Troya ha caído. El estruendo de las armas ha cesado, pero la tragedia apenas comienza. En la orilla del desastre, entre los restos humeantes de una ciudad vencida, un grupo de mujeres espera. No esperan justicia, ni redención: esperan su turno para ser entregadas como esclavas a los vencedores. Hécuba, reina sin reino; Casandra, profeta maldita; Andrómaca, viuda de un héroe; Helena, la que fue causa o excusa de la guerra.

Eurípides escribió Las troyanas en el siglo V a. C., pero su tragedia trasciende la historia. Es un grito contra la lógica de la conquista, una meditación sobre el sufrimiento que no genera épica, sobre el dolor que no tiene lugar en los relatos oficiales.

Según Carlota Ferrer, su directora, “La verdadera derrota no es la caída de una ciudad, sino la deshumanización de quienes sobreviven. Hoy, mientras nuevos imperios se levantan sobre cadáveres olvidados, esta obra resuena como una advertencia. En cada conflicto contemporáneo, las mujeres y sus hijos siguen ocupando el lugar de las troyanas: cuerpos desarraigados, voces que nadie quiere escuchar, vidas que se esfuman entre las estadísticas del horror. La violencia comienza cuando callamos a quienes quedan en el nuevo mapa…Las troyanas no ofrece esperanza, sino memoria. Nos obliga a mirar el reverso de la Historia y a preguntarnos qué queda cuando todo se ha perdido.

Del 24 al 28 de junio. Teatro La Latina. 

¿Quiénes somos cuando la imagen del espejo tan sólo nos devuelve miedo y vergüenza? ¿Qué queda de nosotros mismos cuando todo lo que creemos ser parece insuficiente? Son algunas de las preguntas que, según Javier Hernández-Simón, su director y coadaptador (junto a Ignacio del Moral), le plantea al público esta función. Hablamos con el actor Fernando Cayo que interpreta a uno de los protagonistas de esta emocionante obra.

-¿Cómo describirías a Santa?

Santa representa al tipo que, al quedarse sin empleo, todavía está en una actitud de resistencia. Es el tipo incombustible, que mantiene el calor de la amistad en la cuadrilla de amigos.

Tiene un gran sentido del humor, muy alegre, tiene muchas carencias personales, y muchos claroscuros. Quiere ser muy fuerte pero, al mismo tiempo, está muy tocado emocionalmente por la injusticia y la vida que están viviendo y el lugar en el que les ha colocado este sistema. Es un tipo que une al grupo, que acoge y que pone sentido del humor a todo. Aunque, interiormente, está muy tocado.

-¿Qué crees que simboliza Santa en el desarrollo de la función?

La resistencia. Es el “¡no nos moverán!”. Es el tipo que dice “¡yo no me rindo. Seguimos hasta el final. Habrán ganado pero no nos domaron!”.

Representa el espíritu de lucha.

-Esta función habla de “la importancia de estar unidos en los momentos difíciles, de intentar salir adelante pese a estar en el paro después de un despido industrial…”¿De qué otros temas nos habla?

Nos habla de cómo nuestra vida laboral determina todas nuestras relaciones. En la sociedad el trabajo es muy importante. Pero también nos coloca en el borde de lo robótico. Somos personas. De ser conscientes de esto. De tener autoestima.  Y nos habla también de estos procesos de adaptación cuando hay despidos masivos.

De las desigualdades sociales. Porque, a veces puedes adaptarte a los cambios y a veces no. Hay personas que no se pueden adaptar por sus circunstancias, por lo que les rodea…Habla de tener esperanza…

-Según Javier Hernández-Simón, el director de esta función, “Los lunes al sol” nos ofrece una esperanza, una línea en el horizonte para ayudarnos a seguir caminando; al menos ganar una batalla, por pequeña que sea, para demostrarte que sigues existiendo…. ¿Qué añadirías?

El gran mensaje de la obra es la importancia de estar juntos en los momentos difíciles, de tener empatía. El ser conscientes de que formamos parte de un grupo aunque, a veces, nos sintamos muy solos. Siempre formamos parte de grupos. Y también hay que recordar que vivimos en un país muy solidario y nuestra capacidad de solidaridad es máxima.

-¿Qué crees que diferencia esta función de la película homónima?

La película tiene un aroma de melancolía, de soledad, de cercanía.

La función de teatro es muy divertida, tiene mucha energía, mucho ritmo y el diseño de personajes es diferente. El reparto es muy compacto. Genera un impacto en el público. El público nos ha comentado durante esta gira de más de dos años que llevamos que “A los tres minutos me he olvidado de que existe la película con el mismo nombre”.

Es distinta. Tiene una impronta energética de sentido del humor durante toda la obra.

-¿Cómo describirías a Ana y Nata, los personajes femeninos de esta obra que interpretan Lidia Navarro y Mónica Asensio? Preséntaselos a nuestros lectores…

Los personajes femeninos son el rayo de luz. Los hombres están inmersos en una montaña de oscuridad.  Ellas están con la mirada puesta en el futuro, en el salir de allí. Están fuera del problema. Es una mirada externa tan necesaria…

-En la presentación de la función se dice que “la obra nos plantea preguntas sobre la justicia social y el sistema laboral contemporáneo, invitándonos a reflexionar sobre las desigualdades en nuestra sociedad…” ¿Qué añadirías al respecto?

Nos pone delante un espejo que nos dice que nuestra vida laboral no es lo único. Somos mucho más que trabajadores. Somos personas, amigos, familia, pareja y, después  de todo eso, somos trabajadores.

-Si tuvieras que elegir varias escenas de tu personaje… ¿cuáles serían?, ¿por qué?

Hay una escena en la que se explica lo que suponía el antes del despido, cuando ellos empezaron a trabajar. Y se recuerda que cada uno daría la vida por el otro. Y me gustan mucho las escenas grupales, con muchos chascarrillos. Y también cuando Santa defiende el estar juntos, más allá de las vicisitudes.

-¿El humor de esta versión reside en los diálogos entre los personajes? ¿Por qué es también divertida esta función?

En la película había mucho humor. Bebía del cine social italiano y de la comedia inglesa. Creo que hacer una crítica social desde el humor es fundamental. Los personajes son contradictorios, defienden unas cosas y luego hacen otras. Es una función muy divertida. Y los diálogos de besugos que tienen entre ellos son fantásticos.

-Llegáis a Madrid este mes pero ya habéis representado esta función en otras ciudades, en la gira… ¿Por qué crees que se sienten identificados con los personajes muchos de los espectadores que ya han visto esta función?

Después de dos años de gira a teatro lleno tenemos claro que los espectadores se sienten identificados con esta función.  Es muy emocionante, con mucha crítica social. Es un clásico contemporáneo.

-¿Qué destacarías de la escenografía diseñada por Ricardo Sánchez Cuerda?

Ricardo es un maestro de la escenografía. Destacaría su plasticidad y su multifuncionalidad.

Es un espacio muy evocador, con mucha poesía. Se transforma en muchos ambientes, también gracias a la maravillosa iluminación creada por Juan Gómez Cornejo e Ion Aníbal.

Y termina: “Esperamos en los Canal, con el corazón abierto, al público madrileño”.

Completan el elenco Marcial Álvarez, Mónica Asensio, Fermí Herrero, Fernando Huesca, Lidia Navarro, César Sánchez y José Luis Torrijo.

Una producción de GG Producción Escénica y Teatro del Nómada. Teatros del Canal. 

The post FERNANDO CAYO EN «LOS LUNES AL SOL» first appeared on A ESCENA REVISTA.]]> https://aescenarevista.com/fernando-cayo-en-los-lunes-al-sol/feed 0 https://aescenarevista.com/david-ottone-y-juan-ramos-directores-de-flamenc-oh?utm_source=rss&utm_medium=rss&utm_campaign=david-ottone-y-juan-ramos-directores-de-flamenc-oh https://aescenarevista.com/david-ottone-y-juan-ramos-directores-de-flamenc-oh#respond Thu, 18 Jun 2026 10:12:12 +0000 https://aescenarevista.com/?p=273909 La veterana compañía Yllana vuelve a desafiar los límites del humor y la música con este espectáculo que celebra el flamenco desde la irreverencia, la emoción y la libertad creativa. Es una coproducción con el prestigioso Sadler’s Wells y será estrenada en el Peacock Theatre de Londres. En Julio, se representará en Madrid. En el […]

Ofrece, con ritmo frenético, un juego coral donde todo el elenco se va dando el relevo para interpretar a Fraga. Se trata de “una pieza extremadamente divertida, muy loca, muy teatral de ver”, afirma su director.
En la obra caben todos los iconos pop de las diferentes épocas, desde Palomares hasta Salomé, Massiel, Serrat… pasando por episodios más trágicos, como Grimau, los asesinatos de ETA o la muerte de Franco.

Es una producción de ButacaZero en coproducción con el Centro Dramático Nacional y la MIT de Ribadavia.

Con Mónica García, Xurxo Cortázar, Anxo Outumuro, Lidia Veiga, Jorge de Arcos y Esther F. Carrodeguas. 

Teatro Infanta Isabel.

Paula Iwasaki es la protagonista de esta producción del Teatro Español y Nao d´amores. Una versión de la obra de Valle-Inclán dirigida por Ana Zamora que, al cierre de esta edición, se seguía ensayando.

-¿Cómo describirías a tu personaje?¿Cómo es en esta versión?

Interpreto a la reina Isabel II a través del filtro del esperpento, del teatrillo del guiñol, de la caricatura de la chirigota y del tablado de fantoches.

En esta versión (según el propio Valle Inclán) “la comadre se ríe feliz y carnal de todo y de todos.”

-En la presentación de esta función se comenta que “En un Madrid de sainete y miseria, Isabel II y su corte desfilan como figuras ridículas, atrapadas en un mundo de corrupción, farsa y doble moral…”¿Qué añadirías?

Dice Ana Zamora que Valle Inclán podría ser considerado como el padre del teatro documento en España o quizá del teatro documento a la española.

Los personajes de esta obra son un retrato sórdido y muñequizado de la cara más corrupta y miserable de la sociedad. El público asistirá a la degradación y perversión de un gobierno nacional a través del humor descarnado, de canciones populares y de una atmósfera carnavalera en la que cada uno de los personajes acaba descubriéndose como una marioneta más dentro de un sistema frívolo y grotesco

-Según Ana Zamora, “La obra nos presenta una serie de hechos, más o menos documentados históricamente, desde una convención escénica absolutamente guasona, constituyendo una crítica feroz del reinado de Isabel II…”¿Qué añadirías sobre la historia que narra “Farsa y licencia…?

Valle Inclán no solo denuncia la corrupción del individuo que ostenta el poder, sino que se burla de una sociedad regida por los instintos más frívolos, sucios y primarios. La acción de la obra gira en torno a la aparición de unas cartas escritas por Isabel II a uno de sus amantes y cómo sus allegados y cargos importantes de la corte se mofan de la señora, se pisan entre ellos y urden todo tipo de tramas conspiranoicas para venderlas y sacar algún rédito de la incontinencia epistolar de la reina.

-¿Cómo describirías brevemente al resto de los personajes?

En “Farsa y licencia de la reina castiza”  aparecen todo tipo de personajes populares del Madrid del siglo XIX. Hay casi veinte personajes que entran y salen de escena, confabulan, se ríen de los poderes políticos y también los temen.

Aparecen los típicos manolos y manolas del imaginario castizo y popular, el general Narváez como el Gran Preboste, diversos amantes del rey y la reina, el rey Francisco de Asís, la infanta Francisca (abuela de ambos monarcas porque eran primos hermanos), las damas de su cámara real…

A estos personajes les darán vida Miguel Ángel Amor, Alejandro Pau, Aisa Pérez, Rafael Ortiz e Isabel Zamora.

-Si tuvieras que elegir varias escenas de tu personaje… ¿cuáles serían?, ¿por qué?

En la obra interpreto a la reina Isabel II y también a la infanta Francisca, a la que Valle describe como una bruja de entremés.

Los dos son divertidísimos y pasan por todo tipo de situaciones surrealistas y grotescas… Es difícil elegir un solo momento de la función.

Las escenas que más disfruto son las corales, en las que el esperpento se dispara y todos los personajes aparecen a la vez en escena. Hay un momento de la función en el que aparecen como diez personajes en escena y somos solo cinco actores…

-¿Por qué fue Valle-Inclán un visionario ya cuando escribió esta función?

Porque la corrupción, las estrategias políticas, los instintos primarios y la picaresca no entiende de épocas, culturas, ni géneros.

Y porque la obra podría ser perfectamente un meme caricaturizando la sátira política de nuestro tiempo.

-¿De qué temas actuales nos habla esta función?

En la actualidad estamos normalizando la corrupción como costumbre nacional y a los dirigentes políticos como caricaturas de sí mismos. El autor entendió que el esperpento no era solo una estética teatral, sino una forma muy española de mirar y sentir, entonces y ahora, la realidad en la que vivimos.

Completan el equipo artístico: Vicente Fuentes (Voz y palabra), Víctor Pliego de Andrés (en la Dirección musical),  Deborah Macías (como diseñadora de Vestuario).

El espacio escénico y trabajo de objetos es una creación de David Faraco y el diseño de la Iluminación es una creación de Juan Gómez Cornejo.  Retrato de Javier Naval. Fotografía de ensayos de Alonso Zamora Canellada. Desde el 30 de Junio. Teatro Español  (Sala Margarita Xirgu). 

En “Loba”, una mujer irrumpe en el Hollywood Reporter para poner un anuncio: “Madre de tres hijos. Divorciada. Treinta años de experiencia como actriz de cine. Todavía con movilidad y más amable de lo que dicen los rumores. Busca empleo estable en Hollywood”. Quien la recibe no da crédito a sus ojos hasta que ella misma lo confirma: “Sí, soy yo, Bette Davis”.

Y es que “Loba” es también un homenaje a todas esas actrices que, llegadas a cierta edad y después de toda una vida luchando, son relegadas a papeles secundarios y muchas veces, al olvido.

Juan Mairena recuerda que, en 1989, “Bette Davis vino a España para recibir el Premio Donostia en el Festival de Cine de San Sebastián. Era su última aparición en público, su última actuación, y ella, que estaba gravemente enferma, lo sabía. Por esa razón, planificó hasta el último detalle cada una de sus apariciones. La imagen de Bette Davis pronunciando el discurso de agradecimiento, sin apenas sostenerse, me llegó al alma… Al día siguiente me puse a escribir la historia de uno de los más grandes mitos del siglo XX”. Ella quería ser actriz, no quería ser nada más ni nada menos, una buena actriz, y lo fue desde el momento en que pisó un escenario en Broadway hasta su última actuación en el teatro Victoria Eugenia… Su espíritu sigue vivo en nuestros corazones”. 

Del 4 al 21 de junio. Teatro Fernán Gómez CCV (Sala Jardiel Poncela).

The post «LOBA» first appeared on A ESCENA REVISTA.]]> https://aescenarevista.com/loba/feed 0 https://aescenarevista.com/ballet-nacional-de-espana-triana-medea?utm_source=rss&utm_medium=rss&utm_campaign=ballet-nacional-de-espana-triana-medea https://aescenarevista.com/ballet-nacional-de-espana-triana-medea#respond Sun, 14 Jun 2026 09:08:55 +0000 https://aescenarevista.com/?p=274143 El Ballet Nacional de España presenta en Julio en el Teatro de la Zarzuela un programa doble formado por dos coreografías: “Medea”, ballet con el que ya ha recorrido muchos escenarios cosechando un rotundo éxito. Y el estreno de “Triana”, dirigido y coreografiado por Rafaela Carrasco. TRIANA Es una coreografía de todo el cuerpo de […]

El propio autor encabeza un reparto en el que figuran, además, Júlia Roch, Nacho Serrano, Natalia Vellón, Octavio Vellón y Pablo Vélez, todos ellos componentes de la Compañía Balmoral, fundada por Berlanga, Natalia y Octavio Vellón.

Inspirada en la obra y la vida de Luis García-Berlanga, uno de los grandes cineastas del siglo XX, «Crónica de un mal español» es una docuficción escénica que Jorge García-Berlanga escribió después de un exhaustivo proceso de investigación biográfica, de entrevistas, de revisión de archivos audiovisuales, cartas y, por supuesto, de experiencias vividas en primera persona por él mismo. Según recuerda, Berlanga nieto se peleaba con su abuelo por el último bombón de chocolate durante las comidas dominicales. «Entonces -cuenta-, solo era un niño introvertido que escuchaba por debajo de la mesa sus intensas reflexiones sobre el porvenir político, mezclados con chistes escatológicos, anécdotas, o chismes de tal y cual estrella».

El nieto fisgaba en el estudio de Berlanga, contemplando las mujeres desnudas de la colección erótica del abuelo, y recuerda como este le hacía leer poemas, notas y diarios que le fueron adentrando poco a poco en el universo interior berlanguiano.

«Conociendo la riqueza del mundo íntimo de mi abuelo», asegura que nació en él «la necesidad de contar la historia de un hombre que iba mucho más allá del cine, y a través de la que se va moldeando una España, como él, llena de contradicciones».

Crónica de un mal español comienza en una de las clásicas tertulias del Café Gijón, donde se reúnen personajes de la vida cultural española del siglo XX como Mingote, Edgar Neville, Francisco Umbral y, naturalmente, el propio Berlanga, que incitado por los demás, recuerda su vida.

A la busca de las múltiples identidades del cineasta: política, artística, familiar, y también erótica, la obra revive los días más dulces y ásperos de Berlanga: el deslumbramiento ante el cine del Don Quijote de Pabst, las estrecheces económicas, los desiertos creativos o la enfermedad de sus hijos. Su angustia callada, su permanente miedo a la muerte y sus decisivos encuentros con el director Juan Antonio Bardem, con quien debutó en el cine con Esa pareja feliz en 1951, y el guionista Rafael Azcona, su colaborador más fiel y decisivo.

Crónica de un mal español se balancea entre el realismo y el esperpento, entre lo íntimo y lo colectivo, tejiendo una pieza coral donde los seis actores del elenco encarnan todo el reparto de personajes clave, conocidos y anónimos, en la vida y obra del director. 

A través del humor y una estética con aroma a sainete y a tragicomedia, la obra «no busca santificar a Berlanga, sino mostrarlo en todas sus dimensiones: el artista, el padre, el seductor, el superviviente…», mientras radiografía al pueblo español, a su imaginario patriótico, lo que hay de mito y de verdad en él, a través de la mirada del cineasta.

Del 11 al 28 de junio. Teatro Español (Salón de los balcones-Andrea D’Odorico).

Producciones propias y coproducciones

Diez serán las producciones propias: La ira de Narciso, escrita por Sergio Blanco y dirigida por Xavier Albertí, El círculo de tiza caucasiano, de Bertolt Brecht, que supone el debut de la primera edición de Abadía 44 como elenco, dirigida por Beatriz Argüello y La intérprete, quinta producción de Juan Mayorga desde que iniciara su andadura  como director de este Teatro.

La Abadía también coproduce Mantener fuera del alcance de los niños, con dramaturgia y dirección de María Velasco; Cartas no escritas, del dramaturgo y director David Geselson; Los días titánicos escrita por Antonio Rincón-Cano y dirigida por Beatriz Jaén; Lo cuento o no lo cuento, con dramaturgia y dirección de Lucía Miranda, He Who Loves Beauty, obra producida con el Teatro Real que cuenta con dramaturgia y dirección de Rafael R. Villalobos y Rey Lear, el montaje de Declan Donnellan que cerrará la temporada.

A estos títulos se suman la reposición de Francisco Ferrer ¡Viva la Escuela Moderna! bajo la dirección de José Luis Gómez y la cuarta temporada consecutiva de Casting Lear creada por Andrea Jiménez. 

Obras de compañías de otras Comunidades Autónomas

La Abadía continúa dando proyección a la creación escénica madrileña al mismo tiempo que toma el pulso a la escena nacional con representación de compañías y productoras de Asturias, Navarra, Catalunya, Comunidad Valenciana y especial presencia de Andalucía. 

Empezando por Asturias, con la compañía Cía Proyecto Piloto, para seguir por Navarra, con la compañía de danza Led Silhouette así como Catalunya, con la presencia de nuevo en el Teatro del Teatre Lliure, del colectivo Cultura i Conflicte y de Teatre de L’Aurora, y, por último, de la Comunidad Valenciana, que contará con la participación de La Negra Produce. 

Especial presencia tendrá Andalucía, ya que, durante el mes de abril de 2027, La Abadía recibe la visita de dos compañías de larga trayectoria: Histrión Teatro vuelve a confiar en el talento de la dramaturga y directora María Goiricelaya en una nueva propuesta que, basándose en un hecho real en Reino Unido, reflexiona sobre el fraude de género y la aceptación de las personas trans en los núcleos familiares con Dysphoria. 

Por otro, La Abadía contará con la compañía, también de Granada, Laviebel, que trae su emblemático espectáculo musical La Barraca del Zurdo. 

La representación andaluza en La Abadía se completa con dos creadores: Alberto Conejero (Jaén) y Antonio Rincón-Cano (Sevilla). El primero, con Leonora, versión libre que acerca el universo de la artista plástica Leonora Carrington que abre nuestra temporada; y el segundo, con Los días titánicos, propuesta dirigida por Beatriz Jaén. Por último, la compañía sevillana La Rara, con Rocío Hoces y Julia Moyano al frente, regresan a La Abadía con su espectáculo Órgia, que fue programado en la primera edición de nuestro ciclo Teatro bajo la arena.

Y la proyección internacional también adquiere relevancia con la participación de artistas de países como Reino Unido, Argentina y Francia.

Recuperación de las grandes dramaturgias del siglo XX

Dentro de los valores fundacionales de La Abadía se encuentra la importancia de la palabra y la recuperación de textos de algunos de los dramaturgos cánones del teatro contemporáneo.

Este será el caso de la obra de Eugene O’Neill, Largo viaje hacia la noche, título que estuvo en los escenarios de La Abadía en versión de Àlex Rigola en 2006. Ahora regresa bajo la dirección de Ernesto Caballero, protagonizada por Carlos Hipólito, que ya en 1988 la interpretó, pero en el papel de hijo, bajo la dirección Miguel Narros y William Layton. El reparto se completa con Mapi Sagaseta, Álex Villazán y Nicolás Illoro.

La otra gran apuesta de la temporada 2026-27 será El círculo de tiza caucasiano, un texto poco representado en España de Bertolt Brecht. Será una producción íntegra de La Abadía para recuperar los espectáculos de gran formato de sus años fundacionales protagonizado por un joven elenco, entrenado en la casa, en la primera edición de Abadía 44. Dirigida por Beatriz Argüello y con dramaturgia de Brenda Escobedo, su elenco estará formado por Kilian Atoche, Marina Baeza, Samuel Buitrago, Álvaro Cobas, Noa Dahlander, Fabiola Martínez, Andrea Haro, Javier Lera, Amparo Marí, Pablo Montes, Ferrán Plana, Júlia Solé, Paula Susavila.

Juan Mayorga, director artístico de La Abadía, ha comentado que «En estos tiempos en que se extienden el ruido y la furia, La Abadía quiere ofrecerse a la ciudad como lugar para la reunión, la conversación y el examen sereno de lo que a la mayoría importa. Ágora, patio de vecindad y casa con muchas puertas, mala de guardar, todo eso quiere ser La Abadía esta temporada.  Hemos preparado una programación que creemos muy diversa en la que recibiremos a creadoras y creadores de varias generaciones que, si bien exploran distintos asuntos y lenguajes, tienen en común la búsqueda de la excelencia«. 

Espectáculos en el límite del teatro textual

Una de las firmes apuestas de esta temporada 2026-27 de Teatro de La Abadía es la de ir más allá del teatro de texto y continuar dialogando con las nuevas dramaturgias que se apoyan en otras disciplinas, como la música y la danza. Por un lado, la producción navarra Los perros, que cuenta con Marcos Morau, coreógrafo de La Veronal, para llevar a escena una idea de sus intérpretes, los bailarines Jon López y Martxel Rodríguez; y, por otro, la compañía asturiana Cía. Proyecto Piloto presenta Sin embargo se mueve, una propuesta de Ana Vallés, —en La Abadía creó anteriormente Me acordaré de todos vosotros y estuvo con varias producciones de su compañía Matarile—, que habla de la relatividad del tiempo con un tono existencialista sin olvidar el humor en una puesta en escena en la que se difuminan las fronteras entre teatro y danza.

Por otra parte, la música tendrá una relevante presencia con títulos como Cartas no escritas, de David Geselson, una suerte de propuesta escénica que contará con el propio Geselson, Nathalie Poza, Pablo Rosal y el chelista Valentin Mussou y Flor de greguerías, un espectáculo familiar de Luna Teatro a partir de textos de Ramón Gómez de la Serna. El otro plato fuerte con música en vivo será LIBRES!!!, con texto de Esther Carrodeguas y dirección de Andrés Lima que sirve de arranque de temporada y está protagonizada por Alba Flores, Laura Galán y Nüll García para homenajear a aquellas mujeres que quisieron cambiar el mundo desde la alegría.

Por último, el Teatro de La Abadía se alía de nuevo con el Teatro Real —se trata de la cuarta colaboración— para presentar un espectáculo en torno a la relación artística y de pareja entre el compositor Benjamin Britten y el tenor Peter Pears en He Who Loves Beauty. Esta propuesta operística tiene como dramaturgo y director a Rafael R. Villalobos, quien ya dirigió Marie anteriormente en La Abadía.

Propuestas para generar diálogo

Lucía Miranda regresa tras el aclamado espectáculo de Caperucita en Manhattan con Lo cuento no lo cuento, bajo el paraguas y sello de Cross Border para proponer el formato teatro foro que se apoya en los testimonios de jóvenes del Hospital Niño Jesús y que se nutre de la participación del público. En Cartas no escritas, David Geselson crea una dramaturgia a partir de las cartas de espectadores y espectadoras que querrían haber escrito y nunca escribieron. Estas serán leídas en escena en una propuesta llena de música y emoción.

El colectivo Cultura i Conflicte propone en esta ocasión un nuevo proyecto basado en una extensa labor de documentación sobre la dictadura militar chilena de 1973 y 1990. No mires parte de la historia de Verónica y Camila Estay para hablar sobre las zonas grises de la condición humana, de la identidad y también de la culpa, sobre todo cuando hay vínculos familiares. Asimismo, aunque desde otro prisma, Piedra libre, con texto de Marta Barceló y dirección de Ángel Ruiz, busca sanar esas carencias familiares a través de nuevos vínculos, de nuevas formas de familia, en esta propuesta protagonizada por Alejandra Flechner y Camila Viyuela.

Otra propuesta de diálogo es la que propone Declan Donnellan, como cierre de temporada, en una nueva versión de Rey Lear, de Shakespeare. Una propuesta profundamente política que explora la relación del individuo consigo mismo, su familia y el Estado, coproducida por Lazona Teatro, Teatro del Soho Caixabank, el propio teatro de Donnellan Cheek by Jowl y Teatro de La Abadía. El montaje estará protagonizado por Lluís Homar y el resto del reparto estará compuesto por los y las intérpretes españoles con los que suele trabajar Donnellan: Jorge Basanta, Prince Ezeanyim, Alberto Gómez Taboada, Manuel Moya, Alfredo Noval, Goizalde Núñez, Antonio Prieto e Irene Serrano.

Como es habitual, La Abadía estrena este año el nuevo montaje de Juan Mayorga como director artístico de la institución. En esta ocasión, el dramaturgo y director lleva a escena La intérprete, donde el poder de la palabra vuelve a ser tema central de la propuesta, ya sea porque la palabra escapa a nuestro control, porque se impone o porque parece una presencia física. Protagonizada por Juan Paños y por una actriz (aún por confirmar), la historia se centra en una mujer dedicada a la interpretración simultánea que no puede quitarse de la cabeza la última conferencia que acaba de traducir y visita a varias personas para que la ayuden.

Regreso de tres obras de gran éxito

La gran recepción por parte de crítica y público de algunos títulos de la temporada 2025-26, actualmente en marcha, han hecho que el Teatro de La Abadía anuncie la reposición de tres títulos presentes en la temporada 2026-27. Empezando por nuestra producción Francisco Ferrer. ¡Viva la Escuela Moderna!, dirigida por José Luis Gómez, que contó con la mirada cómplice de Robetro Mori, el ayudante de dirección, y protagonizada por Ernesto Arias, Jesús Barranco, David Luque y Lidia Otón. Le seguirá El imperativo categórico, otro hito que, tras su éxito en la anterior y presente temporada, volverá en la 2026-27 esta vez con Sandra Monclús, junto a Xavi Sáez. Por último, y por su alta demanda, regresa por cuarto año consecutivo Casting Lear, de Andrea Jiménez, multipremiada con dos Premios Max 2025 a Mejor espectáculo y Mejor adaptación o versión de obra teatral o coreográfica y el Premio del Público 2024 FIOT Carballo. La coproducción junto a Barco Pirata y Andrea Jiménez continúa de gira internacional por Ecuador, Italia y Francia.

Formación

Esta temporada 2026-27 continúa con su labor formativa con talleres y cursos teatrales impartidos por profesionales de la escena, como Carlos Hipólito, Declan Donnellan o Beatriz Jaén. Asimismo La Abadía da continuidad al proyecto ABADÍA 44 en su segunda edición. Todos están dirigidos a profesionales o titulados en artes escénicas.

El segundo ámbito que desarrolla la formación de La Abadía es el proyecto de mediación artística La Abadía cruza la calle. El proyecto cumple siete años en activo y constituye un pilar fundamental como herramienta de integración, solidaridad, desarrollo y transformación social a través de las artes escénicas dentro del distrito Chamberí, en colaboración con los vecinos y las vecinas del barrio. En él participan niños y niñas, jóvenes con diferentes realidades de tutela y adultos con un amplio espectro de diversidad funcional, usuarios del Centro de Día y el equipo de Atención Social Comunitaria Chamberí INTRESS junto a vecinas y vecinos del barrio.

Por último, ABADÍA 44, continúa con una segunda edición que contará con nuevos y nuevas integrantes tras un exhaustivo proceso de selección. Los y las participantes estarán acompañadas y acompañados de relevantes docentes y profesionales teatrales como Mar Navarro, Inma Nieto, Andrea Soto, Pablo Rosal o Rosario Ruiz Rodgers. La Abadía sigue dando así impulso al lenguaje teatral y sus herramientas del 19 de octubre de 2026 al 25 de mayo de 2027.