La mitad de estas compañías son de la Comunidad de Madrid  y habrá  más de 180 artistas de nueve países distintos y, entre quienes proceden de España, de nueve comunidades autónomas diferentes. Esperamos seis estrenos absolutos, tres nacionales y cinco en la Comunidad de Madrid. En particular, es una seña de la casa el abrazo escénico a Hispanoamérica, que este año contará con obras de Perú, Uruguay, México, Venezuela y Estados Unidos. A la Generación del 27 se le ofrecerá un tributo especial, con tres espectáculos y un nuevo espacio de creación dedicado a otro gran nombre del Siglo de Oro: Luis de Góngora, tan vinculado con ese grupo.

Así, la convivencia entre pasado y presente será una de las espinas dorsales de la nueva temporada, porque el teatro ocurre a tiempo real y nos une en un lugar, pero también convoca tiempos poéticos, y constituye un espacio de posibilidad. Invocaremos a Cervantes, Lope, sor Marcela de San Félix, Tirso, sor Juana, Góngora, Bécquer, Shakespeare… Y convocaremos, para dialogar con todos estos nombres y sus creaciones, a nuevas generaciones de artistas de las artes escénicas.

El Siglo de Oro ocupará un lugar destacado, expresivo de nuestra pasión barroca. Para empezar, en la apertura de la propia temporada: será con la obra Errantes, que esperamos el 18 y 19 de septiembre con dirección de Laura Ferrer y texto de Laura Garmo y Nacho León. Se trata de uno de los espectáculos revelación del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro 2025, y sigue las andanzas de una compañía de cómicos de la legua. Visibiliza su lucha desde los márgenes contra el hambre, la precariedad y los prejuicios sociales que se vierten sobre su profesión, tan admirada como estigmatizada. En el elenco figuran José Ramón Arredondo, Laura Ferrer, Arturo Martínez Vázquez, Leticia Ramos y Julia Rubio.

Además, ahora que Cervantes vuelve a celebrarse como dramaturgo, repondrán la adaptación que firma Álvaro Ángel Malmierca de la novela ejemplar La gitanilla, del 9 al 18 de octubre. Es una producción propia del Corral que se estrenó la pasada temporada, con Mariana Wainstein a la dirección y un elenco que integran Javier Cordón, Antonio Dueñas, Georbis Martínez, Judit Molina y Rey Montesinos. Es un canto al amor que nos hace pensar en cómo nos han constituido, y en la mezcla de culturas y convivencias. Vuelve porque el Corral es un escenario de pertenencia y una casa de artistas, y la podremos disfrutar durante la Semana Cervantina, que conmemora el bautismo del célebre autor alcalaíno.

El 13 y 14 de noviembre, en el marco del Día de la Filosofía, el Corral acoge Cenizas de Fénix, obra basada en los textos de Lope de Vega y sor Marcela de San Félix, con la que Daniel Migueláñez se estrena en el Corral como autor y director. El texto repasa los últimos años de la vida de Lope de Vega, cuando, ya sacerdote, supo transformar sus demonios en gran literatura. El autor encuentra en su hija sor Marcela de San Félix, escritora a la que la historia no ha permitido apenas trascender, el recuerdo de una vida de excesos, pero también el amor de lo eterno. En el eleno, Javier Lago y Elisa Marinas.

El 30 y 31 de enero recibimos Antona García, un texto de Tirso de Molina en versión y dirección de Laura Garmo y Nacho León, propuesta de la compañía A Bocajarro, especializada en recuperar textos inéditos o poco conocidos del Siglo de Oro. En esta ocasión, recuerda un acontecimiento único en la historia de España, pues, en plena Edad Media, en un conflicto bélico, serán tres mujeres las que acaudillarán huestes en combate: Antona García, la propia Isabel la Católica y María Sarmiento, partidaria de Juana la Beltraneja. Tres mujeres rebeldes que rompen con los moldes en una obra interpretada por Víctor Antona, Lidia Guillem, Verónica Morejón, Paula Muz y Pablo Salinero.

Del 16 de abril al 2 de mayo nos llegará Amor es más laberinto, de sor Juana Inés de la Cruz y fray Juan de Guevara, es una coproducción internacional del Teatro de La Abadía y tres importantes instituciones mexicanas, con el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura al frente. El elenco de este sorprendente cruce entre mitología y capa y espada reúne a artistas de España y México, y el proyecto ha sido concebido especialmente para este escenario, con versión y dirección de Abel González Melo. Se trata de un texto cumbre de la literatura dramática del Siglo de Oro, y un material que, de forma excepcional, enlaza la tradición lírica y teatral de México y España. La función celebra los 375 años de sor Juana Inés de la Cruz y los 25 años de Clásicos en Alcalá, donde fue estrenada el pasado junio. En el elenco, Oscar Ulises Cancino, Aimée Despaigne, Antonio Dueñas, Alberto Fonseca, Irene Garmendia, Gonzalo Lasso, Leo Ledesma, Lía, Jahel Palmero, Alberto Rosas, Harriet Vázquez y Raquel Villarejo Hervás.

Otra mirada a los clásicos

Con la voluntad de hacer presente lo ausente, y reinterpretar textos que hoy ya son ampliamente incontestables pasándolos por el filtro de lo contemporáneo, nos llega una serie de títulos que encabeza Los tiempos que vivimos, con dramaturgia y dirección de Juan Carlos Talavera: un viaje teatral y musical que recupera el repertorio de Bertolt Brecht, y se representará el 25 y 26 de septiembre. Se honra, así, el setenta aniversario de la muerte del dramaturgo y director alemán, uno de los grandes renovadores de la escena, con una función inspirada principalmente en las famosas melodías que para varias de sus obras compuso Kurt Weill. En el escenario, combinando palabra poética, drama y música, Rita Barber y Germán Barrio (piano).

Por otro lado, el 2 y 3 de octubre recibimos Prometeo, bufón y mártir. Con texto y dirección de Marco Zoppello, este unipersonal de Alberto Castrillo-Ferrer, coproducido por la compañía aragonesa El Gato Negro y la italiana Stivalaccio Teatro, rinde tributo a Darío Fo en el centenario de este Premio Nobel de Literatura que supo convertir el escenario en un lugar de resistencia, en una herramienta de agitación política, sátira mordaz y diversión popular, basada en la risa como arma contra el poder, y capaz de celebrar, con sus espectáculos clownescos, la probatura, la torpeza, la vulnerabilidad.

Del 30 de octubre al 1 de noviembre será el turno de Más allá de esta vida, que está realizada a partir de la biografía y la obra de Gustavo Adolfo Bécquer, uniendo dos de sus leyendas —Los ojos verdes y El Monte de las Ánimas—, con algunas de sus Rimas y reflexiones extraídas de Cartas desde mi celda, de Cartas literarias a una mujer y fragmentos de sus otras leyendas. La dramaturgia y dirección son de Débora Izaguirre para la compañía Torcaz, y el nexo de esta creación, vinculada a la festividad de Todos los Santos y programada, por eso, en estas fechas, es una ficción que surge a partir de lo que esta creadora imaginó sobre los últimos días de vida del escritor, su relación con las mujeres que amó o creyó amar, las heridas de su infancia y su visión del mundo.

Además, el 26 y 27 de diciembre llega al Corral uno de los espectáculos más aclamados de la escena española contemporánea: Casting Lear, una creación en la que Andrea Jiménez intenta reconciliarse con su padre a través de una poderosa autoficción que se reinventa cada noche. Es una obra que ella misma dirige junto con Úrsula Martínez, y que ha ganado dos Premios Max en 2025: mejor espectáculo de teatro y mejor versión de obra teatral. Estrenada en 2024 en La Abadía, que lo coproduce, estará en Corral de vuelta de cuatro temporadas consecutivas en el escenario madrileño, y de recorrer coliseos y festivales de todo el mundo.

El 22 y 23 de enero, como parte del apoyo del Corral al trabajo de jóvenes compañías de Madrid, se escenificará en este escenario Historia de amor (Últimos capítulos), un texto del gran autor francés Jean-Luc Lagarce con versión y dirección de María Colibrí, quien comparte escenario con Alberto Carrasco, María Colibrí y Álvaro G. Cañedo. Es el debut de La Tejedora Teatro, y es un libro, una carta, una canción, un título en el aire; pero, sobre todo, es la pregunta acerca de todas las posibilidades que reviste el hecho de encontrarnos.

Memoria y herencia

Para explorar los puentes de lo que fuimos ayer con lo que hoy somos, el 23 y 24 de octubre, El Borbón rojo. La larga jornada del Conde de Barcelona, un texto de Ignacio Amestoy con dirección de Ainhoa Amestoy, coproducido por Estival y el Círculo de Bellas Artes.

Una comedia que repasa la azarosa vida de don Juan de Borbón, Conde de Barcelona: el pulso permanente con Franco, los vaivenes ideológicos, las gestiones imposibles, la pérdida de su hijo Alfonso, la renuncia de Juan Carlos y su condición de rey que nunca reinó. Ernesto Arias y Borja Cortés protagonizan el título.

Y siguiendo en territorio de la comedia, el 18 y 19 de diciembre Los Absurdos Teatro nos trae Paralelo 38, un texto de Alfonso Mendiguchía y dirección de Natalia Hernández. De nuevo con Patricia Estremera y Alfonso Mendiguchía como protagonistas, la compañía explica el trabajo como “una comedia en clave bélica o, dicho de otro modo, una obra de fondo bélico con un amargo regusto de comedia. Pretendemos que sea una reflexión sobre las atrocidades, desfachateces, sinsentidos y cinismos que han adornado la esencia de las grandes decisiones geopolíticas y económicas”.

Para seguir traspasando brechas intergeneracionales y acercando el legado histórico, el 12 y 13 de febrero, el Corral acoge, con ocasión del Día del Cine, Crónica de un mal español, una propuesta escénica construida a partir de la obra y la vida de Luis García-Berlanga, con dramaturgia y dirección de su nieto, Jorge García-Berlanga. Propone un recorrido por la biografía, las obsesiones y las contradicciones de uno de los creadores fundamentales de la cultura española del siglo XX. La interpretan, junto al propio autor, Júlia Roch, Nacho Serrano, Natalia Vellón, Octavio Vellón y Pablo Vélez.

El 10 y 11 de abril El pecado mortal de madame Campoamor, que celebra más de nueve décadas de la conquista del sufragio femenino en España. Mario Hernández reconstruye aquí la lucha política de Clara Campoamor, en un espectáculo que bebe de fuentes directas: por un lado, los enfrentamientos parlamentarios que esta diputada del Partido Radical tuvo con Victoria Kent en torno al voto de las mujeres; por otro, los libros que escribió la propia política feminista, y fundamentalmente el título El voto femenino y yo, mi pecado mortal.

Homenaje a la Generación del 27 en su centenario

Esta temporada queremos homenajear a la Generación del 27 en su centenario, con varias funciones inspiradas en la obra de mujeres y hombres que formaron parte de ella. La efeméride nos ha llevado, asimismo, a imaginar un nuevo espacio de creación escénica que se desarrollará en el ático del Corral —principalmente dirigido a personas de Alcalá, aunque no solo—, vertebrado por las palabras de quien fue referente y mito de aquel grupo: Luis de Góngora. Conmemoraremos cuatro siglos de la muerte del genial poeta reivindicando su menos conocido perfil de dramaturgo. En los próximos meses ampliaremos en nuestras redes la información sobre este espacio creativo.

El 24 de enero el Corral acoge 27: canto y palabra, que aglutina textos de poetas de la Generación del 27, con idea y música de Elena Aranoa y dirección de Jorge Padín. La compositora e intérprete riojana, a quien hemos podido disfrutar en el Corral en varias ocasiones, nos trae esta vez textos que abordan la obra de figuras como Federico García Lorca, María Teresa León, Rafael Alberti o Carmen Conde, respetando la integridad de los textos y proponiendo una escucha contemporánea.

El 20 y 21 de febrero, también en el marco de la celebración de la Generación del 27, recibimos Cuadernos de la niña escondida, un texto de Marifé Santiago con dramaturgia y dirección de Rey Montesinos, que se basa en la sospecha de que hay un valioso mundo que nos espera en las palabras de nuestras abuelas y en la obra de tantas artistas españolas de las primeras décadas del siglo XX. La actriz Montse Simón convoca una tertulia de amigas y maestras: Clara Campoamor, María Zambrano, Maruja Mallo, Carmen de Burgos, Ángeles Santos, María Sánchez Arbós, Concha Méndez, María Lejárraga, María Teresa León, Isabel Oyarzábal y María Moliner.

Y el 28 y 29 de mayo la versión de Bodas de sangre, de García Lorca, que dirige Irina Kouberskaya con Teatro Tribueñe. Este clásico cierra la temporada en Corral, y explora la fuerza incontrolable del deseo y los lazos de sangre. La historia sigue los preparativos del matrimonio entre un novio ilusionado y una joven atormentada, compromiso ensombrecido por un viejo odio entre familias. Encarnan a los ya míticos personajes Badia Albayati, Inma Barrionuevo, María Barrionuevo, Zalo Calero, María Luisa García Budí, Virginia Hernández, Matilde Juárez, Alejandra Navarro, Candela Pérez, Eduardo Pérez de Carrera, Miguel Pérez-Muñoz, Nereida San Martín, José Luis Sanz y Chelo Vivares.

Intimidades públicas

En el eje “Intimidades públicas” englobamos espectáculos que conectan la historia personal con la historia colectiva y las estructuras de poder y marcan el momento en el que una vivencia individual pasa a abordarse como algo con implicaciones en lo común.

Así, el 22 de noviembre llega Es un poema sangrando, con texto de Paula Ratia de la Gala y dirección de María Uruñuela, a cargo de La Virgen Teatro. Una obra que se inspira libremente en la vida de Camille Claudel, una escultora brillante que fue alumna y amante del escultor Auguste Rodin, y que acabó encerrada en una institución psiquiátrica, durante treinta años, tras ser maltratada por él. La interpretación es de la propia Paula Ratia de la Gala.

El 27 y 28 de noviembre recibimos Mantener fuera del alcance de los niños, una producción de Teatro de La Abadía y Pecado de Hybris con texto y dirección de María Velasco. A medio camino entre lo confesional y lo fantástico, la Premio Nacional de Literatura Dramática 2024 hace arqueología de su infancia para hablar de los guetos educativos, el trauma de no formar parte del patrón hegemónico en la escuela, el dolor de ser excluido y cómo todo ello marca la trayectoria vital. Acompañada en escena por Al Blanco y Mario Patrón, a través del quejío flamenco y la danza Velasco rinde homenaje a aquellos que nunca se integraron.

También se representará en el Corral Taxidermia de una alondra, el 8 y 9 de enero. Una creación de Iván López-Ortega con dirección de Sergio Iglesias y el propio Iván López-Ortega, que le valió a este el Premio Max 2026 a mejor autoría revelación. La obra se pregunta quién decide cuándo una historia deja de doler y puede representarse, dónde termina la empatía y comienza el placer de mirar, cómo sentimos el dolor tan ajeno que nos atrae y qué revela el deseo de ser testigos o protagonistas de lo trágico. En la interpretación, Iván López-Ortega y Macarena Sanz.

Otra producción de Teatro de La Abadía que pasará por el Corral esta temporada es Lo cuento o no lo cuento, con texto y dirección de Lucía Miranda: una década después del éxito que en esta casa tuvo Fiesta, fiesta, fiesta, Lucía Miranda, fundadora de Cross Border, regresa al Corral con esta pieza de teatro foro, cuyo punto de inicio es el taller de mediación artística que la creadora dirige en el Hospital Niño Jesús de Madrid. El proyecto trabaja con adolescentes, familias y personal sanitario para construir una dramaturgia que aborda la salud mental en los menores. Estará en el Corral el 19 y 20 de marzo.

El 7 y 8 de mayo llega Dysphoria, con texto y dirección de María Goiricelaya, ganadora del Premio Max 2023. Esta obra se basa en un hecho real sucedido en Reino Unido, para reflexionar sobre el fraude de género y la aceptación de las personas trans en los núcleos familiares; ha sido ganadora del premio al mejor espectáculo en la Feria de Teatro de Castilla y León 2025 y de dos Premios Lorca 2026, a mejor espectáculo y a mejor intérprete. Como única intérprete, Gema Matarranz.

El 21 y 22 de mayo esperamos Vorágine 123 321. Sonata y fuga para dos violines rotos, texto y dirección de Alberto de Casso Basterrechea. Un estreno absoluto que acoge el Corral y escenifica el texto ganador del Premio Buero Vallejo 2018, y que nos habla de Dafne, una profesora de Literatura cuya hermana gemela, Laura, ha sufrido un accidente. En el elenco, Alba Gallego y Alejandro Navamuel.

Teatro hispanoamericano

El acercamiento al teatro hispanoamericano llega, el 20 y 21 de noviembre y en el marco del Día para Eliminación de la Violencia contra las Mujeres, con Elektra. Bizarra y doméstica opereta para cocina. La destacada creadora uruguaya Lucia Trentini se ocupa del texto y la dirección en esta recuperación de uno de los grandes mitos de Occidente, que ella misma interpreta, con música en directo, junto con Gloria Albalate.

Cántame sobre el amor… y otras torturas es una producción que esperamos los días 5 y 6 de marzo, en el marco del Día de la Mujer. Una obra de la compañía Conecta Miami Arts, con texto y dirección de la artista venezolana Jackie Briceño, que obtuvo en 2018 el Premio Escena de Miami en las categorías de mejor obra y mejor actuación protagónica femenina. Aborda la obsesión de una niña por cantar ópera y comprender el significado del amor y del dolor, lo que la lleva a descubrir los secretos de su bisabuela y su madre. La interpretación es de la propia Jackie Briceño.

Los días 2 y 3 de abril, con Proyecto Ugaz, tendremos la oportunidad de conocer un texto de Vera Castaño y Rocío Limo, con dirección de Diego Gargurevich, llegado desde Perú al Corral. Es teatro documental inspirado en hechos reales, que presenta a dos actrices que reconstruyen la historia de Paola Ugaz, una periodista peruana que se enfrentó a una red de abuso y corrupción dentro de una poderosa organización religiosa: el Sodalicio. Vera Castaño y Rocío Limo también protagonizan la propuesta.

El 22 y 29 de abril recibimos Jolgorio mexicano, con dramaturgia y dirección de Oscar Ulises Cancino y Alberto Rosas; en el contexto de la temporada de Amor es más laberinto, parte del equipo mexicano del espectáculo —seis intérpretes, del total de doce—, preparan, con entera libertad, este trabajo ad hoc para el Corral, y el resultado es un espectáculo vibrante que celebra la cultura de México a través de una narrativa teatral y musical al combinar leyendas, música, canciones y tradiciones representativas del folclor mexicano que evocan hospitalidad, reunión, fiesta y comunidad. En el elenco, Oscar Ulises Cancino, Leo Ledesma, Lía, Jahel Palmero, Alberto Rosas y Harriet Vázquez.

Una década se está cumpliendo de la muerte del dramaturgo norteamericano Edward Albee, ganador de tres Premios Pulitzer. Su obra La historia del zoo, que obtuvo el Premio Obie en 1960, llega al Corral el 14 y 15 de mayo de la mano de Arca Images, compañía con veinticinco años de trayectoria de teatro hispano en Estados Unidos, y del relevante director cubano Carlos Celdrán. Este perturbador texto, ambientado en el Central Park de Nueva York, arranca cuando la paz de un hombre que lee en su banco favorito es repentinamente rota por un joven que se le acerca.

Travesías musicales

El Corral se llenará de música con viajes sonoros a través de los géneros, épocas, culturas o emociones de la música.

Así, los días 4 y 5 de diciembre tendremos la oportunidad de ver American Pie. Concierto teatralizado, una idea original deDivinas y Martí Torras Mayneris, quien firma la dramaturgia junto a Sara Q. Pipó y dirige. En la propuesta, tres cantantes emprenden un viaje hacia la América de los años setenta, entre Las Vegas y Hollywood. Mientras dos persiguen el sueño del éxito, la tercera intenta escapar de la sombra de Elvis Presley para empezar de nuevo.

El 6 de diciembre, la Orquesta Ciudad de Alcalá, en su treinta aniversario, celebrará su ya habitual Concierto de Adviento, con música de Antonio Vivaldi y Ottorino Respighi, y con Alberto Prieto como director invitado. Será

El 20 de diciembre tendremos Zambomba flamenca. Una intrahistoria del Sacromonte. Con dirección y dramaturgia de Hugo Pérez de la Pica y el elenco de Tribueñe, en vísperas de la Navidad, llega esta pieza que, con notable éxito, lleva varios años exhibiéndose en la sede madrileña de la compañía, y que surge como homenaje a Dolores Heredia la Comino, quien transmitió a Pérez de la Pica la pasión por el legado del arte gitano.

Los días 15 y 16 de enero el Corral acoge Beethoven, un texto de Xavier Albertí con dirección de Albert Arribas y el propio Albertí, quien además lo protagoniza, con la compañía catalana Centaure Produccions. En el bicentenario de la muerte de Beethoven presentamos este espectáculo, estreno en la Comunidad de Madrid, que quiere explorar la profunda huella estética e ideológica que el genio de Bonn ha dejado en nuestra contemporaneidad.

Por otro lado, los días 26 y 27 de febrero recibimos Candela, con idea, coreografía y dirección de Rocío Pozo, leyenda del flamenco que, al frente de la compañía que lleva su nombre, con tres décadas de trayectoria y afincada en las Islas Canarias, ha creado y dirigido una decena de espectáculos que han recorrido importantes escenarios de España y el mundo. Candela recrea un modo de vida donde el flamenco se transmite de generación en generación como una forma de sentir y de mantener viva una tradición.

Para todas las familias

Y como el Corral es un espacio abierto a todas las familias, esperamos ¿Cuándo viene Samuel? el 12 y 13 de diciembre. Una obra de Ultramarinos de Lucas, Premio Nacional de Artes Escénicas para la Infancia y la Juventud 2015 y Premio Nacional ASSITEJ España 2020, con dirección de Juan Berzal, que obtuvo premio al mejor espectáculo en FETEN 2022. Dos hombres esperan jugando, junto a un columpio, la llegada de Samuel para celebrar una fiesta.

El 2 y 3 de enero  Descubriendo que es gerundio, de Alberto Iglesias y dirección de Verónica Gracia. La obra obtuvoel accésit en el Premio SGAE 2006 de teatro infantil y juvenil, y dos décadas más tarde, Álvaro y Lucía Rodríguez, padre e hija en la vida real, se lanzan a la aventura que significa recomponer escénicamente este viaje, esta oda a la imaginación, al salto hacia lo desconocido y al amor incondicional. Una historia tierna y divertida donde dos personajes descubren que, a veces, el mayor tesoro no está en una isla remota, sino en los recuerdos compartidos y en la mano que sostiene la tuya.

El 6 y 7 de febrero esperamos La niña que fue Cyrano, obra de teatro escrita y dirigida por el autor argentino Guillermo Baldo, está inspirada en el clásico Cyrano de Bergerac. Valentina comienza a escribir cartas de amor para Roxi, firmando con el nombre de un primo varón para ocultar su identidad por miedo al rechazo. La obra, producida por el Festival Iberoamericano de Teatro de Cádiz, aborda, con sensibilidad, poesía y humor, el primer amor, la diversidad en las infancias, la identidad de género y la valentía de ser uno mismo.

El Corral, aún más vivo en su 425 aniversario

Junto a las visitas guiadas que a lo largo de todo el año permiten el disfrute de este teatro-museo, los ya habituales coloquios tras las funciones de los viernes, y el nuevo espacio de creación alrededor del teatro de Luis de Góngora, este año volverán las Tertulias en el Corral, que giran en torno a asuntos que atraviesan nuestra temporada y que tienen como protagonistas a figuras del pensamiento y la gestión cultural: David Roas, Ana Isabel Labra, Alejandro Melero, Juana Escabias, y Gonzalo Izquierdo y Alberto Rodríguez (editores de Dos Bigotes).

Acogeremos una nueva exposición en el ambigú, ya en 2027, en torno a la obra de nuestro querido y recientemente fallecido Juan Sanz Ballesteros, destacado escenógrafo alcalaíno, codescubridor del Corral y figura clave en su recuperación. Seguirá siendo el Corral, además, casa de festivales comoAlcine, Teatralia, Clásicos en Alcalá y Ópera a Quemarropa, de eventos como Escena Patrimonio, la Lectura popular del Quijote y las Tardes en el Corral, así como de múltiples colaboraciones con la Comunidad de Madrid, el Ayuntamiento de Alcalá de Henares e instituciones culturales y académicas. 

Concebida como un poema en movimiento sobre la capacidad humana de renacer, Nascencia es una suite de danza española contemporánea que transita de la herida a la reconstrucción. La obra entrelaza la fuerza de las raíces folclóricas, la emoción del flamenco y la libertad de la creación contemporánea para construir una historia universal sobre la caída, la transformación y el renacimiento.

El espectáculo convierte la resiliencia en experiencia escénica a través de una propuesta en la que movimiento, música, luz, vestuario y color participan de una misma dramaturgia. Sobre el escenario, la oscuridad inicial va dejando paso progresivamente a la luz, haciendo visible ese proceso de transformación que constituye el corazón conceptual de la obra.

Nascencia reivindica al mismo tiempo la capacidad de la danza española para dialogar con el presente. Sus diferentes lenguajes aparecen no como elementos aislados, sino como materiales vivos desde los que investigar y construir una expresión contemporánea sin perder la conexión con la tradición.

Al frente de la propuesta se encuentra Mónica Fernández, directora artística del Ballet Español de la Comunidad de Madrid desde diciembre de 2024. Formada en flamenco, danza española, ballet clásico, escuela bolera, folclore y danza contemporánea, Fernández desarrolló durante más de dos décadas una parte fundamental de su trayectoria en el Ballet Flamenco Antonio Canales como primera bailarina, repetidora y ayudante de dirección. Su carrera como intérprete, coreógrafa y directora se ha desarrollado tanto en España como en importantes escenarios y festivales internacionales.

En Nascencia, Fernández firma la coreografía junto a coreografías cedidas por Rubén Olmo, Premio Nacional de Danza 2015 y director del Ballet Nacional de España desde 2019. El encuentro entre ambas miradas contribuye a articular una propuesta que parte de los códigos de la danza española y el flamenco para explorar nuevas posibilidades escénicas.

La dirección escénica corresponde a Mónica Fernández y Raúl Alonso, mientras que Pedro Yagüe firma el diseño de iluminación. El vestuario ha sido diseñado por Mónica Fernández y Jasanzo, responsable también de los figurines.

Bajo la dirección musical de Lucky Losada, la propuesta incorpora música de Agustín Diassera, Jesús Calluela, Padre Soler, Lucky Losada, Vaqui Losada, Iván Losada y David Cerreduela, además de la adaptación musical de la sonata realizada por Lucky Losada y Bato Hangonyi.

El elenco está integrado por Aaron Miguel Beltrán García, Borja Lebron, Fermín Astrain Cía, Rodrigo García Martínez, Carmen Alonso, Nuria Diez, Alejandro Cerdá, Andrea Antó Hernández, Carmen Segura, Aarón Beltrán, Jan Galvez, Lucía Cardeñoso, Candela Molina, Ainara Cardoso, Iván Fernández Salazar, Isamel Gómez Atienzar, Lourdes Sevilla, Úrsula Mazuelos López, Marina Madiedo, Yeray Fonseca Cadiz, Mario Mingueza y Alejandro Marmol Riquelme. Junto al cuerpo de baile, la música en directo y las voces de las cantaoras Chelo Pantoja y Carmen Ruiz forman parte esencial de la propuesta escénica.

Nascencia invita al público a reconocerse en una experiencia que trasciende el lenguaje estrictamente coreográfico: la posibilidad de caer, transformarse y comenzar de nuevo. Teatros del Canal. 

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Una ópera italiana muy especial, con la parte de tenor más exigente que el compositor haya escrito jamás, y que convierte cada escena en un desafío vocal y dramático. 

L’histoire du chevalier des Grieux et de Manon Lescaut, de Antoine-François Prévost, publicada en 1731, inspiró tres óperas anteriores a la de Puccini: una de Auber (1865), otra de Ponchielli (1872) y la tercera, de Jules Massenet (1884), estrenada con éxito apenas nueve años antes (la misma novela inspiraría también a Hans Werner Henze en su Boulevard Solitude, ya en 1952).

El libreto de Manon Lescaut se resiente de su tormentosa redacción, en la que participaron varios autores, dejando la trama con elipsis y saltos narrativos que, sin embargo, ensambla la poderosa música de Puccini, fluida y evocadora, articulando las distintas escenas con una orquestación de extrema eficacia narrativa.

El drama fatal de Manon podría reducirse a una frase del refranero popular: «quien todo lo quiere, todo lo pierde». La bella y voluptuosa protagonista, con una personalidad impetuosa, voluble, contradictoria y compleja, no consigue renunciar al lujo y opulencia que la seducen, ni al amor que le ata a Des Grieux, que no puede ofrecerle la vida glamourosa y desahogada a la que aspira.

Para el director de escena Carlos Wagner, que debuta en el Teatro Real, Manon se aprovecha de sus relaciones licenciosas con hombres pudientes para financiar una vida económicamente desahogada con su verdadero amor, Des Grieux, incapaz de entenderla y sometido por su pasión hasta el desenlace fatal.

La producción, que evoluciona desde un cierto neorrealismo a la abstracción, se desarrolla sobre una estructura circular, una especie de carrusel de la vida en la que el tiovivo del primer acto da lugar a la intimidad de un boudoir, en el segundo; a la soledad de una cárcel, en el tercero, y a un descampado fantasmal en el final de la ópera.

La escenografía de Frank Philipp Schlößmann y el vestuario de Jon Morrell evocan la sociedad opresiva e hipócrita de los años 40 y 50 del siglo pasado, que guarda similitudes con el ambiente cortesano biempensante de la época de Luis XIV, durante la cual se publicó la novela de Prévost.

La producción, con ritmo y atmósfera cinematográficos, se nutre de distintas fuentes de inspiración, del neorrealismo italiano estetizante de Ossessione, de Visconti, a la intimidad de Eyes Wide Shut, de Kubrick, en la que el espectador presencia, como voyeur, el camino autodestructivo de una pareja.

Para dar voz y vida a la partitura de Puccini se alternarán dos repartos de grandes voces con Sondra Radvanovsky y Saioa Hernández (Manon Lescaut), Michael Fabiano y Jorge de León (Renato Des Grieux), Lucas Meachem y Szymon Mechlinski (Lescaut), Alejandro del Cerro y Albert Casals (Edmondo), secundados por Pietro Spagnoli, Mercedes Gancedo, Javier Franco, Javier Castañeda y Mikeldi Atxalandabaso.

Nicola Luisotti, que despidió la pasada temporada con Il trovatore, inaugura la presente dirigiendo su quinto título pucciniano al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, del que es director honorario.

Con la vuelta de Manon Lescaut, 102 años después de su última interpretación en el Teatro Real, se repara una incongruencia en la memoria artística del coliseo lírico madrileño, producto de su azarosa historia, que en los últimos 30 años se intenta normalizar.

Tras una exitosa gira, la nueva comedia de Gabriel Olivares llega al Gran Teatro Pavón. Un texto ácido y mordaz escrito por Ozkar Galán que pone el punto de mira en las redes sociales avivando un debate social y político que ha llegado ya también a los tribunales.

Hablamos con Ana Arias que protagoniza esta alta comedia junto a Nacho Guerreros, Rebeca Sala y Andrea Alvarado. Encarna a María, toda una especialista en vender humo que es, además, tan peculiar, que merece la pena ver cómo llega al final.

-¿Cuál ha sido el mayor reto a la hora de preparar el personaje de María?

Suele ser la preparación, acercarte a la personalidad según como sea, de diferente o igual a ti; pero en este caso el mayor reto ha sido físico porque la propuesta del director así lo requería. He tenido que trabajar mucho la parte física y la voz porque tampoco en ese sentido tenía nada que ver conmigo. Digamos que María es bastante exagerada, en todos los sentidos. El proceso creativo ha sido muy enriquecedor, Gabriel nos ha puesto a crear, a imaginar y a construir algo mucho más grande de lo que nos habíamos imaginado sólo leyendo el texto. Tienen una mente que no para y eso hace que el proyecto esté vivo.

-¿Cómo describirías a esta comunity manager agresiva?

La obra narra con mucho humor la historia de un escritor de poco éxito que coincide con una comunity manager segura de saberlo todo. Aborda grandes temas, inherentes al ser humano, desde el postureo, a la falta de valores o el amor y las relaciones de pareja.

Mi personaje no tiene pelos en la lengua, es muy segura de sí misma. Tiene toda la verdad y nada más que la verdad en su poder, según ella. Lo que pareces y aparentas es lo que más importa para ella. En su trabajo y en la vida porque no hace diferencias en ese sentido.

-A pesar de estar tan alejada de ti, ¿Te quedas con algo suyo para practicar en tu día a día?

Me gusta la aplastante seguridad que tiene, no se para a pensar si las formas tendrían que ser otras y esa manera tan peculiar de actuar, sin pensar en el que dirán. A veces, eso está bien porque mantener las formas no siempre es lo mejor.

-Comedia feroz e irónica, ¿qué más añadirías?

Diría que es necesaria a día de hoy, estamos a un nivel demasiado elevado de postureo. Da la sensación de que se están poniendo por delante las redes antes que la vida y se hace necesario invitar a reflexionar sobre ello. No está mal criticarlo un poco, desde el humor y la comedia. Mucha gente se va a sentir identificada.

-¿Qué otros temas trata?

Muchos. Desde la ausencia de valores morales hasta la pareja, el amor, la manera de sostener las relaciones…

-El tema de las redes sociales es de rabiosa actualidad, su regulación está ya en el debate político de Europa y en los tribunales se empiezan a tomar medidas, ¿cómo te posicionas en este sentido?

Soy defensora de la libertad en base al control del Estado. Pero no creo que vaya a funcionar. Creo que hay que regularlo, pero en el caso de los niños creo que somos los padres los que tenemos que regularlo.

-Como actriz, habiendo ya lidiado con la crítica y la fama, ¿sientes que tienes más tablas a la hora de enfrentarte a las redes?

Quizás, al menos en el tema de los comentarios, tanto los dañinos como los positivos. Intento dejarlos ahí, que fluyan en un cajón.

-¿Tienes alguna escena favorita en la función?

Me encanta cada vez que María se pone a dominar el cotarro y a decirles lo que tienen que hacer. Lo hace en varias ocasiones, no sabría cual escoger.

De toda la obra, me quedo con el final de la función, que no es como te lo esperas.

-Háblanos del resto del reparto, ¿Cómo habéis encajado?

Nacho y yo llevamos años ya trabajando juntos en “La que se avecina” y lo estamos pasando muy bien con la función, escuchándonos más y riéndonos mucho. Ha pasado una cosa muy graciosa: en la obra mi personaje es el que le abre los ojos a las redes sociales al suyo, pero en la vida real, es él quien más sabe de redes sociales y quien me suele dar consejos a mí, que tengo muy poca idea.

A Rebeca la conocí estudiando en la RESAD y hasta ahora no habíamos coincidido trabajando. Sin embargo, hace poco nos encontramos y justo lo comentamos.

A Andrea la he conocido en esta obra. Gabriel ha sabido crear un clima de creación estupendo, no sólo entre los actores sino entre todo el equipo. Es un genio y formar parte de lo que crea un honor.

-El título de la obra viene con coletilla “la obra que nunca escribió Lorca”. ¿Es esto parte de la estrategia de marketing de María para crear humo?

Responderé con una frase de mi personaje: “¡Pues Claro que utilizando a Lorca de una manera descarada y oportunista!”.

Fotos: Alejandro Palacios y Gerard Magrinyà. Gran Teatro Pavón.

En un taller que evoca una fría línea de montaje, la obra muestra un mundo distópico donde se invierte el mito clásico: los personajes no se tallan en madera, sino que los adultos transforman a los niños en muñecos vivientes. Este perturbador rito de iniciación trastoca el realismo tradicional del teatro de títeres; en lugar de animar lo inanimado, transita de lo vivo hacia el objeto.

«Es una propuesta que sigue una estructura rítmica y sonora en la que los movimientos están estrechamente vinculados al sonido. La escritura escénica está codificada y se convierte así en una forma de maquinaria orgánica que contiene tanto lo humano como el objeto. El reto consiste en reintroducir el movimiento en la imagen, poniendo en perspectiva las metamorfosis entre cuerpos vivos e inertes, y entre cuerpos animados e inanimados», comenta Alice Laloy.

Un montaje creado en colaboración con jóvenes estudiantes del Centre choréographique de Estrasburgo y el Conservatoire de Colmar, este espectáculo se sitúa entre la danza, las artes plásticas y la performance. Una producción inquietante donde, finalmente, los propios niños logran reapropiarse de sus cuerpos a través del movimiento y crear magia en escena. Del 25 al 27 de septiembre. Teatro Valle-Inclán. 

Es un acercamiento poético y escénico a la figura de Leonora Carrington. Inspirada en los diarios Memorias de abajo de la propia Carrington, Leonora aborda temas como el nacimiento de la vocación artística, la violencia psiquiátrica, y la imaginación como enlazadora de tiempos y de mundos.

Para su autor y director, «La obra y la figura de Leonora Carrington nos atraen porque percibimos en ellas la fuerza de voluntad de un ser humano extraordinario que inventó mundos para sobrevivir a un mundo despiadado. Me he inspirado en la belleza, la potencia y la libertad de la artista. La descubrí en México y me fascinó su libertad. Su paso por España, marcado por la violencia histórica, y sus memorias despiertan el impulso de transformar su vida en experiencia”. 

Y añade, «Con Natalia Huarte viajamos a la niñez de la pintora en Reino Unido, pasando por su juventud viajando por una Europa bélica y bulliciosamente artística, llena de luces y sombras, hasta su exilio a México, la tierra que la acogió hasta su muerte en 2011. La obra quiere representar en escena fragmentos del espíritu indócil y sublime de la creadora. Pero, sobre todo, Leonora es una carta de amor a la resistencia, a la rebeldía y al deseo de libertad de Carrington en tiempos de penumbra.» Teatro de la Abadía.

Las propuestas son el resultado de las residencias de creación del Centro Coreográfico Canal.

Comenzará los días 3 y 4 de septiembre con Bailar, del brasileño Gabriel Matías. En él explora la vocación y el proceso de entrega al flamenco desde la mirada de un intérprete brasileño afincado en España.

Por su parte, Paloma Díaz estrenará (8 y 9 de septiembre) Estoy enfadada, estoy rabiosa, una creación surgida de la pérdida forzada de su hogar que transforma el desarraigo en una reflexión sobre la memoria, los cuidados y la identidad. El 12 y 13 de septiembre será el turno de Guacamayo, propuesta del artista multidisciplinar José Maldonado en la que el baile, la música en directo, el cante y la pintura confluyen en un mismo impulso creativo.

La programación de septiembre se completará con Eclipse, de la compañía alemana Yibu (días 17 y 18), que convierte el arte marcial tailandés krabi krabong en un lenguaje coreográfico contemporáneo; RÆM – las aguas mentales, de Javier Martín, los días 22 y 23 y Líquido infinito, de Carmen Fumero, (26 y 27), una pieza que sitúa el espacio compartido entre los cuerpos como punto de partida para explorar nuevas posibilidades de movimiento y relación.

Ya en octubre, los días 3 y 4 Elías Aguirre presentará Enjambre Rave, una creación para tres intérpretes que establece un diálogo con la música electrónica. Los días 10 y 11, y con la colaboración y el apoyo de la Fundación Casa de México en España, la compañía mexicana Cuatro X Cuatro y Shantí Vera estrenarán La razón sensible, una investigación escénica que reivindica el cuerpo como espacio de pensamiento, percepción e imaginación.

BeqVeg – Begoña Quiñones & Verónica Garzón reflexionarán (los días 29 y 30) en moNo nO aWare (NOW) sobre la fragilidad de las estructuras que sostienen la existencia y la belleza de lo efímero. Canal Baila continuará los días 3 y 4 de noviembre con Antes del alba, de José Ángel Capel, una investigación sobre los orígenes del canto en la tradición popular española y concluirá los días 3 y 4 de diciembre con Coro de estancias x Ana Almagro, una propuesta de flamenco contemporáneo en la que una coral de voces y el cante dialogan para indagar en la memoria, el imaginario y el propio proceso creativo de la artista.

Teatros del Canal.

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