la que coincides de vez en cuando, te entiende más que tu propia pareja.
– Se comenta en la presentación de esta obra que Gabriel y Luz aparecen en un piso que parece pertenecer a ambos: la cocina es de él, el baño es de ella y ninguna explicación parece lógica.
En ese espacio imposible comienzan una serie de encuentros tan desconcertantes como fascinantes que los obligarán a cuestionarse todo aquello que creían saber sobre sus vidas. ¿Qué añadirías?
Añadiría que ellos aprovechan estas sorprendentes circunstancias para poner sobre la mesa su propia vida porque ¿hay que conformarse?.
¿O hay que arriesgarse?
-Según su director, Paco Mir, “Locuras paralelas es una inteligente reflexión sobre el destino, las oportunidades perdidas y la posibilidad de que existan otros caminos para cada uno de nosotros”
Está claro que lo sobrenatural de esta obra es una excusa para hablar de las relaciones personales y de mirar para dentro de uno mismo.

-¿Qué frases de tu estacarías? ¿Con cuáles te sientes identificada?
“Si esto es una locura, no encuentro mejor sitio donde estar”. “No estoy loca. Guillermo, de verdad que no lo estoy, lo veo y lo siento!”.

-¿Cómo es trabajar bajo las órdenes de Paco Mir? ¿Qué destacarías de él como Director?
Paco Mir es una leyenda de nuestro país, ha estado más tiempo encima de un escenario casi que los años que tengo y es un ser maravilloso, además. Es un tío muy exigente que sabe lo que quiere y que tiene una visión de la escena como nadie. Ha hecho de esta historia algo bello, ingenioso y muy divertido.

DIANA PALAZÓN

-Descríbenos a Leticia…
Es una mujer entusiasta, con sentido del humor, que está tranquila en su pareja, aunque no siempre lo estuvo. Una mujer ambiciosa a la que le cuesta
escuchar realmente al otro. Ella siempre tiene una respuesta y una suposición preparada en un intento absurdo de controlar la vida.
– ¿Qué tipo de comedia es esta función?
Inesperada, original, divertida y confusa (sobre todo para mi personaje). Las estructuras del espacio tiempo se desmoronan. La estructura de la casa, que además han construido ellos, la estructura mental, que tiene unos parámetros concretos y que empiezan a diluirse, la estructura de sus relaciones. Todo empieza a desmoronarse, y no solo a eso, a filtrarse de una posibilidad a otra.

– ¿A qué le invita al espectador la historia de esta función?
Yo creo que invita a pasar un buen rato, con una historia que no te esperas y con situaciones que no te dejan indiferente. También te invita a fantasear por un momento cómo habría sido para ti esa otra vida. Y, sobre todo, invita a todo esto desde el humor.
– ¿Qué frases de tu personaje destacarías? ¿Con cuáles te sientes identificada?
Yo siempre digo que hay una palabra que ella dice en la función que la define totalmente, y es: “¡Tachán!”. Es una mujer que entra en casa y dice ¡Tachán!. Me encanta eso de ella. Es divertido hacer este personaje porque no me siento identificada con nada de su discurso, de su forma de pensar, de hacer las cosas o de enfrentar las situaciones. Somos opuestas. Y es muy rico habitar ese otro lugar tan diferente.

– ¿Cómo ha sido tu experiencia de trabajar por primera vez con Paco Mir?
Me dió mucha alegría trabajar con él porque en mi casa hemos sido muy fans de Tricicle. Hemos crecido con ellos. Y con Paco fue muy fácil. Él tiene visión, evidentemente, para ver las situaciones cómicas. Pero también es generoso. Estaba muy abierto a las propuestas que le traíamos. Siempre lo probábamos todo en los ensayos y él decidía si eso sumaba o no a cómo contar la historia. Nos ha dado mucho margen.
– Según su director, “Locuras paralelas” es una inteligente reflexión sobre el destino, las oportunidades perdidas y la posibilidad de que existan otros caminos para cada unode nosotros…”
Sí, a todos nos ha pasado, que nos hemos preguntado “y si no hubiera elegido esto en mi vida, ¿Qué habría pasado, cómo sería ahora mi vida, quién sería yo misma?”. Al fin y al cabo siempre que eliges algo renuncias a otra cosa. La vida está llena de caminos y encrucijadas en las que no hay muchos carteles informativos y tienes que elegir igualmente.
Creo que “Locuras Paralelas” pone encima del escenario la posibilidad de realizar un salto cuántico y cruzar a esa otra elección que no hiciste.

Sergio Mur y Fernando Andina también están en escena en esta producción de la veterana compañía Secuencia3 que se representa en el Gran Teatro Pavón.

En palabras de la compañía, “siempre incisivo, satírico, política y socialmente implicado, Fo desnudó desde los escenarios las hipocresías del poder y la corrupción institucional. En estos tiempos procelosos, recurrimos a sus enseñanzas y, como él, a la tradición mímica, al teatro popular, a la Commedia dell’Arte y la bufonada para contar la actualidad y convertir el escenario en un espacio de resistencia. Prometeo, bufón y mártir es un texto innovador, porque lo más novedoso, como en el Renacimiento, siempre ha sido volver a los clásicos sin complejos y con sincerida.»

Alberto Castrillo-Ferrer realiza un ejercicio de maestría, interpretando más de 30 personajes sobre la escena, creando mundos, mimando, jugando con los diferentes planos de la narración, interactuando con el público en las diferentes épocas, lugares y emociones.

El narrador de esta bufonada, de este cuento cómico inspirado en los narradores latinos no es otro que Dioniso, el dios del teatro… ¡y de la embriaguez!

No es casualidad que el arte de contar cuentos y el vértigo del éxtasis estén representados por el mismo dios, un borracho que cambia de forma, hilarante y simpático (en el sentido griego del término: simpathos, capaz de compartir pathos, emoción).

Sobre una tarima redonda, el actor-mimo está solo en escena y armado únicamente con su propio cuerpo, su propia voz y la imaginación del público, dará vida a una epopeya tragicómica, paseo por los caminos del Mito que galopa de Esquilo a Hesíodo, pasando por Platón

Según el actor, «La historia es la de la humanidad, es el origen de todas nuestras historias. La mitología y todas sus adaptaciones poéticas y teatrales ya lanzaron al mundo las grandes preguntas, las que invitan a la reflexión y a la conciencia de ser humano. El texto de Marco Zoppello permite contar el mito como lo haría un histrión de la Antigüedad, con humor y crudeza. Toda nuestra educación espiritual mediterránea está condensada en esta fábula imprescindible. El teatro es, ha sido y será el espejo de la realidad. Lugar de reflexión, de encuentro de valores, de pensamiento y discusión sana y satírica. Siempre acudimos a los clásicos para que nos expliquen nuestro tiempo”. Noviembre en Teatro Tribueñe.

Según su autora y directora, “Esta obra aspira a representar todos aquellos espacios entre lo viejo y lo nuevo donde se produce una mudanza de sentido y en donde los cuerpos desfigurados de los protagonistas se adentran en la incertidumbre, el desgarro, el patetismo y la improductividad del duelo. Esta comedia trágica es una oda a quienes retan la inercia y arriesgan su porvenir; una carta de amor a los amores desaparecidos y a quienes plantan flores sobre sus propias cenizas. Hay algo en la pérdida que me resulta profundamente fascinante. No el final en sí, sino ese tiempo raro que se abre cuando algo ya está fallando y, sin embargo, todavía insiste.
Ese instante en el que lo que fue sigue teniendo forma, aunque ya no pueda sostenerse.

“Al final de las cosas” nace del deseo de permanecer en ese umbral sin apresurarse a cruzarlo. De observar aquello que se transforma y honrar a las versiones de nosotros mismos que no sobrevivieron al temblor…” Teatro María Guerrero. Sala de la Princesa.

El hilo conductor es un cuadro conocido como el “Gernika gallego”, por ser un testimonio contemporáneo de la matanza ejecutada por los autores del golpe de 1936 en Galicia.
Según Xron, “El detonante para iniciar este proyecto es el acto que organiza el gobierno gallego, presidido por Núñez Feijoó, para recibir ese cuadro cuando llega a Galicia por primera vez en 2018. Al ver la fotografía de las autoridades rodeando el cuadro, tendido sobre una mesa, enseguida advertimos el parecido de la escena con el famoso cuadro de Rembrandt que retrata una disección anatómica en público: La lección de anatomía del Dr. Tulp. Y entendimos aquel acto de recepción como una especie de lección de anatomía de la memoria, y el lugar en el que fue presentado, la Ciudad de la Cultura, como uno de esos teatros anatómicos en los que tenían lugar las disecciones en el Ámsterdam del siglo XVII. Lo interesante es que en esta nueva lección el maestro es el presidente de gobierno, pues es quien toma la palabra para presentar el cuadro como un homenaje a la educación. El acto se transforma así en una toma de posesión de la palabra, que evidencia la intención de crear realidades alternativas a los hechos históricos. Porque la verdad es que el cuadro se hizo por encargo en 1945 para un acto en memoria de la persona retratada, Alexandre Bóveda.

En el escenario una mujer entra en escena. Dice que sufrió un ictus que le afectó a la memoria y no puede completar sus recuerdos. Que tuvo el ictus en la Ciudad de la Cultura de Santiago de Compostela en octubre de 2018, durante un acto que el gobierno gallego organizó para recibir un cuadro titulado “A derradeira leición do mestre”. Dice que, desde ese momento, su memoria es un caos. Que no sabe por qué estaba allí ni por qué le interesaba un cuadro que no recuerda haber visto antes. Por eso necesita reconstruir cada detalle de aquel acto. Lo necesita para rellenar los huecos de su memoria y para no olvidar quién es…
“Hemos explorado las posibilidades narrativas de la audiodescripción, integrándola en escena a través de una voz narradora que cuenta, toca, huele, describe, acompaña y conduce. Una forma de reconocer y familiarizarse con otras maneras de percibir y contar lo real, aunque no sean las nuestras. El resultado es un viaje escénico que nos invita a entender cómo se construyen (y cómo se disputan) las narrativas de la memoria.”, termina Xron.
Es una Producción del Centro Dramático Nacional   Chévere, con el apoyo de Agadic-Xunta de Galicia. Teatro Valle-Inclán (Sala Francisco Nieva).

Jorge Volpi, director del Centro de Cultura Contemporánea Condeduque, plantea la temporada 26/27 bajo el lema  ¿Aún podemos amar?”. Una pregunta que pone la mirada en la soledad, el poder, la identidad y nuestra forma de relacionarnos. Volpi reúne a artistas y creadores muy diferentes para acercarse al amor desde múltiples lenguajes, sin buscar una respuesta única. El resultado es una temporada que invita a mirar nuestras formas de relacionarnos y, sobre todo, a seguir haciéndonos preguntas.

-Hablemos sobre el lema “¿Aún podemos amar?”. Es una pregunta aparentemente íntima que habéis convertido en el eje de toda una temporada. ¿El amor es para ti una herramienta para mirar y entender el mundo contemporáneo?
El amor siempre ha sido el lugar donde se juega lo más íntimo y lo más político, pero en esta época esa tensión se ha vuelto casi insoportable. Vivimos en sociedades donde se intensifica el odio y donde los algoritmos explotan nuestros patrones afectivos.

– La programación pone en diálogo las artes escénicas con la música, las artes visuales, la literatura, el pensamiento, la ciencia y las nuevas tecnologías. Esa mezcla de disciplinas es una de las señas de identidad de Contemporánea Condeduque. ¿Qué puede aportar ese cruce de lenguajes?
Nos gusta la idea de que el público entrevea el diálogo posible entre Rosi Braidotti y Jan Martens, o conectar la investigación científica sobre el amor con el movimiento de La Veronal o la teatralidad de Rodrigo García. La pregunta de si aún podemos amar no tiene una sola respuesta, ni científica ni artística. En vez de ello, optamos por un sinfín de reflexiones parciales y
complementarias.

– En la presentación hablabas del amor como un “campo de fuerzas en el que se juegan la identidad y la libertad”, pero también como una posible herramienta de poder, capaz de domesticarnos y controlarnos. ¿Qué te interesa especialmente de esa contradicción?
Las dos cosas son verdad, como decía Octavio Paz en “La llama doble”. El amor es lo que más nos abre hacia el otro y, sin embargo, cada sociedad ha prescrito sus formas de amar, criminalizando otras.

-¿Existe para ti una determinada idea de escena contemporánea que atraviese toda la programación?
Lo que une a artistas tan distintos como Castellucci, Daria Deflorian o Israel Galván es que ninguno confía en que el lenguaje pueda decirlo todo. Las propuestas que más nos interesan son las que desconfían de sus propias certezas.

-En la apuesta de la programación de artes escénicas cuentas con artistas como Rodrigo García, Andrea Jiménez, Jan Martens, Romeo Castellucci, La Veronal, Clara Furey, Milo Rau, Israel Galván, Mohamed El Khatib, Daria Deflorian… ¿Qué buscabas al reunir miradas y lenguajes tan diferentes alrededor de una misma pregunta?
Quería que la pregunta llegara desde sitios muy distintos y que nadie la respondiera igual. Rodrigo García lleva décadas desmontando las ficciones del amor burgués; Andrea Jiménez retoma Antígona, la historia de alguien que va más allá de la la ley; Milo Rau transforma lo antiguo en una investigación sobre lo contemporáneo; Mohamed El Khatib hace teatro a partir de afectos reales, así que su colaboración con Israel Galván transformará todo ello en cuerpo; Jan Martens convierte el movimiento mínimo y obsesivo en reflejo de nuestra inquietud. Lenguajes radicalmente distintos se abren al mismo misterio.

– También habéis diseñado una programación musical muy diversa, desde el flamenco de Chano Domínguez, Niño Josele o La Tremendita hasta propuestas de jazz y músicas contemporáneas. Incluso hay un recorrido por las canciones de amor y desamor. ¿Qué buscabas en esta parte de la programación, cuál ha sido tu hilo argumental en esta propuesta?
Queríamos un largo recorrido. Por eso hemos programado desde “el duende del Amor Brujo” hasta “los Fragmentos de un cancionero amoroso” con la que se cierra la temporada, con la música popular como una especie de biblioteca sentimental.

-Condeduque es un centro municipal, con una programación que tiene una clara vocación internacional, además de establecer colaboraciones con festivales y proyectos de Madrid. ¿Cómo entiendes la responsabilidad de un espacio cultural público?
Madrid es una ciudad abierta al mundo y pendiente de la tradición. Nuestra responsabilidad es permitir que el público que vive o visita la ciudad se dé cuenta de que Contemporánea Condeduque es un lugar donde la ciudad se piensa a sí misma.

-En tu trayectoria como escritor has hablado sobre la manera en la que los seres humanos construimos nuestra realidad y esto se ve reflejado en el ADN de la programación. ¿Hasta qué punto esta temporada es también una reflexión sobre los relatos que construimos alrededor del amor?

Tenemos una idea del amor romántico construida por siglos de novelas y canciones, y esa idea configura lo que nos parece tolerable en una relación. El teatro tiene la ventaja sobre la literatura de que ocurre en el presente, con cuerpos reales delante de otros cuerpos reales. Tendremos, así, un sinfín de ficciones sobre la gran ficción que es el amor.

-En las exposiciones y en el programa de literatura y pensamiento aparecen artistas y autores como Piedad Bonnett, Siri Hustvedt, Rita Segato, Rosi Braidotti o Juan Cárdenas, junto a proyectos como Desdobles artísticos, hablas amorosas o Descender. ¿Cómo has querido que dialoguen la creación artística y la reflexión intelectual?
La exposición de Juan López hace visible lo que el lenguaje apenas puede nombrar. El pensamiento y la literatura ven los afectos desde otros lados: Bonnett dio voz a las sutilezas del amor y la pérdida; Hustvedt hablará de la vulnerabilidad; Segato, de la violencia que atraviesa cualquier vínculo; Braidotti de formas de intimidad lejos de los viejos modelos.

-¿Qué otras propuestas ofrece la programación de esta temporada y que no debemos dejar pasar por alto?
Por ejemplo la de “Escucha Jonda”, con El Niño de Elche y Sarah Ardite que es una conversación sobre el poder del oído que va a ser difícil de clasificar. La de Kate Zambreno y Jon Vincler, una pareja que hablará sobre el amor en el arte en una especie de terapia de pareja en público al mismo tiempo. Y en unos meses informaremos de la programación de dos de los festivales que el año pasado tuvieron ya mucho éxito: Cúbit. Arte + Ciencia y Soundset. 

Una propuesta que combina fragmentos del texto original con nuevas escenas creadas a partir del paso del tiempo y de las propias vivencias de sus intérpretes. Dentro del Ciclo Hispanidad de este Teatro.

«Navegar por el Neva» parte así de una pregunta esencial: ¿qué ocurre cuando los actores que dieron vida a una obra vuelven a encontrarse con ella muchos años después? El escenario se convierte en un espacio de reencuentro entre pasado y presente, donde la ficción teatral convive con la historia personal de sus protagonistas y con la amistad que los ha unido durante todos estos años.

Más que una recuperación de Neva, el montaje plantea una nueva mirada sobre aquella obra y sobre quienes la interpretaron. El paso del tiempo se incorpora a la propia dramaturgia y permite que los tres actores originales se encuentren de nuevo con unos personajes que forman parte de su trayectoria, pero también con las personas que son hoy.

El espectáculo a su vez está dirigido por los actores ya mencionados Trinidad González, Paula Zúñiga, Jorge Becker y Tomás González, y cuenta con dramaturgia a partir de los textos de Neva, de Guillermo Calderón, y una adaptación realizada por el propio elenco. Tomás González es un invitado especial y firma además la composición musical, mientras que el diseño integral corre a cargo de los cuatro intérpretes. Del 13 al 18 de octubre. Teatros del Canal (Sala Negra).

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Recuperamos las entrevistas que les hicimos cuando estrenaron esta función.

LOLA HERRERA

-¿Qué tipo de mujer es la escultora sudafricana Miss Helen, la  protagonista de la obra?, ¿Cómo la describirías? ¿Qué sueño persigue o cuál es el motor de su vida?

Con rasgos de libertad. Es una mujer que quiere hacer lo que ella quiere, lo que sueña, lo que le gusta… Ella ha estado muy reprimida en un matrimonio. Cuando se libera de todo eso porque se queda viuda es una mujer que quiere, al precio que sea, hacer lo que más le gratifica.

-¿Por qué no podías rechazar interpretar este personaje?, ¿Cuáles son  los principales motivos por los que aceptaste llevarlo a escena?

Sobre todo porque es una mujer mayor, que se supone que no tiene derecho a muchas cosas. Primero, por ser mujer y luego ten en cuenta que esto se desarrolla en los años sesenta/setenta en Sudáfrica. No tiene derecho prácticamente a nada. Pero ella exige sus derechos, lucha por ellos, como mujer y como artista y creadora. Me parece que es muy gratificante para cualquier actriz hacer personajes de este tipo, porque la sociedad está totalmente cerrada a los mayores. Es como si fuese un pecado ser mayor, una cosa vergonzosa o algo que hay que desechar. Me parece que es un cántico a la gente mayor.

-Se ha comentado sobre “Camino a la Meca” que es “una reflexión  profunda sobre el aislamiento, la lucha interna, la libertad individual y el conflicto entre conformarse con lo que manda la sociedad o seguir los propios sueños o deseos”. ¿Estás de acuerdo?

Sí. Creo que uno tiene que intentar perseguir los sueños. Hace falta tener mucho valor, encontrarte con muchos obstáculos y posiblemente no conseguirlo pero no hay que dejar de intentarlo.

-¿Sobre qué otros temas trata esta función?

Sobre todo y, principalmente, de la libertad. También de la comunicación entre las personas, de la amistad, de cómo puedes relacionarte e intercambiar con otros seres humanos cosas importantes y de las relaciones. Por ejemplo Helen y Elsa están muy unidas. Aunque exista una diferencia de edad, de vidas y, aunque son muy diferentes, están muy unidas. A veces parece que hay que estar todo el día juntos o relacionarse muy de cerca y no hace falta. La comunicación entre personas va mucho más allá que hablar todos los días.

-¿Qué supone para ti volver a compartir escenario y gira con tu hija Natalia Dicenta?

Estamos las dos muy contentas e ilusionadas con este proyecto. Hacía veinte años que no trabajábamos juntas, desde que hicimos “Solas”. No podemos estar más contentas al haber encontrado esta función tan maravillosa, con personajes interesantes…Y dirigidas, además, por alguien tan extraordinario como Claudio Tolcachir.

NATALIA DICENTA Y CARLOS OLALLA

-¿Quién y cómo es tu personaje?

NATALIA DICENTA: Es Elsa Barlow, profesora de inglés en Ciudad del Cabo y la gran amiga y confidente de Helen Martins. Elsa es una mujer auténtica, fuerte, comprometida, empática… La idea del compromiso es muy importante en ella, incluso en su trabajo se ven reflejados los problemas que tiene por defender la igualdad y la justicia. Tiene un altísimo y agudo sentido de la Justicia. Si tenemos en cuenta que esta historia se desarrolla en la Sudáfrica del apartheid, Elsa lucha contra eso y por la igualdad de derechos. Precisamente por esa lucha se ve metida en muchos problemas, pero no le importa, no se arredra, ella sigue adelante porque es una mujer fuerte. También es frágil. Cuando aparece en escena lleva muchos problemas encima pero no se rinde, sigue luchando. La admiro profundamente, creo que estoy aprendiendo mucho de Elsa porque yo, como cualquier persona, a veces en la vida tenemos problemas y nos ahogamos en un vaso de agua y no sabemos cómo salir. Y Elsa me enseña la lucha, el compromiso, la verdad, la autenticidad del ser humano. Me conecta con valores e ideales muy profundos y muy importantes.

CARLOS OLALLA: El pastor Marius es una persona que se sabe como guía espiritual de la comunidad en la que vive. Es una comunidad muy tradicional y conservadora, de la iglesia reformista neerlandesa. Es un factotum en el pueblo. Tiene una relación muy próxima con todos los vecinos pero en la época del Apartheid en Sudáfrica, por lo tanto es muy cerrado en cuanto a sus planteamientos ideológicos. Su relación con los vecinos es la de autoridad, le gusta controlarlo todo.

–¿Qué tipo de relación mantiene con la escultora sudafricana Miss Helen, la protagonista de la obra?

NATALIA: Elsa en un desafío para Helen. Es curioso como se complementan. Elsa necesita la fortaleza de Helen y Helen necesita la fortaleza de Elsa. Ambas son frágiles y están en un cruce de caminos, en un punto de inflexión en sus vidas muy importante y, sin embargo, el hecho de estar juntas significa una ayuda, un estímulo y un desafío.  Es una relación de una profunda amistad y complicidad y de buscar la una en la otra la autenticidad, la fortaleza, el compromiso y el sentido de libertad en la vida. La verdad es que es una relación hermosa, muy enriquecedora y nutritiva.

CARLOS: Está preocupado por la evolución de Helen porque, desde que murió su marido, ha dejado de ir a la iglesia, y hace unas esculturas que para él son muy extrañas y no entiende qué está pasando ahí. Las respeta porque no ve opción a prohibirlas pero busca formas de controlarla, aunque es imposible por el carácter independiente y libre que tiene Helen. Es una oveja descarriada con la que mantiene contacto continuamente intentando llevarla al redil pero, habiéndose resistido durante 15 años, la cosa está complicada.

-¿Esta función se centra en la búsqueda de la libertad?

NATALIA: Fundamentalmente, creo que es la reivindicación de la libertad de elección en la vida. Nuestros cuerpos, mentes y corazones nos dictan el camino y hemos de ser libres para poder elegir. No queremos la presión de la sociedad convencional que nos diga cómo supuestamente debemos hacer o ser. Se lucha en esta obra por la libertad de elección, al principio de la vida, durante la vida e incluso elegir cómo quieres que sea el final de tu vida. Y eso es algo muy importante. Y habría que incluir la libertad de expresión, la lealtad, y, una vez más, surge el compromiso. La lucha por la libertad, la defensa de la justicia, la defensa de la libertad en el arte…Yo creo que esto último es fundamental, la defensa de esto a pesar de la incomprensión de quien esté alrededor. Tenemos derecho a tener deseos, a tener sueños y a ponerlos en práctica siempre que podamos.

CARLOS: También habla de la soledad impuesta, de la soledad voluntaria y de la soledad creativa. Creo que es importante diferenciar entre estos tipos de soledad, y también qué hacemos con nuestra soledad. Hay gente que tiene miedo y se deja dominar por el miedo a la soledad y también hay personas que la adoran, como es el caso de Helen. Ella se siente aislada pero porque la comunidad en la que vive no la entiende, pero aún así no renuncia a ella, no quiere claudicar, prefiere estar sola creando que renunciar a ella misma.

Y de la sororidad, de la relación entre esos dos personajes, Elsa y Helen, que se ayudan, se admiran y se respetan y es una maravilla ver esa relación transgeneracional. No hay una barrera de edad, a pesar de que la obra también trata de cómo afrontar la vejez, cuando nos acercamos a la etapa final de nuestra vida es el momento de echar la vista atrás pero también de disfrutar del aquí y del ahora. Es un mensaje de esperanza para los que llegan a esa parte que sabemos que es la última, pero con pasión, con ilusión, con alegría. Una vida sin amar no tiene sentido y eso es lo que demuestra Helen, que tiene un espíritu libre y es lo que da sentido a su vida.

-¿Tus dos escenas favoritas son…?

CARLOS: ¡Tiene tantas!. Algunas para mí son antológicas, por ejemplo, la entrada de Elsa en la casa, al principio de la obra, en ella se describe la relación entre Elsa y Helen. Y otra que me apasiona es escuchar el monólogo que Helen le dedica al pastor para explicarle ese mundo que ella ha creado. Esa escena me llega a lo más hondo y sé que me acompañará siempre.

-¿Qué destacarías de Claudio Tolcachir como Director?

NATALIA: No es que destaque una cosa o dos, es que Claudio Tolcachir es un genio. Yo tuve la gran oportunidad de conocerlo cuando se asentó aquí en Madrid y abrió su escuela, Timbre 4, que ya existía en Buenos Aires y tuvimos la increíble suerte de que quisiera traerla también aquí. En cuanto supe de su presencia en la ciudad hice lo imposible por apuntarme a sus cursos y por estudiar y aprender con él. Ya conocía sus montajes como director pero no había trabajado con él personalmente, y estaba dispuesta a vivir la gran aventura que es conocer a Claudio y su manera de navegar a través de los textos y los personajes. Para mi es una experiencia absolutamente inolvidable que él fuera mi profesor y yo su alumna. El sueño era poder algún día trabajar con él, y ahora se ha cumplido. Trabajar con Claudio es un sueño hecho realidad, su manera de profundizar en cada frase, de sacar partido y encontrar oro en cada situación, de saber utilizar los sentimientos y emociones que cada actor/actriz poseemos y plasmarlos. Y sumar, sumar y sumar para que nuestro trabajo sea cada vez más rico. No tengo palabras suficientes para describir la profunda admiración que siento por él, y el honor que para mi significa poder ponerme en sus manos y navegar con él en este proyecto.

CARLOS: Es una de las personas con más talento que he conocido y, sobre todo, con más sensibilidad, respeto y admiración por lo que hace. Cuida todos los detalles. Sabes que estás en buenas manos, que te va a llevar por el buen camino. El viaje que hemos hecho durante los ensayos, el ver la relación de Claudio con Lola y con Natalia ¡ha sido tan bonito!.  Con mucho cariño y admiración mutua. Y cuando tus propuestas le gustan y le encajan, te pregunta si te has sentido cómodo, y si la respuesta es “sí”, te dice “¡vale, lo encajamos!”.

– Termina esta frase: “El Teatro le aporta a mi vida…”

NATALIA: …gozo, alegría, compromiso, soledad, desafío, aprendizaje… ¡Tantas cosas!. Aprendizaje es una palabra espléndida, porque aprendo con cada personaje que interpreto, aprendo algo de mi misma y de la vida. El gozo es inigualable porque salir al escenario e interpretar a un personaje es la pasión de mi vida. Yo cuando estoy en un escenario estoy como en casa, igual que cuando salgo a cantar. Salir al escenario y comunicarme con la gente es un privilegio maravilloso al que no quiero renunciar nunca. El teatro le aporta a mi vida mucho sentido, la verdad. También podría decir disciplina, rigor, ceremonia, emoción, silencio. Y compartir, este es el gran sentido del teatro, compartir historias contadas desde el escenario a seres humanos que están ahí sentados dispuestos a escuchar, a vivir una historia y salir transformados. El teatro aporta una gran riqueza a mi vida. Doy gracias a la vida por poder seguir subida a un escenario.

CARLOS: ¿Qué es la vida sin teatro, sin poesía, sin amar? No es nada, es transitar de una nada a otra sin haber vivido. Hay cosas como el teatro que te hacen perfectamente consciente de lo maravilloso que es vivir, que te ayudan a ser ventana y que los espectadores vean a través de ti. En un escenario tienes que llevar lo mejor de cada personaje con sus puntos fuertes y débiles, con lo bueno y con lo malo, pero nunca hay que llevar al actor, el actor se queda en el camerino. Pero ese personaje que está en el escenario le enseña cosas nuevas todos los días al actor. Es un modelo de vida. Todo el mundo debería poder acercarse al mundo del teatro porque te ayuda a mirar la vida desde otro punto de vista, a cambiar tus puntos de vista y mirar de forma distinta lo que te rodea, a escuchar a los demás, pero no solo con los oídos. Fotografías de Daniel Dicenta. Teatro Bellas Artes.

Eva María, a las tantas de la madrugada, ha recibido un tajante mensaje de Alejandro, su único y adorado hijo: debe entrar en su habitación y buscar en un cajón cerrado con un candado un documento que necesita con urgencia para la Universidad americana en la que estudia. Urgente es “ya, ahora, sin perder un instante, mamá”. Alejandro, que conoce muy bien a su progenitora, le advierte de que no caiga en la humana (y especialmente maternal) tentación de hurgar en sus cosas…

-Preséntanos a Eva María, tu personaje.

Es una mujer de 51 años que se encuentra sola en su casa porque ha dedicado los últimos 18 años de su vida al cuidado de su hijo Alejandro que se ha marchado a estudiar a Estados Unidos. Es incapaz de resistir esa tentación de hurgar en las cosas de su hijo y alimentarse, como un vampiro, de los recuerdos que todos esos objetos, congelados en la habitación de Alejandro le proporcionan.

-Esta función nos habla del conocido como “síndrome del nido vacío”. ¿Es así?.

Sí. Si tienes hijos el nido vacío es una etapa que hay que pasar. Los hijos se van, en un momento determinado de la vida se van. Es natural. Es lo que tiene que suceder. Pero nos quedamos vacíos y es un espacio que no se puede llenar. Es una etapa que hay que atravesar de la mejor forma posible.

-¿De qué otros temas nos habla?

Es un precioso homenaje al cine como refugio. Eva María vive y atraviesa todo con películas que vio de niña con su padre y más adelante con su hijo. También habla de la relación de Eva María con su madre. También ella es hija única, un día se fue de su casa y abandonó el nido. Habla con humor de eso que llaman ahora “el trauma intergeneracional”.

-¿Algunas de las frases favoritas de tu personaje son…?

-“Mi hijo me ha abandonado y mi menopáusico cuerpo me está avisando pero a grito pelado de que ya no sirvo para nada. ¿Qué voy a hacer?. ¿Qué voy a hacer?.”

-“Soy una vampira.”

-“No son las doce menos cuarto de la noche en el cerebro de una madre, no, son las 24 horas de los 365 días de los 18 años que tiene mi Alejandro…”

-Juan Carlos Rubio ha comentado que “Recuerdo cuando me marché a vivir a Londres con tan solo 19 años y mis progenitores tuvieron que enfrentarse a una casa vacía. De seis hijos a cero es una frenada en toda regla. Recuerdo las conversaciones con mi madre y el profundo calado que dejó en ella mi ausencia. Recuerdo su dolor. Y su humor. Sí, el tema me interesaba mucho…”. ¿Te sientes identificada con esta reflexión?, ¿Por qué?

Sí. Porque la casa está concebida para estar llena y ruidosa y cuando los hijos se van, se queda muy vacía. Se trata de cómo has concebido tu vida durante un tiempo muy largo y que luego te tienes que adaptar a otra realidad. Es muy curioso, porque el nido se llena rapidísimo, desde que aparece el bebé todo cambia, pero la marcha de los hijos lleva un proceso más largo de adaptación.

-¿El humor del texto y del escenario es tierno y comprensible para todo tipo de público?

La función es divertidísima. Estamos deseando compartirla con el público. Tengo mucho interés en que los adolescentes vengan al teatro. Yo creo que los niños y niñas desde los 8 o 9 años pueden disfrutar de este monólogo. Entenderán menos algunas partes pero se van a divertir y creo que se pondrán en el lugar de sus madres y sus padres que tanto les cuidan y tantas cosas hacen por ellos. Me encanta que mis películas familiares atraigan a un público joven al teatro y, si vienen con sus familias, mejor que mejor.

-¿Qué ventajas y qué desventajas tiene el estar sola en el escenario?

Ventajas yo creo que pocas. Esto era un reto que yo tenía pendiente. Quería hacer un monólogo y Pentación y Jesús Cimarro me brindaron la oportunidad. Pero en realidad le veo muchas más desventajas. Todo, absolutamente todo, depende de ti. Tengo un equipo fantástico respaldándome. Pero solo se me ve a mi. Así que hay que estar al 1.000 por 1.000 todo el tiempo. Incluso físicamente hay que estar muy fuerte para aguantar la hora y veinte de función con la energía que necesita.

-¿Qué te gustaría conseguir de los espectadores después de que vieran esta pieza?

Que se lo pasen muy bien sobre todo y que luego hagan la reflexión de darle la importancia que tiene al nido vacío, a esa etapa. Que tengamos en cuenta a las personas que están pasando por ello.

-Termina esta frase: “El Teatro le aporta a la vida de las personas…”

Libertad. Me gusta pensar que el teatro te abre la mente, el pensamiento, la opinión. Una función de teatro puede hacerte cambiar de opinión respecto a algo. En concreto con esta función, el teatro te va a aportar un buen rato de desconexión de los problemas de afuera para reír. Porque es sanísimo reírse. Fotografías: Javier Naval.

Es una coproducción de Pentación Espectáculos, Leona Madre y La Alegría Producciones. Del 28 de octubre al 29 de noviembre. Teatro Bellas Artes.