“La aventura de la palabra” es una producción del Teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa.

Para el dramaturgo Raúl Losánez, “Fernán Gómez basó su discurso de ingreso a la Real Academia sobre la ‘palabra’; así, en su más amplio y etéreo sentido. Sobre la palabra escrita y sobre la palabra hablada; sobre los variados usos que los seres humanos hemos hecho y hacemos de ella…”

Y, según nos comentó Nancho Novo, “La obra habla de la incertidumbre de la creación, de la agonía que el proceso creativo produce en el creador. Habla de los miedos, de los complejos y de las aspiraciones de un ser humano. Habla de la fuerza sustentada desde la fragilidad… Fernán Gómez fue tan versátil y prolífico que es difícil, imposible encasillarlo. Pero, para mí, la faceta que siempre quedará será su impronta de cómico, que me hacía reír…”
 Teatro Fernán Gómez CCV (Sala Jardiel Poncela).

En la programación hay once montajes de teatro, cinco espectáculos de danza, dos de circo y uno de artes escénicas de calle. Una variada selección en la que participan compañías de Canarias, Cataluña, Madrid, Andalucía y Valencia.

Salas de teatro, espacios no convencionales y las calles de la propia ciudad de  Alcoy serán los escenarios de cuatro jornadas en las que comparten protagonismo jóvenes creadores, voces marcadas por el carácter innovador y compañías de larga trayectoria.

El director de la feria, Josep Policarpo, ha diseñado una programación en la que destaca la apuesta por la danza en formato breve, que permite llevar la creatividad a espacios abiertos y lugares de exhibición no convencionales. Y que dinamiza la agenda diaria de los profesionales que ven toda la programación de la feria, intercalando piezas largas de teatro, pensadas para exhibición en sala, con otras donde la vía de expresión es el cuerpo y que salen de los escenarios para ir al encuentro del público.

La Mostra acoge el estreno de una versión especial de “Carne de bronce” (de Cristina Reolid), una mezcla de la danza contemporánea con el flamenco más clásico.

En la programación están las obras “Loca” de Cienfuegos Danza, que habla de la migración incluso interna, buscando las raíces y la propia esencia. También “Unarys” (de la Cía. Eszer) habla de un viaje, esta vez para conectar con la naturaleza y el universo.
Por su parte, “Liebe” (de Titoyaya) habla del amor que surge de un encuentro, una mirada, una chispa, mientras que “Flop” (de Antonio Ruz) explora la posibilidad de fallar, de fracasar en una sociedad obsesionada por el éxito.

El circo también tiene presencia en la programación con “Play Time”, (de Kanbahiota & Chisgarabis). Una propuesta para explorar la libertad de quien no aspira a encajar en las convenciones sociales y que, como los niños y niñas, disfruta del placer del juego. Y, para todos los públicos, se presentará “Fins al cel” (de Spinish Circo), una pieza de acrobacias y equilibrismo.

De artes de calle es las pieza “I si fem un clàssic?” (de Visitants), una comedia que recrea escenas de balcón con textos de Lope de Vega, Tirso de Molina o Calderón de la Barca.

Una novedad este año es la presentación de piezas de teatro breve dentro de la programación como “¿A qué sonaremos cuando ya no estemos?” (de Vivirei Teatro) o “Y No Diva” (de Laestal) mezcla comedia, auto ficción, musical y ópera.

De teatro de texto se podrá disfrutar de la versión escénica de “Misery” (de Saga Producciones), con Carmen Conesa. Una adaptación de José Sáiz, badada en el angustioso thriller sobre un escritor accidentado del que se hace cargo una ávida lectora.

Y de nuevas voces de la escena valenciana representadas por Víctor Sánchez Rodríguez con “El aguante” (IVC–Cámara Blanca), una historia que reinterpreta a Chéjov desde el siglo XXI. Y por Borja López Collado, con “Medea (Historia de un ghosting)” de Triangle Teatre, que traslada el mito griego a un Benidorm en temporada baja donde una joven ucraniana huye de la guerra para caer en un tóxico triángulo amoroso. 

También estará Patrícia Pardo con «Canviarem bolquers segons el BOE» (de Contrahecho Producciones). Una creación que mezcla el lenguaje clown con la comedia física y un texto comprometido para explorar los cuidados en esa edad en la que se tiene que compaginar la crianza de los hijos con la atención a los padres.

Y “Vendrán los alienígenas y tendrán tus ojos” (de Nave 10 Matadero–Pecado de Hibrys). Una pieza que establece un paralelismo entre la irrupción de un nuevo amor en la mediana edad con un avistamiento de un OVNI y con un contacto con extraterrestres.

Según Josep Policarpo, “Se celebrarán una serie de actividades en el Ágora, con la colaboración de asociaciones profesionales y atendiendo a las propuestas que llegan desde el propio sector. Habrá desde ruedas de negocio a presentaciones de programas de intercambio cultural, de libros y de manuales de buenas prácticas para la protección de los derechos de autoría o la contratación. Queremos apoyar todavía más aún al sector de las Artes Escénicas que es uno de nuestros objetivos primordiales, haciendo de Alcoy un punto de encuentro imprescindible durante los días en los que creadores, programadores, distribuidores y público compartirán patio de butacas. La Mostra presenta las artes escénicas como una fuente de riqueza cultural, de dinamismo creativo…” Del 1 al 4 de Junio. Alcoy (Alicante).

Titirimundi volverá a abrir una ventana a la riqueza de la ilusión que propicia la creación artística, en su labor por preservar y difundir el arte del teatro de títeres como patrimonio cultural universal, y a apostar por el teatro de objetos, manteniendo los hilos, el guante, varillas, cuerpo…
Esta edición, que contará con dos estrenos absolutos y montajes que fusionan diversas disciplinas artísticas, también estará marcada por el deseo de honrar la memoria y a algunas de las figuras y compañías emblemáticas de la historia del festival, con una mirada al futuro: espectáculos con cierto sabor a ciencia ficción que ahondan en el paso del tiempo, la necesidad de volver a la esencia, a la patria de la infancia y al juego primigenio; la muerte y la vida; y la voluntad de continuar, a pesar de los obstáculos.
Habrá espectáculos en 48 pueblos de la provincia de Segovia y en Ávila, Salamanca, Zamora, León, Palencia, Madrid (en el Parque de El Retiro, Quinta de los Molinos, Centro Arturo Soria y Museo Lázaro Galdiano y en las localidades de Soto del Real, Guadarrama y Móstoles); Barañáin (Navarra), Villar de Torre (La Rioja) y Redondela (Pontevedra).

Es una de las comedias de enredo más conocidas y representadas del dramaturgo Lope de Vega. Ahora es llevada a escena por un gran elenco de actores y actrices en una nueva adaptación escrita por Xus de la Cruz y dirigida por Josep María Mestres. Hablamos con Carolina Rubio, Silvana Navas, Carlos Serrano y Pablo Béjar.

CAROLINA RUBIO
-¿Cómo es Finea?
Es muy ingenua, sin filtros y aparentemente torpe. Y su torpeza la convierte en objeto de burlas. Es una persona que no tiene filtros ni pudor en decir lo que piensa y a la que se la ha atribuido un roll dentro de su familia que se ha creído. Es un ser libre sin saberlo y muy transformable, tiene un gran potencial que despierta conforme avanza la función. No es el que amor la salve, es que se activa algo que ya estaba en ella…

-En el Madrid del S.XVI, Finea, heredera de una gran fortuna, es prometida en matrimonio con Liseo. Laurencio, el enamorado de su hermana Nise, interesado también en la dote de Finea, trata de enamorarla con palabras y requiebros que ella desconocía. Llegado el momento de la presentación de los prometidos, Liseo, decepcionado por el imprudente y “bobo” comportamiento de Finea, renuncia a casarse con ella… ¿Qué añadirías sobre la historia que nos narra esta obra?
Que más allá del enredo amoroso, la obra plantea una pregunta muy actual: cuánto de lo que somos es realmente nuestro y cuánto viene determinado por el entorno. Y en el caso de Finea, cuando cambia su entorno social, cambia también su forma de pensar y de entender el mundo.

– ¿De qué le habla tu personaje al público?
Habla de cómo la mirada de los demás y los roles que se nos atribuyen nos construyen. A lo largo de la obra, cuando cambia la forma en la que la ven, también cambia la forma en la que ella se percibe a sí misma. En este sentido, le habla al público de la importancia de no etiquetar, de no dar por hecho quiénes somos, porque todos estamos en constante transformación. Finea me parece un personaje muy luminoso, no cambia para encajar, sino que descubre una versión mas completa de ella misma, y eso conecta mucho con la idea de que todos tenemos partes aún por descubrir si se nos da el espacio adecuado.

-¿Qué párrafos de tu personaje destacarías? ¿Por qué?
“Nunca oscura yo seré; Los libros me han brindado, Astrolabio delicado, donde universos veré”
“Tu desataste y rompiste la oscuridad de mi ingenio”
“Yo no entiendo cómo ha sido.  Desde que el hombre me habló porque si es que siento yo, Él me ha llevado el sentido…”
Porque descubrirse a sí misma hablando con un lenguaje distinto y descubriendo el mundo con otra mirada y con otro conocimiento es algo que me fascina.

-¿Qué personalidad tiene Liseo?
Liseo es un personaje realista que encarna los valores tradicionales del matrimonio y la jerarquía social. Es racional y práctico y actúa movido por la lógica social y el prestigio. Es un caballero que da valor a la inteligencia.

CARLOS SERRANO
-¿Quién es Laurencio?
Es un disfrutón y un superviviente. Un seductor al que la vida le seduce. Al principio de la obra se enfrentará a tomar decisiones porque, aunque él quiera, no se puede tener todo, y a sacrificar y renunciar a una parte importante de él. Con todas las consecuencias que eso conlleva.
-Según Mestres, “La sensualidad y la belleza de los versos de Lope te desarman con una profundidad serena y una sencillez clara; con una complejidad transparente. Y siempre sientes que te habla de aquello que nunca hubieras podido expresar, pero que, sin duda, reconoces como propio”
Lope es adrenalina y a la vez pausa en el tiempo. Profundiza sobre el alma humana y nos hace pensar. Es alucinante como los versos de Lope, escritos en el siglo XVII, vuelven a nosotros con la misma vigencia.
-Si tuvieras que elegir varias escenas de tu personaje… ¿cuáles serían? ¿por
qué?
Cuando llega Liseo a la casa de Otavio. Y la escena con Finea del tercer acto. Y comenta que “Tenemos muchas ganas de compartir el resultado de los ensayos con el público que venga a vernos…”.

-¿Qué frases de tu personaje destacarías? ¿Por qué?
“Soy tan pobre como bien nacido”, es un buen verso para definir al personaje. Su pobreza, y evitarla, es la razón para tomar la decisiones que toma. “Se atreve a censurallos/quien no se atreve a entendellos”, más de 400 años después de ser escrito, no puede ser más actual este verso.
La obra habla de las pasiones cotidianas con las palabras mejor hilvanadas de la Literatura de nuestra lengua.

-¿Y una parte de la función que te encanta es…?
Uno de los pocos momentos en los que el personaje se queda solo, sin otros ante los que fingir o actuar de tal o cual manera. Es la parte en la que se ve claramente la honestidad más pura y brutal del personaje.

-¿Cuáles son los principales temas de los que nos habla esta función?
Esta obra trata del amor y de sus consecuencias. Cuando el amor te sorprende y te hace engrandecerte, y cuando el amor te abandona y te reduce a cenizas. El amor reflejado en muchas de sus variantes: el amor fraternal, el amor por admiración, el amor y la falta de él. Habla del miedo a la soledad, de lo imposible que es controlar los sentimientos, de la necesidad de sobrevivir en un mundo que dominan los hombres. Y, sobre todo, de lo necesarios que son la cultura, las letras y el conocimiento.
-¿Quién y cómo es Nise, tu personaje?
Es la hermana mayor de Finea. Nise es una mujer ávida de conocimientos, interesada en las letras, en la filosofía, en los versos y en la cultura. Ella cultiva el intelecto y el mundo de las ideas. Es un personaje elegante, educado, mental, racional y lógico. Es muy inteligente pero, como no tiene la misma dote que su hermana, no tiene tantas posibilidades para casarse como Finea. Creo que Nise es un personaje que se defiende de la situación mediante la cultura y el conocimiento, pero que es terriblemente vulnerable ante el amor.
-¿Por qué es diferente esta versión?
Creo que esta versión es diferente porque da espacio a que los personajes femeninos tengan voluntad propia y cierta capacidad de decisión, aunque respetando las palabras de Lope. La adaptación hace que se genere un punto de profundidad sobre los personajes femeninos. Por tradición cultural y social, los personajes femeninos han quedado relegados a las voluntades masculinas, y esta versión favorece que tanto Finea como Nise tengan un punto de vista y una opinión respecto a sus propias vidas, que no sean solo marionetas víctimas de los caballeros que las rodean, teniendo siempre en cuenta que hablamos de mujeres en el siglo de Oro.
-Según Mestres, “La pieza se centra en la transformación de la boba Finea. A través de ella vemos cómo, desde su aparente ingenuidad, va adquiriendo un conocimiento propio, un saber que se nutre del amor y de la curiosidad y que le permite desprenderse de las máscaras…” ¿Qué añadirías?
Que es una de mis obras favoritas de Lope. Mezcla amor, humor, sensibilidad. Soy muy afortunada de poder interpretar este personaje.

Completan el elenco Joaquín Notario, Markos Marín, Concha Delgado y Víctor de la Fuente.

Es una producción del Festival Hispanoamericano del Siglo de Oro CAM. Clásicos en Alcalá y Octubre Producciones. Fotografías de Javier Naval. Del 28 de Mayo al 14 de Junio. Teatros del Canal.

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La tercera fuga, Los nuestros y Fuenteovejuna son tres de los montajes con mayor número de candidaturas, y Faula, No y Zorra dorada son los montajes de danza más destacados. Los ganadores se anunciarán el 1 de junio en una gala que tendrá lugar en el Teatro Romano de Mérida, retransmitida por La 2 de RTVE y RTVE Play.

Los finalistas son:

–Mejor espectáculo de teatro

• 1936 de Centro Dramático Nacional (CDN – INAEM), El Terrat de Produccions, Check-in Producciones

• El entusiasmo de Buxman Producciones (Teatro Kamikaze), Centro Dramático Nacional (CDN – INAEM)

• Fuenteovejuna de Compañía Nacional de Teatro Clásico

• La tercera fuga de Teatre Nacional de Catalunya

• Los nuestros de Centro Dramático Nacional (CDN – INAEM) y Teatre Nacional de Catalunya

• Irene Escolar por Personas, lugares y cosas

• Lidia Otón por Los cuernos de Don Friolera

• Mona Martínez por Los nuestros

Mejor actor

• Miki Esparbé por Los nuestros

• Ton Vieira por La tercera fuga

• Xavo Giménez por Yo soy 451

Mejor espectáculo de danza

• Carrer 024 de Sol Picó

• Doma de DDC Danza – Daniel Doña

• Faula de Roser López Espinosa, Consorci Mercat de les Flors

• Folk as queer de La Ikònica

• No de La Venidera, Centro Danza Matadero – Madrid Destino, Cultura, Turismo y Negocio, Festival Grec, Fira Mediterrània de Manresa

Mejor dirección de escena

• Lucía Carballal por Los nuestros

• Rakel Camacho Ríos por Fuenteovejuna

• Victoria Szpunberg por La tercera fuga

Mejor espectáculo musical o lírico

• Hacia ecos de lo sagrado de Nao d’amores

• Nozing de Ual·la

• Opereta Imaginaria de Centaure Produccions y Centre de les Arts Lliures – Joan Brossa

-Mejor espectáculo de calle

• Gota de Txema Muñoz

• Triplette de LaBú Teatre y Cris Clown

• Welcome & Sorry de Ganso&Cía

Mejor espectáculo para público infantil, juvenil o familiar

• ¡Soy salvaje! de La Maquiné

• El bosque de Coco de La Buena Compañía

• La Maestra de Anita Maravillas & Portal 71

-Mejor espectáculo revelación

• Taxidermia de una alondra de Iván López-Ortega

• Torcidxs de Ane Sagüés Abad (Las Nenas Theatre)

• Zorra Dorada de Elisa Forcano y Barbecho Productions

-Mejor autoría teatral

• Lucía Carballal por Los nuestros

• Santiago Cortegoso por Reconversión

• Victoria Szpunberg y Albert Pijuan por La tercera fuga

-Mejor autoría revelación

• Elisa Forcano por Zorra Dorada

• Iván López-Ortega por Taxidermia de una alondra

• Rosa Escrig por Polígono

-Mejor adaptación o versión de obra teatral o coreográfica

• Ainhoa Amestoy por Los cuernos de Don Friolera

• Pablo Messiez por Personas, lugares y cosas

• Xavo Giménez por Yo soy 451

-Mejor composición musical para espectáculo escénico

• Fran Lasuen por La Maestra

• Modesto Lai y Alba Rubió por Nozing

• Raquel Molano Aylagas, Pablo Miguel Peña de Huelva y Darío del Moral Martínez por Fuenteovejuna

-Mejor coreografía

• Daniel Doña y Cristian Martín por Doma

• Irene Tena y Albert Hernández por No

• Roser López Espinosa por Faula

-Mejor diseño de producción privada

• El Aedo Teatro por Poeta (perdido) en Nueva York

• La Cubana por L’amor venia amb taxi

• Sol Picó por Carrer 024

-Mejor diseño de espacio escénico y videoescena

• Beatriz San Juan y Miquel Angel Raió por 1936 (diseño de espacio escénico y videoescena)

• Blanca Añón por Orlando (diseño de espacio escénico)

• Cube.bz por Little Women (diseño de espacio escénico)

Mejor diseño de vestuario

• Agustín Petronio por Orlando

• Pau Aulí Nadal por Little women

• Rosa García Andújar por Fuenteovejuna

Mejor diseño de iluminación

• Ion Chávez por La Maestra

• Nuno Meira por Orlando

• Pedro Yagüe por Blaubeeren

Mejor intérprete femenina de danza

• Elisa Forcano por Zorra Dorada

• Irene Tena por No

• Isabel Vázquez Torres por Zambra de la buena salvaje

Mejor intérprete masculino de danza

• Albert Hernández por No

• Genaro Cibils por Faula

• Juan Berlanga por Juancaballo

Mejor elenco de danza

• Carrer 024 de Sol Picó

• Faula de Roser López Espinosa, Consorci Mercat de les Flors

• Folk as queer de La Ikònica

Mejor elenco de teatro

• 1936 de Centro Dramático Nacional (CDN – INAEM), El Terrat de Produccions, Check-in Producciones

• Fuenteovejuna de Compañía Nacional de Teatro Clásico

• La tercera fuga de Teatre Nacional de Catalunya

“Si Miguel Delibes me enseñó a mirar, Fernando Fernán-Gómez me enseñó a escuchar. Durante unos años tuve el privilegio de estar cerca de él y escucharle, entre otras, la historia de Fernanda López, “la rubia”, su bisabuela, de la que heredó el color de pelo y que era de Valdelaguna, un pueblo al lado de Chinchón, el mío… Y de Carolina Gómez, costurera, la abuela que cuidó de su infancia como Natividad López cuidó de la mía. Fernán Gómez quiso ¿por qué no? ser Jackie Cooper, “el de “La isla del tesoro”, y también, decía, quería ser “escritor de novelas de Salgari”…

Con estos maravillosos párrafos nos presenta José Sacristán  “El hijo de la cómica”, un monólogo que, además de protagonizar, ha versionado y dirigido.

Para escribirlo, el actor se ha inspirado en la primera parte de las memorias de Fernando Fernán Gómez  (de 1921 a 1943) y en sus conversaciones privadas con el actor y director durante muchos años en los que compartieron viajes, cientos de conversaciones, confidencias, bromas…  Un homenaje al que Sacristán define como “mi gran amigo. El maestro”.

-En el escenario, das vida a trece personajes…

Sí. Ya hice una lectura dramatizada el año en el que Fernando Fernán Gómez hubiera cumplido 100 años y en el que daba vida a seis personajes.

Después escribí esta nueva función, más compleja y más arriesgada que aquella lectura.

-El monólogo nos habla de sentimientos y emociones como la ternura,  la melancolía…

Son historias de supervivencia, de ausencias, de miedos, de esperanzas, de sueños de libertad.

-Dices que Fernán Gómez te enseñó a escuchar. ¿A qué más te enseñó?

Tuvimos una amistad artística y humana que marcó mi trayectoria profesional. Me enseñó a conversar. A lo que es la capacidad de transformar… A disertar, a dialogar. Era un hombre que era capaz de hablar de forma inteligente hasta de lo que era disfrutar de beber un vino blanco.

-¿Te gustaría que le conociesen las nuevas generaciones?

Después de más de 60 años de carrera y a mi edad ya he aceptado que todo es efímero e intrascendente. Y que hay que ser humilde. ¿O saben muchas personas jóvenes quienes fueron Homero, Mozart o Esquilo?. No aspiro a que trascienda tampoco este monólogo. Me gustaría que los espectadores jóvenes vinieran a ver esta función pero también los de todas las edades.

-¿Qué se siente estando solo en el escenario?

Si hay un buen texto, hay un buen compañero en el escenario. Y también quiero que sea el público mi compañero de este viaje… Si hay un público al que le interese lo que cuento, ya tengo un buen compañero… Voy a contar historias como “se me antojaban las voces de su abuela y de la mía, la lejana de Carola, su madre, la de María, la criada analfabeta…”

La temporada pasada hemos estado de gira con el monólogo “Señora de rojo sobre fondo gris” de Miguel de Delibes. Con gran respaldo del público. Ahí está el triunfo.

-A Fernán Gómez no le gustaba hacer Teatro. ¿De esto también hablas en esta función?

Subirse a un escenario no le gustaba, no. Decía: “Me cuesta tanto memorizar un texto y soltarlo en un escenario que no me merece la pena…” Tenía mucho sarcasmo. Había algo en él que… Para conversar, tenías que despojarte de cualquier frase hueca. Era formidable.

-Has estado de gira con esta función por algunos teatros en España. ¿Cómo ha sido la reacción del público? ¿Te ha sorprendido alguna reacción o comentario de algún espectador en concreto?

A mí me sorprende cada día que veo el Teatro lleno. Me importa la calidad del público, que recibe este monólogo con aplausos. Estoy muy contento y les estoy muy agradecido.

Estoy recogiendo poco a poco el interés que está suscitando esta función…

-¿Sigues pensando que el Teatro “engancha”?

Por supuesto. Mientras “la madre naturaleza” me lo permita, seguiré actuando.

No pienso dar el espectáculo encima de un escenario tampoco porque esté en un estado de salud lamentable. Yo quiero seguir practicando lo que tiene de juego el ser actor.

-¿Qué destacarías de la puesta en escena de “El hijo de la cómica”?

En el escenario hay algunos objetos. Pocos. Los necesarios para apoyar las transiciones… Y tenemos proyecciones que sirven para situar al espectador en el contexto histórico.

También hay videos de Fernando Fernán Gómez. La escenografía audiovisual es de Juan Estelrich y el diseño de Iluminación de Tatiana Reverto.

Y termina José Sacristán diciéndole al público: “Confío en que me escuchéis con la misma o parecida emoción con la que yo le escuchaba a él, a Fernán Gómez, al nieto de la costurera…al hijo de la cómica.”

Es una producción de Pentación Espectáculos. Desde el 29 de Abril. Teatro Bellas Artes.

Carolina África ha escrito, dirigido y es una de los tres protagonistas de esta producción del Centro Dramático Nacional.

-Comentas en la presentación de “Una buena vida” que es una oda a las historias humanas que habitan en circunstancias difíciles, recordándonos lo bonito que es estar vivos…” ¿Tu obra reivindica el positivismo de la vida? ¿Por qué?
Mi obra centra la mirada en lo que de verdad importa. Lo que emana en situaciones difíciles y nos conecta con lo esencial de la vida. Es una reivindicación de los cuidados, de la ternura, de la necesidad de sostenernos, de abrazarnos. La razón es muy sencilla, es una historia personal que me ocurrió en uno de los momentos más frágiles de mi vida y donde he conseguido hacer algo artístico (y creo bello) de una situación terrible.

-Háblanos del personaje que interpretas en la función…
ELLA es una mujer verborreica que sacará a la palestra muuuuchos temas que abarcarán desde lo más escatológico a la mitología griega. Es divertida, sarcástica, frágil, directa, consciente y rebelde.

-En la historia, una mujer se ve obligada a permanecer durante diez días en un hospital público, separada de su bebé recién nacida. Durante su ingreso comparte habitación con Teresa, una anciana octogenaria con demencia senil y un enfermero de la sanidad pública que las cuida a ambas. ¿Puedes añadir algo más sobre la historia que nos vais a narrar?
Que seguramente los espectadores experimenten un amplio abanico de emociones que van de la risa a la lágrima. En una sala tan íntima y cercana como la Princesa viajarán con nosotros de una manera muy especial. Nuestra historia (de alguna manera) va a conectar con las suyas propias y la sacudida será inevitable.

-¿Cómo describirías a los personajes que interpretan Jorge Kent y Ahimsa?
Jorge Kent es un actor impresionante y sobre todo un gran amigo. Está siendo una delicia y un lujo trabajar otra vez con él; desde “Vientos de levante” no habíamos vuelto a trabajar juntos y tenía muchas ganas. Aquí Jorge interpretará a un enfermero que de alguna manera encarna a todo ese tesoro que es la sanidad pública. Es un reto muy difícil porque estamos trabajando con una cantidad de acciones pequeñas que exigen una verosimilitud y una preparación minuciosas. Su viaje emocional es complejo y sorprendente y él está inmenso.
Ahimsa interpreta a Teresa, una anciana octogenaria que va a tocar el corazón de los espectadores. Su trabajo es igualmente muy difícil, con una exposición física muy valiente (un desnudo tan hermoso…) y un trabajo interpretativo exigente, delicado y brutal. Su personaje no dice una palabra pero toda ella, su presencia, como en “La más fuerte” de Strindberg, lo dirá todo.
-¿Qué es lo que más te gusta de poder llevar a escena como actriz protagonista una obra que también has escrito y dirigido?
Lo que más me gusta y a la vez más me aterra es la apertura en canal que voy a hacer con los espectadores. Compartir mi corazón desde la fragilidad, la honestidad y la incertidumbre.

-¿Dónde reside el humor en esta función?
Me interesa mucho la risa que nace de la lágrima de forma inesperada, también la risa que brota de ver a un personaje meterse en problemas o incluso sufrir. Me gusta provocar risas de desahogo en situaciones incómodas. Soy muy payasa y disfruto con las respuestas ágiles, irónicas. También habrá comedia por el uso de un lenguaje muy directo, escatológico y bastante bestia que descolocará a más de uno porque no lo considere apropiado para decirse en un teatro. Lo siento… la obra es así.

– ¿Qué papel tienen en el desarrollo de la historia las voces en off de Pilar Manso, Irene Provencio y Sergio Provencio?
Para mí es muy especial, son mis hijos y mi gran amiga Pilar, actriz que me ha acompañado en varios montajes. Ellos tres encarnan a los familiares de las dos mujeres ingresadas y conectan el mundo exterior que espera y aguarda fuera de este hospital. Aunque la participación de mis hijos es pequeña, en el fondo, Irene es la gran protagonista de esta historia y Sergio también.

Fotografías de ensayos de Bárbara Sánchez-Palomero. Teatro María Guerrero (Sala de la Princesa).

María Adánez y Ana Garcés son las dos actrices que protagonizan esta versión de Eduardo Galán de la obra que escribió Arthur Miller. Un drama familiar que avanza inevitablemente hacia la tragedia griega y que también interpretan José Luis García Pérez, Pablo Béjar, Rodrigo Poisón, Francesc Galcerán, Manuel de Andrés y Pedro Orenes.

Una función sobre los límites entre el deber y el deseo, sobre la lealtad y la justicia, con una puesta en escena muy cinematográfica.

-¿Quién y cómo es tu personaje? ¿Qué tipo de relación mantiene con el personaje de Eddie?

MARÍA ADÁNEZ: Beatrice es la mujer de Eddie Carbone (José Luis García Pérez). Representa el sentido común, el equilibrio, la intuición. Es una buena mujer. Es acogedora, cálida y escucha a los demás. Pero es una mujer también de esa época (de los años 50 en Brooklyn). Eddie y Beatrice han tenido una buena vida. Se han hecho cargo de esta sobrina que es la hija de mi hermana que murió.

Hasta la llegada de esos primos a la casa era una vida común, la de una familia humilde, de Brooklyn. Beatrice va a estar en todo momento intentando evitar lo inevitable, lo que ocurre al final de la función. Y de lo que ella es consciente desde la primera escena. Intuye lo que va a ocurrir y protege a su marido hasta el último momento.

ANA GARCÉS: Catherine es una chica joven, inocente al principio de la obra y muy ilusionada con la vida. Quiere crecer, descubrir el mundo, enamorarse pero todavía vive bajo la protección de sus tíos Beatrice y Eddie.  Es una joven sensible e impulsiva pero también decidida y valiente que, poco a poco, se empieza a atrever a tomar sus propias decisiones. Su relación con Eddie es complicada. Es su figura paterna. El concepto del amor de Eddie es una mezcla entre la protección y algo más oscuro que ni él mismo sabe gestionar. Yo creo que Eddie es un personaje muy trágico, porque está atrapado en lo que siente y no sabe cómo manejarlo, y eso le lleva a destruirlo todo.

-La obra está ambientada en los años 50 en el barrio de Red Hook, en Brooklyn (Nueva York). Eddie Carbone es un estibador que vive con su esposa Beatrice y con Catherine, la sobrina de su mujer. La llegada de dos inmigrantes ilegales, Marco y Rodolfo, desata una serie de conflictos que revelan las pasiones ocultas de Eddie…

MARÍA: Es una mirada precisa sobre esta familia y narra lo que le ocurre a Eddie Carbone cuando, de una manera inconsciente, se da cuenta de que está enamorado de su sobrina que, por su parte, se ha enamorado de uno de estos dos inmigrantes ilegales. Y empieza a darse cuenta de que hay un torrente de sentimientos hacia esa niña. Por otra parte, impide a Rodolfo (interpretado por Pablo Béjar), un pobre chaval, buena persona, disfrutar del amor que siente por Beatrice. Arthur Miller utilizó el tema de la inmigración ilegal de la época para denunciar a esa sociedad porque Eddie no es capaz de aceptar sus emociones y sus sentimientos hacia Beatrice. Termina denunciando a estos dos hombres a la Policía de Inmigración como forma de acabar con esa relación.

ANA: Es como una bomba emocional que va creciendo poco a poco. Todo parece tranquilo al inicio de la función. Pero, posteriormente, hay tensiones muy fuertes. celos, deseos ocultos, miedo… Cuando llegan Marco y Rodolfo a la casa todo eso explota. Es una historia muy humana en la que se sufre por la ruptura de una familia.

-Dice Eduardo Galán, el adaptador de esta obra de Arthur Miller que “En nuestra versión potenciamos el drama pasional y la conducta irracional de los personajes que se dejan dominar por el deseo…”. ¿Estás de acuerdo?

ANA: Sí, totalmente. En esta obra nadie actúa desde lo racional. Todos están movidos por emociones muy fuertes: amor, celos, orgullo… y eso hace que tomen decisiones que, aunque saben que no son las correctas, no pueden evitar tomarlas. Son personajes viscerales.

MARÍA: Tanto la versión de Eduardo Galán como la obra original tienen un esquema de tragedia griega, clásica. Me gusta mucho la idea que plantea Miller del hombre contra los instintos más profundos,   contra el Mundo, contra las leyes de la época. 

-Si tuvieras que elegir varias escenas de tu personaje, ¿cuáles serían?

MARÍA: Me gusta mucho la que tengo con mi sobrina en la que le digo que “tiene que empezar a crecer, que no se puede comportar como una niña, que tienen que tomar sus decisiones”. Está muy bien escrita. Y también me gusta mucho una escena que tengo a solas con Eddie en la que le digo:“No te preocupes. Ya volverán. Se han ido al cine pero no hay mayor problema en eso…”.

ANA: Una de las escenas que más disfruto es la primera, cuando llegan los primos inmigrantes a casa. Otra es la escena en la que Catherine le pregunta a Rodolfo que si se seguiría queriendo casar con ella si se tuviesen que ir a vivir a Italia. Y, obviamente, las escenas de su conflicto con Eddie. Son muy duras, pero muy potentes.

-Según tu opinión, ¿Qué ha aportado la particular visión de Javier Molina (actual codirector artístico del Actors Studio) al dirigir esta versión?

MARÍA: Mucha frescura, mucha verdad. Hay dos cámaras que toman planos de lo que está pasando, llevamos micros para que la proyección sea más íntima. Tenemos muchas veces la sensación de que estamos haciendo cine. Y hemos levantado esta función a base de muchas improvisaciones, para que los actores encontremos los movimientos necesarios y los personajes sean adecuados. Hemos construido todo el elenco la escenografía, hemos participado en todo el proceso. Ha sido un trabajo muy bonito. No ha habido una opinión externa impuesta sobre el montaje. Lo hemos descubierto entre todos.

ANA: Yo creo que Javier Molina ha conseguido que todo sea como más cercano y más crudo. No es una historia lejana o antigua,  la sientes muy presente. Ha sacado mucho la verdad de los personajes, sin adornos, y eso hace que el público conecte más. Además de haber focalizado mucho en la familia. Para él era lo más importante, que fuese lo más parecido a una familia de verdad.

-El abogado Alfieri (interpretado por Francesc Galcerán) es también el narrador en esta obra. Su personaje recuerda al coro de las tragedias griegas…

ANA: Alfieri es como la conciencia de la obra. Está ahí viendo lo que pasa, sabiendo que todo va a acabar mal, pero sin poder evitarlo. En esta versión es alguien que nos guía emocionalmente, como si nos dijera: “¡mira, esto es lo que pasa cuando no controlamos lo que sentimos!”.

-¿Por qué no debería perderse esta función el público actual?

MARÍA: Es una función que, como espectador, desde que empieza hasta que acaba estás con mucha tensión y pensando “Ay, Dios mío, qué va a pasar!”. No sobra ninguna escena, no sobra ningún diálogo. Es una tragedia muy bien escrita. Es un montaje distinto, es muy atractivo, el elenco es estupendo. Todo es redondo.

ANA: Porque es una historia que, aunque esté ambientada en los años 50, sigue pasando hoy. Los conflictos emocionales, los celos, las relaciones tóxicas… todo eso sigue muy presente. Y además es una obra que te remueve, que no te deja indiferente.

Completan el elenco Rodrigo Poisón, Manuel de Andrés y Pedro Orenes. Fotografías de escena: Gerardo Sanz. Del 16 de abril al 17 de mayo. Teatro Fernán Gómez CCV.

Reúne a compañías llegadas de toda España. Acoge 24 espectáculos inclusivos representados por 15 compañías de Madrid y 8 de otras Comunidades Autónomas.

Se representarán obras en varios espacios madrileños como Teatro del Barrio, Teatro Lagrada, Bululú 2120, La Usina, Nave 73, Teatro Tyl Tyl, y la sala Tarambana. Y en el Centro de Artes Circenses Carampa de Madrid se realizará un Paseo Escénico para personas con discapacidad visual y/o intelectual.

También habrá programación en espacios fuera de Madrid: la Sala Mercantil (Balaguer-Lleida), la Sala La Màquina (Valencia), el Centro Penitenciario de Albocàsser (Castellón) y el Teatro Escena Miriñaque de Santander.

Según su director, Javier Crespo Lorenzo, “VISIBLES es el sueño nacido en una pequeña, pero comprometida, sala de Carabanchel: Tarambana. En este camino de 11 años cada vez se van incorporando más personas cuya energía suma para lograr la verdadera inclusión escénica. Necesitamos que nos acompañes, porque la Inclusión escénica es cosa de todos. No hay muchas excusas para no descubrir todo el enorme arte y talento que se esconde en compañías como Proyecto barbeito DANZA, Fritsch Company, Danza Mobile, Amás Escena, Compañía ACTU, Paladio Arte, CorralArte Teatro, Fundación Alas Madrid, Cuerpos en escena, La Luciérnaga, Compañía A nuestro ritmo o Danza Down Elías Lafuente, por citar a algunas de las que van a participar en esta edición… A lo largo de sus once ediciones, el Festival ha logrado consolidarse como una plataforma de referencia impulsando la visibilización de realidades diversas a través de las artes escénicas, la creación de espacios inclusivos donde todas las voces tienen cabida, la colaboración entre compañías, colectivos y espacios culturales y el acceso a la cultura como un derecho universal. ¡Ven, disfruta y celebremos juntos esta nueva edición que reafirma el compromiso del Festival Visibles con una cultura abierta, accesible y diversa, donde cada identidad suma y deja huella…!”.

La Sala Tarambana acogerá la mayor parte de la programación. El Festival dará comienzo con “Yo, Lady Macbeth”, de Zira Williams Producciones, que es una emocionante propuesta basada en el personaje creado por Shakespeare.
Posteriormente, estarán en esta sala (entre otras compañías/obras) la compañía Color Tornasol–Fundación Alas Madrid con “Me pongo colorada”; el Grupo CorralArte Teatro, que ofrecerá “Las emociones también juegan”; “El placer también”, una comedia de la compañía Cuerpos en escena; el espectáculo “Lo siento”, de la reconocida compañía ACTU; la obra “Creactores-Entre patios y pasillos”, de Amás escena; la compañía Maganto Compañía Apaipa con “El Ángel que me cuida”; La Luciérnaga con “El Gorgojo”, la comedia más corta y vivaz de Plauto; “Estamos en pantalla”, de Cuerpos en escena y La banda mocosa que representará “Los ratones y la lluvia”… Del 21 al 31 de mayo.