¿Quiénes somos cuando la imagen del espejo tan sólo nos devuelve miedo y vergüenza? ¿Qué queda de nosotros mismos cuando todo lo que creemos ser parece insuficiente? Son algunas de las preguntas que, según Javier Hernández-Simón, su director y coadaptador (junto a Ignacio del Moral), le plantea al público esta función. Hablamos con el actor Fernando Cayo que interpreta a uno de los protagonistas de esta emocionante obra.

-¿Cómo describirías a Santa?

Santa representa al tipo que, al quedarse sin empleo, todavía está en una actitud de resistencia. Es el tipo incombustible, que mantiene el calor de la amistad en la cuadrilla de amigos.

Tiene un gran sentido del humor, muy alegre, tiene muchas carencias personales, y muchos claroscuros. Quiere ser muy fuerte pero, al mismo tiempo, está muy tocado emocionalmente por la injusticia y la vida que están viviendo y el lugar en el que les ha colocado este sistema. Es un tipo que une al grupo, que acoge y que pone sentido del humor a todo. Aunque, interiormente, está muy tocado.

-¿Qué crees que simboliza Santa en el desarrollo de la función?

La resistencia. Es el “¡no nos moverán!”. Es el tipo que dice “¡yo no me rindo. Seguimos hasta el final. Habrán ganado pero no nos domaron!”.

Representa el espíritu de lucha.

-Esta función habla de “la importancia de estar unidos en los momentos difíciles, de intentar salir adelante pese a estar en el paro después de un despido industrial…”¿De qué otros temas nos habla?

Nos habla de cómo nuestra vida laboral determina todas nuestras relaciones. En la sociedad el trabajo es muy importante. Pero también nos coloca en el borde de lo robótico. Somos personas. De ser conscientes de esto. De tener autoestima.  Y nos habla también de estos procesos de adaptación cuando hay despidos masivos.

De las desigualdades sociales. Porque, a veces puedes adaptarte a los cambios y a veces no. Hay personas que no se pueden adaptar por sus circunstancias, por lo que les rodea…Habla de tener esperanza…

-Según Javier Hernández-Simón, el director de esta función, “Los lunes al sol” nos ofrece una esperanza, una línea en el horizonte para ayudarnos a seguir caminando; al menos ganar una batalla, por pequeña que sea, para demostrarte que sigues existiendo…. ¿Qué añadirías?

El gran mensaje de la obra es la importancia de estar juntos en los momentos difíciles, de tener empatía. El ser conscientes de que formamos parte de un grupo aunque, a veces, nos sintamos muy solos. Siempre formamos parte de grupos. Y también hay que recordar que vivimos en un país muy solidario y nuestra capacidad de solidaridad es máxima.

-¿Qué crees que diferencia esta función de la película homónima?

La película tiene un aroma de melancolía, de soledad, de cercanía.

La función de teatro es muy divertida, tiene mucha energía, mucho ritmo y el diseño de personajes es diferente. El reparto es muy compacto. Genera un impacto en el público. El público nos ha comentado durante esta gira de más de dos años que llevamos que “A los tres minutos me he olvidado de que existe la película con el mismo nombre”.

Es distinta. Tiene una impronta energética de sentido del humor durante toda la obra.

-¿Cómo describirías a Ana y Nata, los personajes femeninos de esta obra que interpretan Lidia Navarro y Mónica Asensio? Preséntaselos a nuestros lectores…

Los personajes femeninos son el rayo de luz. Los hombres están inmersos en una montaña de oscuridad.  Ellas están con la mirada puesta en el futuro, en el salir de allí. Están fuera del problema. Es una mirada externa tan necesaria…

-En la presentación de la función se dice que “la obra nos plantea preguntas sobre la justicia social y el sistema laboral contemporáneo, invitándonos a reflexionar sobre las desigualdades en nuestra sociedad…” ¿Qué añadirías al respecto?

Nos pone delante un espejo que nos dice que nuestra vida laboral no es lo único. Somos mucho más que trabajadores. Somos personas, amigos, familia, pareja y, después  de todo eso, somos trabajadores.

-Si tuvieras que elegir varias escenas de tu personaje… ¿cuáles serían?, ¿por qué?

Hay una escena en la que se explica lo que suponía el antes del despido, cuando ellos empezaron a trabajar. Y se recuerda que cada uno daría la vida por el otro. Y me gustan mucho las escenas grupales, con muchos chascarrillos. Y también cuando Santa defiende el estar juntos, más allá de las vicisitudes.

-¿El humor de esta versión reside en los diálogos entre los personajes? ¿Por qué es también divertida esta función?

En la película había mucho humor. Bebía del cine social italiano y de la comedia inglesa. Creo que hacer una crítica social desde el humor es fundamental. Los personajes son contradictorios, defienden unas cosas y luego hacen otras. Es una función muy divertida. Y los diálogos de besugos que tienen entre ellos son fantásticos.

-Llegáis a Madrid este mes pero ya habéis representado esta función en otras ciudades, en la gira… ¿Por qué crees que se sienten identificados con los personajes muchos de los espectadores que ya han visto esta función?

Después de dos años de gira a teatro lleno tenemos claro que los espectadores se sienten identificados con esta función.  Es muy emocionante, con mucha crítica social. Es un clásico contemporáneo.

-¿Qué destacarías de la escenografía diseñada por Ricardo Sánchez Cuerda?

Ricardo es un maestro de la escenografía. Destacaría su plasticidad y su multifuncionalidad.

Es un espacio muy evocador, con mucha poesía. Se transforma en muchos ambientes, también gracias a la maravillosa iluminación creada por Juan Gómez Cornejo e Ion Aníbal.

Y termina: “Esperamos en los Canal, con el corazón abierto, al público madrileño”.

Completan el elenco Marcial Álvarez, Mónica Asensio, Fermí Herrero, Fernando Huesca, Lidia Navarro, César Sánchez y José Luis Torrijo.

Una producción de GG Producción Escénica y Teatro del Nómada. Teatros del Canal. 

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Paula Iwasaki es la protagonista de esta producción del Teatro Español y Nao d´amores. Una versión de la obra de Valle-Inclán dirigida por Ana Zamora que, al cierre de esta edición, se seguía ensayando.

-¿Cómo describirías a tu personaje?¿Cómo es en esta versión?

Interpreto a la reina Isabel II a través del filtro del esperpento, del teatrillo del guiñol, de la caricatura de la chirigota y del tablado de fantoches.

En esta versión (según el propio Valle Inclán) “la comadre se ríe feliz y carnal de todo y de todos.”

-En la presentación de esta función se comenta que “En un Madrid de sainete y miseria, Isabel II y su corte desfilan como figuras ridículas, atrapadas en un mundo de corrupción, farsa y doble moral…”¿Qué añadirías?

Dice Ana Zamora que Valle Inclán podría ser considerado como el padre del teatro documento en España o quizá del teatro documento a la española.

Los personajes de esta obra son un retrato sórdido y muñequizado de la cara más corrupta y miserable de la sociedad. El público asistirá a la degradación y perversión de un gobierno nacional a través del humor descarnado, de canciones populares y de una atmósfera carnavalera en la que cada uno de los personajes acaba descubriéndose como una marioneta más dentro de un sistema frívolo y grotesco

-Según Ana Zamora, “La obra nos presenta una serie de hechos, más o menos documentados históricamente, desde una convención escénica absolutamente guasona, constituyendo una crítica feroz del reinado de Isabel II…”¿Qué añadirías sobre la historia que narra “Farsa y licencia…?

Valle Inclán no solo denuncia la corrupción del individuo que ostenta el poder, sino que se burla de una sociedad regida por los instintos más frívolos, sucios y primarios. La acción de la obra gira en torno a la aparición de unas cartas escritas por Isabel II a uno de sus amantes y cómo sus allegados y cargos importantes de la corte se mofan de la señora, se pisan entre ellos y urden todo tipo de tramas conspiranoicas para venderlas y sacar algún rédito de la incontinencia epistolar de la reina.

-¿Cómo describirías brevemente al resto de los personajes?

En “Farsa y licencia de la reina castiza”  aparecen todo tipo de personajes populares del Madrid del siglo XIX. Hay casi veinte personajes que entran y salen de escena, confabulan, se ríen de los poderes políticos y también los temen.

Aparecen los típicos manolos y manolas del imaginario castizo y popular, el general Narváez como el Gran Preboste, diversos amantes del rey y la reina, el rey Francisco de Asís, la infanta Francisca (abuela de ambos monarcas porque eran primos hermanos), las damas de su cámara real…

A estos personajes les darán vida Miguel Ángel Amor, Alejandro Pau, Aisa Pérez, Rafael Ortiz e Isabel Zamora.

-Si tuvieras que elegir varias escenas de tu personaje… ¿cuáles serían?, ¿por qué?

En la obra interpreto a la reina Isabel II y también a la infanta Francisca, a la que Valle describe como una bruja de entremés.

Los dos son divertidísimos y pasan por todo tipo de situaciones surrealistas y grotescas… Es difícil elegir un solo momento de la función.

Las escenas que más disfruto son las corales, en las que el esperpento se dispara y todos los personajes aparecen a la vez en escena. Hay un momento de la función en el que aparecen como diez personajes en escena y somos solo cinco actores…

-¿Por qué fue Valle-Inclán un visionario ya cuando escribió esta función?

Porque la corrupción, las estrategias políticas, los instintos primarios y la picaresca no entiende de épocas, culturas, ni géneros.

Y porque la obra podría ser perfectamente un meme caricaturizando la sátira política de nuestro tiempo.

-¿De qué temas actuales nos habla esta función?

En la actualidad estamos normalizando la corrupción como costumbre nacional y a los dirigentes políticos como caricaturas de sí mismos. El autor entendió que el esperpento no era solo una estética teatral, sino una forma muy española de mirar y sentir, entonces y ahora, la realidad en la que vivimos.

Completan el equipo artístico: Vicente Fuentes (Voz y palabra), Víctor Pliego de Andrés (en la Dirección musical),  Deborah Macías (como diseñadora de Vestuario).

El espacio escénico y trabajo de objetos es una creación de David Faraco y el diseño de la Iluminación es una creación de Juan Gómez Cornejo.  Retrato de Javier Naval. Fotografía de ensayos de Alonso Zamora Canellada. Desde el 30 de Junio. Teatro Español  (Sala Margarita Xirgu). 

-¿Qué novedades habrá en la nueva temporada teatral de Espacio Zafra Teatro?
Junto a las producciones propias, programamos otras compañías profesionales y emergentes. En Noviembre estrenaremos un nuevo espectáculo de nuestra escuela.

-¿Sobre qué bases se fundamenta vuestro Curso Regular de Interpretación y Creación Escénica?
Dominar lo necesario y útil para el oficio. Conocer y disponer artísticamente del propio potencial creativo y de la técnica que de seguridad y creatividad.
Componer caracteres definidos sin estereotipos, comunicar comportamientos, texto y emociones con precisión, sentido de verdad y sentido poético, al servicio de la historia y no del propio lucimiento.

– ¿Qué otros programas anuales destacarías?
El curso regular es el núcleo de la formación. Destacaría los Seminarios de Entrenamiento actoral, Movimiento, Voz, Seminario para actores y actrices profesionales, y coach individual.

–¿Sobre qué bases se fundamenta vuestro Curso Regular de Interpretación y Creación Escénica?
Un plan pedagógico para cultivar el propio potencial creativo y las técnicas que lo liberan. Estudio de textos clásicos y contemporáneos, creación de caracteres definidos, explorar emociones, comportamientos, ritmo, espacio, sentido poético y del trabajo en equipo. Crear con los demás al servicio del arte y no del propio lucimiento.

–Nos has comentado alguna vez “Un artista apasionado y comprometido es también un buscador. Cultiva su confianza, curiosidad e imaginación, afina su criterio para desarrollar su universo personal y el de los personajes, autores e historias…” ¿Qué añadirías?
Es necesario poder ver realmente a los demás, comprender con profundidad los textos y los personajes, soltar ideas, opiniones o juicios que impiden ver,
comprender y contactar con más humanidad. Ampliar nuestra visión de nosotros mismos, de los demás y del mundo aporta vida al arte de la actuación.
-¿Qué nuevos cursos ofreceréis en el Estudio desde Julio?
Tenemos una amplia oferta. Ofreceremos el curso de movimiento con Marina Otero; Voz para la creatividad; Improvisación.
En septiembre Clown; Personajes extraordinarios, extraños y excesivos; Laboratorio teatral de “Ángeles en América”; Voz en escena; Cuerpo y performance; Confianza ante la cámara y Entrenamiento físico.

-¿Qué otros programas anuales destacarías?
Entrenamiento Iniciación, que es un primer acercamiento a las bases de la actuación y Entrenamiento avanzado para quienes tienen experiencia profesional y/o una formación más o menos completa.
Y Teatro para la Vida para personas que quieren disfrutar con el teatro pero que no desean convertirse en profesionales.

–¿Cuáles son las bases sobre las que se sigue basando vuestro veterano Estudio?
Seguir investigando desde nuestra extensa y rica experiencia, junto a la vitalidad, arrojo y necesidades de las nuevas generaciones.
-Termina esta frase: “Nuestro alumnado encuentra en Estudio Corazza un lugar en el que…?
Desarrollar sus aptitudes, conocer sus límites e ir más allá. Probar, jugar, equivocarse, disfrutar, desarrollar criterio. Aprender las bases del oficio para abordar grandes textos, crear personajes distintos con verdad e imaginación, moverse en el escenario y frente a la cámara. Asumir su responsabilidad con su propia carrera, su participación en la cultura y en la comunidad.
-¿Qué cualidades debe tener una persona para ser buen actor/ actriz?
Hay aptitudes naturales como el talento, ese misterioso don que en algunas personas alcanza para trasmitir e impactar a grandes públicos. También el carisma o duende de muchos artistas puede llevarlos al éxito, algo que parecería suficiente para sostener una carrera. Pero cuando las bases no son sólidas, las lagunas que tenemos, tarde o temprano harán su aparición.
En un oficio tan subjetivo, salvaje, delicado y expuesto como es el de actuar,
el buen actor o actriz tiene que ser capaz de sostenerse, trabajar y cuidarse con criterio. Le conviene aprender a actuar verdaderamente. Eso lleva años de estudio, preparación y experiencia en el oficio y en la vida.

Cuatro excelentes actrices de cuatro generaciones distintas protagonizan esta tragicomedia que le habla al público de la LIBERTAD, de secretos familiares y de las herencias sentimentales. Una obra en la que las cuatro imaginan “un lugar mejor” y en la que el humor les sirve  de “defensa” ante el dolor. Hablamos con ellas de esta obra escrita y dirigida por la actriz Elisabeth Larena y producida por Contraproducións.

MARÍA GALIANA

-Pilar, tu personaje, estuvo de acuerdo con el régimen dictatorial y, además de tener mucha retranca, ¿cómo es?

Es un personaje muy curioso para la gente joven. Les va a impresionar. Es una mujer de mi edad que tuvo un cargo muy importante en la sección femenina de las JONES. Me recuerda a una de mis tías que era una “mujer católica y apostólica”, como se decía antes. Era una mujer “ejemplar”, sacrificada. Una mujer enquistada, por la idea de ese machismo, de aquella época. Las mujeres eran casi beatas. Y Pilar era una mujer de esas de “oír, ver y callar”. También es una de esas muchas mujeres que estaban de acuerdo con aquel régimen que duró 40 años. Pilar ya está muerta, está presenciando (sin que a ella “la vean”) todo lo que las dos chicas jóvenes (Inés y Leo) están hablando. Y hace como que invita a su velatorio al público del Teatro.

Reflexiona sobre el escenario con los espectadores. Pilar habla de alguna de las otras mujeres de la obra con frases como: “¿Han visto Ustedes?. ¡Es pura envidia!”.

En su monólogo comenta “¡Vamos, estamos en mi velatorio y ésta se pone a llorar por una puta gata!”.  Cambia de estado de ánimo constantemente.

También dice en otra escena “La mujer siempre ha tenido la tendencia a someterse”.  Como justificándolo…

-¿Por qué cinco motivos no debería perderse el público esta obra?

Porque es descubridora (para mucha gente) de toda una época, de la historia de España, que no es suficientemente conocida por muchos/as.

El espectador se encuentra con la historia de una familia, en la que las protagonistas son cuatro mujeres porque las mujeres son las que aportan las historias de las familias.

Es una obra que, además de ser una comedia, tiene una categoría extraordinaria porque no es intrascendente. Está dando en el meollo de una serie de cuestiones muy importantes para el presente de todos.

Porque se narra de una forma muy novedosa. Hay escenas “paranormales”.

Y, por si fueran pocos motivos, porque está llena de giros de la historia y de sorpresas.

-Mediante tu personaje, la autora habla de temas de nuestro reciente pasado que todavía son actuales…

Sí. Como la mala relación de algunos hombres con las mujeres, de la inseguridad de las mujeres que buscaban en los hombres el refugio económico, de la dependencia permanente de los hombres. Y, lo peor, que eso se hiciera y que se aceptara como si tal cosa. Y sigue ocurriendo.

-¿Qué es lo que más te ha llamado la atención de las reacciones del público de los Teatros en los que habéis estado?

Lo que me llama mucho la atención es que la gente, al salir, nos dice “Es mucho mejor esta obra de lo que yo me esperaba”. Creo que descubren una forma de hacer teatro que es muy especial.

-¿Cómo te definirías como actriz de Teatro?

Pongo el alma y la vida en el escenario. Cada vez que represento la función, estoy más contenta que cuando se estrena. Estoy mucho más compenetrada con el texto. Nunca me canso. No bajo de energía. Nunca se nota nada de mi estado de ánimo en el escenario. Antes de que empiece, siempre me concentro. Estoy  calladita y muy tranquila. Me lo paso bomba en el escenario. Esa trasmisión de energía con el público me motiva en cada representación y en cada bolo.

ANNA MAYO, MARÍA ROJA y NIEVE DE MEDINA

-¿Quién y cómo es tu personaje?

ANNA MAYO: Mi personaje es Leo, la nieta de Pilar. Es de carácter fuerte, resuelta y diligente,  más bien lógica y poco emocional. Se ha criado sin su madre, quien la abandonó dejándola con su abuela Pilar, una mujer dura, autoritaria y rancia. Leo ha tenido que hacerse a sí misma y ha aprendido a vivir en soledad y ha valerse por si misma. Es piloto de aviación y lleva los mandos de su vida con gran practicidad. No ha gozado de demasiado cariño en la infancia, por lo que resulta una persona más bien fría y distante, al menos a primera vista, ya que poco a poco se le irá cayendo la coraza que la ha protegido toda su vida.

NIEVE DE MEDINA: Marisol es una mujer que estuvo bajo la tutela de una supuesta madre (Pilar). Es una mujer libre, que quería conocer el mundo y tener otra vida como mujer. Se quedó embarazada de joven de forma accidental, decidió escapar del lugar donde estaba con una valentía y un arrojo sorprendentes para aquella época. Se ha enfrentado al dilema de querer o no ser madre. Quería “volar” en su momento pero ha pagado cara esa libertad de abandonar su hogar familiar.

MARÍA ROJA: Mi personaje es Inés, la más joven de esta particular cita de mujeres. Calma su vocación literaria como redactora en una revista de moda y belleza bajo la dirección de su padre, mientras se enfrenta a un momento de búsqueda interior, tras el reciente fallecimiento de su madre. Es una joven que oculta su inseguridad detrás de la incontinencia verbal, impertinente sin ser consciente, ciertamente inmadura, bastante atolondrada… llegando a rozar lo cómico. Pero, al mismo tiempo, en su afán por intentar entenderse a sí misma, rezuma entusiasmo, perseverancia, curiosidad y ternura.

-La obra se inicia narrando que en un pueblo pequeño de España, Inés asiste al velatorio de una anciana llamada Pilar, quien decide dejarle su casa en herencia sin haberla conocido nunca y sin avisar a Leo, su nieta…

NIEVE: La historia se va a ir desvelando poquito a poco. Es como un puzle y cada pieza va encajando sutilmente, aunque al principio parece que ninguna va a cuadrar. Es una historia de sororidad femenina en la que cuatro mujeres que no estaban invitadas a entenderse acaban haciéndolo. Una función amable que en estos tiempos tan terribles en los que vivimos viene a recordarnos que el trato directo con el otro, intentar entenderle y ponerte en su lugar es la mejor manera de solucionar los conflictos. La función trata también de la herencia pero no la del dinero, sino del legado que nos dejan quienes se van. Y a veces el legado es todo lo que ocultaron.

MARÍA ROJA: Las emociones y temáticas que van surgiendo durante la función nacen de un momento histórico muy concreto. Están  impregnadas de una amargura que, lamentablemente, resuena en problemáticas de nuestra realidad actual.

-Si tuvieras que elegir varias escenas de tu personaje… 

NIEVE: Desde luego la escena de presentación de mi personaje (a solas con el personaje de María Galiana) es mi preferida. Es una perla pequeñita pero redonda y brillante. Y la escena en la que le explico al público el por qué de mi comportamiento hace casi 40 años. Es importante explicarnos a nosotras mismas para saber quiénes somos realmente. Saber qué “personaje” estamos desempeñando en la vida.

MARÍA: Aquellos momentos en los que el silencio incómodo comienza a imperar en el escenario. Inés, incapaz de sostenerlo, empieza a vomitar palabras. Esa mezcla de falta de sentido de lo oportuno y de descaro me resulta muy divertida.

-Según tu opinión, ¿estas cuatro mujeres buscan “La libertad”? 

NIEVE: Leo e Inés tienen ese territorio ya conquistado. Las jóvenes están buscando saber qué pasó y descubrir su identidad y sus raíces. Pero todas han querido ser libres de una u otra forma.

MARÍA: Quizás esta reunión sea la última oportunidad de encontrar la libertad, de llegar a rozarla o, tal vez, de empezar a vislumbrarla.

-¿Qué significa para ti esa Francia simbólica del título de esta obra?

ANNA: La Francia del título fue el lugar soñado durante la Guerra civil española porque simbolizaba las libertades de las que carecían nuestros abuelos y abuelas. Francia es “la posibilidad viva de algo mejor”. 

-¿Qué frases te gustan de tu personaje?

ANNA: “No quiero cargar con nada, siempre he vivido ligero”.

“Ahora sí que estoy completamente sola, porque Pilar era como era, pero era mi abuela”.

«Pilar, tú eres mejor que esa cosa que hiciste”.

NIEVE: Hay una frase en una de las escenas que define a mi personaje: “No podía seguir encerrada aquí sabiendo lo que sabía”. Y otra es cuando ella confiesa ante el público: “Ni siquiera el sentimiento de culpa por dejarla con ésta me hizo volver aquí”.

-En esta función, nada es lo que parece a primera vista…

ANNA: Es una obra enrevesada. Parece a veces un thriller. El público va descubriendo con nosotras a dos personas que están muertas y el texto le va sorprendiendo constantemente… Aunque en la gira que hemos hecho con la obra, nadie nos ha dicho: ¡Qué lío!.  Avanza bien. Hay algo de comedia y hay mucha emoción en el escenario. Y es una obra con final feliz.  Fotografías de escena de Sergio Verde. Desde el 29 de Abril. Gran Teatro Pavón.

Magüi Mira ha dirigido esta adaptación de la novela del escritor y político valenciano Vicente Blasco Ibáñez (escrita a finales del siglo XIX). Daniel Albaladejo, Antonio Hortelano, Patricia Ross, Jorge Mayor, Antonio Sansano, Claudia Taboada, Elena Alférez y Jaime Riba llevan a escena esta función que reflexiona sobre la necesidad imperiosa de crear espacios en la vida social en los que la convivencia sea pacífica y sostenible. Marta Torres ha escrito la dramaturgia de esta función que conecta con el público de hoy porque habla de una historia actual y atemporal.

“La barraca” narra el rechazo al que se ve sometida la familia de Batiste Borrull al instalarse en una barraca y unas tierras de la huerta valenciana que pertenecieron durante años a la familia del tío Barret. Los hortelanos de la zona le hacen imposible el asentamiento a estos “forasteros” y les impiden trabajar con violencia y crueldad.

-Has comentado que “la verdadera tragedia es que la historia que narra esta obra (escrita en 1898) sigue siendo muy actual. Seguimos solucionando nuestros problemas matando, no hablando”… ¿Qué añadirías al respecto?
Que nos falta avanzar en conocimiento. En esa lucha entre la razón y la violencia estamos lejos de que el pulso lo gane la razón. La honestidad es un riesgo. Y un riesgo necesario ser buena persona.

-Preséntales a nuestros lectores a Batiste Borrull… ¿Quién y cómo es?
Un hombre de paz. Un hombre sencillo con principios nobles. Un hombre que sabe y quiere integrarse en una comunidad. La respuesta que recibe es salvaje, cruel…Dice: “ahora sé por qué los hombres matan”… Es un hombre que sigue luchando por unos valores que hoy se nos están deshaciendo entre las manos.

-¿De qué tipo de violencias nos habla esta función?
Del hambre, que es en sí una violencia. De la insolidaridad que es una violencia contra el más débil. De la negación de la identidad y los derechos básicos, que es otra violencia. Y, finalmente, de la muerte violenta.

-También se dice en la presentación de la obra que nos habla de la subida injustificada de los alquileres, de desahucios, de acoso infantil… ¿De qué otros temas?
Por ejemplo, de la incultura como semilla de violencia, de hostilidad, de rechazo al diferente.

-¿Qué tipo de mujeres son los personajes que interpretan Patricia Ross, Claudia Taboada y Elena Alférez?
Patricia, Claudia y Elena son tres actrices diferentes, con un talento que les lleva a poder encarnar a las mujeres del relato de “La Barraca”. Tres actrices inmensas, capaces de crear la sumisión, el valor, la determinación, la sabiduría, y el deseo de esas mujeres que quieren llegar a ser seres humanos en su propio espacio, y avanzar en el conocimiento. No quieren armas, ni cuchillos ni escopetas, quieren respeto, quieren cariño y quieren una existencia en paz. 

-Es la primera vez que se adapta esta novela al Teatro…
Es la primera vez que Blasco Ibáñez y “la Barraca” son llevados a escena. Mirada a mirada. Respirando el mismo aire. Que la sangre, el alma de unos actores y actrices es vehículo de esta tragedia. Y, por supuesto, vehículo de una lucha por la justicia, por la consciencia, por la tolerancia, por la paz. “La barraca” es una historia de siempre. Nos habla de la eterna lucha entre la razón y la violencia de una comunidad enferma que tiene comportamientos salvajes. Nos habla de la identidad necesaria que nos da el arraigo a la tierra en la que nacemos. Blasco Ibáñez denunciaba en el siglo XIX la explotación y la injusticia social. Su visión realista y crítica daba voz a los más desfavorecidos. Dos siglos después, parece que mucho no hemos cambiado.

-¿El espectador tiene que ir al Teatro a disfrutar, a volar, a gozar?
Es un arte que la inteligencia artificial no puede sustituir. La comunicación directa entre ser humanos. Y en esa comunicación se goza, se transmiten emociones, la palabra vuela preñada de inteligencia. De ideas. De pasión.

En la parte artística, la escenografía ha sido diseñada por Curt Allen y Leticia Gañá. La música ha sido compuesta por Santi Martínez y el diseño de Iluminación es una creación de José Manuel Guerra. Es una producción de Pentación Espectáculos, Teatro de Malta y Olympia Metropolitana. Fotografías de Javier Naval. Desde el 21 de Mayo. Teatro Fernán Gómez CCV.

Es una de las comedias de enredo más conocidas y representadas del dramaturgo Lope de Vega. Ahora es llevada a escena por un gran elenco de actores y actrices en una nueva adaptación escrita por Xus de la Cruz y dirigida por Josep María Mestres. Hablamos con Carolina Rubio, Silvana Navas, Carlos Serrano y Pablo Béjar.

CAROLINA RUBIO
-¿Cómo es Finea?
Es muy ingenua, sin filtros y aparentemente torpe. Y su torpeza la convierte en objeto de burlas. Es una persona que no tiene filtros ni pudor en decir lo que piensa y a la que se la ha atribuido un roll dentro de su familia que se ha creído. Es un ser libre sin saberlo y muy transformable, tiene un gran potencial que despierta conforme avanza la función. No es el que amor la salve, es que se activa algo que ya estaba en ella…

-En el Madrid del S.XVI, Finea, heredera de una gran fortuna, es prometida en matrimonio con Liseo. Laurencio, el enamorado de su hermana Nise, interesado también en la dote de Finea, trata de enamorarla con palabras y requiebros que ella desconocía. Llegado el momento de la presentación de los prometidos, Liseo, decepcionado por el imprudente y “bobo” comportamiento de Finea, renuncia a casarse con ella… ¿Qué añadirías sobre la historia que nos narra esta obra?
Que más allá del enredo amoroso, la obra plantea una pregunta muy actual: cuánto de lo que somos es realmente nuestro y cuánto viene determinado por el entorno. Y en el caso de Finea, cuando cambia su entorno social, cambia también su forma de pensar y de entender el mundo.

– ¿De qué le habla tu personaje al público?
Habla de cómo la mirada de los demás y los roles que se nos atribuyen nos construyen. A lo largo de la obra, cuando cambia la forma en la que la ven, también cambia la forma en la que ella se percibe a sí misma. En este sentido, le habla al público de la importancia de no etiquetar, de no dar por hecho quiénes somos, porque todos estamos en constante transformación. Finea me parece un personaje muy luminoso, no cambia para encajar, sino que descubre una versión mas completa de ella misma, y eso conecta mucho con la idea de que todos tenemos partes aún por descubrir si se nos da el espacio adecuado.

-¿Qué párrafos de tu personaje destacarías? ¿Por qué?
“Nunca oscura yo seré; Los libros me han brindado, Astrolabio delicado, donde universos veré”
“Tu desataste y rompiste la oscuridad de mi ingenio”
“Yo no entiendo cómo ha sido.  Desde que el hombre me habló porque si es que siento yo, Él me ha llevado el sentido…”
Porque descubrirse a sí misma hablando con un lenguaje distinto y descubriendo el mundo con otra mirada y con otro conocimiento es algo que me fascina.

-¿Qué personalidad tiene Liseo?
Liseo es un personaje realista que encarna los valores tradicionales del matrimonio y la jerarquía social. Es racional y práctico y actúa movido por la lógica social y el prestigio. Es un caballero que da valor a la inteligencia.

CARLOS SERRANO
-¿Quién es Laurencio?
Es un disfrutón y un superviviente. Un seductor al que la vida le seduce. Al principio de la obra se enfrentará a tomar decisiones porque, aunque él quiera, no se puede tener todo, y a sacrificar y renunciar a una parte importante de él. Con todas las consecuencias que eso conlleva.
-Según Mestres, “La sensualidad y la belleza de los versos de Lope te desarman con una profundidad serena y una sencillez clara; con una complejidad transparente. Y siempre sientes que te habla de aquello que nunca hubieras podido expresar, pero que, sin duda, reconoces como propio”
Lope es adrenalina y a la vez pausa en el tiempo. Profundiza sobre el alma humana y nos hace pensar. Es alucinante como los versos de Lope, escritos en el siglo XVII, vuelven a nosotros con la misma vigencia.
-Si tuvieras que elegir varias escenas de tu personaje… ¿cuáles serían? ¿por
qué?
Cuando llega Liseo a la casa de Otavio. Y la escena con Finea del tercer acto. Y comenta que “Tenemos muchas ganas de compartir el resultado de los ensayos con el público que venga a vernos…”.

-¿Qué frases de tu personaje destacarías? ¿Por qué?
“Soy tan pobre como bien nacido”, es un buen verso para definir al personaje. Su pobreza, y evitarla, es la razón para tomar la decisiones que toma. “Se atreve a censurallos/quien no se atreve a entendellos”, más de 400 años después de ser escrito, no puede ser más actual este verso.
La obra habla de las pasiones cotidianas con las palabras mejor hilvanadas de la Literatura de nuestra lengua.

-¿Y una parte de la función que te encanta es…?
Uno de los pocos momentos en los que el personaje se queda solo, sin otros ante los que fingir o actuar de tal o cual manera. Es la parte en la que se ve claramente la honestidad más pura y brutal del personaje.

-¿Cuáles son los principales temas de los que nos habla esta función?
Esta obra trata del amor y de sus consecuencias. Cuando el amor te sorprende y te hace engrandecerte, y cuando el amor te abandona y te reduce a cenizas. El amor reflejado en muchas de sus variantes: el amor fraternal, el amor por admiración, el amor y la falta de él. Habla del miedo a la soledad, de lo imposible que es controlar los sentimientos, de la necesidad de sobrevivir en un mundo que dominan los hombres. Y, sobre todo, de lo necesarios que son la cultura, las letras y el conocimiento.
-¿Quién y cómo es Nise, tu personaje?
Es la hermana mayor de Finea. Nise es una mujer ávida de conocimientos, interesada en las letras, en la filosofía, en los versos y en la cultura. Ella cultiva el intelecto y el mundo de las ideas. Es un personaje elegante, educado, mental, racional y lógico. Es muy inteligente pero, como no tiene la misma dote que su hermana, no tiene tantas posibilidades para casarse como Finea. Creo que Nise es un personaje que se defiende de la situación mediante la cultura y el conocimiento, pero que es terriblemente vulnerable ante el amor.
-¿Por qué es diferente esta versión?
Creo que esta versión es diferente porque da espacio a que los personajes femeninos tengan voluntad propia y cierta capacidad de decisión, aunque respetando las palabras de Lope. La adaptación hace que se genere un punto de profundidad sobre los personajes femeninos. Por tradición cultural y social, los personajes femeninos han quedado relegados a las voluntades masculinas, y esta versión favorece que tanto Finea como Nise tengan un punto de vista y una opinión respecto a sus propias vidas, que no sean solo marionetas víctimas de los caballeros que las rodean, teniendo siempre en cuenta que hablamos de mujeres en el siglo de Oro.
-Según Mestres, “La pieza se centra en la transformación de la boba Finea. A través de ella vemos cómo, desde su aparente ingenuidad, va adquiriendo un conocimiento propio, un saber que se nutre del amor y de la curiosidad y que le permite desprenderse de las máscaras…” ¿Qué añadirías?
Que es una de mis obras favoritas de Lope. Mezcla amor, humor, sensibilidad. Soy muy afortunada de poder interpretar este personaje.

Completan el elenco Joaquín Notario, Markos Marín, Concha Delgado y Víctor de la Fuente.

Es una producción del Festival Hispanoamericano del Siglo de Oro CAM. Clásicos en Alcalá y Octubre Producciones. Fotografías de Javier Naval. Del 28 de Mayo al 14 de Junio. Teatros del Canal.

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La actriz da vida a la rebelde, brillante, culta, juguetona, apasionada y libre princesa Laura en esta versión de Teatro del Temple y la Compañía Nacional de Teatro Clásico de la comedia que escribió Lope de Vega. Una versión que ha dirigido Carlos Martín y que han escrito Alfonso Plou y María López Insausti.

-¿Cómo describirías a Laura, tu personaje?
Laura es un personaje precioso y con un arco infinito. Es una mujer brillante, culta, juguetona, apasionada y, sobre todo, muy libre. Hiperbólica y muy contradictoria como todo ser humano. Muy aragonesa en su testarudez. Ella no quiere someterse al hombre, a su poder impuesto porque sí y a su teoría de que la mujer no es igual a él. Se rebela ante eso y esto le genera enfrentamientos con su propio hermano, sus amigas, la sociedad…

400 años después sigue siendo muy necesaria esta obra y cuando aparece el amor, ha de hacer, digamos, unos pequeños ajustes en “su teoría”. Laura no es solo una mujer que cuestiona a los hombres, es alguien que ha construido un discurso para protegerse.

-La princesa Laura, defensora a ultranza de los valores de la mujer, de sus capacidades físicas e intelectuales, que en nada desmerecen a las de los hombres, está decidida a crear en Palacio una escuela de mujeres para corregir siglos de ignominia literaria…¿A qué más está dispuesta Laura?
Decide formarse, cultivarse, estudiar, para poder escribir las faltas y errores de los hombres y poder demostrar ser su igual. También participa en un torneo para demostrar su valor y, por lo tanto, el de todas las mujeres. Y ahí seguimos, teniendo que demostrar y esforzarnos el doble para ser acreditadas como válidas e iguales. Es una obra de hace 400 años pero parece escrita ayer.

-¿Con qué párrafo de tu personaje te sientes identificada? ¿Por qué?
“Que necia pensaba yo que sin el amor pudiera vivir de esta manera y al mejor tiempo faltó.” Porque no se puede ni se debe vivir sin amor.

-¿De qué temas habla esta función?
Habla de la injusticia, de la desigualdad, de los hombres, de las  mujeres, de filosofía, de las normas rígidas impuestas, del amor, del deseo, de la amistad, de los celos. De las contradicciones.

-¿Sería Laura una mujer feminista de su época?
Es un personaje ficticio pero, si hubiera existido, claro que sí. Su lucha y su búsqueda tienen que ver con lograr la igualdad entre hombres y mujeres.

-¿Qué destacarías de su relación con la dama Diana?
Mantienen una bonita y sincera amistad que se estropea un poquito cuando un hombre se interpone entre ellas, aunque todo se arregla finalmente. Es muy evidente esa complicidad cuando Laura la elige a ella para confesarle que ama, aunque no llega a decírselo… Además de ser primas, Diana también es la pupila de Laura.

-Esta obra está coproducida y dirigida por Teatro del Temple, una compañía con una larga trayectoria teatral (más de 30 años)… ¿Qué destacarías de ella como compañía?
Teatro del Temple es una compañía con mucha experiencia y una larguísima trayectoria y se nota en cada paso del proceso. Trabajar con una compañía que es un referente es todo un lujo.

El resto de personajes de la función están interpretados por Gabriel Moreno (Arnaldo); Secun de la Rosa (Julio); José Vicente Moirón (Lisardo); Xavi Caudevilla (Octavio); Nacho Rubio (Alejandro); Chavi Bruna (Augusto); Lorena Berdún (Lucela) e Itziar Miranda (Diana).

-¿Cómo son las transiciones de la puesta en escena?
Son curiosas, gracias a unos simpáticos personajes que aparecen…

-¿Qué te parece el vestuario de esta obra?
El vestuario es un sueño, una fantasía. Es muy original, divertido, habla mucho de los personajes pero no desde un prisma tradicional. Es muy emocional y, a la vez, ayuda a entender ciertos momentos de la trama. Acompaña muy bien a la comedia y le aporta un peso magnífico.

La Escenografía es una creación de Óscar Sanmartín y Carlos Martín; el vestuario ha sido diseñado por Agustín Petronio; la Música es de David Angulo; la Iluminación es un diseño de Felipe Ramos y la Asesoría del verso es de Pepa Pedroche. 

El Centro Dramático Nacional estrena esta propuesta escénica de The Cross Border Project, con texto y dirección de Lucía Miranda. Una función que la dramaturga y directora describe como “su obra más personal”, que combina teatro documental y ficción, para abordar, con humor y honestidad, la huella del colonialismo entre España y Filipinas. 

-¿Podrías contarle al público qué verá sobre el escenario?
Verá una obra que tiene un 75% de documental y un 25% de ficción. La ficción es muy disparatada, muy divertida, y la parte documental es muy sincera. Es el elenco compartiendo sus historias. Es una obra que habla de la herencia colonial recibida que, a priori, parece algo del pasado, pero que, en realidad, es de una contemporaneidad abrumadora. “Las últimas” es una pieza que no busca dar respuestas, sino invitar al espectador a cuestionarse ¿qué hacer con aquello que hemos heredado?. Un viaje escénico que invita al público a seguir explorando sobre esta relación.

-¿Cómo fue el proceso de seleccionar qué voces y qué relatos entraban en la pieza y cuáles se quedaban fuera?
Ha sido lo más complicado, porque he realizado 40 entrevistas entre España y Filipinas, lo que son unas 80 horas de audio, incluyendo al elenco y a sus madres, pero también a historiadores, antropólogos, lingüistas, o los taxistas que me llevaban y me traían en Manila. Son perfiles muy diversos. Siempre elijo en función de cómo encaja el puzzle: a veces encuentro una historia muy interesante pero que no hace match, que no tiene relación con el resto, y debo dejarla caer. También elijo en función de lo más jugoso dramáticamente, y al tiempo, abandono algunas historias que me parece que pueden poner en riesgo a aquellos que las compartieron. No es lo mismo hablarle a una desconocida, que después escuchar tu voz en un teatro. Trabajo encontrando el equilibrio entre lo dramatúrgicamente interesante y lo éticamente responsable. También buscaba historias que tuvieran que ver con la herencia en líneas muy concretas: el lenguaje, la religión, el relato, el cuerpo, el poder adquisitivo o la clase social.

-La obra mezcla episodios históricos, figuras reconocibles y situaciones aparentemente dispares (desde Magallanes hasta Imelda Marcos). ¿Qué te hace relacionar a estos personajes?
Leí el libro “Programa de desorden absoluto. Descolonizar los museos de Françoise Vergès (Akal, 2024)” y me voló la cabeza. Me parece muy interesante su perspectiva de los museos como escenarios de crímenes. Así que, desde esa lectura, elegí una serie de obras: esculturas, pinturas, fotografías, que se encuentran en el Prado, el Antropológico, el Nacional de
Filipinas, el Museo Oriental de Valladolid o en la calle (como la estatua de Los últimos de Filipinas), para que sirvan de motor en la obra…  ¡Son muchos años!.
También pensé: ¿qué obras son las más representativas de la relación entre los dos países? Si los artistas de la época reflejaron estos momentos, serán las piezas documentales de mis momentos históricos. Y después entrevisté a  curadores (3 españoles y 3 filipinos) para que me hablaran de ello.
Cada figura reconocible está ligada a un tema y a una obra de arte: Almeida y Carmena nos hablan de colonialismo. Magallanes y Pigafetta son el relato de la conquista. Sor Jerónima de la Asunción es la religión, Carmen Polo e Imelda Marcos son el poder administrativo y económico… y la exposición sobre Filipinas realizada en el Retiro en 1887 sirve para hablar de la exotización y el racismo.

-Hablas de la relación entre el cáncer, la madre y la idea de “madre patria”. ¿De qué manera dialogan en la obra lo político, lo generacional y lo emocional?
Hay dos generaciones representadas en la obra: la del elenco que es de 30-40 años, y la de las madres que va desde 60 a 80 años. Los actores comparten su historia y hacemos verbatim de sus madres. Casi todo en la vida es político: que alguien elija hablar el idioma de tus padres o no hacerlo, asumir o no la religión de tus progenitores, maquillarte para parecer blanca en lugar de racializada… De tu madre heredas unas cosas, de tu país también. El conflicto reside en decidir qué haces con lo que heredas.

-“Las últimas” invita a pensar qué hacemos con la herencia histórica y emocional que recibimos. ¿Qué esperáis que el público se lleve a casa al salir del teatro?
Ganas de aprender más, ganas de preguntarse ¿qué hago con el privilegio que yo tengo? ¿cómo lo uso?. Y que se lo hayan pasado muy bien con una obra que a priori habla de “colonialismo”, una palabra que asusta tanto como el cáncer y que cada vez que la nombras en las instituciones te miran con cara de: ¿qué vas a contar en esta obra?.

-¿Qué destacarías del trabajo con el elenco en el proceso de creación?
El elenco, excepto la actriz que interpreta el papel de “la Matria”, es de origen filipino, y Julia Enríquez ha viajado desde Manila, exclusivamente para realizar este proyecto, ya que ella es actriz de la compañía filipina Peta Theatre. A raíz del cáncer de mi madre les planteé entrevistar a sus madres y todos aceptaron, lo que deriva en que muchas de ellas aparecen en la función como personajes o se las nombra. Por ejemplo, en una escena, Laurence Aliganga hace del abuelo de Juan Paños pero luego es Juan, quien representa al padre de Laurence. Hicimos una lectura a la que vinieron algunos de esos familiares y algunas de las personas entrevistadas. Fue precioso. Si normalmente en una obra los actores están al servicio de una historia, en ésta, se redobla. Han sido profundamente generosos conmigo y con la historia que contamos.

-El proyecto nace atravesado por una experiencia vital muy fuerte: la enfermedad de tu madre. ¿Cómo transformó el enfoque inicial de «Las últimas»?

Me entero de que mi madre tiene cáncer en grado 4 (que es el más grave) 3 días antes de coger el vuelo a Manila donde estuve 10 días haciendo entrevistas, con una agenda maratoniana. Cuando subo a ese avión, estoy hecha un lío. Me planteo parar el proyecto en función del diagnóstico que nos den en las siguientes semanas…

Cuando aterrizo en Manila, y viene a buscarme J-mee Katanyag, que es la directora artística y amiga de Peta Theatre, le digo que a mí en ese momento el colonialismo y sus consecuencias me dan igual, y que a mí ahora lo que me importa es mi madre.

Al día siguiente, me trae el libro «Noli me tangere» de José Rizal, la figura más importante de la independencia Filipina, donde habla en el prólogo de que su madre está enferma de un cáncer terrible que es el colonialismo. Su madre era Filipinas como madre patria, y el cáncer el colonialismo español. Y ahí empiezo a pensar en el proyecto desde el punto de vista de la herencia: lo que heredamos de nuestras madres y de nuestros países, lo que decidimos hacer con ello, lo que podemos hacer con ello (cambiarlo, olvidarlo, negarlo)… y empiezo a trazar un hilo entre lo personal y lo político, donde imagino a un personaje que es la Matria que tiene cáncer. Y también decido el tono: si ésta fuera la última vez que viera a mi madre: ¿qué le gustaría a ella ver y qué me gustaría a mí que viera?… Ella me dijo que le gustaría reírse mucho y es lo que he intentado. 

-Propone un recorrido por 461 años de historia compartida entre España y Filipinas. ¿Cómo surgió la necesidad de abordar esta relación?
Desde mi compañía, The Cross Border, tenemos relación con la compañía filipina Peta Theatre. Son un referente en Asia en el trabajo con comunidades y tenemos la suerte de llamarles amigos. Hace 10 años realizamos un intercambio con ellos y a la vuelta de nuestro viaje vinimos impresionados de lo poco que sabíamos de Filipinas y lo mucho qué sabían ellos de España. Un día hablando, nos dimos cuenta de que Belén de Santiago y Juan Paños tenían abuelos filipinos, y pensé que eran muchas casualidades juntas. Pensamos que era necesario hablar de esa relación, del privilegio y del poder histórico establecido que llega hasta el presente.

-A lo largo de tu trayectoria con la compañía Cross Border Project, tus proyectos han explorado el diálogo entre teatro, educación y transformación social. ¿Dirías que existe una base común o una “pregunta motor” recurrente en todos tus espectáculos y a ti misma a lo largo de los años?

Creo que cómo se forja la identidad de cada uno o de una comunidad es algo que se repite desde el principio: desde Perdidos en Nunca Jamás, que es uno de nuestros primeros trabajos hasta Casa. A unos les roban el futuro como en Perdidos o Fiesta, Fiesta, Fiesta, a otros la vivienda, a otras la libertad (Nora, 1959, o La chica que soñaba). También nos preocupan las relaciones de poder, ¿cómo se establece el privilegio?, ¿qué hace que en una sociedad unos decidan sobre otros?, y, sobre todo, ¿qué podemos hacer para cambiarlo?. Fotografías de Bárbara Sánchez-Palomero. Teatro Valle Inclán.