La obra recorre la vida de Pilar, una joven barcelonesa de comienzos del siglo XX que se ve obligada a crecer en una época en la que la guerra trastoca todos los planes. El amor se convierte en ausencia, la pérdida pasa a formar parte de su vida y el desarraigo la obliga a enfrentarse una y otra vez a nuevos comienzos desde el exilio. En ese recorrido, Pilar descubre una fuerza que la lleva a cuestionar los roles tradicionales reservados a las mujeres y a buscar su propio lugar.

Para llevar a escena ese viaje, Rebeca Hernando y Ainara Orgaz interpretan a una misma Pilar desde dos momentos vitales diferentes. Una vive los acontecimientos desde el presente y la otra los observa con la perspectiva que aporta el paso del tiempo. Este desdoblamiento permite acompañar a la protagonista en su transformación y mostrar cómo la experiencia, las pérdidas y las decisiones van modificando su manera de entenderse a sí misma.

Sara Mérida firma la adaptación y dirección de esta historia. Del 8 al 25 de octubre.

Paula Iwasaki es la protagonista de esta producción del Teatro Español y Nao d´amores. Una versión de la obra de Valle-Inclán dirigida por Ana Zamora que, al cierre de esta edición, se seguía ensayando.

-¿Cómo describirías a tu personaje?¿Cómo es en esta versión?

Interpreto a la reina Isabel II a través del filtro del esperpento, del teatrillo del guiñol, de la caricatura de la chirigota y del tablado de fantoches.

En esta versión (según el propio Valle Inclán) “la comadre se ríe feliz y carnal de todo y de todos.”

-En la presentación de esta función se comenta que “En un Madrid de sainete y miseria, Isabel II y su corte desfilan como figuras ridículas, atrapadas en un mundo de corrupción, farsa y doble moral…”¿Qué añadirías?

Dice Ana Zamora que Valle Inclán podría ser considerado como el padre del teatro documento en España o quizá del teatro documento a la española.

Los personajes de esta obra son un retrato sórdido y muñequizado de la cara más corrupta y miserable de la sociedad. El público asistirá a la degradación y perversión de un gobierno nacional a través del humor descarnado, de canciones populares y de una atmósfera carnavalera en la que cada uno de los personajes acaba descubriéndose como una marioneta más dentro de un sistema frívolo y grotesco

-Según Ana Zamora, “La obra nos presenta una serie de hechos, más o menos documentados históricamente, desde una convención escénica absolutamente guasona, constituyendo una crítica feroz del reinado de Isabel II…”¿Qué añadirías sobre la historia que narra “Farsa y licencia…?

Valle Inclán no solo denuncia la corrupción del individuo que ostenta el poder, sino que se burla de una sociedad regida por los instintos más frívolos, sucios y primarios. La acción de la obra gira en torno a la aparición de unas cartas escritas por Isabel II a uno de sus amantes y cómo sus allegados y cargos importantes de la corte se mofan de la señora, se pisan entre ellos y urden todo tipo de tramas conspiranoicas para venderlas y sacar algún rédito de la incontinencia epistolar de la reina.

-¿Cómo describirías brevemente al resto de los personajes?

En “Farsa y licencia de la reina castiza”  aparecen todo tipo de personajes populares del Madrid del siglo XIX. Hay casi veinte personajes que entran y salen de escena, confabulan, se ríen de los poderes políticos y también los temen.

Aparecen los típicos manolos y manolas del imaginario castizo y popular, el general Narváez como el Gran Preboste, diversos amantes del rey y la reina, el rey Francisco de Asís, la infanta Francisca (abuela de ambos monarcas porque eran primos hermanos), las damas de su cámara real…

A estos personajes les darán vida Miguel Ángel Amor, Alejandro Pau, Aisa Pérez, Rafael Ortiz e Isabel Zamora.

-Si tuvieras que elegir varias escenas de tu personaje… ¿cuáles serían?, ¿por qué?

En la obra interpreto a la reina Isabel II y también a la infanta Francisca, a la que Valle describe como una bruja de entremés.

Los dos son divertidísimos y pasan por todo tipo de situaciones surrealistas y grotescas… Es difícil elegir un solo momento de la función.

Las escenas que más disfruto son las corales, en las que el esperpento se dispara y todos los personajes aparecen a la vez en escena. Hay un momento de la función en el que aparecen como diez personajes en escena y somos solo cinco actores…

-¿Por qué fue Valle-Inclán un visionario ya cuando escribió esta función?

Porque la corrupción, las estrategias políticas, los instintos primarios y la picaresca no entiende de épocas, culturas, ni géneros.

Y porque la obra podría ser perfectamente un meme caricaturizando la sátira política de nuestro tiempo.

-¿De qué temas actuales nos habla esta función?

En la actualidad estamos normalizando la corrupción como costumbre nacional y a los dirigentes políticos como caricaturas de sí mismos. El autor entendió que el esperpento no era solo una estética teatral, sino una forma muy española de mirar y sentir, entonces y ahora, la realidad en la que vivimos.

Completan el equipo artístico: Vicente Fuentes (Voz y palabra), Víctor Pliego de Andrés (en la Dirección musical),  Deborah Macías (como diseñadora de Vestuario).

El espacio escénico y trabajo de objetos es una creación de David Faraco y el diseño de la Iluminación es una creación de Juan Gómez Cornejo.  Retrato de Javier Naval. Fotografía de Javier Naval.

Teatro Español  (Sala Margarita Xirgu). 

-¿Quién y cómo es tu personaje?

JUAN ECHANOVE: Pierre es un profesor de Universidad. Es ordenado, culto, está interesado en la Literatura, en los alumnos, en la formación académica. Tiene una familia, un hijo y una mujer. Se reencuentra con Cecil al que hace 14 años que no veía.

JOAQUÍN CLIMENT: Cecil es un escritor de Best Sellers.  Lleva el éxito como bandera. Es un hombre de mundo, está tranquilo en la vida, le va bien. Se intuye que tiene que tener cierto atractivo con las mujeres. Sobre el papel a primera vista va un poco sobrado. Pero hay algo en él que le molesta porque no es tan reconocido como él quisiera. Le hubiera gustado triunfar como escritor de otro tipo de libros.

-¿Por qué se reencuentran estos dos personajes?

JOAQUÍN CLIMENT: Pierre y Cecil hace 14 años que no se ven. El encuentro en el Restaurante en el que se desarrolla la historia se produce porque a mi personaje le ha citado allí un misterioso autor que puede que aparezca o no. Y allí está Pierre.

JUAN ECHANOVE: A Cecil le va a hacer una entrevista Baltasar Cron, un autor canadiense, que escribió una novela en EEUU con éxito. Pero este Baltasar no aparece o parece que no va a aparecer. Tampoco hay fotografías de él y siempre está jugando al despiste. Mientras esperan, surge una conversación entre ambos amigos.

-¿De qué hablan estos dos amigos en esta conversación?

JUAN: No tienen maneras opuestas de ver el mundo. No es un duelo de oponentes, aunque sí que no coinciden en muchos planteamientos vitales.

La conversación que mantenemos los dos amigos pretende captar la atención del espectador constantemente. Tenemos que captarle e involucrarle en lo que está pasando y se está diciendo en escena para que el público no deje de prestar atención y para que no se pierda. Ocurren escenas distintas, la relación entre ambos se va transformando ante los ojos del espectador. La solución a este enfrentamiento dialéctico la tiene el espectador, la historia no le indica cómo debe pensar. 

JOAQUÍN: Hablan de la vida, de la realidad, de las creencias, de lo que creemos que sabemos y no es verdad, de lo que hemos descubierto que estaba escrito. Es todo muy sugerente. Tiene un componente de misterio, de juego, de provocación. Tiene un peso, no es vacío. Hace dudar constantemente al espectador.

Es una obra muy actual porque estamos en un mundo de polarización de opiniones en el que la gente se cree en posesión de la verdad. Todos estamos haciendo cosas que creemos que decidimos con anterioridad pero, sin embargo, puede que estuvieran  ya previstas. Cada espectador se va a quedar con datos distintos y va a sacar conclusiones diferentes.

-Comenta Eduardo Vasco que “Esencia” es un laberinto de percepciones donde la realidad se tambalea y se torna difusa.” ¿Estás de acuerdo?

JUAN: Totalmente de acuerdo. Todos tenemos una visión parcial de la realidad, es muy difícil saber lo que es la realidad. Y esta obra nos plantea la inseguridad de lo que se opina que “es”.

Hoy en día prevalece todo lo que rodea la construcción de la realidad. La verdad sobre lo que ocurre deja de tener interés en pro de la opinión de lo que realmente ocurre. No tenemos una realidad que contrastar. Todo es una nebulosa. Ignacio García May escribe sobre estas cuestiones con una Literatura dramática impecable, muy precisa y que te engancha.

JOAQUÍN: Los personajes empiezan siendo de una manera y con un carácter y acabas preguntándote quiénes son en realidad y por qué buscan a alguien que no sabemos si está o no está…Hablamos de conceptos y de ideas que hoy en día no son tan sorprendentes.

No sabemos si es real lo que vemos o si lo hemos descubierto nosotros. Es un mundo lleno de incertidumbre. En ningún momento hablamos de la esencia de las cosas sólo de que no hay certeza de nada.

Yo les diría a los espectadores que no tengan miedo. Van a pasar por mil mundos y lo van a pasar bien. Se empieza como un juego y se transita por muchas emociones diferentes.

-También comenta Eduardo Vasco que esta obra “plantea cuestiones fundamentales que nos inquietan y lo hace desde la inteligencia”. ¿Qué cuestiones?

JUAN: Es la transcripción de la Historia de que todo depende de la voluntad de unos poderes por encima de nosotros. Habla de la voluntad y del destino del ser humano, de la individualidad. Conceptos que revierten en la escritura de la Historia.

La solución a este enfrentamiento dialéctico la tiene el espectador, no le indica cómo debe pensar.  Incluso yo a veces llego a casa después de ensayar y tomo partido por algo que dice mi personaje. Y otras veces considero que es mejor lo que plantea el otro personaje.

-¿Hay lugar para el humor?

JUAN: Hay humor pero es cierto que no es una obra para pasar el rato ni de entretenimiento. Es una obra en la que el espectador tiene la oportunidad de sacar sus propias conclusiones.

JOAQUÍN: Hay humor a ratos y surge de la camaradería de dos viejos amigos.  Se hablan de una manera que da para la comedia a veces. No es una obra tan transcendente como pueda parecer y sí tiene humor.

-¿Cuáles son dos de tus escenas favoritas? 

JOAQUÍN: Lo que me gusta es que la conversación se desarrolla en una situación amable pero, en tan poco tiempo, acaba convirtiéndose en todo lo contrario. Me gusta como se pasa de una situación a otra.

JUAN: Evidentemente me quedo con el final de esta función porque es sorprendente. Es muy bueno.

-Termina esta frase: “Ir al Teatro le aporta a la vida…”

JUAN: El Teatro seguirá aportando el espejo en el que reflejarse. Más allá de que haya un espectáculo que pretende aliviar la carga del espectador y hacerle pasar un buen rato pero el Teatro es eso.

JOAQUÍN: Los reductos menos mediatizados donde eres tú realmente. Y es de los sitios donde todavía se puede decidir como espectador. Lo que vayas a ver lo vas a interpretar tú. En este mundo es muy importante. Y, además, es compartido.

-¿Qué tipo de director es Eduardo Vasco?

JOAQUÍN: Es un director que crea un ambiente muy bueno, muy fácil. Es receptivo, creativo. Plantea abordar el trabajo desde una perspectiva libre.

El diseño de espacio escénico y de vestuario son de Carolina González y la Iluminación de Miguel Ángel Camacho. Es una producción del Teatro Español en coproducción con Entrecajas Producciones Teatrales. Fotografías de Javier Naval. 

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-Interpretas a Max Estrella. ¿Cómo es este personaje en esta versión?

Es el personaje que describe Valle, un hombre ciego, hiperbólico andaluz, poeta de odas y madrigales… y alcohólico y alocado …y que arrastra el dolor de un mal sueño.

Explicar a Max Estrella es muy difícil, eso quizá corresponda a los teóricos del teatro. A Max Estrella, el gran personaje de Valle-Inclán, me toca vivirlo y lo haré con todo mi corazón, con toda mi alma.

-La obra narra el periplo nocturno del poeta ciego Max Estrella que, junto al golfo Latino de Hispalis, recorre algunos de los lugares más característicos de la noche madrileña mientras se encuentra con personajes propios de aquella bohemia oscura y sórdida. ¿Cómo son algunos de los que se va encontrando por el camino?

Miserables, canallas, ruines, renegados, tristes, grotescos, fantoches…

-Ya sé que es difícil pero si tuvieras que elegir una frase de tu personaje, ¿con cuál te quedarías?

“La barbarie ibérica es unánime”.

-Max Estrella está ciego. En tu larga trayectoria profesional, ¿es éste uno de los personajes tan complicado como gratificante que has interpretado? ¿Por qué?

Max Extrella es uno de los grandes personajes de la Literatura Universal. Lo asumo como un reto y como un regalo. Llego a él con el bagaje de mis años, de mi experiencia profesional y de vida. También con mi manera de entender y el respeto a nuestro oficio.

-¿Por qué es actual “Luces de Bohemia”?

«Luces de Bohemia» nos conmueve y nos remueve porque habla de nuestro tiempo, de lo que somos.

-Ésta es una gran producción con un elenco con gran bagaje teatral y muy amplio. ¿Qué destacarías de tus compañeros?

Que son cómicos maravillosos, algunos son amigos de los tiempos heroicos. Es una suerte hacer este viaje con ellos.

También en este elenco de lujo están los actores Antonio Molero, José Luis Alcobendas, Ernesto Arias, Lara Grube, Juan Carlos Talavera, Elena Rayos, María Isasi, David Luque, Ana Veganzones, Ángel Solo, Jesús Barranco, Puchi Lagarde,  Iván López-Ortega, Mario Portillo, Toni Misó, Silvia de Pé, Pablo Gómez Pando, Agus Ruiz, José Ramón Arredondo, Raúl Ferrando, Pablo Salinero, Mariano Llorente, José Luis Martínez, Rafael Ortiz y Juan de Vera.

-Para todos nuestros lectores que ya conocen y han visto otras versiones de «Luces de Bohemia», ¿Por qué deberían ir a ver ésta en concreto?

Hay que ir a verla siempre al Teatro, como a todos los grandes textos de nuestro Teatro, siempre. Y cada vez. Y nunca será la misma, y siempre será nueva porque el teatro está vivo y lo estará siempre.

-Completa esta frase: “El Teatro le aporta a la vida de las personas…”

Vida, emoción y belleza.

El diseño de espacio escénico es de Carolina González, el de Iluminación de Miguel Ángel Camacho, el de vestuario de Lorenzo Caprile y el diseño de espacio sonoro es de Eduardo Vasco. Fotografías de Javier Naval. Teatro Español.

PABLO DERQUI es Stanley Kowalski

-Blanche Dubois deja su ciudad natal, tras perder hogar y fortuna y se refugia en la casa de su hermana Stella, en Nueva Orleans. Stella está casada con Stanley, un obrero de origen polaco, rudo, bebedor y jugador. La llegada de Blanche interfiere en la convivencia del matrimonio y, además, entre ellos surge una peligrosa pasión…

Esta obra se estrenó en Broadway en el 47. En aquel momento en EEUU el capitalismo estaba en auge. Stanley es el inmigrante hecho a sí mismo en la “Tierra de las oportunidades”. Es un símbolo de “si quieres, puedes”. Blanche viene de una familia de terratenientes, con servicio en casa, de un mundo romántico que ya ha cambiado. La obra narra el choque entre esos dos mundos que también estaban enfrentados en EEUU en aquel momento.

También esta obra de Williams está enraizada con su propia experiencia personal, su historia, su familia, sus vivencias. Él también es sureño y vivió en Nueva Orleans.

-Stanley ha sido calificado como “un hombre violento, rudo, controlador, inculto y dominante”. Pero, ¿Cómo le describirías tú?

Stanley está inspirado en una pareja que tuvo el autor. Está inspirado en sus experiencias personales. Es un soldado del capitalismo. Esos adjetivos son los más evidentes pero hay que entender que sus reacciones violentas eran las habituales en aquella época. No extrañaban. A mí me gusta encontrarle sus grietas o sus puntos débiles. Es un hijo de inmigrantes, con poca cultura. Con cierto complejo de inferioridad. Y cuando se siente inferior, por ese instinto de supervivencia que tiene, se siente herido. Y cuando siente que le menosprecian, reacciona de forma violenta.

-¿Cuáles son los temas contemporáneos o actuales que aborda esta función?

El conflicto entre capitalismo y poesía. El poco lirismo que puede llegar a tener el espíritu capitalista frente a una manera de ser en la Tierra más cerca de lo emotivo, del corazón. Y sobre la violencia de género. Cómo se veía entonces. Es una manera de reflejarnos para ver un pasado reciente y descubrir cuál era el papel de hombres y de mujeres. Papel que en muchos sitios todavía no ha variado.

-¿Una de las escenas favoritas de tu personaje en la función es..?

Todavía estoy descubriendo nuevos matices de mi personaje y de la función. Cada día que la representamos aparecen nuevos aspectos. Quizás me quedaría, entre otras, con la primera escena de mi personaje junto a Stella y Blanche. Cuando aparece en la casa Blanche.

-¿Qué tipo de versión ha escrito y dirigido David Serrano? ¿En qué se diferencia del texto original?

Sobre todo es un texto muy fiel al original. Al texto dramático estrenado en Broadway. No se ha edulcorado nada, como ocurrió con la película de Kazan. Retomamos la crudeza con la que lo escribió el autor.

-¿Por qué crees que esta obra merece ser considerada como una de las cumbres de la Literatura dramática del siglo XX?

Es una de las obras en las que el autor intenta ser un reflejo del momento moderno del siglo XX que se estaba viviendo. Con un lenguaje delicioso. El autor es quién es porque se metía en la cabeza de cada uno de los personajes. No escatima autenticidad, todos son muy reales, muy reconocibles. La dualidad del autor convierte esta obra en una de las imperdibles del siglo XX.

Creo que ir a ver esta obra es una oportunidad para que los jóvenes se acerquen a un clásico moderno y descubran por qué lo es. Y para que descubran personajes que están mucho más cerca de lo que creemos. Es un clásico desde un punto de vista actual.

-Termina esta frase: “El Teatro le aporta a mi vida…”

La pasión. Me recuerda y me hace sentir la pasión con la que decidí dedicarme a esto. El Teatro me reconcilia con la profesión. Y la relación directa con el espectador me hace vibrar.

 MARÍA VÁZQUEZ es Stella Kowalski

-Esta función aborda el choque entre la ilusión y el realismo, las consecuencias del descontrol, la diferencia entre clases sociales, la masculinidad hegemónica y violenta que considera inferiores a las mujeres y las maltrata… Temas que siguen siendo muy actuales…

Si, totalmente. De hecho fue lo que más me movió a querer hacer esta obra. Y pone los pelos de punta lo actual que sigue siendo 80 años después. Seguimos teniendo un montón de problemas de convivencia con las personas que vienen de fuera. Seguimos con una visión supremacista (nos creemos mejores, con una cultura mejor, seguimos tratando a segundas y terceras generaciones como si no fueran de aquí).

Como en la obra. Seguimos haciendo distinciones según el dinero que se tenga. Y siguen muriendo muchas mujeres cada año por violencia machista. Por eso hay que seguir visibilizándolo. Se habla mucho de la pasión y el deseo en esta obra, pero yo creo que también es una historia de pérdidas. Una historia de Blanche y Stella, dos hermanas abocadas a la desgracia por su condición de mujeres. Dos mujeres perdidas en parte por su educación, que confunden el deseo con el amor.

-Arthur Miller, gran admirador de la obra, comentó en una ocasión que “Un tranvía llamado deseo” es un grito de dolor. Olvidarse de eso es olvidarse de la obra”. ¿estás de acuerdo con él?

Absolutamente. Es un grito de dolor. De dos mujeres, de una sociedad enferma. Que no parece tener opciones a algo mejor. Solo queda el conformarse. ¡Es muy triste!.

-Algunas de tus compañeras actrices que ya han interpretado a este personaje lo consideran muy difícil “por su intensidad, por sus múltiples caras, como muchos registros y muchos cambios de humor”

Intento no escuchar mucho los miedos de otras personas. Ya tengo bastante con los míos. Es una obra que hemos estudiado todos los intérpretes del mundo. Quizás desprenderme de eso ha sido lo más complicado. Confiar en que yo tengo mi manera y cada persona tendrá la suya. Es una obra muy difícil porque habla de temas difíciles y a mí me gusta mojarme, jugármela en lo que cuento. Pero el texto está tan bien escrito, es tan maravilloso, todo tiene tanta lógica… Para mí fue un punto muy a favor querer meterme en el proyecto y que la historia siguiese contextualizada en la época de los años 40 en EEUU… Por lo menos a mí me daba libertad para meterme a fondo en temas que siguen pasando. Sin la presión de lo que está pasando aquí y ahora pero a la vez sabiendo que lo estás denunciando.

-¿Qué tipo de versión ha escrito y dirigido David Serrano?, ¿En qué se diferencia del original?

Es la original. Tal cual, todo el texto, sin cortes, sin censuras y con un trabajo de traducción exquisito!! David es un creador muy respetuoso, y que tiene una capacidad de escucha maravillosa. Eso hace que escuche al autor. Saber lo que quiere contar, decir exactamente. Y capaz de escuchar nuestras necesidades… Haciendo que salga lo mejor de cada uno. Ha sido un gustazo.

-¿Qué le sigue aportando al público joven un texto tan tenso y lírico como éste?

Creo que un texto que trata temas tan universales, sigue vivo y seguirá vivo siempre. Y no sólo al público joven, le aporta a todo el mundo. Y es un texto que emocionalmente es tan potente que hace que se conecte todo el mundo. Toca el corazón, empatizas muchísimo. Creo que es una catarsis… Que te abre en canal y permite que saques lo que a veces en el día a día no te atreves. Independientemente de la edad. Y mis sobrinos adolescentes vinieron y se quedaron atrapados y pienso que es muy importante ver el espejo de ciertos temas, que a veces normalizas en el día a día y verlos así, de frente… Te hacen tomar conciencia. Y eso es muy bonito.

-¿Es una gran responsabilidad o no subirse a un escenario?

Cualquier expresión artística es una responsabilidad. Porque generas opinión, referentes. en quien te ve. Y eso para mí es oro y como tal hay que tratarlo. Y con esto no quiero decir que uno tenga que ser intenso, serio o que no pueda equivocarse, probar. Pero hay que ser consciente de que la gente te va a escuchar.

-Termina esta frase: “El Teatro le aporta a mi vida…”

Salud. Me hace crecer como persona, empatizar con las personas, entender mejor el mundo, colocarme en otras perspectivas y atreverme a sacar partes de mi sin la presión del juicio propio o externo. El teatro es reparador.

La llevan a escena también Nathalie Poza (Blanche Dubois), Jorge Usón (Harold Mitchell), Carmen Barrantes (Eunice Hubbel), Rómulo Assereto (Pablo), Mario Alonso (Steve) y Carlos Carracedo (Joven). Fotografías de Elena C. Graiño. 

-Emma es actriz. Está en escena representando el papel protagonista de “La gaviota”. Va muy drogada. “A mí habría que matarme” dice. Porque lo pone el texto, pero también porque lo piensa. Y unos instantes después, colapsa. Emma, Nina y todo. Ahí empezará su viaje hacia la recuperación. Ahí empieza la obra… ¿Cómo ves tú a Emma en la obra?

Es un personaje muy intenso. Son dos horas y cuarto con descanso de función y estoy siempre en escena. Su adicción se desarrolla por muchas cuestiones. El público va descubriendo con ella cómo evoluciona porque ella también necesita entenderlo. Ella no está sabiendo existir.

Es muy inteligente y muy sensible. Está pasando por un momento vital en el que está envuelta en una espiral destructiva.

Su estado emocional está muy alterado por las circunstancias en las que está. Pero nunca llegas a conocerla porque miente mucho. Hasta la última escena.

-¿A qué se tiene que enfrentar Emma?

Entra en este Centro de desintoxicación pero no sabemos si es real o si está ocurriendo en su cabeza. El espectador lo decidirá. Vivimos con ella su viaje dentro de este Centro. Hay un paralelismo entre los grupos de terapia y los de ensayo que tiene que ver con escuchar, con ser vulnerables y abrirse. Aprende que lo importante es escuchar a la otra persona.

Estuve cuatro meses yendo a grupos de terapia a escuchar. Fue una experiencia muy reveladora y muy sanadora.

-En la presentación de la obra comenta Pablo Messiez que “Personas, lugares y cosas” no busca sentar cátedra sobre ninguna cuestión (la obra se cierra con un “Por qué” suspendido en el aire) sino poner en escena -con lucidez, humor y afecto- la complejidad, el absurdo y la maravilla de estar vivos.” ¿Estás de acuerdo? ¿Por qué?

Sí. No es una obra moralista. Reflexiona sobre el por qué a veces nos dañamos y de qué manera intentamos llenar un vacío que sentimos. No hace falta tener una adicción a las sustancias para que te pase esto.

Es una obra que pasa por la piel, por los sentidos y por otros lugares. No va de lo que le pasa a una mujer adicta. Aunque habla de todo tipo de dependencias. Habla de la búsqueda del cómo salir.

-¿De que forma influyen en ella los personajes que conoce Emma en esa clínica?

Al personaje de Emma le van interfiriendo los demás. Son como interferencias para cambiarla. La obra no tiene una estructura muy clásica. Hay personajes y coro. Unos influyen más que otros en ella.

-Esta obra plantea preguntas sobre cómo gestionamos el dolor, el placer y el deseo de vivir. Según tú, ¿Qué otras preguntas?

Sí, tiene que ver con intentar entender qué estamos haciendo aquí y cómo gestionamos lo que nos va pasando. Y también habla de la vergüenza, de la culpa y del vacío interior.

Pero no apuesta por nada. No dice “¡esto es lo que hay que hacer!”. Sigue todo el proceso de Emma y su negación y su necesidad de cambiar. Habla de buscar la manera para poder sobrevivir.

-¿Con qué frases de tu personaje te quedarías?

“Quiero vivir diez vidas, estar en todas partes y luchar contra el tiempo infinitamente escaso que tenemos en este Planeta.”

Y termina Irene: “Espero que vengan personas de todas las edades a ver la función. Pero los jóvenes se van a sentir interpelados por el tema, por el personaje de Emma, por cómo lo hablamos y lo van a disfrutar. Y la puesta en escena estéticamente es preciosa.  No es una función intelectual sino una obra con la que van a vibrar en la butaca. Y que les va a permitir que se abra una conversación posterior”.

En el escenario también están Sonia Almarcha que interpreta a La Doctora, a la madre de Emma y a la terapeuta; Javier Ballesteros que da vida a Marc (cuya recuperación en el Centro dependerá de su relación con Emma) y a Konstantin; Tomás del Estal (el padre de Emma y Pol); Brays Efe (el enfermero Pastor); Claudia Faci (Charlotte); Daniel Jumillas (Juan); Mónica Acevedo (Laura); Blanca Javaloy (Moni); Manuel Egozkue (T) y Josefina Gorostiza (doble de Emma). 

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