¿Quiénes somos cuando la imagen del espejo tan sólo nos devuelve miedo y vergüenza? ¿Qué queda de nosotros mismos cuando todo lo que creemos ser parece insuficiente? Son algunas de las preguntas que, según Javier Hernández-Simón, su director y coadaptador (junto a Ignacio del Moral), le plantea al público esta función. Hablamos con el actor Fernando Cayo que interpreta a uno de los protagonistas de esta emocionante obra.

-¿Cómo describirías a Santa?

Santa representa al tipo que, al quedarse sin empleo, todavía está en una actitud de resistencia. Es el tipo incombustible, que mantiene el calor de la amistad en la cuadrilla de amigos.

Tiene un gran sentido del humor, muy alegre, tiene muchas carencias personales, y muchos claroscuros. Quiere ser muy fuerte pero, al mismo tiempo, está muy tocado emocionalmente por la injusticia y la vida que están viviendo y el lugar en el que les ha colocado este sistema. Es un tipo que une al grupo, que acoge y que pone sentido del humor a todo. Aunque, interiormente, está muy tocado.

-¿Qué crees que simboliza Santa en el desarrollo de la función?

La resistencia. Es el “¡no nos moverán!”. Es el tipo que dice “¡yo no me rindo. Seguimos hasta el final. Habrán ganado pero no nos domaron!”.

Representa el espíritu de lucha.

-Esta función habla de “la importancia de estar unidos en los momentos difíciles, de intentar salir adelante pese a estar en el paro después de un despido industrial…”¿De qué otros temas nos habla?

Nos habla de cómo nuestra vida laboral determina todas nuestras relaciones. En la sociedad el trabajo es muy importante. Pero también nos coloca en el borde de lo robótico. Somos personas. De ser conscientes de esto. De tener autoestima.  Y nos habla también de estos procesos de adaptación cuando hay despidos masivos.

De las desigualdades sociales. Porque, a veces puedes adaptarte a los cambios y a veces no. Hay personas que no se pueden adaptar por sus circunstancias, por lo que les rodea…Habla de tener esperanza…

-Según Javier Hernández-Simón, el director de esta función, “Los lunes al sol” nos ofrece una esperanza, una línea en el horizonte para ayudarnos a seguir caminando; al menos ganar una batalla, por pequeña que sea, para demostrarte que sigues existiendo…. ¿Qué añadirías?

El gran mensaje de la obra es la importancia de estar juntos en los momentos difíciles, de tener empatía. El ser conscientes de que formamos parte de un grupo aunque, a veces, nos sintamos muy solos. Siempre formamos parte de grupos. Y también hay que recordar que vivimos en un país muy solidario y nuestra capacidad de solidaridad es máxima.

-¿Qué crees que diferencia esta función de la película homónima?

La película tiene un aroma de melancolía, de soledad, de cercanía.

La función de teatro es muy divertida, tiene mucha energía, mucho ritmo y el diseño de personajes es diferente. El reparto es muy compacto. Genera un impacto en el público. El público nos ha comentado durante esta gira de más de dos años que llevamos que “A los tres minutos me he olvidado de que existe la película con el mismo nombre”.

Es distinta. Tiene una impronta energética de sentido del humor durante toda la obra.

-¿Cómo describirías a Ana y Nata, los personajes femeninos de esta obra que interpretan Lidia Navarro y Mónica Asensio? Preséntaselos a nuestros lectores…

Los personajes femeninos son el rayo de luz. Los hombres están inmersos en una montaña de oscuridad.  Ellas están con la mirada puesta en el futuro, en el salir de allí. Están fuera del problema. Es una mirada externa tan necesaria…

-En la presentación de la función se dice que “la obra nos plantea preguntas sobre la justicia social y el sistema laboral contemporáneo, invitándonos a reflexionar sobre las desigualdades en nuestra sociedad…” ¿Qué añadirías al respecto?

Nos pone delante un espejo que nos dice que nuestra vida laboral no es lo único. Somos mucho más que trabajadores. Somos personas, amigos, familia, pareja y, después  de todo eso, somos trabajadores.

-Si tuvieras que elegir varias escenas de tu personaje… ¿cuáles serían?, ¿por qué?

Hay una escena en la que se explica lo que suponía el antes del despido, cuando ellos empezaron a trabajar. Y se recuerda que cada uno daría la vida por el otro. Y me gustan mucho las escenas grupales, con muchos chascarrillos. Y también cuando Santa defiende el estar juntos, más allá de las vicisitudes.

-¿El humor de esta versión reside en los diálogos entre los personajes? ¿Por qué es también divertida esta función?

En la película había mucho humor. Bebía del cine social italiano y de la comedia inglesa. Creo que hacer una crítica social desde el humor es fundamental. Los personajes son contradictorios, defienden unas cosas y luego hacen otras. Es una función muy divertida. Y los diálogos de besugos que tienen entre ellos son fantásticos.

-Llegáis a Madrid este mes pero ya habéis representado esta función en otras ciudades, en la gira… ¿Por qué crees que se sienten identificados con los personajes muchos de los espectadores que ya han visto esta función?

Después de dos años de gira a teatro lleno tenemos claro que los espectadores se sienten identificados con esta función.  Es muy emocionante, con mucha crítica social. Es un clásico contemporáneo.

-¿Qué destacarías de la escenografía diseñada por Ricardo Sánchez Cuerda?

Ricardo es un maestro de la escenografía. Destacaría su plasticidad y su multifuncionalidad.

Es un espacio muy evocador, con mucha poesía. Se transforma en muchos ambientes, también gracias a la maravillosa iluminación creada por Juan Gómez Cornejo e Ion Aníbal.

Y termina: “Esperamos en los Canal, con el corazón abierto, al público madrileño”.

Completan el elenco Marcial Álvarez, Mónica Asensio, Fermí Herrero, Fernando Huesca, Lidia Navarro, César Sánchez y José Luis Torrijo.

Una producción de GG Producción Escénica y Teatro del Nómada. Teatros del Canal. 

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Paula Iwasaki es la protagonista de esta producción del Teatro Español y Nao d´amores. Una versión de la obra de Valle-Inclán dirigida por Ana Zamora que, al cierre de esta edición, se seguía ensayando.

-¿Cómo describirías a tu personaje?¿Cómo es en esta versión?

Interpreto a la reina Isabel II a través del filtro del esperpento, del teatrillo del guiñol, de la caricatura de la chirigota y del tablado de fantoches.

En esta versión (según el propio Valle Inclán) “la comadre se ríe feliz y carnal de todo y de todos.”

-En la presentación de esta función se comenta que “En un Madrid de sainete y miseria, Isabel II y su corte desfilan como figuras ridículas, atrapadas en un mundo de corrupción, farsa y doble moral…”¿Qué añadirías?

Dice Ana Zamora que Valle Inclán podría ser considerado como el padre del teatro documento en España o quizá del teatro documento a la española.

Los personajes de esta obra son un retrato sórdido y muñequizado de la cara más corrupta y miserable de la sociedad. El público asistirá a la degradación y perversión de un gobierno nacional a través del humor descarnado, de canciones populares y de una atmósfera carnavalera en la que cada uno de los personajes acaba descubriéndose como una marioneta más dentro de un sistema frívolo y grotesco

-Según Ana Zamora, “La obra nos presenta una serie de hechos, más o menos documentados históricamente, desde una convención escénica absolutamente guasona, constituyendo una crítica feroz del reinado de Isabel II…”¿Qué añadirías sobre la historia que narra “Farsa y licencia…?

Valle Inclán no solo denuncia la corrupción del individuo que ostenta el poder, sino que se burla de una sociedad regida por los instintos más frívolos, sucios y primarios. La acción de la obra gira en torno a la aparición de unas cartas escritas por Isabel II a uno de sus amantes y cómo sus allegados y cargos importantes de la corte se mofan de la señora, se pisan entre ellos y urden todo tipo de tramas conspiranoicas para venderlas y sacar algún rédito de la incontinencia epistolar de la reina.

-¿Cómo describirías brevemente al resto de los personajes?

En “Farsa y licencia de la reina castiza”  aparecen todo tipo de personajes populares del Madrid del siglo XIX. Hay casi veinte personajes que entran y salen de escena, confabulan, se ríen de los poderes políticos y también los temen.

Aparecen los típicos manolos y manolas del imaginario castizo y popular, el general Narváez como el Gran Preboste, diversos amantes del rey y la reina, el rey Francisco de Asís, la infanta Francisca (abuela de ambos monarcas porque eran primos hermanos), las damas de su cámara real…

A estos personajes les darán vida Miguel Ángel Amor, Alejandro Pau, Aisa Pérez, Rafael Ortiz e Isabel Zamora.

-Si tuvieras que elegir varias escenas de tu personaje… ¿cuáles serían?, ¿por qué?

En la obra interpreto a la reina Isabel II y también a la infanta Francisca, a la que Valle describe como una bruja de entremés.

Los dos son divertidísimos y pasan por todo tipo de situaciones surrealistas y grotescas… Es difícil elegir un solo momento de la función.

Las escenas que más disfruto son las corales, en las que el esperpento se dispara y todos los personajes aparecen a la vez en escena. Hay un momento de la función en el que aparecen como diez personajes en escena y somos solo cinco actores…

-¿Por qué fue Valle-Inclán un visionario ya cuando escribió esta función?

Porque la corrupción, las estrategias políticas, los instintos primarios y la picaresca no entiende de épocas, culturas, ni géneros.

Y porque la obra podría ser perfectamente un meme caricaturizando la sátira política de nuestro tiempo.

-¿De qué temas actuales nos habla esta función?

En la actualidad estamos normalizando la corrupción como costumbre nacional y a los dirigentes políticos como caricaturas de sí mismos. El autor entendió que el esperpento no era solo una estética teatral, sino una forma muy española de mirar y sentir, entonces y ahora, la realidad en la que vivimos.

Completan el equipo artístico: Vicente Fuentes (Voz y palabra), Víctor Pliego de Andrés (en la Dirección musical),  Deborah Macías (como diseñadora de Vestuario).

El espacio escénico y trabajo de objetos es una creación de David Faraco y el diseño de la Iluminación es una creación de Juan Gómez Cornejo.  Retrato de Javier Naval. Fotografía de Javier Naval.

Teatro Español  (Sala Margarita Xirgu). 

Teníamos muchas ganas de publicar este reportaje de mujeres que fotografían a las actrices o los actores, a los directores/as o a los bailarines/as en los escenarios, ensayando las obras o representándolas. Hace una década que una mujer hubiera hecho las fotografías de esa obra o de ese espectáculo o de su cartel de promoción, era muy difícil. En los últimos años, hay más. Pero siguen siendo muy pocas. Les presentamos a seis fotógrafas de Artes Escénicas cuyo trabajo es imprescindible en los equipos. Su personal mirada detrás del objetivo de la cámara y su “medida” de la Iluminación escénica son “pura magia”.

BÁRBARA SÁNCHEZ-PALOMERO

En la actualidad es la que fotografía los ensayos y las obras de las producciones del Centro Dramático Nacional. Su primer contacto con la fotografía escénica fue durante las prácticas de sus estudios en la sala teatral Kubik Fabrik. Lleva 14 años como fotógrafa.

“Intento que mis fotografías sean una extensión de la propuesta escénica, que transmitan la energía y la atmósfera de cada obra. Y, sobre todo, cuido mucho que reflejen cada gesto de los protagonistas. Creo que mis fotografías son honestas, expresivas, precisas y narrativas.”, nos dice.

De todas las fotografías de su trayectoria profesional, elige “una de “La distancia” porque «es de las primeras fotografías que hice para el Centro Dramático Nacional. Fue justo después del confinamiento, cuando los teatros aún estaban sin público. Y le tengo un cariño especial porque empecé a trabajar con ellos y, además, fue mi primer trabajo después de la Pandemia. También una de los ensayos de la obra “Shock 2”. Me gusta esta imagen porque me impactó esa obra. Fue una suerte ser testigo de cómo iba avanzando la función y cómo trabajaba toda la compañía en ella. Y la de “Inloca” porque la función tenía una estética muy visual y potente, y esta imagen me gusta mucho.”

Continúa aprendiendo en diferentes cursos de distintas escuelas porque, como explica, “Me encanta aprender nuevas técnicas y creo que es fundamental seguir formándose y mantenerse actualizada…”.

Cuando le preguntamos “¿por qué es tan difícil encontrar a mujeres que se dediquen a esta especialidad dentro de la fotografía?”, comenta que “Históricamente, como muchas profesiones, la fotografía era un trabajo de hombres y, como casi todo en el mundo laboral, funciona y empieza con contactos y redes. A eso súmale la disponibilidad de horarios que, por supuesto, no ayudan a conciliar. Y esto lleva a un menor número de referentes femeninos en los créditos de las imágenes. Por suerte está cambiando y cada vez somos más las mujeres que nos dedicamos a esta especialidad”.  www.barbarasanchezpalomero.com

ALBA MURIEL MELÉNDEZ

Comenzó a trabajar con la Compañía Nacional de Danza en 2016. También ha sido la fotógrafa de compañías como Ogmia de Edu Vallejo o el Ballet de Barcelona; de coreógrafos como Antonio Ruz o Nacho Duato; de intérpretes como Aída Badía o Sergio Bernal y de festivales como el Dance Open Festival, entre otros. “En 2016 era José Carlos Martínez el director de la CND. Le estoy muy agradecida y también le doy las gracias a Maite Villanueva,  jefa del departamento de Comunicación de la CND, porque confió en mi visión artística desde el principio. Acercarme a la fotografía escénica fue, sobre todo, porque mi madre es una amante de la Danza y mi padre es músico, por lo que el arte siempre ha estado muy presente en mi vida, desde que tengo memoria…”, comenta.

Sobre la fotografía de Danza considera que “las escenas se presentan con una serie de recursos y de posibilidades que debo utilizar para crear. Muchas veces mi trabajo se parece al de la fotografía urbana. Hay que estar alerta porque aquí puede ser que algo ocurra en un instante y ya no lo volvamos a ver. Hay cambios de iluminación, mucho movimiento… con lo que hay que utilizar todo el conocimiento para optimizar mi capacidad de improvisación.”

De entre todas las imágenes de su trayectoria comenta que “Prefiero elegir cuatro momentos importantes para mi trayectoria dentro de la fotografía escénica de danza: «Sad Case». Esta foto es sin duda una de mis fotografías favoritas, no solo por la composición de las 2 figuras superpuestas pero que tienen profundidad, o por el instante capturado, si no por la energía que se generaba en escena con esta pieza, por su música y la interpretación precisa de los bailarines de esta impecable coreografía de Sol Leó n y Paul Lightfoot. «Giselle en el Moncayo». Giselle siempre ha sido mi ballet clásico favorito, por eso, cuando Joaquín de Luz me propuso crear la imagen de cartel para esta producción en la que estaba trabajando la CND, no me lo pensé 2 veces. Tan solo la idea de conseguir esa mezcla entre oscuridad y luz que tiene el segundo acto del ballet, conseguir ese drama romántico y delicado pero sin quedarnos tan solo en la parte interpretativa. Ir buscando entre los árboles de aquel bosque el set perfecto fue un reto para poner en práctica esa dirección artística que en mi trabajo diario no siempre tengo la oportunidad de realizar.

El backstage de «El Cascanueces». Es el momento en el que activo el modo “ninja” y me pongo siempre mis “botitas Bloch” para que no moleste ni el sonido de mis pisadas y poder descubrir intérpretes estirando, ensayando con sus auriculares… Son los bailarines Ana Pérez-Nievas y Benjamín Poirier ensayando el paso a dos del Hada de Azúcar de «El Cascanueces» en el Teatro de la Zarzuela.

Y la foto del paso a 2 del Cisne Negro del «Lago de los Cisnes» interpretado por los bailarines Haruhi Otani y Yanier Gómez. Este plano corto tirado desde las cajas del teatro de la Zarzuela dentro de la gala homenaje a Maya Plisetskaya en 2016 fue la primera función que realicé para la CND. Fue el instante en el que fui realmente consciente de que, efectivamente me encontraba entre las bambalinas de un teatro precioso, retratando a unos bailarines maravillosos con un repertorio que siempre había soñado ver. Al previsualizarla pensé: “Realmente quiero hacer esto, quiero dedicarme a la fotografía de danza”.

Y termina diciéndonos, “Definiría mis fotografías con los adjetivos rítmico, expresivo, detallista y dinámico. Quizás la mayor complejidad de este trabajo reside en la espontaneidad y en lo efímero del mismo. En la mayoría de las situaciones se presenta una pieza que, probablemente, no conocemos por lo que, a priori, soy observadora de todo lo que sucede delante de mi lente. Lo más difícil es aprovechar la capacidad para ser creativa, sin perder de vista que estoy para retratar una obra que tiene una escenografía y una iluminación muy concretas.” www.albiruphotography.com

LUZ SORIA

Tiene una trayectoria profesional prolífica y muy reconocida. De origen argentino, comenzó su andadura en España con la compañía “Los números imaginarios” de Carlos Tuñón. Y ha trabajado en decenas de producciones teatrales. También ha sido fotógrafa del CDN. En 2025 se mudó a Holanda, donde actualmente colabora con el Holland Festival, el Spring Festival, la Flamenco Biennale NL y el Stut Theater, entre otros.

“Cada proyecto es un Universo. El Teatro me abre mundos enteros, desde la ficción y desde la realidad. No solo lo que se plantea en la pieza y cómo se trabaja. En el Teatro hay urgencias,  hay objetos por todos lados, hay mucha oscuridad. Y estás ahí, reptando por todo el Teatro, con los ojos silenciosos que sacan las imágenes fuera de las salas. Definitivamente, lo más complicado es la luz. La no luz, en realidad. Ese es el gran desafío desde mi experiencia. Y hacer fotos desde una butaca entre el público, sin poder moverse y sin hacer nada de ruido también es difícil. Personalmente disfruto muchísimo más cuando puedo moverme libremente por el espacio sabiendo que no estoy molestando a nadie. Siempre que se pueda, incluso intento estar encima del escenario…”, nos dice. 

Luz tiene muy claro lo que destacaría de su “estilo” fotográfico: “Trabajo de una manera muy sensible, me intereso por lo que está sucediendo delante de mi lente, y trato de combinar mi manera de mirar con la manera de ver de los creadores. Como si tratase de ponerme en sus ojos. Así trato de ver. Aunque con mi corazón. No puedo dejar de ser yo, obviamente, pero tratando de ver desde la lógica que se esté manejando en ese universo-obra. Muchas veces las fotos que hago llegan como epifanías a los creadores. Como si hubiese podido mostrarles la esencia de la pieza en una sola imagen (o en un grupo de imágenes). Y eso es muy muy bonito. Creo que es eso, captar la esencia. Cuido mucho el hacer esas fotos más ilustrativas, más de registro “puro”, pero me doy mucho espacio para hacer las más “artísticas” o conceptuales también, esas que pegan distinto, que cuentan desde un lugar más honesto. Y, de alguna manera, siempre intento que todos aparezcan bien. Con una luz que les favorezca, con un gesto en el que además de ser expresivo, también sea amable con ellos.”

Y termina, «este año tuve la oportunidad de fotografiar a Luz Arcas y su show “Mariana” durante la Flamenco Biennale de Países Bajos. Su trabajo es espectacular, es una bestia en el escenario. Sentía que le hacía fotos a un animal, por momentos un caballo. Me pareció increíble y hay un par de fotones que me parecen, como ella, espectaculares. Y también destacaría de mis fotografías una imagen-retrato en blanco y negro que adoraré siempre, con mis queridos Patricia Ruz y Alberto Jiménez en su proyecto “Kapow”.   www.luzsoria.com

GERALDINE LELOUTRE

“Fui actriz antes que fotógrafa y mi primera vez  fue casi sin querer, vestida por Franca Squarciapino, con peluca de Antoñita, en el Teatro Español. Desde aquella “corte de Versalles” empecé a fotografiar todo lo que ocurría a mi alrededor: los ensayos, la construcción del vestuario, la caracterización, la función y la vida entre bambalinas. En ese momento no lo sabía pero ahí comenzó mi carrera”, comenta Geraldine sobre sus inicios como fotógrafa de escena.

Actualmente es la fotógrafa de las producciones de Nave 10 Matadero.  Ha trabajado para el Teatro Español, el Teatre Nacional de Catalunya, el Centro Dramático Nacional o La Abadía, entre otros, y para muchas compañías y productoras teatrales.

“El Teatro es mi casa. Sé cómo se mueve un actor en escena, cuándo intervenir y cuándo desaparecer, conozco los cambios de ritmo, cómo hablar con el equipo y cómo hacerlo desde el idioma interpretativo y no desde el técnico y esto acerca siempre posturas. Me apasiona ser partícipe de cómo se hace cuando quienes lo crean también lo aman, porque entonces nace de un lugar muy puro, muy arriesgado y, muchas veces, muy precario. Al final está lleno de verdad y de compromiso lo mires por donde lo mires.”

Geraldine considera que lo más complicado de la fotografía de escena es “La inmediatez, porque, si no captas el momento, ya no vuelve”.

Y para ella, sus fotografías se definen con cuatro adjetivos: “Cinematográfico  porque trato de acercar al espectador al teatro a través de la imagen de una manera más íntima. Elegante. Me interesa la limpieza, centrar la información en lo esencial y no saturar la imagen.

Rítmico. Trato de captar el movimiento, energía entre una emoción y otra. E íntimo porque trabajo desde dentro, desde la escucha y desde la escena.”

www.geraldineleloutre.com

ELENA DEL REAL

Es hija de Javier del Real (fotógrafo del Teatro Real desde hace más de dos décadas). “Hay imágenes que no se olvidan. En mi caso, la de un baño lleno de fotografías pegadas a las paredes, secándose después del revelado. Crecí así. La fotografía no era algo extraordinario en casa: era parte del día a día. Me quedaba mirando aquellas escenas intentando imaginar qué había pasado antes y qué ocurriría después. Sin darme cuenta, aprendí a mirar. Aunque siempre conviví con la fotografía, nunca tuve claro que quisiera dedicarme a ello. Mi padre me decía que tenía “buena mirada”, pero nunca me empujó ni forzó a nada. Empecé ayudándole con edición y selección de imágenes, desde la parte más técnica y silenciosa del proceso. Poco a poco, casi sin planearlo, fui sintiendo que ese mundo también podía ser mío. Tenía 23 años cuando empecé más en serio. Hoy no imagino un trabajo más exigente ni más bonito.”

En los últimos 12 años ha trabajado para el Teatro Real, el Teatro de la Zarzuela y con muchos artistas y compañías. “Lo más complicado es lograr que una imagen explique la esencia de la obra. No basta con exponer correctamente o resolver una iluminación complicada. Es estar situada en el lugar preciso, con el objetivo adecuado, anticipando lo que va a suceder un segundo después. Esa capacidad de prever, de intuir el momento exacto, solo la dan los años y la experiencia.”, comenta.

Y añade “Me gustan mucho las fotografías de «Golondrinas”, «Iphigenia en Tracia», «La del Manojo de Rosas», «Pan y Toros»  y «El Año pasado por agua». Todas estas zarzuelas fueron representadas en el Teatro de la Zarzuela.  Las he elegido por su belleza y por poesía, pero también porque explican bastante bien cómo veo yo la fotografía de escena. Hay imágenes que se te quedan más dentro que otras y muchas veces no sabes muy bien por qué: es la manera en la que te han llegado, cómo te has vinculado con ese momento o con esa atmósfera. Para mí, la fotografía de escena no es solo documentar lo que pasa, sino capturar algo que ya tiene emoción, tensión o misterio por sí mismo. Que funcione casi como una imagen autónoma, que tenga vida más allá de la función…»

Y sobre su forma de “mirar” lo que ocurre en los escenarios nos dice que “En la fotografía de escena el ego debe quedarse fuera. Es inevitable que la mirada personal esté presente. Nuestra labor no es imponernos, sino ensalzar el trabajo de quienes están sobre el escenario. Somos un puente entre la obra y el público. Si hay una seña de identidad en mi trabajo, quizá sea esa escucha atenta, esa intención de comprender profundamente lo que se quiere expresar para traducirlo con precisión y sensibilidad… No es suficiente con que describa la escena; la foto tiene que ser bella, expresiva y fiel al espíritu de la obra.”

«La fotografía de escena sigue siendo un mundo bastante masculino en el que muchas veces la mirada dominante continúa siendo la masculina. Creo que necesitamos más miradas femeninas. No como una cuestión de cuota, sino porque la diversidad de miradas enriquece el relato visual de lo que ocurre sobre el escenario…»

VANESSA RÁBADE

Formó parte del equipo de la productora Kamikaze desde el inicio de su etapa como gestores del Pavón Teatro Kamikaze. Era la encargada de realizar las fotografías de todas sus producciones. Es una de las fundadoras de The Office Comunicación y su fotógrafa desde hace más de 10 años. Sigue trabajando para otras compañías de danza y de Teatro y es muy conocida por sus  especiales retratos de actores y actrices.

«Mi formación comenzó con los estudios de Diseño Gráfico en la Escuela de Artes Pablo Picasso, en A Coruña, dónde empezó mi pasión por la fotografía. Años más tarde, regresé a la misma escuela para hacer la especialidad de Fotografía Artística. Empecé las prácticas en el estudio fotográfico de Xoan Piñón, que, en ese momento, era el mejor estudio de fotografía en A Coruña y uno de los mejores de Galicia. Tras una década trabajando de la mano de Xoán Piñón, decidí darle un giro a mi carrera e independizarme como una de las fundadoras de The Office Comunicación».

Sobre que cada fotógrafa tiene una mirada diferente, nos dice que “Lo que intento que defina mi trabajo es hacer imágenes cercanas y desde dentro de las piezas. Me gusta trabajar con objetivos cortos de lente fija y moverme todo lo que me dejen. De todas las fotografías que he hecho en mi vida me quedo con las de las obras “Jauría”, de Miguel del Arco, por lo importante que fue la pieza, por lo gratificante y lo mucho que aprendo siempre que trabajo con Miguel.

“Todo el tiempo del mundo”, de Pablo Messiez que tiene una energía que hace que los días que trabajo con él sean días felices. “Vania x Vania”, de Pablo Remón. Fue increíble ver cómo adaptaba un mismo texto de dos formas tan distintas. Y “Traición”, de Israel Elejalde. Fue el último espectáculo que fotografié en el Pavón Teatro Kamikaze”.

“Lo más complicado es conseguir no dejarme llevar por las dificultades de la parte técnica que tienen algunos montajes y poder entrar en la obra para sacar un registro desde dentro. Aunque es importante hacer un registro fiel del montaje, a mí la parte que más me gusta es donde puedo acercarme a los actores y conseguir imágenes más próximas. Me encanta el proceso desde el inicio, el poder leerme el texto antes de ver nada y dejarme sorprender con el montaje. Poder ver el ensayo antes de tener la sesión me ayuda a ir con más confianza en los movimientos cuando estoy fotografiando y me ayuda a entrar en la función, me deja disfrutarla más mientras trabajo. Me considero una fotógrafa cercana, emocional, empática y perfeccionista”, termina. www.theofficeco.es

“Si Miguel Delibes me enseñó a mirar, Fernando Fernán-Gómez me enseñó a escuchar. Durante unos años tuve el privilegio de estar cerca de él y escucharle, entre otras, la historia de Fernanda López, “la rubia”, su bisabuela, de la que heredó el color de pelo y que era de Valdelaguna, un pueblo al lado de Chinchón, el mío… Y de Carolina Gómez, costurera, la abuela que cuidó de su infancia como Natividad López cuidó de la mía. Fernán Gómez quiso ¿por qué no? ser Jackie Cooper, “el de “La isla del tesoro”, y también, decía, quería ser “escritor de novelas de Salgari”…

Con estos maravillosos párrafos nos presenta José Sacristán  “El hijo de la cómica”, un monólogo que, además de protagonizar, ha versionado y dirigido.

Para escribirlo, el actor se ha inspirado en la primera parte de las memorias de Fernando Fernán Gómez  (de 1921 a 1943) y en sus conversaciones privadas con el actor y director durante muchos años en los que compartieron viajes, cientos de conversaciones, confidencias, bromas…  Un homenaje al que Sacristán define como “mi gran amigo. El maestro”.

-En el escenario, das vida a trece personajes…

Sí. Ya hice una lectura dramatizada el año en el que Fernando Fernán Gómez hubiera cumplido 100 años y en el que daba vida a seis personajes.

Después escribí esta nueva función, más compleja y más arriesgada que aquella lectura.

-El monólogo nos habla de sentimientos y emociones como la ternura,  la melancolía…

Son historias de supervivencia, de ausencias, de miedos, de esperanzas, de sueños de libertad.

-Dices que Fernán Gómez te enseñó a escuchar. ¿A qué más te enseñó?

Tuvimos una amistad artística y humana que marcó mi trayectoria profesional. Me enseñó a conversar. A lo que es la capacidad de transformar… A disertar, a dialogar. Era un hombre que era capaz de hablar de forma inteligente hasta de lo que era disfrutar de beber un vino blanco.

-¿Te gustaría que le conociesen las nuevas generaciones?

Después de más de 60 años de carrera y a mi edad ya he aceptado que todo es efímero e intrascendente. Y que hay que ser humilde. ¿O saben muchas personas jóvenes quienes fueron Homero, Mozart o Esquilo?. No aspiro a que trascienda tampoco este monólogo. Me gustaría que los espectadores jóvenes vinieran a ver esta función pero también los de todas las edades.

-¿Qué se siente estando solo en el escenario?

Si hay un buen texto, hay un buen compañero en el escenario. Y también quiero que sea el público mi compañero de este viaje… Si hay un público al que le interese lo que cuento, ya tengo un buen compañero… Voy a contar historias como “se me antojaban las voces de su abuela y de la mía, la lejana de Carola, su madre, la de María, la criada analfabeta…”

La temporada pasada hemos estado de gira con el monólogo “Señora de rojo sobre fondo gris” de Miguel de Delibes. Con gran respaldo del público. Ahí está el triunfo.

-A Fernán Gómez no le gustaba hacer Teatro. ¿De esto también hablas en esta función?

Subirse a un escenario no le gustaba, no. Decía: “Me cuesta tanto memorizar un texto y soltarlo en un escenario que no me merece la pena…” Tenía mucho sarcasmo. Había algo en él que… Para conversar, tenías que despojarte de cualquier frase hueca. Era formidable.

-Has estado de gira con esta función por algunos teatros en España. ¿Cómo ha sido la reacción del público? ¿Te ha sorprendido alguna reacción o comentario de algún espectador en concreto?

A mí me sorprende cada día que veo el Teatro lleno. Me importa la calidad del público, que recibe este monólogo con aplausos. Estoy muy contento y les estoy muy agradecido.

Estoy recogiendo poco a poco el interés que está suscitando esta función…

-¿Sigues pensando que el Teatro “engancha”?

Por supuesto. Mientras “la madre naturaleza” me lo permita, seguiré actuando.

No pienso dar el espectáculo encima de un escenario tampoco porque esté en un estado de salud lamentable. Yo quiero seguir practicando lo que tiene de juego el ser actor.

-¿Qué destacarías de la puesta en escena de “El hijo de la cómica”?

En el escenario hay algunos objetos. Pocos. Los necesarios para apoyar las transiciones… Y tenemos proyecciones que sirven para situar al espectador en el contexto histórico.

También hay videos de Fernando Fernán Gómez. La escenografía audiovisual es de Juan Estelrich y el diseño de Iluminación de Tatiana Reverto.

Y termina José Sacristán diciéndole al público: “Confío en que me escuchéis con la misma o parecida emoción con la que yo le escuchaba a él, a Fernán Gómez, al nieto de la costurera…al hijo de la cómica.”

Es una producción de Pentación Espectáculos. Desde el 29 de Abril. Teatro Bellas Artes.

-Mal pelo, con su última producción “WE”, inaugura este Festival. ¿Cómo le presentarías a nuestros lectores esta coreografía?

Hablar de Mal Pelo siempre es hablar de perfección, de investigación artística permanente, lo que les ha llevado a un imaginario tremendamente personal. No hay grietas. Sus composiciones equilibran cada uno de los elementos que conforman la escena, los espacios sonoros, las composiciones coreográficas, la técnica impecable y siempre en espacios de una belleza plástica impresionante. Con “WE”, vuelven a esa búsqueda constante de obtener respuestas sobre el individuo y su papel en la comunidad, tomando como referencia el poema de John Berger “Separation” y trazando como recurso el principio básico del movimiento en su máxima expresión, el caminar.

-¿Algunas propuestas de compañías internacionales que te gustaría destacar?

Desde la poética irónica de la coreógrafa italiana Silvia Gribaudi y su “ROSA”, donde nos escenifica la expresión del cuerpo de la mujer y el rol social que se le asigna. A la fisicalidad de las propuestas de la francesa OUPS Dance Company, la perfección de movimientos de Patricia Crkovic & Tjasa Buscik de Eslovenia, o el dúo Empty Rooms de Francia. También el trabajo de la compañía italiana DanceHauspiù; de Duo Nux (con Alice Beatrice) y los cuestionamientos danzando  del coreógrafo alemán Jack Bannerman.

-¿Qué novedades destacables habrá esta edición respecto a la de otros años?

Contaremos con la colaboración de Cataluña (CataLAN Dance y ICEC/ Catalan Arts.) y de Galicia (Agencia Gallega de Industrias Culturales de la Xunta de Galicia), especialmente implicados este año en el Festival, para crear vínculos sólidos y dar visibilidad e impulsar la creación contemporánea de sus respectivos territorios.

También tendremos las V Jornadas Profesionales de Danza donde trabajaremos una hoja de ruta hacia el primer plan de impulso a la danza en Andalucía, que cristalice en un documento ambicioso las artes vivas y la danza, como un derecho cultural, motor de transformación y bienestar social y colectivo.

Y el proyecto Escuela de Futuros donde abordaremos la mediación artística y la educación expandida, en colaboración con redes de Colombia, Argentina y Portugal.

-Has declarado que “Cádiz en Danza” es un festival con un imaginario colectivo y donde la acción participativa es fundamental… ¿Sigues pensando así?

Por supuesto creo que es verdaderamente lo que define la identidad del festival. No creo que fuese posible defender un festival alejado de su contexto y de su propia comunidad y tampoco de la escucha activa del sector.

-¿Por qué es un Festival diferente?

No buscamos la diferenciación ni trazar un festival galáctico y único en su especie, pero si el que la ciudad necesita. Creo que podemos afirmar que hemos conseguido ir cumpliendo años siendo fieles a los propósitos que marcaron el inicio del Cádiz en Danza y quizás por esa labor de crecer de una manera frontal a su territorio, sin artificios y de una manera sostenible.

Somos un festival de kilómetro cero y eso nos gusta. Que escucha y que quiere seguir creciendo de esa manera, con base sólidas. El Festival se ha ido posicionando hacia esa participación, hacia la obra abierta y seguimos apostando por trabajos de espacio de mediación, cuestionamiento у de resignificación.

Otras propuestas de la Programación

Cerrará el Festival la bailaora y coreógrafa Rocío Molina (considerada como una de las principales renovadoras del flamenco contemporáneo). Su espectáculo «Calentamiento» ha sido creado y dirigido junto al dramaturgo y director Pablo Messiez, bajo la dirección musical del Niño de Elche y la colaboración de Cabosanroque.

Este año en el Gran Teatro Falla se sumará la propuesta Danzas Románticas de Montdedutor, un ballet inmersivo inspirado en escenas de los principales ballets del Romanticismo: Giselle, Coppelia, La Sylphide, Raymonda y Scherezade.

En el Teatro del Títere de la Tía Norica de la ciudad estarán las piezas de  las compañías La Venidera, Los Informalls, Olalla Hernández, Silvia Gribaudi y Nuria Guiu.

Y, además, se podrá disfrutar del «To be show», de Alberto Lucena en la Sala Central Lechera. Del 6 al 13 de Junio. Cádiz.

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Cuatro excelentes actrices de cuatro generaciones distintas protagonizan esta tragicomedia que le habla al público de la LIBERTAD, de secretos familiares y de las herencias sentimentales. Una obra en la que las cuatro imaginan “un lugar mejor” y en la que el humor les sirve  de “defensa” ante el dolor. Hablamos con ellas de esta obra escrita y dirigida por la actriz Elisabeth Larena y producida por Contraproducións.

MARÍA GALIANA

-Pilar, tu personaje, estuvo de acuerdo con el régimen dictatorial y, además de tener mucha retranca, ¿cómo es?

Es un personaje muy curioso para la gente joven. Les va a impresionar. Es una mujer de mi edad que tuvo un cargo muy importante en la sección femenina de las JONES. Me recuerda a una de mis tías que era una “mujer católica y apostólica”, como se decía antes. Era una mujer “ejemplar”, sacrificada. Una mujer enquistada, por la idea de ese machismo, de aquella época. Las mujeres eran casi beatas. Y Pilar era una mujer de esas de “oír, ver y callar”. También es una de esas muchas mujeres que estaban de acuerdo con aquel régimen que duró 40 años. Pilar ya está muerta, está presenciando (sin que a ella “la vean”) todo lo que las dos chicas jóvenes (Inés y Leo) están hablando. Y hace como que invita a su velatorio al público del Teatro.

Reflexiona sobre el escenario con los espectadores. Pilar habla de alguna de las otras mujeres de la obra con frases como: “¿Han visto Ustedes?. ¡Es pura envidia!”.

En su monólogo comenta “¡Vamos, estamos en mi velatorio y ésta se pone a llorar por una puta gata!”.  Cambia de estado de ánimo constantemente.

También dice en otra escena “La mujer siempre ha tenido la tendencia a someterse”.  Como justificándolo…

-¿Por qué cinco motivos no debería perderse el público esta obra?

Porque es descubridora (para mucha gente) de toda una época, de la historia de España, que no es suficientemente conocida por muchos/as.

El espectador se encuentra con la historia de una familia, en la que las protagonistas son cuatro mujeres porque las mujeres son las que aportan las historias de las familias.

Es una obra que, además de ser una comedia, tiene una categoría extraordinaria porque no es intrascendente. Está dando en el meollo de una serie de cuestiones muy importantes para el presente de todos.

Porque se narra de una forma muy novedosa. Hay escenas “paranormales”.

Y, por si fueran pocos motivos, porque está llena de giros de la historia y de sorpresas.

-Mediante tu personaje, la autora habla de temas de nuestro reciente pasado que todavía son actuales…

Sí. Como la mala relación de algunos hombres con las mujeres, de la inseguridad de las mujeres que buscaban en los hombres el refugio económico, de la dependencia permanente de los hombres. Y, lo peor, que eso se hiciera y que se aceptara como si tal cosa. Y sigue ocurriendo.

-¿Qué es lo que más te ha llamado la atención de las reacciones del público de los Teatros en los que habéis estado?

Lo que me llama mucho la atención es que la gente, al salir, nos dice “Es mucho mejor esta obra de lo que yo me esperaba”. Creo que descubren una forma de hacer teatro que es muy especial.

-¿Cómo te definirías como actriz de Teatro?

Pongo el alma y la vida en el escenario. Cada vez que represento la función, estoy más contenta que cuando se estrena. Estoy mucho más compenetrada con el texto. Nunca me canso. No bajo de energía. Nunca se nota nada de mi estado de ánimo en el escenario. Antes de que empiece, siempre me concentro. Estoy  calladita y muy tranquila. Me lo paso bomba en el escenario. Esa trasmisión de energía con el público me motiva en cada representación y en cada bolo.

ANNA MAYO, MARÍA ROJA y NIEVE DE MEDINA

-¿Quién y cómo es tu personaje?

ANNA MAYO: Mi personaje es Leo, la nieta de Pilar. Es de carácter fuerte, resuelta y diligente,  más bien lógica y poco emocional. Se ha criado sin su madre, quien la abandonó dejándola con su abuela Pilar, una mujer dura, autoritaria y rancia. Leo ha tenido que hacerse a sí misma y ha aprendido a vivir en soledad y ha valerse por si misma. Es piloto de aviación y lleva los mandos de su vida con gran practicidad. No ha gozado de demasiado cariño en la infancia, por lo que resulta una persona más bien fría y distante, al menos a primera vista, ya que poco a poco se le irá cayendo la coraza que la ha protegido toda su vida.

NIEVE DE MEDINA: Marisol es una mujer que estuvo bajo la tutela de una supuesta madre (Pilar). Es una mujer libre, que quería conocer el mundo y tener otra vida como mujer. Se quedó embarazada de joven de forma accidental, decidió escapar del lugar donde estaba con una valentía y un arrojo sorprendentes para aquella época. Se ha enfrentado al dilema de querer o no ser madre. Quería “volar” en su momento pero ha pagado cara esa libertad de abandonar su hogar familiar.

MARÍA ROJA: Mi personaje es Inés, la más joven de esta particular cita de mujeres. Calma su vocación literaria como redactora en una revista de moda y belleza bajo la dirección de su padre, mientras se enfrenta a un momento de búsqueda interior, tras el reciente fallecimiento de su madre. Es una joven que oculta su inseguridad detrás de la incontinencia verbal, impertinente sin ser consciente, ciertamente inmadura, bastante atolondrada… llegando a rozar lo cómico. Pero, al mismo tiempo, en su afán por intentar entenderse a sí misma, rezuma entusiasmo, perseverancia, curiosidad y ternura.

-La obra se inicia narrando que en un pueblo pequeño de España, Inés asiste al velatorio de una anciana llamada Pilar, quien decide dejarle su casa en herencia sin haberla conocido nunca y sin avisar a Leo, su nieta…

NIEVE: La historia se va a ir desvelando poquito a poco. Es como un puzle y cada pieza va encajando sutilmente, aunque al principio parece que ninguna va a cuadrar. Es una historia de sororidad femenina en la que cuatro mujeres que no estaban invitadas a entenderse acaban haciéndolo. Una función amable que en estos tiempos tan terribles en los que vivimos viene a recordarnos que el trato directo con el otro, intentar entenderle y ponerte en su lugar es la mejor manera de solucionar los conflictos. La función trata también de la herencia pero no la del dinero, sino del legado que nos dejan quienes se van. Y a veces el legado es todo lo que ocultaron.

MARÍA ROJA: Las emociones y temáticas que van surgiendo durante la función nacen de un momento histórico muy concreto. Están  impregnadas de una amargura que, lamentablemente, resuena en problemáticas de nuestra realidad actual.

-Si tuvieras que elegir varias escenas de tu personaje… 

NIEVE: Desde luego la escena de presentación de mi personaje (a solas con el personaje de María Galiana) es mi preferida. Es una perla pequeñita pero redonda y brillante. Y la escena en la que le explico al público el por qué de mi comportamiento hace casi 40 años. Es importante explicarnos a nosotras mismas para saber quiénes somos realmente. Saber qué “personaje” estamos desempeñando en la vida.

MARÍA: Aquellos momentos en los que el silencio incómodo comienza a imperar en el escenario. Inés, incapaz de sostenerlo, empieza a vomitar palabras. Esa mezcla de falta de sentido de lo oportuno y de descaro me resulta muy divertida.

-Según tu opinión, ¿estas cuatro mujeres buscan “La libertad”? 

NIEVE: Leo e Inés tienen ese territorio ya conquistado. Las jóvenes están buscando saber qué pasó y descubrir su identidad y sus raíces. Pero todas han querido ser libres de una u otra forma.

MARÍA: Quizás esta reunión sea la última oportunidad de encontrar la libertad, de llegar a rozarla o, tal vez, de empezar a vislumbrarla.

-¿Qué significa para ti esa Francia simbólica del título de esta obra?

ANNA: La Francia del título fue el lugar soñado durante la Guerra civil española porque simbolizaba las libertades de las que carecían nuestros abuelos y abuelas. Francia es “la posibilidad viva de algo mejor”. 

-¿Qué frases te gustan de tu personaje?

ANNA: “No quiero cargar con nada, siempre he vivido ligero”.

“Ahora sí que estoy completamente sola, porque Pilar era como era, pero era mi abuela”.

«Pilar, tú eres mejor que esa cosa que hiciste”.

NIEVE: Hay una frase en una de las escenas que define a mi personaje: “No podía seguir encerrada aquí sabiendo lo que sabía”. Y otra es cuando ella confiesa ante el público: “Ni siquiera el sentimiento de culpa por dejarla con ésta me hizo volver aquí”.

-En esta función, nada es lo que parece a primera vista…

ANNA: Es una obra enrevesada. Parece a veces un thriller. El público va descubriendo con nosotras a dos personas que están muertas y el texto le va sorprendiendo constantemente… Aunque en la gira que hemos hecho con la obra, nadie nos ha dicho: ¡Qué lío!.  Avanza bien. Hay algo de comedia y hay mucha emoción en el escenario. Y es una obra con final feliz.  Fotografías de escena de Sergio Verde. Desde el 29 de Abril. Gran Teatro Pavón.

Magüi Mira ha dirigido esta adaptación de la novela del escritor y político valenciano Vicente Blasco Ibáñez (escrita a finales del siglo XIX). Daniel Albaladejo, Antonio Hortelano, Patricia Ross, Jorge Mayor, Antonio Sansano, Claudia Taboada, Elena Alférez y Jaime Riba llevan a escena esta función que reflexiona sobre la necesidad imperiosa de crear espacios en la vida social en los que la convivencia sea pacífica y sostenible. Marta Torres ha escrito la dramaturgia de esta función que conecta con el público de hoy porque habla de una historia actual y atemporal.

“La barraca” narra el rechazo al que se ve sometida la familia de Batiste Borrull al instalarse en una barraca y unas tierras de la huerta valenciana que pertenecieron durante años a la familia del tío Barret. Los hortelanos de la zona le hacen imposible el asentamiento a estos “forasteros” y les impiden trabajar con violencia y crueldad.

-Has comentado que “la verdadera tragedia es que la historia que narra esta obra (escrita en 1898) sigue siendo muy actual. Seguimos solucionando nuestros problemas matando, no hablando”… ¿Qué añadirías al respecto?
Que nos falta avanzar en conocimiento. En esa lucha entre la razón y la violencia estamos lejos de que el pulso lo gane la razón. La honestidad es un riesgo. Y un riesgo necesario ser buena persona.

-Preséntales a nuestros lectores a Batiste Borrull… ¿Quién y cómo es?
Un hombre de paz. Un hombre sencillo con principios nobles. Un hombre que sabe y quiere integrarse en una comunidad. La respuesta que recibe es salvaje, cruel…Dice: “ahora sé por qué los hombres matan”… Es un hombre que sigue luchando por unos valores que hoy se nos están deshaciendo entre las manos.

-¿De qué tipo de violencias nos habla esta función?
Del hambre, que es en sí una violencia. De la insolidaridad que es una violencia contra el más débil. De la negación de la identidad y los derechos básicos, que es otra violencia. Y, finalmente, de la muerte violenta.

-También se dice en la presentación de la obra que nos habla de la subida injustificada de los alquileres, de desahucios, de acoso infantil… ¿De qué otros temas?
Por ejemplo, de la incultura como semilla de violencia, de hostilidad, de rechazo al diferente.

-¿Qué tipo de mujeres son los personajes que interpretan Patricia Ross, Claudia Taboada y Elena Alférez?
Patricia, Claudia y Elena son tres actrices diferentes, con un talento que les lleva a poder encarnar a las mujeres del relato de “La Barraca”. Tres actrices inmensas, capaces de crear la sumisión, el valor, la determinación, la sabiduría, y el deseo de esas mujeres que quieren llegar a ser seres humanos en su propio espacio, y avanzar en el conocimiento. No quieren armas, ni cuchillos ni escopetas, quieren respeto, quieren cariño y quieren una existencia en paz. 

-Es la primera vez que se adapta esta novela al Teatro…
Es la primera vez que Blasco Ibáñez y “la Barraca” son llevados a escena. Mirada a mirada. Respirando el mismo aire. Que la sangre, el alma de unos actores y actrices es vehículo de esta tragedia. Y, por supuesto, vehículo de una lucha por la justicia, por la consciencia, por la tolerancia, por la paz. “La barraca” es una historia de siempre. Nos habla de la eterna lucha entre la razón y la violencia de una comunidad enferma que tiene comportamientos salvajes. Nos habla de la identidad necesaria que nos da el arraigo a la tierra en la que nacemos. Blasco Ibáñez denunciaba en el siglo XIX la explotación y la injusticia social. Su visión realista y crítica daba voz a los más desfavorecidos. Dos siglos después, parece que mucho no hemos cambiado.

-¿El espectador tiene que ir al Teatro a disfrutar, a volar, a gozar?
Es un arte que la inteligencia artificial no puede sustituir. La comunicación directa entre ser humanos. Y en esa comunicación se goza, se transmiten emociones, la palabra vuela preñada de inteligencia. De ideas. De pasión.

En la parte artística, la escenografía ha sido diseñada por Curt Allen y Leticia Gañá. La música ha sido compuesta por Santi Martínez y el diseño de Iluminación es una creación de José Manuel Guerra. Es una producción de Pentación Espectáculos, Teatro de Malta y Olympia Metropolitana. Fotografías de Javier Naval. Desde el 21 de Mayo. Teatro Fernán Gómez CCV.

Es una de las comedias de enredo más conocidas y representadas del dramaturgo Lope de Vega. Ahora es llevada a escena por un gran elenco de actores y actrices en una nueva adaptación escrita por Xus de la Cruz y dirigida por Josep María Mestres. Hablamos con Carolina Rubio, Silvana Navas, Carlos Serrano y Pablo Béjar.

CAROLINA RUBIO
-¿Cómo es Finea?
Es muy ingenua, sin filtros y aparentemente torpe. Y su torpeza la convierte en objeto de burlas. Es una persona que no tiene filtros ni pudor en decir lo que piensa y a la que se la ha atribuido un roll dentro de su familia que se ha creído. Es un ser libre sin saberlo y muy transformable, tiene un gran potencial que despierta conforme avanza la función. No es el que amor la salve, es que se activa algo que ya estaba en ella…

-En el Madrid del S.XVI, Finea, heredera de una gran fortuna, es prometida en matrimonio con Liseo. Laurencio, el enamorado de su hermana Nise, interesado también en la dote de Finea, trata de enamorarla con palabras y requiebros que ella desconocía. Llegado el momento de la presentación de los prometidos, Liseo, decepcionado por el imprudente y “bobo” comportamiento de Finea, renuncia a casarse con ella… ¿Qué añadirías sobre la historia que nos narra esta obra?
Que más allá del enredo amoroso, la obra plantea una pregunta muy actual: cuánto de lo que somos es realmente nuestro y cuánto viene determinado por el entorno. Y en el caso de Finea, cuando cambia su entorno social, cambia también su forma de pensar y de entender el mundo.

– ¿De qué le habla tu personaje al público?
Habla de cómo la mirada de los demás y los roles que se nos atribuyen nos construyen. A lo largo de la obra, cuando cambia la forma en la que la ven, también cambia la forma en la que ella se percibe a sí misma. En este sentido, le habla al público de la importancia de no etiquetar, de no dar por hecho quiénes somos, porque todos estamos en constante transformación. Finea me parece un personaje muy luminoso, no cambia para encajar, sino que descubre una versión mas completa de ella misma, y eso conecta mucho con la idea de que todos tenemos partes aún por descubrir si se nos da el espacio adecuado.

-¿Qué párrafos de tu personaje destacarías? ¿Por qué?
“Nunca oscura yo seré; Los libros me han brindado, Astrolabio delicado, donde universos veré”
“Tu desataste y rompiste la oscuridad de mi ingenio”
“Yo no entiendo cómo ha sido.  Desde que el hombre me habló porque si es que siento yo, Él me ha llevado el sentido…”
Porque descubrirse a sí misma hablando con un lenguaje distinto y descubriendo el mundo con otra mirada y con otro conocimiento es algo que me fascina.

-¿Qué personalidad tiene Liseo?
Liseo es un personaje realista que encarna los valores tradicionales del matrimonio y la jerarquía social. Es racional y práctico y actúa movido por la lógica social y el prestigio. Es un caballero que da valor a la inteligencia.

CARLOS SERRANO
-¿Quién es Laurencio?
Es un disfrutón y un superviviente. Un seductor al que la vida le seduce. Al principio de la obra se enfrentará a tomar decisiones porque, aunque él quiera, no se puede tener todo, y a sacrificar y renunciar a una parte importante de él. Con todas las consecuencias que eso conlleva.
-Según Mestres, “La sensualidad y la belleza de los versos de Lope te desarman con una profundidad serena y una sencillez clara; con una complejidad transparente. Y siempre sientes que te habla de aquello que nunca hubieras podido expresar, pero que, sin duda, reconoces como propio”
Lope es adrenalina y a la vez pausa en el tiempo. Profundiza sobre el alma humana y nos hace pensar. Es alucinante como los versos de Lope, escritos en el siglo XVII, vuelven a nosotros con la misma vigencia.
-Si tuvieras que elegir varias escenas de tu personaje… ¿cuáles serían? ¿por
qué?
Cuando llega Liseo a la casa de Otavio. Y la escena con Finea del tercer acto. Y comenta que “Tenemos muchas ganas de compartir el resultado de los ensayos con el público que venga a vernos…”.

-¿Qué frases de tu personaje destacarías? ¿Por qué?
“Soy tan pobre como bien nacido”, es un buen verso para definir al personaje. Su pobreza, y evitarla, es la razón para tomar la decisiones que toma. “Se atreve a censurallos/quien no se atreve a entendellos”, más de 400 años después de ser escrito, no puede ser más actual este verso.
La obra habla de las pasiones cotidianas con las palabras mejor hilvanadas de la Literatura de nuestra lengua.

-¿Y una parte de la función que te encanta es…?
Uno de los pocos momentos en los que el personaje se queda solo, sin otros ante los que fingir o actuar de tal o cual manera. Es la parte en la que se ve claramente la honestidad más pura y brutal del personaje.

-¿Cuáles son los principales temas de los que nos habla esta función?
Esta obra trata del amor y de sus consecuencias. Cuando el amor te sorprende y te hace engrandecerte, y cuando el amor te abandona y te reduce a cenizas. El amor reflejado en muchas de sus variantes: el amor fraternal, el amor por admiración, el amor y la falta de él. Habla del miedo a la soledad, de lo imposible que es controlar los sentimientos, de la necesidad de sobrevivir en un mundo que dominan los hombres. Y, sobre todo, de lo necesarios que son la cultura, las letras y el conocimiento.
-¿Quién y cómo es Nise, tu personaje?
Es la hermana mayor de Finea. Nise es una mujer ávida de conocimientos, interesada en las letras, en la filosofía, en los versos y en la cultura. Ella cultiva el intelecto y el mundo de las ideas. Es un personaje elegante, educado, mental, racional y lógico. Es muy inteligente pero, como no tiene la misma dote que su hermana, no tiene tantas posibilidades para casarse como Finea. Creo que Nise es un personaje que se defiende de la situación mediante la cultura y el conocimiento, pero que es terriblemente vulnerable ante el amor.
-¿Por qué es diferente esta versión?
Creo que esta versión es diferente porque da espacio a que los personajes femeninos tengan voluntad propia y cierta capacidad de decisión, aunque respetando las palabras de Lope. La adaptación hace que se genere un punto de profundidad sobre los personajes femeninos. Por tradición cultural y social, los personajes femeninos han quedado relegados a las voluntades masculinas, y esta versión favorece que tanto Finea como Nise tengan un punto de vista y una opinión respecto a sus propias vidas, que no sean solo marionetas víctimas de los caballeros que las rodean, teniendo siempre en cuenta que hablamos de mujeres en el siglo de Oro.
-Según Mestres, “La pieza se centra en la transformación de la boba Finea. A través de ella vemos cómo, desde su aparente ingenuidad, va adquiriendo un conocimiento propio, un saber que se nutre del amor y de la curiosidad y que le permite desprenderse de las máscaras…” ¿Qué añadirías?
Que es una de mis obras favoritas de Lope. Mezcla amor, humor, sensibilidad. Soy muy afortunada de poder interpretar este personaje.

Completan el elenco Joaquín Notario, Markos Marín, Concha Delgado y Víctor de la Fuente.

Es una producción del Festival Hispanoamericano del Siglo de Oro CAM. Clásicos en Alcalá y Octubre Producciones. Fotografías de Javier Naval. Del 28 de Mayo al 14 de Junio. Teatros del Canal.

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