El hilo conductor es un cuadro conocido como el “Gernika gallego”, por ser un testimonio contemporáneo de la matanza ejecutada por los autores del golpe de 1936 en Galicia.
Según Xron, “El detonante para iniciar este proyecto es el acto que organiza el gobierno gallego, presidido por Núñez Feijoó, para recibir ese cuadro cuando llega a Galicia por primera vez en 2018. Al ver la fotografía de las autoridades rodeando el cuadro, tendido sobre una mesa, enseguida advertimos el parecido de la escena con el famoso cuadro de Rembrandt que retrata una disección anatómica en público: La lección de anatomía del Dr. Tulp. Y entendimos aquel acto de recepción como una especie de lección de anatomía de la memoria, y el lugar en el que fue presentado, la Ciudad de la Cultura, como uno de esos teatros anatómicos en los que tenían lugar las disecciones en el Ámsterdam del siglo XVII. Lo interesante es que en esta nueva lección el maestro es el presidente de gobierno, pues es quien toma la palabra para presentar el cuadro como un homenaje a la educación. El acto se transforma así en una toma de posesión de la palabra, que evidencia la intención de crear realidades alternativas a los hechos históricos. Porque la verdad es que el cuadro se hizo por encargo en 1945 para un acto en memoria de la persona retratada, Alexandre Bóveda.

En el escenario una mujer entra en escena. Dice que sufrió un ictus que le afectó a la memoria y no puede completar sus recuerdos. Que tuvo el ictus en la Ciudad de la Cultura de Santiago de Compostela en octubre de 2018, durante un acto que el gobierno gallego organizó para recibir un cuadro titulado “A derradeira leición do mestre”. Dice que, desde ese momento, su memoria es un caos. Que no sabe por qué estaba allí ni por qué le interesaba un cuadro que no recuerda haber visto antes. Por eso necesita reconstruir cada detalle de aquel acto. Lo necesita para rellenar los huecos de su memoria y para no olvidar quién es…
“Hemos explorado las posibilidades narrativas de la audiodescripción, integrándola en escena a través de una voz narradora que cuenta, toca, huele, describe, acompaña y conduce. Una forma de reconocer y familiarizarse con otras maneras de percibir y contar lo real, aunque no sean las nuestras. El resultado es un viaje escénico que nos invita a entender cómo se construyen (y cómo se disputan) las narrativas de la memoria.”, termina Xron.
Es una Producción del Centro Dramático Nacional   Chévere, con el apoyo de Agadic-Xunta de Galicia. Teatro Valle-Inclán (Sala Francisco Nieva).

MANUELA VELASCO

-Preséntanos a tu personaje. ¿Quién y cómo es? ¿Cómo la describirías?

Mi personaje es Josefina Aldecoa. Es la hija de Gabriela, la maestra protagonista de la historia. Josefina es quien necesita reconstruir la historia de su madre, de su familia. Investiga sobre sus raíces, necesita respuestas, necesita saber y entender qué pasó. Es la memoria. Es la heredera del legado de su abuela y de su madre y de las maestras de la República. Es el presente y el futuro. Fundó el Colegio Estilo en Madrid en plena dictadura franquista.

-En la presentación de la obra se comenta que “Es la historia de miles de niños, de miles de maestros, de miles de escuelas y miles de libros, de una sociedad que se movilizó con el propósito de salir de la oscuridad y la ignorancia para ser libre. Pero bien podría ser una historia de nuestro tiempo, en pleno 2025…”, ¿estás de acuerdo? ¿Por qué?

No estoy de acuerdo. En 2025 se han conquistado muchos derechos que en el 1924/36/58 casi ni se podía soñar con conseguir.

Lo peligroso es que hoy en día con tanta polarización hay comportamientos y pensamientos que recuerdan a lo que se estaba cociendo en el 36 y parece que un sector de la sociedad mira con nostalgia a la España franquista y se atreve a reivindicar ciertas cosas que supondrían un retroceso a los años oscuros de la posguerra y la dictadura.

A todos esos jóvenes que gritan y celebran consignas fascistas les invitaría a ver la obra, para que se hagan una idea de todo lo que perderían.

-En esta obra están el idealismo y la esperanza en el cambio. Pero, según tu opinión, ¿cuáles son los temas principales de los que nos habla?

De la educación, la memoria, la vocación, el colonialismo, la maternidad, la guerra, la esperanza.

-Para Raquel, su directora, “Creo que en la cultura está el alma de los pueblos. Y creo que la educación es el vehículo que la hace posible, la materializa.” ¿Qué añadirías?

Que hacen falta maestras para que esto sea posible. Referentes. Personas con una ética, unos valores, una vocación, valentía, fortaleza, pensamiento crítico e independencia. Y gobiernos que les permitan hacer su trabajo libremente y que garanticen y protejan una educación pública y universal.

-Esta obra plantea preguntas como “¿Se puede salvar un país desde las aulas?. Según tú, ¿Qué otras preguntas?

Creo que todos podríamos preguntarnos ¿qué habría hecho yo?.

-¿Con qué tres frases de tu personaje te quedarías?

-“Me imagino que podría existir un lugar donde poder hacer preguntas, donde aprender a pensar libremente”.

-“Mamá, yo creo que estoy aquí, hablando contigo, porque tengo algo de esperanza”.

-“Al igual que las madres, las maestras son el origen de muchas personas y de muchos lugares. Tienen esa capacidad y esa responsabilidad también”.

-En la historia también está lo negativo: el machismo, el caciquismo, la ignorancia. ¿Qué otras circunstancias negativas hay en esta historia?

Lo más doloroso es asistir al aniquilamiento de la esperanza y la instauración del odio y el enfrentamiento. La muerte. Saber que muchas maestras y maestros fueron represaliados, perseguidos y fusilados solo por querer sacar al pueblo de la ignorancia y darles herramientas para pensar libremente. Y muchos de los que sobrevivieron tuvieron que vivir el exilio interior.

-Para Raquel Alarcón “la obra nos coloca en la piel de las alumnas de aquellas maestras republicanas que un día creyeron en el poder de la educación como elemento transformador de las sociedades, apostando por una escuela pública, laica, democrática, inconformista, solidaria.” ¿Qué opinas al respecto?

Yo fui alumna del colegio Estilo que Josefina Aldecoa fundó a partir de estos valores. Me siento afortunada de haber podido recibir este tipo de educación.

-¿Por qué no deberían nuestros lectores perderse esta función?

Creo que es una iniciativa maravillosa del CDN seguir adaptando para la escena novelas de grandes escritoras españolas ya que, lamentablemente, la dictadura aplastó a las mujeres en general y a las artistas en particular. Es siempre necesario recordar, aprender de nuestra historia y contárnosla también desde la experiencia y la sensibilidad femeninas.

JULIA RUBIO

-Gabriela, tu personaje, es una maestra que viaja por escuelas rurales difundiendo la pasión por aprender, que llega a Guinea Ecuatorial, sueña, vive y sufre la Segunda República y que termina dejando el testigo a su propia hija…

Es una chica que con diecinueve años sale de la escuela Normal de Oviedo cargada de esperanza y vocación, con una fuerte sed de cambio y la convicción de que ese cambio puede materializarse desde las aulas. Con ese pensamiento y una línea pedagógica que bebe de la Institución Libre de Enseñanza, sale a la España de 1923 y se choca con lo que realmente significa eso de ser maestra en un contexto sociopolítico y cultural que no rema a su favor. El mundo que la recibe la escupe constantemente, la frena, la hace viajar de un lado a otro buscando ese lugar donde al fin poder desplegarse, donde llevar a término esa misión de la que se sabe responsable. Y, pese a los palos en la rueda, frente a la dificultad, ella simplemente se sobrepone y avanza, como una flecha que el aire va limando y puliendo con los años. Su pensamiento es extraordinariamente sofisticado, extraordinariamente lúcido y moderno.

-¿Cuáles son los temas principales de los que nos habla?

De la educación, el progreso frente al inmovilismo, la reconstrucción de la memoria, el legado, el colonialismo, la maternidad, la resiliencia, la revolución, la guerra y todo lo que se llevó la guerra.

* Para Raquel, su directora, “Creo que en la cultura está el alma de los pueblos. Y creo que la educación es el vehículo que la hace posible, la materializa.” 

Estoy de acuerdo con lo que dice Raquel. En la cultura esta la identidad, y creo que es esencial educar en la libertad, en la diferencia, en el pensamiento crítico y propio, porque solo desde la libertad puede forjarse una identidad.

La historia de una maestra no es una historia individual, es la historia de sus alumnos y alumnas, dentro y fuera de la escuela; la historia de aquellas personas a las que acompaña, a las que moviliza o despierta. Creo que es revelador que Raquel elija señalar que la obra nos pone en la piel de las alumnas en lugar de simplemente hablar de las maestras; enseñar es tener un compromiso con el futuro, y en ese futuro, efectivamente, los protagonistas son los niños. Esos niños que recibieron un legado y que tuvieron la responsabilidad de defenderlo y sostenerlo durante la Dictadura, de mantenerlo vivo para que esa sociedad no muriera del todo. Ese legado persiste en la actualidad, pero cabe preguntarnos si lo estamos protegiendo o si estamos dejando que se diluya.

-¿Con qué tres frases de tu personaje te quedarías?

-“Mi revolución está en la escuela”.

-“Una vez una amiga me dijo que la vida de las mujeres es como una enredadera: sube, trepa, se enrojece por la fachada, en invierno se caen sus hojas pero ella nunca se suelta.”

-“La gente decía que España se estaba transformando. Y yo solo podía sentir la transformación de mi cuerpo. No pensaba ni en ti, ni en España. Solo en mi cuerpo. Y cuando apareciste en medio de toda esa ebullición… Era como si tú y yo, hubiésemos estado cambiando el mundo, desde mi barriga.”

-En la historia también está lo negativo: el machismo, el caciquismo, la ignorancia. ¿Qué otras circunstancias negativas hay en esta historia?

Las estructuras estancas, el poder en manos de esas estructuras, el hambre, la falta de medios, el papel de la mujer en la sociedad, cómo ese papel se transforma y las preguntas incómodas a las que lleva esa transformación; la violencia, la falta de entendimiento, la agitación, el miedo…

-¿Por qué debería el público ir a ver esta función?

Creo que es una función que, a la par que cruda y dolorosa, está llena de esperanza y sensibilidad. No lo sé, es cierto que yo soy de ese grupo de personas que escuchan “maestra de la república” y ya solo con eso se emociona de manera sistemática e irremediable, y que igual lo mío es exagerado, pero es una evidencia que estos relatos están en nuestro ADN, y que debemos recordarlos, reconstruirlos y revisitarlos, para conocerlos, para digerirlos y para reflejarnos.

Completan el reparto Víctor Sainz, Ainhoa Santamaría, Fernando Soto, Esther Isla, Thomas King, Andrés Picazo, María Ramos, Alfonso Torregrosa y Pablo Vázquez.

La Escenografía es una creación de Pablo Chaves, la Iluminación es de David Picazo, el Vestuario de Paola de Diego y la Música y el espacio sonoro de Kevin Dornan. Fotografías de Geraldine Leloutre. 

-“Vulcano” es la historia de una familia que intenta salvarse de un trauma pasado como es el incendio que sucedió en el edificio en el que vivía y que tuvo consecuencias trágicas. La llegada de una reportera y un cámara, y el intento de reconstruir lo que sucedió, hace que el relato conocido adquiera dimensiones inesperadas…

Son un padre, Manuel, su hijo Manu y su hija Inés y hay una madre ausente. Se enfrentan a la situación de que una reportera y su cámara entran en su casa con la intención de hacer un reportaje social sobre la muerte de su vecina Alba que era una persona con discapacidad y que murió en un incendio hace un año. Trata sobre cómo esta familia se ve obligada a enfrentarse al dolor de lo que sucedió relatándose a sí misma y relatando su dolor. Los personajes actúan como una versión de sí mismos. Entramos en la vida familiar de los personajes pero siempre hay una cámara que les mira. Siempre están editándose a sí mismos.

-¿Por qué es importante llevarla a escena?

Es un espacio maravilloso de reflexión sobre nuestra sociedad contemporánea y sobre el maniqueísmo del bien y el mal de las víctimas y de los verdugos, sobre la obsesión por relatarse y cómo cada día somos mejores en construir relatos de nosotros mismos. También es un espacio lúdico y divertido en el que se tratan los temas desde el humor.  Y “Vulcano” tiene un lenguaje propio que hemos creado entre todo el equipo.

-Describe brevemente a los personajes

Manuel (Albert Ribalta) es un hombre trabajador, de la Industria Metalúrgica. Su mujer le ha abandonado. No sabemos por qué. Está un poco anclado en un relato antiguo de una masculinidad que tiene que ser heroica y protectora. Inés (Macarena Sanz) es su hija. Es una joven que es cajera y reponedora de un supermercado pero está estudiando para sacarse unas oposiciones como guía del Museo del Prado. Para salir de su miseria. Es muy controladora, muy perfeccionista y ha tenido que cuidar a los demás. Manu (Eneko Sagardoy) es mellizo de Inés. Es un chico al que su padre considera como “incapaz”. Está todo el tiempo intentando demostrar que no lo es.

Adriana (Pilar Bergés) es una periodista que trabajó para la prensa rosa y ahora ha decidido dar un cambio. Y lucha por este reportaje social. Es como un episodio piloto para ver si este programa puede tener continuidad y así dar un giro a su carrera. Y el cámara Eliseo  (Iván López Ortega) tiene fuertes inquietudes artísticas. Quiere cambiar el Mundo con el Arte. Todos están en un punto de inflexión en su vida en el que les gustaría cambiar.

-Comentas que “Vivimos en un contexto en el que estamos rodeados de realities, true crimes, documentales, biopics, autoficciones, e infinidad de stories, saturados de una constante edición de lo auténtico, lo verdadero, lo real…“Vulcano” le plantea al espectador preguntas como ¿Cómo se narra un trauma? ¿Qué sucede cuando una confesión íntima se convierte en representación, en reclamo? ¿Tienen más valor nuestras experiencias cuando forman parte de un relato, cuando alguien nos mira?…

Sí. Habla de lo difícil que es hablar del daño, del dolor, del trauma, de cómo generamos relatos y cómo estos relatos tienen ausencias, olvidos e invenciones y cómo muchas veces perdemos la conciencia de lo que nos hemos olvidado o inventado. Al final retrata cómo los protagonistas siguen buscando la verdad de lo que pasó y si esa verdad todavía sigue siendo accesible y cómo se accede a ella. Y qué rol tienen el arte y la ficción para ayudarnos a encontrar la raíz de lo que nos ha pasado.

También habla de la culpa, de cómo tratamos a los que están peor que nosotros y cómo les contamos lo que no conocemos. Y cómo nos faltan palabras para relatarlo. Y habla de la empatía para ver a otros, qué es sentirse visto y lo difícil que es cuando los demás no te ven. Y los demás pueden ser tu propia familia, tus vecinos o los espectadores de esta realidad retransmitida en la que vivimos.

-Creo que esta obra combina la escritura de texto y el teatro de creación

Es la mezcla del texto que ha escrito Victoria Szpunberg desde el escritorio de su casa y mi forma de generar el texto a partir de improvisaciones, provocaciones y juegos con los actores en la sala. Hemos partido de una conversación entre Victoria y yo sobre los roles de víctimas y culpables, sobre la pregunta del relato y del trauma y, a partir de ahí, Victoria escribió 35 páginas que planteaban la situación de “Vulcano” y yo generé una residencia de creación con los actores. Y, a partir de ahí, Victoria reescribió y terminó la obra. Y lo hemos hecho de nuevo, ya con la obra escrita, hemos vuelto a jugar con ella. Y ha sufrido otra segunda reescritura hasta que llegamos al texto definitivo que sufre sólo los cambios lógicos de los ensayos.

-Completa esta frase: “Ir al Teatro es casi imprescindible porque…”

Es uno de los pocos lugares seguros que nos quedan para hacernos preguntas complejas y no necesitar respuestas simples. Es un lugar de encuentro, de reflexión desde lo lúdico y de profunda libertad. Es un lugar en el que se puede jugar a lo peligroso y no hacernos daño.

-¿Cómo serán los elementos escenográficos? ¿Qué destacarías en particular de la puesta en escena?

En la pieza se habla de “La fragua de Vulcano” de Velázquez y la puesta en escena se ha inspirado en los colores, texturas y atmósferas del cuadro. La escenografía es de Judit Colomer. Hemos apostado por ese tenebrismo y por ese juego de luces diseñado por Juan Gómez-Cornejo. Por ese espacio realista pero suspendido en el que la escenografía es la representación de una casa cualquiera que también evoca un plató o un set de rodaje. Y, a la vez, evoca un lienzo.

Las paredes de esta casa son una reproducción muy realista del fondo del cuadro y tiene esa sensación de ser una pintura al óleo. Y, de la misma manera, los personajes tienen esa sensación de ser cuerpos pintados en movimiento. Y se suma también la propuesta de que la obra tiene “cine en directo” con la cámara que graba en directo a los personajes. Ese relato nos sirve para competir con el relato teatral.

Esta obra tiene un lenguaje muy particular en el que el código combina el humor, el drama y la tragedia de forma muy peculiar.

El vestuario es una creación de Pier Paolo y Roger Portal, el Espacio sonoro de Lucas Ariel Vallejos y el Video de Elvira Ruiz Zurita. Es una Producción del Centro Dramático Nacional, Cassandra Projectes Artístics y Andrea Jiménez. Fotografías de Bárbara Sánchez Palomera. Retrato: Vanessa Rábade.

-¿Quién es y cómo describirías a tu personaje?

MONA: Reina es una mujer que vive en el presente, mirando hacia el pasado, para que el futuro de los que vienen les sea ligero, suave, con las muchas dificultades que eso conlleva para ella y hasta dónde es capaz de expresarlo.

MANUELA: Esther es la hermana menor de Reina. Ha nacido en España en los 70 y, aunque pertenece a una familia de origen sefardí, siente que esas raíces se le han quedado lejos y que no son actuales. No termina de identificarse con esa cultura e, incluso, la vive con una nostalgia que la obstaculiza. No siente esa pertenencia. 

-Dinorah murió ayer en su casa de Madrid. Los “suyos” se han reunido  para cumplir con el Abelut: el duelo judío en el que los familiares más  cercanos se apartan del mundo durante siete días. Siete días en los que  han de convivir para, juntos, procesar el duelo. Reina, la hija mayor,  es quien convoca este encuentro. Por unos días, todos abandonan su  vertiginosa realidad, vacía de rituales, para sumergirse en el encierro  colectivo… ¿Qué más le puedes contar a nuestros lectores sobre la trama que nos narra esta función?

MONA: Como mejor lo vamos a contar, es entre todos. No debemos adelantar nada más de la historia. Sería una experiencia hermosa que pudiéramos completar la historia con el público.

-¿Qué relación mantiene con el resto de los personajes que forman la familia protagonista?

MONA: Reina es hija de Dinora, madre de Pablo, hermana de Esther, suegra de  Marina, tía de Tamar… Representa todos los roles que uno adopta con cada uno de los vínculos en nuestras familias.

-¿Cuáles son los principales temas de los que hablan los protagonistas en el escenario?

MANUELA: Habla de la familia como un vínculo que te construye pero también como una “programación” que te quita libertad y realización. De las religiones y las diferentes culturas que caminaron de la mano en la Península Ibérica y que formaron la España actual. De la muerte y el limbo como un duelo que te sumerge en muchas preguntas sobre ti mismo. De las madres, los hijos y las hermanas como un lugar común en el Mundo.

MONA: Con el permiso de Miguel Hernández, “llegó con tres heridas: la del amor, la de la vida, la de la muerte.”

-¿Dos de las frases favoritas de tu personaje son?

MANUELA: “El dolor no se convoca. No acude cuando lo llamas. El dolor llega sin avisar.” Hace referencia a si un encierro colectivo para despedir a un familiar puede realmente ayudarte o, si por el contrario, toda toma de contacto importante en la vida se hace en solitario y en una inquietante intimidad con uno mismo.

Y “El baile no termina todavía, el baile va a continuar.” Es una metáfora de sus vidas como individuos, como familia, como cultura.

MONA: “¿Elegir entre tanta belleza? Cada uno tiene su afán.”

-Comenta Lucía Carballal que “Esta familia sefardí abre la idea de la familia como un relato extendido, mucho mayor que nosotros, con el que podemos volver a pensar qué significa pertenecer, qué significa  emprender un camino propio.”

MONA: Absolutamente de acuerdo con ella. A lo que piensa, siente y escribe Lucía Carballal una puede añadirse para escuchar, aprender y admirarla, con la fortuna que es estar a su lado.

-¿Por qué debería ir el público a ver esta función?

MANUELA: Todos sentimos la necesidad de ser adecuados para nuestra familia y, a la vez, fantaseamos con rebelarnos contra ella. Puede que la familia  a la que pertenece cualquier espectador sea un refugio inapelable pero también una maldición que vivimos con dolor y con humor. También es interesante porque habla de la diversidad cultural, de los retos de la integración y de cómo esa complejidad da lugar a nuestra riqueza y nuestra personalidad.

MONA: Porque el teatro necesita, vive de y con el público y porque los espectadores necesitamos del Teatro para vivir.

-¿En qué se está centrando Lucía Carballal con vosotros? ¿Qué tipo de directora teatral es?

MONA: Ella sabe con la precisión de un  joyero de piedras preciosas cómo comunicar lo que ha escrito, por donde debe transitar cada personaje y cómo hacer para contar la historia. Ella te invita, te conduce, te espera si es necesario, con una elegancia, una certeza y una inteligencia a imitar, de las que me gustaría aprender. Me encanta verla trabajar, con su equipo, ver como respeta y admira a cada uno de ellos. Lucía Carballal ama el Teatro y te contagia de su  capacidad de trabajo, de amor por él. La admiro. Ningún encuentro con ella y con lo que hace te deja indiferente.

MANUELA: Lucía es metódica pero entiende los tiempos de la intuición que requiere cualquier función de Teatro. Se deja sorprender por su propio texto en boca de sus actores/actrices como si en los ensayos descubriera otros matices de lo que ha escrito. Esa mezcla de inteligencia, trabajo, confianza, humor y misterio la hacen única para mí.

En el escenario también están Miki Esparbé, Ana Polvorosa, Marina Fantini y Gon Ramos  y los niños Alba Fernández Vargas, Vera Fernández Vargas, Asier Heras Toledano y Sergio Marañón Raigal.

El Diseño de Escenografía es de Pablo Chaves Maza, el de Iluminación de Pilar Valdelvira, el de Vestuario de Sandra Espinosa y el Diseño de sonido de Benigno Moreno. Fotografías de Bárbara Sánchez Palomero.