Juanjo Artero se mete en la piel del mítico profesor John Keating para protagonizar  una nueva puesta en escena del clásico texto de Tom Schulman, que interpretó el oscarizado Robin Williams en la gran pantalla, y que ha marcado a muchas generaciones.

Pentación Espectáculos y A&A producen esta gran apuesta, bajo la dirección de Juan Luis Iborra.

Rodeado de los seis jóvenes actores que encarnan al alumnado del rígido colegio inglés (Jacobo Camarena, Gabriel Flores, Lennon Jon Sharp, Álvaro de Paz, Sergio Aguado y Marcos Saneiro), el actor nos confiesa que «basta mirarles para sentir como se te encoge el corazón de nuevo al grito de “¡Oh capitán, mi capitán!”.

-¿Cómo te has enfrentado a la presión de saber que muchos de los espectadores tendrán en la cabeza la interpretación que hizo Robin Williams en la gran pantalla?

No he sentido presión porque no he intentado competir con mi querido Robin Williams. Era inimitable, un actor maravilloso y único. Si lo hiciera tendría todas las de perder. No trabajo desde la imitación. Al profesor Keating nada más hay que dejarle sonar lo que dice, trabajar sobre el texto y las palabras, que son maravillosas.

Es un ser maravilloso, de los que creen que todavía se puede cambiar el mundo. Un idealista. Tiene una sensibilidad especial y eso intuyo que en su infancia le haría ser el raro y tener conflictos con sus padres.

Se trata de un profesor que quiere crear librepensadores, personas que se cuestionen las cosas, que no acepten las ideas porque sí y que persigan sus sueños.

-¿Que se debe rescatar de sus enseñanzas para este siglo XXI?

Todo. Es un texto que nunca caducará. Anima a explorar nuevos caminos y no conformarse con lo establecido, y a buscar la propia identidad. La identidad se está disolviendo todavía más en nuestra época con las redes sociales, están creando muchos conflictos entre la gente por ser diferentes o distintos. Asusta pensar en un mundo adormecido de borregos en el que los librepensadores no existan. Vivimos un momento muy peligroso de manipulación. Es bueno estar abierto a conocerlo todo, escuchar a unos y a otros y formar tu criterio propio, eso es lo que promulga Keating y eso nunca caduca. El arte y los libros enseñan eso. 

Es una cuidadosa obra de teatro musical con la que, según Juan Luis Iborra, se busca “sacar la humanidad de los personajes, la verdad en sus interpretaciones e, incluso, la comedia en algunas situaciones para conseguir que el espectador se sienta uno más en el aula y así recuperar para nuestros días ese famoso «Carpe Diem», que invita a disfrutar del momento presente y aprender a sacarle chispa a la vida.»

-¿Qué destacarías tú personalmente de esta puesta en escena?

Ha preparado una movilidad maravillosa para que se vea el aula, la cueva y ese colegio de valores tan estrictos de la época (la rígida Academia Welton). El proceso ha sido maravilloso. Somos cómplices todos, yo me alimento de la mirada de los chicos y sale todo solo. Es jugar, jugar y jugar. Son jóvenes pero tienen mucha experiencia, han entendido perfectamente que tienen algo entre manos muy importante.

Una obra imprescindible para los institutos, que en su día cambió la vida de mucha gente y que también puede hacerlo a día de hoy.

-¿Tienes una escena favorita?

Hay un momento en el que les habla de la poesía de la vida que es de una belleza tremenda, decir ese texto y ver las miradas de mis compañeros es un momento mágico. Pero en esta función de esos hay muchos. Lo disfruto como un niño porque, además es un profesor muy juguetón, que sabe muy bien cómo captar la atención de sus alumnos. 

-La poesía de Walt Whitman sigue vigente, a día de hoy es todavía un reclamo para los jóvenes…

Sí, su poesía es un canto que conecta muy bien con los jóvenes, apela a vivir intensamente y a creer en el poder de la palabra. Reivindica el derecho a expresarse y a no renunciar a hacerlo.

-Tú que empezaste tan joven en el mundo de la interpretación, ¿Cómo vives ahora estar rodeado de un reparto tan joven?

Es maravilloso. Tienen todos un gran talento y mucho que aportar, me contagian su energía y aprendo de ellos.

-¿Tienes más de idealista o de revolucionario?

Algo de ambos, va por etapas. He sido siempre muy revolucionario y muy pasional, jamás me he podido callar cuando he visto algo injusto y no me ha ido mal así.

Mi vocación es una de las cosas que más he defendido, desde los comienzos, en mi cabeza estaba el ser actor o nada.

-¿Has tenido algún Keating en tu vida, alguien al que decir “¡Oh Capitán, mi Capitán!”?

Muchos. Antonio Mercero fue el primero. De niño también tuve la suerte de tener un profesor en el pueblo que me demostró que no era tonto y me enseñó a ver las cosas de manera distinta. Luego Miguel Narros, Cristina Rota y muchos otros que me han enseñado desde la complicidad.

Podría no parar, he tenido la suerte de trabajar con grandes maestros.

-¿Tienes algún personaje pendiente al que te gustaría encarnar?

Ahora sólo pienso en éste. No soy de pedir, me gusta saborear, disfrutarlo hasta el final e ir partido a partido.

-El texto de Tom Schulman conmueve, remueve y hace llorar, ¿Cómo esperas que salga el espectador?

Habrá muchas risas al principio, sonrisas después porque es maravilloso meterse en la piel de esos chavales y sentir todo lo que sientes y lo que les provoca Keating. Después van a llorar, en una pausa de tres segundos que acabará en un aplauso tremendo. Esa pausa maravillosa de la tragedia y la emoción final, un final majestuoso, es una función que queda arriba. Espero que salgan con la chispa encendida de querer aprovechar la vida al máximo.

Manu Rodríguez y Tomy Álvarez completan el reparto, encarnando el peso de la tradición, la disciplina y el rigor bajo la piel del director del colegio y del padre de uno de los alumnos, que se oponen al librepensamiento del que habla esta gran tragicomedia.

«Una historia de luces y sombras llena de vida, poesía y aprendizaje que invita a perseguir el pensamiento propio”, según palabras del director.

El diseño de escenografía es de David Pizarro, el de vestuario es de Gabriela Salaverri, al frente de la música está Gerardo Gardelín y el diseño de iluminación es de Juanjo Llorens.

Teatro La Latina.

Tras una exitosa gira, la nueva comedia de Gabriel Olivares llega al Gran Teatro Pavón. Un texto ácido y mordaz escrito por Ozkar Galán que pone el punto de mira en las redes sociales avivando un debate social y político que ha llegado ya también a los tribunales.

Hablamos con Ana Arias que protagoniza esta alta comedia junto a Nacho Guerreros, Rebeca Sala y Andrea Alvarado. Encarna a María, toda una especialista en vender humo que es, además, tan peculiar, que merece la pena ver cómo llega al final.

-¿Cuál ha sido el mayor reto a la hora de preparar el personaje de María?

Suele ser la preparación, acercarte a la personalidad según como sea, de diferente o igual a ti; pero en este caso el mayor reto ha sido físico porque la propuesta del director así lo requería. He tenido que trabajar mucho la parte física y la voz porque tampoco en ese sentido tenía nada que ver conmigo. Digamos que María es bastante exagerada, en todos los sentidos. El proceso creativo ha sido muy enriquecedor, Gabriel nos ha puesto a crear, a imaginar y a construir algo mucho más grande de lo que nos habíamos imaginado sólo leyendo el texto. Tienen una mente que no para y eso hace que el proyecto esté vivo.

-¿Cómo describirías a esta comunity manager agresiva?

La obra narra con mucho humor la historia de un escritor de poco éxito que coincide con una comunity manager segura de saberlo todo. Aborda grandes temas, inherentes al ser humano, desde el postureo, a la falta de valores o el amor y las relaciones de pareja.

Mi personaje no tiene pelos en la lengua, es muy segura de sí misma. Tiene toda la verdad y nada más que la verdad en su poder, según ella. Lo que pareces y aparentas es lo que más importa para ella. En su trabajo y en la vida porque no hace diferencias en ese sentido.

-A pesar de estar tan alejada de ti, ¿Te quedas con algo suyo para practicar en tu día a día?

Me gusta la aplastante seguridad que tiene, no se para a pensar si las formas tendrían que ser otras y esa manera tan peculiar de actuar, sin pensar en el que dirán. A veces, eso está bien porque mantener las formas no siempre es lo mejor.

-Comedia feroz e irónica, ¿qué más añadirías?

Diría que es necesaria a día de hoy, estamos a un nivel demasiado elevado de postureo. Da la sensación de que se están poniendo por delante las redes antes que la vida y se hace necesario invitar a reflexionar sobre ello. No está mal criticarlo un poco, desde el humor y la comedia. Mucha gente se va a sentir identificada.

-¿Qué otros temas trata?

Muchos. Desde la ausencia de valores morales hasta la pareja, el amor, la manera de sostener las relaciones…

-El tema de las redes sociales es de rabiosa actualidad, su regulación está ya en el debate político de Europa y en los tribunales se empiezan a tomar medidas, ¿cómo te posicionas en este sentido?

Soy defensora de la libertad en base al control del Estado. Pero no creo que vaya a funcionar. Creo que hay que regularlo, pero en el caso de los niños creo que somos los padres los que tenemos que regularlo.

-Como actriz, habiendo ya lidiado con la crítica y la fama, ¿sientes que tienes más tablas a la hora de enfrentarte a las redes?

Quizás, al menos en el tema de los comentarios, tanto los dañinos como los positivos. Intento dejarlos ahí, que fluyan en un cajón.

-¿Tienes alguna escena favorita en la función?

Me encanta cada vez que María se pone a dominar el cotarro y a decirles lo que tienen que hacer. Lo hace en varias ocasiones, no sabría cual escoger.

De toda la obra, me quedo con el final de la función, que no es como te lo esperas.

-Háblanos del resto del reparto, ¿Cómo habéis encajado?

Nacho y yo llevamos años ya trabajando juntos en “La que se avecina” y lo estamos pasando muy bien con la función, escuchándonos más y riéndonos mucho. Ha pasado una cosa muy graciosa: en la obra mi personaje es el que le abre los ojos a las redes sociales al suyo, pero en la vida real, es él quien más sabe de redes sociales y quien me suele dar consejos a mí, que tengo muy poca idea.

A Rebeca la conocí estudiando en la RESAD y hasta ahora no habíamos coincidido trabajando. Sin embargo, hace poco nos encontramos y justo lo comentamos.

A Andrea la he conocido en esta obra. Gabriel ha sabido crear un clima de creación estupendo, no sólo entre los actores sino entre todo el equipo. Es un genio y formar parte de lo que crea un honor.

-El título de la obra viene con coletilla “la obra que nunca escribió Lorca”. ¿Es esto parte de la estrategia de marketing de María para crear humo?

Responderé con una frase de mi personaje: “¡Pues Claro que utilizando a Lorca de una manera descarada y oportunista!”.

Fotos: Alejandro Palacios y Gerard Magrinyà. Gran Teatro Pavón.

¿ Y si la locura fuera una cuestión de perspectiva?. Lope de Vega ya se hacía esta pregunta en esta comedia de juventud que pone en juego el amor, el deseo y las convenciones sociales. 

Hay algo profundamente teatral en Los locos de Valencia: sus personajes llegan al escenario huyendo de una realidad que no pueden o no quieren afrontar y terminan refugiándose en una ficción.
Floriano se hace pasar por loco para escapar de la justicia; Erífila acaba en el hospital después de huir de una vida que otros han decidido por ella. Una vez dentro, ambos se encuentran, se reconocen y se enamoran. Y a partir de ahí, como suele suceder en el teatro de Lope de Vega, todo se complica.

Es una obra temprana del dramaturgo, uno de los gérmenes de su teatro: el amor como fuerza capaz de alterar el orden de las cosas. La locura es aquí una máscara, pero también una forma de libertad. El hospital de Valencia se convierte en un espacio en el que quienes están considerados «locos» pueden llegar a comportarse con más libertad que quienes viven fuera de sus muros.

Pepa Pedroche nos habla del proceso de creación de esta producción en esta entrevista.

-Como experta en el siglo de oro, y en el verso, ¿cómo describirías Los Locos de Valencia?

Es una obra de juventud de Lope, por lo que todavía no nos encontramos con la madurez del dramaturgo. Pero tiene la grandeza de ser la primera obra de teatro europea en la que se habla de un hospital de locos y la vida que había alrededor de esa institución. Lope refleja lo cotidiano y lo excepcional de estos personajes a través de un verso ingenioso y divertido.

-Lope de Vega construyó en Los locos de Valencia una comedia alrededor de la locura, el deseo y las convenciones sociales. ¿Qué es lo que sigue resultando contemporáneo de esta obra?

Como bien dices la locura, el deseo y las convenciones sociales son parte de la historia y, desde luego, forman parte de nuestro mundo contemporáneo. Con una mirada distinta, sí, pero que influyen en nuestro modo de vivir y conectan directamente con el espectador de hoy.

-Viendo a los personajes dentro del manicomio, uno acaba preguntándose quién está realmente más cuerdo. ¿Te interesaba especialmente jugar con esa idea?

La locura y la cordura son, muchas veces, algo relativo. En la función, el personaje del Doctor Cabezas intenta curar la locura de amor y, en cambio, se queja de que nunca ha sentido el estar enamorado. Esa es también una especie de locura. Ningún personaje se salva de esa pasión y esto propone situaciones llenas de humor.

-Hay también una idea muy presente en el proyecto: amor, humor, belleza, poesía y optimismo. ¿Qué significa para ti reivindicar esas emociones sobre un escenario en estos tiempos oscuros?

Hemos creído que, en estos momentos, es fundamental que esas cinco palabras formen los pilares de la versión y de la puesta en escena. El teatro nos permite paréntesis de disfrute en medio de estos territorios oscuros de los que hablas.

-En la obras la locura puede ser enfermedad, refugio, libertad, pero también una forma de escapar de las normas sociales. ¿Qué lectura haces hoy de esa “locura” que Lope coloca en el centro de la historia?

La versión coloca al Amor como el principal instigador de locuras. Por amor hacemos cosas increíbles y terribles. Cada personaje tiene su propia experiencia con el Amor y todas son entendibles y reconocibles para el público de hoy.

-Dirigir un clásico implica dialogar con una tradición, pero inevitablemente desde una mirada contemporánea. ¿Dónde está para ti el límite entre respetar un clásico y permitirte intervenir sobre él?

La grandeza de los clásicos ofrece infinitas posibilidades y miradas para llevarlos a escena. Sus historias nos tocan siempre, en cualquier tiempo y lugar. El límite lo debe poner cada creador, no hay reglas para ello.

-José Luis Alonso de Santos ha hecho una nueva versión del texto. ¿Qué ha cambiado y qué habéis querido conservar de aquel Lope original?

La esencia de Lope está en cada uno de los versos que José Luis, como dramaturgo, ha intervenido. Ha elevado la historia a lo atemporal y ha eliminado los condicionantes que lo ceñían a una sociedad concreta. Además, ha añadido otros textos de Lope para ser cantados, lo que nos ha permitido crear una comedia musical.

-Has trabajado en varias ocasiones con José Luis Alonso de Santos. ¿Qué tiene de especial trabajar con él y qué crees que aporta su mirada a los clásicos?

José Luis es un maestro en muchos campos, pero su experiencia con los clásicos es de sobra conocida. Su trabajo como dramaturgo otorga a los textos que versiona conexiones directas con el público de hoy y eso es fundamental para el hecho escénico.

-Si tuvieras que convencer a alguien que piensa que el teatro clásico es algo lejano o difícil de abordar, ¿qué le dirías para que vaya a ver Los locos de Valencia?

El teatro siempre tiene que tener un sentido en el aquí y ahora, sea teatro clásico o contemporáneo. Los locos de Valencia es una obra divertida, directa, que nos habla del amor en sus diversas manifestaciones y que nos envuelve emocional y sensorialmente para salir del teatro con “las pilas cargadas” de optimismo y ganas de vivir. 

La llevan a escena Arturo Querejeta, Daniel Muriel, Jacobo Dicenta, Florencia Otero, Lucila Gandolfo, Xavi Caudevilla o Pepe Sevilla, Guillermo Calero, Antonia Paso, Ángeles Martín, Carlos Manrique Sastre, Alberto Vela y Beatriz Fernández.

Es una producción de la Comunidad de Madrid para Teatros del Canal. Coproducida con Club Media Network y el Complejo del Teatro San Martín de Buenos Aires. Teatros del Canal. 

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Recuperamos las entrevistas que les hicimos cuando estrenaron esta función.

LOLA HERRERA

-¿Qué tipo de mujer es la escultora sudafricana Miss Helen, la  protagonista de la obra?, ¿Cómo la describirías? ¿Qué sueño persigue o cuál es el motor de su vida?

Con rasgos de libertad. Es una mujer que quiere hacer lo que ella quiere, lo que sueña, lo que le gusta… Ella ha estado muy reprimida en un matrimonio. Cuando se libera de todo eso porque se queda viuda es una mujer que quiere, al precio que sea, hacer lo que más le gratifica.

-¿Por qué no podías rechazar interpretar este personaje?, ¿Cuáles son  los principales motivos por los que aceptaste llevarlo a escena?

Sobre todo porque es una mujer mayor, que se supone que no tiene derecho a muchas cosas. Primero, por ser mujer y luego ten en cuenta que esto se desarrolla en los años sesenta/setenta en Sudáfrica. No tiene derecho prácticamente a nada. Pero ella exige sus derechos, lucha por ellos, como mujer y como artista y creadora. Me parece que es muy gratificante para cualquier actriz hacer personajes de este tipo, porque la sociedad está totalmente cerrada a los mayores. Es como si fuese un pecado ser mayor, una cosa vergonzosa o algo que hay que desechar. Me parece que es un cántico a la gente mayor.

-Se ha comentado sobre “Camino a la Meca” que es “una reflexión  profunda sobre el aislamiento, la lucha interna, la libertad individual y el conflicto entre conformarse con lo que manda la sociedad o seguir los propios sueños o deseos”. ¿Estás de acuerdo?

Sí. Creo que uno tiene que intentar perseguir los sueños. Hace falta tener mucho valor, encontrarte con muchos obstáculos y posiblemente no conseguirlo pero no hay que dejar de intentarlo.

-¿Sobre qué otros temas trata esta función?

Sobre todo y, principalmente, de la libertad. También de la comunicación entre las personas, de la amistad, de cómo puedes relacionarte e intercambiar con otros seres humanos cosas importantes y de las relaciones. Por ejemplo Helen y Elsa están muy unidas. Aunque exista una diferencia de edad, de vidas y, aunque son muy diferentes, están muy unidas. A veces parece que hay que estar todo el día juntos o relacionarse muy de cerca y no hace falta. La comunicación entre personas va mucho más allá que hablar todos los días.

-¿Qué supone para ti volver a compartir escenario y gira con tu hija Natalia Dicenta?

Estamos las dos muy contentas e ilusionadas con este proyecto. Hacía veinte años que no trabajábamos juntas, desde que hicimos “Solas”. No podemos estar más contentas al haber encontrado esta función tan maravillosa, con personajes interesantes…Y dirigidas, además, por alguien tan extraordinario como Claudio Tolcachir.

NATALIA DICENTA Y CARLOS OLALLA

-¿Quién y cómo es tu personaje?

NATALIA DICENTA: Es Elsa Barlow, profesora de inglés en Ciudad del Cabo y la gran amiga y confidente de Helen Martins. Elsa es una mujer auténtica, fuerte, comprometida, empática… La idea del compromiso es muy importante en ella, incluso en su trabajo se ven reflejados los problemas que tiene por defender la igualdad y la justicia. Tiene un altísimo y agudo sentido de la Justicia. Si tenemos en cuenta que esta historia se desarrolla en la Sudáfrica del apartheid, Elsa lucha contra eso y por la igualdad de derechos. Precisamente por esa lucha se ve metida en muchos problemas, pero no le importa, no se arredra, ella sigue adelante porque es una mujer fuerte. También es frágil. Cuando aparece en escena lleva muchos problemas encima pero no se rinde, sigue luchando. La admiro profundamente, creo que estoy aprendiendo mucho de Elsa porque yo, como cualquier persona, a veces en la vida tenemos problemas y nos ahogamos en un vaso de agua y no sabemos cómo salir. Y Elsa me enseña la lucha, el compromiso, la verdad, la autenticidad del ser humano. Me conecta con valores e ideales muy profundos y muy importantes.

CARLOS OLALLA: El pastor Marius es una persona que se sabe como guía espiritual de la comunidad en la que vive. Es una comunidad muy tradicional y conservadora, de la iglesia reformista neerlandesa. Es un factotum en el pueblo. Tiene una relación muy próxima con todos los vecinos pero en la época del Apartheid en Sudáfrica, por lo tanto es muy cerrado en cuanto a sus planteamientos ideológicos. Su relación con los vecinos es la de autoridad, le gusta controlarlo todo.

–¿Qué tipo de relación mantiene con la escultora sudafricana Miss Helen, la protagonista de la obra?

NATALIA: Elsa en un desafío para Helen. Es curioso como se complementan. Elsa necesita la fortaleza de Helen y Helen necesita la fortaleza de Elsa. Ambas son frágiles y están en un cruce de caminos, en un punto de inflexión en sus vidas muy importante y, sin embargo, el hecho de estar juntas significa una ayuda, un estímulo y un desafío.  Es una relación de una profunda amistad y complicidad y de buscar la una en la otra la autenticidad, la fortaleza, el compromiso y el sentido de libertad en la vida. La verdad es que es una relación hermosa, muy enriquecedora y nutritiva.

CARLOS: Está preocupado por la evolución de Helen porque, desde que murió su marido, ha dejado de ir a la iglesia, y hace unas esculturas que para él son muy extrañas y no entiende qué está pasando ahí. Las respeta porque no ve opción a prohibirlas pero busca formas de controlarla, aunque es imposible por el carácter independiente y libre que tiene Helen. Es una oveja descarriada con la que mantiene contacto continuamente intentando llevarla al redil pero, habiéndose resistido durante 15 años, la cosa está complicada.

-¿Esta función se centra en la búsqueda de la libertad?

NATALIA: Fundamentalmente, creo que es la reivindicación de la libertad de elección en la vida. Nuestros cuerpos, mentes y corazones nos dictan el camino y hemos de ser libres para poder elegir. No queremos la presión de la sociedad convencional que nos diga cómo supuestamente debemos hacer o ser. Se lucha en esta obra por la libertad de elección, al principio de la vida, durante la vida e incluso elegir cómo quieres que sea el final de tu vida. Y eso es algo muy importante. Y habría que incluir la libertad de expresión, la lealtad, y, una vez más, surge el compromiso. La lucha por la libertad, la defensa de la justicia, la defensa de la libertad en el arte…Yo creo que esto último es fundamental, la defensa de esto a pesar de la incomprensión de quien esté alrededor. Tenemos derecho a tener deseos, a tener sueños y a ponerlos en práctica siempre que podamos.

CARLOS: También habla de la soledad impuesta, de la soledad voluntaria y de la soledad creativa. Creo que es importante diferenciar entre estos tipos de soledad, y también qué hacemos con nuestra soledad. Hay gente que tiene miedo y se deja dominar por el miedo a la soledad y también hay personas que la adoran, como es el caso de Helen. Ella se siente aislada pero porque la comunidad en la que vive no la entiende, pero aún así no renuncia a ella, no quiere claudicar, prefiere estar sola creando que renunciar a ella misma.

Y de la sororidad, de la relación entre esos dos personajes, Elsa y Helen, que se ayudan, se admiran y se respetan y es una maravilla ver esa relación transgeneracional. No hay una barrera de edad, a pesar de que la obra también trata de cómo afrontar la vejez, cuando nos acercamos a la etapa final de nuestra vida es el momento de echar la vista atrás pero también de disfrutar del aquí y del ahora. Es un mensaje de esperanza para los que llegan a esa parte que sabemos que es la última, pero con pasión, con ilusión, con alegría. Una vida sin amar no tiene sentido y eso es lo que demuestra Helen, que tiene un espíritu libre y es lo que da sentido a su vida.

-¿Tus dos escenas favoritas son…?

CARLOS: ¡Tiene tantas!. Algunas para mí son antológicas, por ejemplo, la entrada de Elsa en la casa, al principio de la obra, en ella se describe la relación entre Elsa y Helen. Y otra que me apasiona es escuchar el monólogo que Helen le dedica al pastor para explicarle ese mundo que ella ha creado. Esa escena me llega a lo más hondo y sé que me acompañará siempre.

-¿Qué destacarías de Claudio Tolcachir como Director?

NATALIA: No es que destaque una cosa o dos, es que Claudio Tolcachir es un genio. Yo tuve la gran oportunidad de conocerlo cuando se asentó aquí en Madrid y abrió su escuela, Timbre 4, que ya existía en Buenos Aires y tuvimos la increíble suerte de que quisiera traerla también aquí. En cuanto supe de su presencia en la ciudad hice lo imposible por apuntarme a sus cursos y por estudiar y aprender con él. Ya conocía sus montajes como director pero no había trabajado con él personalmente, y estaba dispuesta a vivir la gran aventura que es conocer a Claudio y su manera de navegar a través de los textos y los personajes. Para mi es una experiencia absolutamente inolvidable que él fuera mi profesor y yo su alumna. El sueño era poder algún día trabajar con él, y ahora se ha cumplido. Trabajar con Claudio es un sueño hecho realidad, su manera de profundizar en cada frase, de sacar partido y encontrar oro en cada situación, de saber utilizar los sentimientos y emociones que cada actor/actriz poseemos y plasmarlos. Y sumar, sumar y sumar para que nuestro trabajo sea cada vez más rico. No tengo palabras suficientes para describir la profunda admiración que siento por él, y el honor que para mi significa poder ponerme en sus manos y navegar con él en este proyecto.

CARLOS: Es una de las personas con más talento que he conocido y, sobre todo, con más sensibilidad, respeto y admiración por lo que hace. Cuida todos los detalles. Sabes que estás en buenas manos, que te va a llevar por el buen camino. El viaje que hemos hecho durante los ensayos, el ver la relación de Claudio con Lola y con Natalia ¡ha sido tan bonito!.  Con mucho cariño y admiración mutua. Y cuando tus propuestas le gustan y le encajan, te pregunta si te has sentido cómodo, y si la respuesta es “sí”, te dice “¡vale, lo encajamos!”.

– Termina esta frase: “El Teatro le aporta a mi vida…”

NATALIA: …gozo, alegría, compromiso, soledad, desafío, aprendizaje… ¡Tantas cosas!. Aprendizaje es una palabra espléndida, porque aprendo con cada personaje que interpreto, aprendo algo de mi misma y de la vida. El gozo es inigualable porque salir al escenario e interpretar a un personaje es la pasión de mi vida. Yo cuando estoy en un escenario estoy como en casa, igual que cuando salgo a cantar. Salir al escenario y comunicarme con la gente es un privilegio maravilloso al que no quiero renunciar nunca. El teatro le aporta a mi vida mucho sentido, la verdad. También podría decir disciplina, rigor, ceremonia, emoción, silencio. Y compartir, este es el gran sentido del teatro, compartir historias contadas desde el escenario a seres humanos que están ahí sentados dispuestos a escuchar, a vivir una historia y salir transformados. El teatro aporta una gran riqueza a mi vida. Doy gracias a la vida por poder seguir subida a un escenario.

CARLOS: ¿Qué es la vida sin teatro, sin poesía, sin amar? No es nada, es transitar de una nada a otra sin haber vivido. Hay cosas como el teatro que te hacen perfectamente consciente de lo maravilloso que es vivir, que te ayudan a ser ventana y que los espectadores vean a través de ti. En un escenario tienes que llevar lo mejor de cada personaje con sus puntos fuertes y débiles, con lo bueno y con lo malo, pero nunca hay que llevar al actor, el actor se queda en el camerino. Pero ese personaje que está en el escenario le enseña cosas nuevas todos los días al actor. Es un modelo de vida. Todo el mundo debería poder acercarse al mundo del teatro porque te ayuda a mirar la vida desde otro punto de vista, a cambiar tus puntos de vista y mirar de forma distinta lo que te rodea, a escuchar a los demás, pero no solo con los oídos. Fotografías de Daniel Dicenta. Teatro Bellas Artes.

En el escenario, una familia de artistas flamencos enfrentada entre la tradición más estricta y el deseo de renovación. Una comedia musical vertiginosa donde el cante, el baile y la guitarra dialogan con el pop, el rock y la música disco, dirigida por David Ottone y Juan Ramos. Los dos nos desvelan que hay detrás de esta ambiciosa propuesta.

-¿Qué significa para Yllana estrenar una producción con el Sadler’s Wells de Londres?

DAVID y JUAN: Es un paso adelante en nuestra trayectoria. Que después de 35 años, estemos coproduciendo con una institución tan prestigiosa como el Sadler’s Wells, y estrenando el espectáculo en el Peacock Theatre de Londres es un sueño y una confirmación de que hemos hecho las cosas bien.

-¿Cómo describiríais a los protagonistas? ¿Quiénes son?

DAVID: Son una familia de artistas flamencos muy arquetípicos. Las relaciones familiares siempre dan mucho juego, porque todos podemos identificarnos con muchos de los conflictos que se desarrollan en el espectáculo.

JUAN: Partimos del entorno de esta familia, comenzando a trabajar desde estereotipos para romperlos. En el escenario hay cinco personajes: El patriarca, con su autoridad. Es un cantaor extraordinario. Los hijos que son dos bailaores de flamenco espectaculares, que intentan mantener la tradición flamenca pero que encuentran otros estímulos musicales.

También tenemos a un virtuoso guitarrista guaperas y a la madre, que hará un viaje muy interesante descubriendo quién es realmente su marido.

-Una familia de artistas flamencos está de gira. El jefe de la familia es un tradicionalista, estricto con sus principios, y no tolera influencias modernas de ningún tipo en sus actuaciones. Los miembros más jóvenes se rebelan… ¿Qué más le podéis contar a los espectadores sobre la historia de esta función?

DAVID y JUAN: Realmente el punto de partida para la creación del espectáculo era enfrentar dos conceptos: tradición y renovación.

Nosotros pensamos que el arte es un reflejo de la sociedad en la que vivimos y que, para mantener su relevancia, tiene que evolucionar con el mundo que lo rodea. Ese es el tema principal del espectáculo y también nuestra propuesta artística: una propuesta de fusión alrededor de un arte tan antiguo como el flamenco.

Además, este planteamiento nos daba la excusa perfecta para desarrollar la mezcla de estilos musicales, una de las características de nuestros espectáculos cómico-musicales.

Durante la función se producen conflictos generacionales que provocan muchas situaciones cómicas y nos permiten fusionar el flamenco con otras corrientes musicales.

También es importante recalcar que, como en otros proyectos musicales de la compañía (como “Pagagnini”, “Maestríssimo” o “The Opera Locos”), partimos desde un profundo respeto por el arte con el que trabajamos; en este caso, el flamenco. Y eso se nota desde el minuto uno.

Pero una cosa es el respeto y otra la reverencia. Y uno de los objetivos principales del show es provocar la risa, y eso solo se consigue con cierta transgresión.

-¿Cuáles son los principales temas que aborda?

JUAN: Hablamos del amor, la envidia, la codicia, el poder. Siempre trasladamos al ser humano a situaciones al límite, como siempre en Yllana, siendo un poco gamberros en la propuesta. Mostrándolo de la forma más amable, graciosa y simpática. No queremos adelantar mucho más.

DAVID: El principal tema es el enfrentamiento entre tradición y modernidad. Pero también abordamos cuestiones como la identidad de género.

-En esta ocasión volvéis a dirigir juntos (ya lo habíais hecho en “Pagagnini” y “Maestríssimo”). ¿Quién se ocupa de qué? ¿Cómo es el proceso de creación?

DAVID: Llevamos 35 años creando juntos y nos conocemos perfectamente. Los dos desarrollamos la historia general del espectáculo y las ideas principales. Después, ambos estamos presentes en los ensayos durante todo el proceso de creación con los actores.

Yo suelo encargarme más de la parte musical y del vestuario (tema en el que Juan nunca se mete), mientras que Juan trabaja más directamente con los actores y disfruta mucho de la parte técnica.

Aunque, muchas veces, esa división desaparece y acabamos intercambiando los papeles. Casi siempre trabajamos mano a mano en los ensayos.

Por supuesto, no siempre estamos de acuerdo en todo, pero siempre conseguimos encontrar lo mejor para el espectáculo. Yo siempre digo que es mejor trabajar en equipo.

JUAN: David y yo nos compenetramos muy bien. Él es un obsesivo del universo musical de los espectáculos, yo de la parte actoral y de la técnica. La creatividad de cada uno confluye en un aluvión de ideas. Cuando, a partir de todo eso, vemos nacer el espectáculo juntos es muy interesante y maravilloso. Y para los actores, es como estar en un partido de tenis, mirando a uno y a otro, y entrar en el código de propuestas…

Es un juego muy divertido, también tiene mucho de presión por lo que implican 35 años de carrera, pensando en dar al público algo nuevo, sin perder nuestra esencia.

-¿Qué destacaríais de la música compuesta por Juan Cañas, Daniel Rovalher y Miguel Magdalena, de Ron Lalá?

JUAN: El trabajo parte del flamenco más puro y la búsqueda de la ruptura, desde el respeto más absoluto, para que dialogue con otros lenguajes musicales.

DAVID: Somos compañías amigas y es un lujo poder contar con ellos durante todo el proceso de creación del espectáculo.

En realidad, no hay composiciones originales en el show. Trabajamos desde la tradición flamenca. Lo que sí hay son numerosos arreglos musicales, especialmente en las partes de fusión del flamenco con el pop, el rock, la música disco. Su trabajo ha sido más el de arreglistas y asesores musicales.

-¿Algunos títulos de las canciones son…?

DAVID y JUAN: Ahhh… esa es una sorpresa que el público debe descubrir y disfrutar.

Pero, por adelantar alguna pista: ¿qué tal os sonaría “Flashdance”… en versión flamenca?

-¿Qué sorpresas le depara al público este espectáculo?

DAVID: Creo que va a gustar muchísimo. La estética del show está muy cuidada. La escenografía es de Carlos Brayda y el vestuario de Tatiana de Sarabia, ambos estupendos y colaboradores habituales de la compañía.

Pero, sobre todo, tenemos un elenco de primera. Yo les llamo “Los cinco magníficos”, porque son únicos y han sido elegidos entre muchísimos artistas: Raquela Ortega, como la madre; David Bastidas, como el padre; Anabel Moreno, la hija; Raúl Ortega, el hijo y Luis Gallo, el guitarrista contratado por la familia. Son grandes profesionales del flamenco y, además, tienen ese “extra” que Yllana siempre busca para poder llevar a cabo nuestras locuras.

JUAN: Si a la gente le gusta el flamenco va a disfrutar del flamenco porque hay mucha calidad, y si viene buscando a Yllana también lo va a encontrar. El espectáculo es una sorpresa detrás de otra con un ritmo trepidante. ¡Es una locura!. Es una celebración del flamenco desde el humor, la emoción y la libertad creativa. Un espectáculo pensado tanto para los amantes del flamenco más tradicional como para quienes quizá nunca se han acercado a él. Porque creemos que la mejor manera de mantener vivo un arte es permitirle evolucionar, jugar y sorprender…”

Julio. Teatro la Estación.

Teníamos muchas ganas de publicar este reportaje de mujeres que fotografían a las actrices o los actores, a los directores/as o a los bailarines/as en los escenarios, ensayando las obras o representándolas. Hace una década que una mujer hubiera hecho las fotografías de esa obra o de ese espectáculo o de su cartel de promoción, era muy difícil. En los últimos años, hay más. Pero siguen siendo muy pocas. Les presentamos a seis fotógrafas de Artes Escénicas cuyo trabajo es imprescindible en los equipos. Su personal mirada detrás del objetivo de la cámara y su “medida” de la Iluminación escénica son “pura magia”.

BÁRBARA SÁNCHEZ-PALOMERO

En la actualidad es la que fotografía los ensayos y las obras de las producciones del Centro Dramático Nacional. Su primer contacto con la fotografía escénica fue durante las prácticas de sus estudios en la sala teatral Kubik Fabrik. Lleva 14 años como fotógrafa.

“Intento que mis fotografías sean una extensión de la propuesta escénica, que transmitan la energía y la atmósfera de cada obra. Y, sobre todo, cuido mucho que reflejen cada gesto de los protagonistas. Creo que mis fotografías son honestas, expresivas, precisas y narrativas.”, nos dice.

De todas las fotografías de su trayectoria profesional, elige “una de “La distancia” porque «es de las primeras fotografías que hice para el Centro Dramático Nacional. Fue justo después del confinamiento, cuando los teatros aún estaban sin público. Y le tengo un cariño especial porque empecé a trabajar con ellos y, además, fue mi primer trabajo después de la Pandemia. También una de los ensayos de la obra “Shock 2”. Me gusta esta imagen porque me impactó esa obra. Fue una suerte ser testigo de cómo iba avanzando la función y cómo trabajaba toda la compañía en ella. Y la de “Inloca” porque la función tenía una estética muy visual y potente, y esta imagen me gusta mucho.”

Continúa aprendiendo en diferentes cursos de distintas escuelas porque, como explica, “Me encanta aprender nuevas técnicas y creo que es fundamental seguir formándose y mantenerse actualizada…”.

Cuando le preguntamos “¿por qué es tan difícil encontrar a mujeres que se dediquen a esta especialidad dentro de la fotografía?”, comenta que “Históricamente, como muchas profesiones, la fotografía era un trabajo de hombres y, como casi todo en el mundo laboral, funciona y empieza con contactos y redes. A eso súmale la disponibilidad de horarios que, por supuesto, no ayudan a conciliar. Y esto lleva a un menor número de referentes femeninos en los créditos de las imágenes. Por suerte está cambiando y cada vez somos más las mujeres que nos dedicamos a esta especialidad”.  www.barbarasanchezpalomero.com

ALBA MURIEL MELÉNDEZ

Comenzó a trabajar con la Compañía Nacional de Danza en 2016. También ha sido la fotógrafa de compañías como Ogmia de Edu Vallejo o el Ballet de Barcelona; de coreógrafos como Antonio Ruz o Nacho Duato; de intérpretes como Aída Badía o Sergio Bernal y de festivales como el Dance Open Festival, entre otros. “En 2016 era José Carlos Martínez el director de la CND. Le estoy muy agradecida y también le doy las gracias a Maite Villanueva,  jefa del departamento de Comunicación de la CND, porque confió en mi visión artística desde el principio. Acercarme a la fotografía escénica fue, sobre todo, porque mi madre es una amante de la Danza y mi padre es músico, por lo que el arte siempre ha estado muy presente en mi vida, desde que tengo memoria…”, comenta.

Sobre la fotografía de Danza considera que “las escenas se presentan con una serie de recursos y de posibilidades que debo utilizar para crear. Muchas veces mi trabajo se parece al de la fotografía urbana. Hay que estar alerta porque aquí puede ser que algo ocurra en un instante y ya no lo volvamos a ver. Hay cambios de iluminación, mucho movimiento… con lo que hay que utilizar todo el conocimiento para optimizar mi capacidad de improvisación.”

De entre todas las imágenes de su trayectoria comenta que “Prefiero elegir cuatro momentos importantes para mi trayectoria dentro de la fotografía escénica de danza: «Sad Case». Esta foto es sin duda una de mis fotografías favoritas, no solo por la composición de las 2 figuras superpuestas pero que tienen profundidad, o por el instante capturado, si no por la energía que se generaba en escena con esta pieza, por su música y la interpretación precisa de los bailarines de esta impecable coreografía de Sol Leó n y Paul Lightfoot. «Giselle en el Moncayo». Giselle siempre ha sido mi ballet clásico favorito, por eso, cuando Joaquín de Luz me propuso crear la imagen de cartel para esta producción en la que estaba trabajando la CND, no me lo pensé 2 veces. Tan solo la idea de conseguir esa mezcla entre oscuridad y luz que tiene el segundo acto del ballet, conseguir ese drama romántico y delicado pero sin quedarnos tan solo en la parte interpretativa. Ir buscando entre los árboles de aquel bosque el set perfecto fue un reto para poner en práctica esa dirección artística que en mi trabajo diario no siempre tengo la oportunidad de realizar.

El backstage de «El Cascanueces». Es el momento en el que activo el modo “ninja” y me pongo siempre mis “botitas Bloch” para que no moleste ni el sonido de mis pisadas y poder descubrir intérpretes estirando, ensayando con sus auriculares… Son los bailarines Ana Pérez-Nievas y Benjamín Poirier ensayando el paso a dos del Hada de Azúcar de «El Cascanueces» en el Teatro de la Zarzuela.

Y la foto del paso a 2 del Cisne Negro del «Lago de los Cisnes» interpretado por los bailarines Haruhi Otani y Yanier Gómez. Este plano corto tirado desde las cajas del teatro de la Zarzuela dentro de la gala homenaje a Maya Plisetskaya en 2016 fue la primera función que realicé para la CND. Fue el instante en el que fui realmente consciente de que, efectivamente me encontraba entre las bambalinas de un teatro precioso, retratando a unos bailarines maravillosos con un repertorio que siempre había soñado ver. Al previsualizarla pensé: “Realmente quiero hacer esto, quiero dedicarme a la fotografía de danza”.

Y termina diciéndonos, “Definiría mis fotografías con los adjetivos rítmico, expresivo, detallista y dinámico. Quizás la mayor complejidad de este trabajo reside en la espontaneidad y en lo efímero del mismo. En la mayoría de las situaciones se presenta una pieza que, probablemente, no conocemos por lo que, a priori, soy observadora de todo lo que sucede delante de mi lente. Lo más difícil es aprovechar la capacidad para ser creativa, sin perder de vista que estoy para retratar una obra que tiene una escenografía y una iluminación muy concretas.” www.albiruphotography.com

LUZ SORIA

Tiene una trayectoria profesional prolífica y muy reconocida. De origen argentino, comenzó su andadura en España con la compañía “Los números imaginarios” de Carlos Tuñón. Y ha trabajado en decenas de producciones teatrales. También ha sido fotógrafa del CDN. En 2025 se mudó a Holanda, donde actualmente colabora con el Holland Festival, el Spring Festival, la Flamenco Biennale NL y el Stut Theater, entre otros.

“Cada proyecto es un Universo. El Teatro me abre mundos enteros, desde la ficción y desde la realidad. No solo lo que se plantea en la pieza y cómo se trabaja. En el Teatro hay urgencias,  hay objetos por todos lados, hay mucha oscuridad. Y estás ahí, reptando por todo el Teatro, con los ojos silenciosos que sacan las imágenes fuera de las salas. Definitivamente, lo más complicado es la luz. La no luz, en realidad. Ese es el gran desafío desde mi experiencia. Y hacer fotos desde una butaca entre el público, sin poder moverse y sin hacer nada de ruido también es difícil. Personalmente disfruto muchísimo más cuando puedo moverme libremente por el espacio sabiendo que no estoy molestando a nadie. Siempre que se pueda, incluso intento estar encima del escenario…”, nos dice. 

Luz tiene muy claro lo que destacaría de su “estilo” fotográfico: “Trabajo de una manera muy sensible, me intereso por lo que está sucediendo delante de mi lente, y trato de combinar mi manera de mirar con la manera de ver de los creadores. Como si tratase de ponerme en sus ojos. Así trato de ver. Aunque con mi corazón. No puedo dejar de ser yo, obviamente, pero tratando de ver desde la lógica que se esté manejando en ese universo-obra. Muchas veces las fotos que hago llegan como epifanías a los creadores. Como si hubiese podido mostrarles la esencia de la pieza en una sola imagen (o en un grupo de imágenes). Y eso es muy muy bonito. Creo que es eso, captar la esencia. Cuido mucho el hacer esas fotos más ilustrativas, más de registro “puro”, pero me doy mucho espacio para hacer las más “artísticas” o conceptuales también, esas que pegan distinto, que cuentan desde un lugar más honesto. Y, de alguna manera, siempre intento que todos aparezcan bien. Con una luz que les favorezca, con un gesto en el que además de ser expresivo, también sea amable con ellos.”

Y termina, «este año tuve la oportunidad de fotografiar a Luz Arcas y su show “Mariana” durante la Flamenco Biennale de Países Bajos. Su trabajo es espectacular, es una bestia en el escenario. Sentía que le hacía fotos a un animal, por momentos un caballo. Me pareció increíble y hay un par de fotones que me parecen, como ella, espectaculares. Y también destacaría de mis fotografías una imagen-retrato en blanco y negro que adoraré siempre, con mis queridos Patricia Ruz y Alberto Jiménez en su proyecto “Kapow”.   www.luzsoria.com

GERALDINE LELOUTRE

“Fui actriz antes que fotógrafa y mi primera vez  fue casi sin querer, vestida por Franca Squarciapino, con peluca de Antoñita, en el Teatro Español. Desde aquella “corte de Versalles” empecé a fotografiar todo lo que ocurría a mi alrededor: los ensayos, la construcción del vestuario, la caracterización, la función y la vida entre bambalinas. En ese momento no lo sabía pero ahí comenzó mi carrera”, comenta Geraldine sobre sus inicios como fotógrafa de escena.

Actualmente es la fotógrafa de las producciones de Nave 10 Matadero.  Ha trabajado para el Teatro Español, el Teatre Nacional de Catalunya, el Centro Dramático Nacional o La Abadía, entre otros, y para muchas compañías y productoras teatrales.

“El Teatro es mi casa. Sé cómo se mueve un actor en escena, cuándo intervenir y cuándo desaparecer, conozco los cambios de ritmo, cómo hablar con el equipo y cómo hacerlo desde el idioma interpretativo y no desde el técnico y esto acerca siempre posturas. Me apasiona ser partícipe de cómo se hace cuando quienes lo crean también lo aman, porque entonces nace de un lugar muy puro, muy arriesgado y, muchas veces, muy precario. Al final está lleno de verdad y de compromiso lo mires por donde lo mires.”

Geraldine considera que lo más complicado de la fotografía de escena es “La inmediatez, porque, si no captas el momento, ya no vuelve”.

Y para ella, sus fotografías se definen con cuatro adjetivos: “Cinematográfico  porque trato de acercar al espectador al teatro a través de la imagen de una manera más íntima. Elegante. Me interesa la limpieza, centrar la información en lo esencial y no saturar la imagen.

Rítmico. Trato de captar el movimiento, energía entre una emoción y otra. E íntimo porque trabajo desde dentro, desde la escucha y desde la escena.”

www.geraldineleloutre.com

ELENA DEL REAL

Es hija de Javier del Real (fotógrafo del Teatro Real desde hace más de dos décadas). “Hay imágenes que no se olvidan. En mi caso, la de un baño lleno de fotografías pegadas a las paredes, secándose después del revelado. Crecí así. La fotografía no era algo extraordinario en casa: era parte del día a día. Me quedaba mirando aquellas escenas intentando imaginar qué había pasado antes y qué ocurriría después. Sin darme cuenta, aprendí a mirar. Aunque siempre conviví con la fotografía, nunca tuve claro que quisiera dedicarme a ello. Mi padre me decía que tenía “buena mirada”, pero nunca me empujó ni forzó a nada. Empecé ayudándole con edición y selección de imágenes, desde la parte más técnica y silenciosa del proceso. Poco a poco, casi sin planearlo, fui sintiendo que ese mundo también podía ser mío. Tenía 23 años cuando empecé más en serio. Hoy no imagino un trabajo más exigente ni más bonito.”

En los últimos 12 años ha trabajado para el Teatro Real, el Teatro de la Zarzuela y con muchos artistas y compañías. “Lo más complicado es lograr que una imagen explique la esencia de la obra. No basta con exponer correctamente o resolver una iluminación complicada. Es estar situada en el lugar preciso, con el objetivo adecuado, anticipando lo que va a suceder un segundo después. Esa capacidad de prever, de intuir el momento exacto, solo la dan los años y la experiencia.”, comenta.

Y añade “Me gustan mucho las fotografías de «Golondrinas”, «Iphigenia en Tracia», «La del Manojo de Rosas», «Pan y Toros»  y «El Año pasado por agua». Todas estas zarzuelas fueron representadas en el Teatro de la Zarzuela.  Las he elegido por su belleza y por poesía, pero también porque explican bastante bien cómo veo yo la fotografía de escena. Hay imágenes que se te quedan más dentro que otras y muchas veces no sabes muy bien por qué: es la manera en la que te han llegado, cómo te has vinculado con ese momento o con esa atmósfera. Para mí, la fotografía de escena no es solo documentar lo que pasa, sino capturar algo que ya tiene emoción, tensión o misterio por sí mismo. Que funcione casi como una imagen autónoma, que tenga vida más allá de la función…»

Y sobre su forma de “mirar” lo que ocurre en los escenarios nos dice que “En la fotografía de escena el ego debe quedarse fuera. Es inevitable que la mirada personal esté presente. Nuestra labor no es imponernos, sino ensalzar el trabajo de quienes están sobre el escenario. Somos un puente entre la obra y el público. Si hay una seña de identidad en mi trabajo, quizá sea esa escucha atenta, esa intención de comprender profundamente lo que se quiere expresar para traducirlo con precisión y sensibilidad… No es suficiente con que describa la escena; la foto tiene que ser bella, expresiva y fiel al espíritu de la obra.”

«La fotografía de escena sigue siendo un mundo bastante masculino en el que muchas veces la mirada dominante continúa siendo la masculina. Creo que necesitamos más miradas femeninas. No como una cuestión de cuota, sino porque la diversidad de miradas enriquece el relato visual de lo que ocurre sobre el escenario…»

VANESSA RÁBADE

Formó parte del equipo de la productora Kamikaze desde el inicio de su etapa como gestores del Pavón Teatro Kamikaze. Era la encargada de realizar las fotografías de todas sus producciones. Es una de las fundadoras de The Office Comunicación y su fotógrafa desde hace más de 10 años. Sigue trabajando para otras compañías de danza y de Teatro y es muy conocida por sus  especiales retratos de actores y actrices.

«Mi formación comenzó con los estudios de Diseño Gráfico en la Escuela de Artes Pablo Picasso, en A Coruña, dónde empezó mi pasión por la fotografía. Años más tarde, regresé a la misma escuela para hacer la especialidad de Fotografía Artística. Empecé las prácticas en el estudio fotográfico de Xoan Piñón, que, en ese momento, era el mejor estudio de fotografía en A Coruña y uno de los mejores de Galicia. Tras una década trabajando de la mano de Xoán Piñón, decidí darle un giro a mi carrera e independizarme como una de las fundadoras de The Office Comunicación».

Sobre que cada fotógrafa tiene una mirada diferente, nos dice que “Lo que intento que defina mi trabajo es hacer imágenes cercanas y desde dentro de las piezas. Me gusta trabajar con objetivos cortos de lente fija y moverme todo lo que me dejen. De todas las fotografías que he hecho en mi vida me quedo con las de las obras “Jauría”, de Miguel del Arco, por lo importante que fue la pieza, por lo gratificante y lo mucho que aprendo siempre que trabajo con Miguel.

“Todo el tiempo del mundo”, de Pablo Messiez que tiene una energía que hace que los días que trabajo con él sean días felices. “Vania x Vania”, de Pablo Remón. Fue increíble ver cómo adaptaba un mismo texto de dos formas tan distintas. Y “Traición”, de Israel Elejalde. Fue el último espectáculo que fotografié en el Pavón Teatro Kamikaze”.

“Lo más complicado es conseguir no dejarme llevar por las dificultades de la parte técnica que tienen algunos montajes y poder entrar en la obra para sacar un registro desde dentro. Aunque es importante hacer un registro fiel del montaje, a mí la parte que más me gusta es donde puedo acercarme a los actores y conseguir imágenes más próximas. Me encanta el proceso desde el inicio, el poder leerme el texto antes de ver nada y dejarme sorprender con el montaje. Poder ver el ensayo antes de tener la sesión me ayuda a ir con más confianza en los movimientos cuando estoy fotografiando y me ayuda a entrar en la función, me deja disfrutarla más mientras trabajo. Me considero una fotógrafa cercana, emocional, empática y perfeccionista”, termina. www.theofficeco.es

¿Quiénes somos cuando la imagen del espejo tan sólo nos devuelve miedo y vergüenza? ¿Qué queda de nosotros mismos cuando todo lo que creemos ser parece insuficiente? Son algunas de las preguntas que, según Javier Hernández-Simón, su director y coadaptador (junto a Ignacio del Moral), le plantea al público esta función. Hablamos con el actor Fernando Cayo que interpreta a uno de los protagonistas de esta emocionante obra.

-¿Cómo describirías a Santa?

Santa representa al tipo que, al quedarse sin empleo, todavía está en una actitud de resistencia. Es el tipo incombustible, que mantiene el calor de la amistad en la cuadrilla de amigos.

Tiene un gran sentido del humor, muy alegre, tiene muchas carencias personales, y muchos claroscuros. Quiere ser muy fuerte pero, al mismo tiempo, está muy tocado emocionalmente por la injusticia y la vida que están viviendo y el lugar en el que les ha colocado este sistema. Es un tipo que une al grupo, que acoge y que pone sentido del humor a todo. Aunque, interiormente, está muy tocado.

-¿Qué crees que simboliza Santa en el desarrollo de la función?

La resistencia. Es el “¡no nos moverán!”. Es el tipo que dice “¡yo no me rindo. Seguimos hasta el final. Habrán ganado pero no nos domaron!”.

Representa el espíritu de lucha.

-Esta función habla de “la importancia de estar unidos en los momentos difíciles, de intentar salir adelante pese a estar en el paro después de un despido industrial…”¿De qué otros temas nos habla?

Nos habla de cómo nuestra vida laboral determina todas nuestras relaciones. En la sociedad el trabajo es muy importante. Pero también nos coloca en el borde de lo robótico. Somos personas. De ser conscientes de esto. De tener autoestima.  Y nos habla también de estos procesos de adaptación cuando hay despidos masivos.

De las desigualdades sociales. Porque, a veces puedes adaptarte a los cambios y a veces no. Hay personas que no se pueden adaptar por sus circunstancias, por lo que les rodea…Habla de tener esperanza…

-Según Javier Hernández-Simón, el director de esta función, “Los lunes al sol” nos ofrece una esperanza, una línea en el horizonte para ayudarnos a seguir caminando; al menos ganar una batalla, por pequeña que sea, para demostrarte que sigues existiendo…. ¿Qué añadirías?

El gran mensaje de la obra es la importancia de estar juntos en los momentos difíciles, de tener empatía. El ser conscientes de que formamos parte de un grupo aunque, a veces, nos sintamos muy solos. Siempre formamos parte de grupos. Y también hay que recordar que vivimos en un país muy solidario y nuestra capacidad de solidaridad es máxima.

-¿Qué crees que diferencia esta función de la película homónima?

La película tiene un aroma de melancolía, de soledad, de cercanía.

La función de teatro es muy divertida, tiene mucha energía, mucho ritmo y el diseño de personajes es diferente. El reparto es muy compacto. Genera un impacto en el público. El público nos ha comentado durante esta gira de más de dos años que llevamos que “A los tres minutos me he olvidado de que existe la película con el mismo nombre”.

Es distinta. Tiene una impronta energética de sentido del humor durante toda la obra.

-¿Cómo describirías a Ana y Nata, los personajes femeninos de esta obra que interpretan Lidia Navarro y Mónica Asensio? Preséntaselos a nuestros lectores…

Los personajes femeninos son el rayo de luz. Los hombres están inmersos en una montaña de oscuridad.  Ellas están con la mirada puesta en el futuro, en el salir de allí. Están fuera del problema. Es una mirada externa tan necesaria…

-En la presentación de la función se dice que “la obra nos plantea preguntas sobre la justicia social y el sistema laboral contemporáneo, invitándonos a reflexionar sobre las desigualdades en nuestra sociedad…” ¿Qué añadirías al respecto?

Nos pone delante un espejo que nos dice que nuestra vida laboral no es lo único. Somos mucho más que trabajadores. Somos personas, amigos, familia, pareja y, después  de todo eso, somos trabajadores.

-Si tuvieras que elegir varias escenas de tu personaje… ¿cuáles serían?, ¿por qué?

Hay una escena en la que se explica lo que suponía el antes del despido, cuando ellos empezaron a trabajar. Y se recuerda que cada uno daría la vida por el otro. Y me gustan mucho las escenas grupales, con muchos chascarrillos. Y también cuando Santa defiende el estar juntos, más allá de las vicisitudes.

-¿El humor de esta versión reside en los diálogos entre los personajes? ¿Por qué es también divertida esta función?

En la película había mucho humor. Bebía del cine social italiano y de la comedia inglesa. Creo que hacer una crítica social desde el humor es fundamental. Los personajes son contradictorios, defienden unas cosas y luego hacen otras. Es una función muy divertida. Y los diálogos de besugos que tienen entre ellos son fantásticos.

-Llegáis a Madrid este mes pero ya habéis representado esta función en otras ciudades, en la gira… ¿Por qué crees que se sienten identificados con los personajes muchos de los espectadores que ya han visto esta función?

Después de dos años de gira a teatro lleno tenemos claro que los espectadores se sienten identificados con esta función.  Es muy emocionante, con mucha crítica social. Es un clásico contemporáneo.

-¿Qué destacarías de la escenografía diseñada por Ricardo Sánchez Cuerda?

Ricardo es un maestro de la escenografía. Destacaría su plasticidad y su multifuncionalidad.

Es un espacio muy evocador, con mucha poesía. Se transforma en muchos ambientes, también gracias a la maravillosa iluminación creada por Juan Gómez Cornejo e Ion Aníbal.

Y termina: “Esperamos en los Canal, con el corazón abierto, al público madrileño”.

Completan el elenco Marcial Álvarez, Mónica Asensio, Fermí Herrero, Fernando Huesca, Lidia Navarro, César Sánchez y José Luis Torrijo.

Una producción de GG Producción Escénica y Teatro del Nómada. Teatros del Canal. 

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En la 72ª Edición del Festival habrá 9 espectáculos en el Teatro Romano de Mérida y 7 montajes en el Teatro María Luisa y muchos más en las extensiones de Cáparra, Medellín y Regina. Hablamos con Jesús Cimarro, su Director.

-¿Cuáles son las coproducciones de este año del Festival con otras compañías?

Arrancamos esta edición con “Spartacus”, del Düsseldorg Ballet Theatre, con Miguel Ángel Muñoz como narrador, para posteriormente recibir a “Electra Jonda”, una coproducción con los Teatros del Canal de Madrid, con elementos del flamenco y que contará con Carolina Lapausa, Juan Gea, Alejandra Torray o María Garralón, entre otros grandes actores.

“Timón de Atenas”, con Pepe Viyuela al frente del elenco, es una coproducción con Bombonera de un clásico de Shakespeare. Repetimos la colaboración con Losdedae en “Bacanal”, una obra que mezcla teatro y danza, escrita por Juan Carlos Rubio y dirigida por Chevi Muraday que contará con grandes nombres como Carlos Hipólito, Toni Acosta, Juana Acosta y el propio Chevi Muraday.

La comedia tendrá un papel destacado en esta edición, con títulos como “La comedia de la olla”, protagonizada por Carlos Sobera y dirigida por Juan Luis Iborra o “Cómicos de Roma”, que supone el debut de Fernando Tejero en el Festival. Y también celebraremos la vuelta a los escenarios de Lydia Bosch en “Fedra”, entre otros actores.

Después se representará “El viaje de Edipo”, protagonizada por José Antonio Lucía y Marcial Álvarez, entre otros actores.

Y cerraremos el festival con un musical, “Las 9 musas”, una producción extremeña cargada de humor y protagonizada por un genial elenco de 9 mujeres como Angy Fernández, Clara Alvarado, Nerea Rodríguez o Carmen Conesa.

-¿Por qué habéis elegido el lema “Clásicos del pasado, emociones del presente”? ¿Qué queréis transmitirle a los espectadores que vayan a disfrutar de este Festival?

Porque resume perfectamente la esencia del Festival y, en realidad, la razón por la que seguimos representando textos escritos hace más de dos mil años en un escenario tan extraordinario como el Teatro Romano de Mérida. Con este lema queremos transmitir que los clásicos no son piezas de museo ni obras alejadas de nuestra realidad. Al contrario, son textos vivos que continúan interpelándonos, emocionándonos y ayudándonos a reflexionar sobre nuestro presente. Cada representación es un puente entre dos tiempos: el legado cultural del pasado y las inquietudes del espectador contemporáneo.

A quienes vengan a disfrutar del Festival queremos decirles que vivirán una experiencia única. No solo asistirán a grandes espectáculos teatrales, sino que sentirán cómo la historia, el arte y la emoción se unen en un espacio cargado de belleza y significado. Nuestro deseo es que salgan con la certeza de que los clásicos siguen teniendo mucho que decirnos y que, en cada verso y en cada escena, late algo profundamente actual y humano.

-¿Qué dos retos os habéis planteado tú y tu equipo en esta edición?

Mantener la excelencia artística que caracteriza al Festival y, en segundo lugar, seguir acercando el teatro clásico a nuevos públicos.

El primer reto consiste en estar a la altura de una cita cultural con una trayectoria y un prestigio extraordinarios. El Festival de Mérida no es solo el más antiguo de España dedicado al teatro clásico, sino también una referencia internacional.

Eso nos exige ofrecer una programación de máxima calidad, con propuestas rigurosas, innovadoras y capaces de emocionar al público en un escenario tan emblemático como el Teatro Romano de Mérida. Nuestro compromiso es honrar ese legado y, al mismo tiempo, seguir renovando la mirada sobre los textos grecolatinos.

El segundo gran reto es lograr que el Festival continúe creciendo en diversidad de espectadores. Queremos que quienes ya sienten pasión por los clásicos sigan encontrando montajes memorables, pero también que las nuevas generaciones descubran que estas historias hablan directamente de sus propias inquietudes. Para ello apostamos por propuestas accesibles, actividades paralelas y formatos que conviertan el Festival en una experiencia cultural abierta, cercana y participativa.

-“A Paz” y “Spartacus” son dos de los montajes de compañías de fuera de España. ¿Qué destacarías de ambos?

Ambos representan a la perfección una de las grandes vocaciones del Festival: abrir nuestras puertas a miradas internacionales que enriquecen el diálogo entre los textos clásicos y la sensibilidad contemporánea.

De “A Paz”, que llega desde Portugal, destacaría su capacidad para recuperar el espíritu satírico y profundamente humanista de Aristófanes. Aunque fue escrita hace siglos, la obra lanza un mensaje de enorme actualidad: la necesidad de defender la concordia y el entendimiento en tiempos convulsos. Es un montaje lleno de inteligencia, humor y frescura, que conecta de manera muy directa con el público actual.

En cuanto a “Spartacus”, sobresale por su fuerza escénica y por la vigencia del personaje que inspira la obra. La producción ofrece una puesta en escena de gran intensidad, capaz de emocionar y de invitar a la reflexión sobre cuestiones que siguen siendo plenamente contemporáneas.

Además, tenemos una tercera producción internacional que es un pasacalles llegado desde Colombia llamado “Regresos de Ulises: La Odisea”, con música en vivo y único en el mundo.

-Habéis presentado esta edición en Lima (Perú). ¿Por qué es importante e interesante dar a conocer este Festival fuera de España?

Presentar el Festival en Lima es una forma de reforzar su vocación internacional y de acercar nuestra programación a nuevos públicos. Los clásicos forman parte de un patrimonio universal y sus historias siguen emocionando a espectadores de cualquier país.  Además, en esta edición hemos puesto en marcha el Premio “Odiseo y Penélope”, una iniciativa impulsada por el Festival de Mérida y la Cátedra Vargas Llosa, centrado en textos teatrales de temática grecolatina escritos originalmente en castellano.

-Imagínate que estamos en el 31 de Agosto de 2026, ya ha terminado el Festival… ¿Con qué resultados te sentirías más que satisfecho?

Si conseguimos emocionar al público, mantener la excelencia artística y seguir creciendo en proyección, podremos considerar que esta edición habrá sido un verdadero éxito.

-¿Cuáles son las tres principales señas de identidad de este Festival que le sigue haciendo diferente de otros?

Creo que hay tres señas de identidad que hacen único al Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida. La primera es, sin duda, el Teatro Romano de Mérida, un escenario incomparable donde el público puede disfrutar de los clásicos en el mismo espacio para el que fueron concebidos hace más de dos mil años.

La segunda es la capacidad del Festival para demostrar que los textos grecolatinos siguen plenamente vivos y conectan con las emociones y los debates de nuestro tiempo. Y la tercera es su vocación internacional, que convierte a Mérida en un punto de encuentro entre artistas, compañías y espectadores de distintos países unidos por una misma pasión por el teatro clásico.

– ¿Por qué deberían acercarse nuestros lectores a Mérida a disfrutar de este Festival y, de paso, a conocer esta ciudad ?

Porque pocas experiencias culturales pueden compararse con asistir a una representación en el Teatro Romano de Mérida bajo las estrellas. El Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida ofrece la oportunidad de disfrutar de grandes espectáculos en un escenario único en el mundo, donde los clásicos cobran una fuerza especial. Y, además, Mérida es una ciudad extraordinaria, con un patrimonio histórico incomparable, una excelente gastronomía y una gran hospitalidad. Quien viene al Festival no solo disfruta del mejor teatro clásico, sino también de una experiencia cultural y turística completa que deja una huella imborrable.

Del 3 de Julio al 30 de Agosto. Mérida (Badajoz).