Hablamos con Diana Palazón y Dafne Fernández que protagonizan esta comedia  dirigida por Paco Mir que invita al espectador a preguntarse “¿Qué habría pasado si hubiera tomado otras decisiones en mi vida?”, ¿Qué sucedería si hubiera dicho «sí» en lugar de «no»? ¿Y si hubiera elegido otro camino? o ¿Hay dimensiones paralelas en la vida?.

Una comedia provocadora e inteligente en la que sus protagonistas viven de forma onírica en un espacio irreal. 

DAFNE FERNÁNDEZ

-Preséntanos a Luz, tu personaje
Es una arquitecta que lleva una vida estable y cómoda con su marido. Ella es totalmente terrenal pero al pasarle algo sobrenatural empieza incluso a dudar de ella.
-¿Con qué adjetivos describirías esta comedia?
Sorprendente, divertida, inusual.

-Dicen que esta obra invita al espectador a preguntarse qué habría pasado si hubiera tomado otras decisiones en su vida. ¿A qué más le invita?
Invita a pensar que la comodidad a veces no es lo que nos hace felices y que  podemos ser los dueños de nuestro propio universo. Como que a veces si se camina lo suficiente es cuando llegamos al sitio que queremos, pero eso nos obliga a alejarnos de lo cómodo.
-Dos vidas aparentemente ajenas terminan cruzándose en un universodonde las reglas dejan de tener sentido… ¿Cómo les explicarías a nuestros lectores lo que ocurre en escena?
Dos parejas que viven en el mismo apartamento pero en diferentes dimensiones y que por caprichos del destino terminan coincidiendo en el mismo espacio y tiempo. Y que esa persona con la que coincides de vez en cuando, te entiende más que tu propia pareja.
– Se comenta en la presentación de esta obra que Gabriel y Luz aparecen en un piso que parece pertenecer a ambos: la cocina es de él, el baño es de ella y ninguna explicación parece lógica.
En ese espacio imposible comienzan una serie de encuentros tan desconcertantes como fascinantes que los obligarán a cuestionarse todo aquello que creían saber sobre sus vidas. ¿Qué añadirías?
Añadiría que ellos aprovechan estas sorprendentes circunstancias para poner sobre la mesa su propia vida porque ¿hay que conformarse?.
¿O hay que arriesgarse?
-Según su director, Paco Mir, “Locuras paralelas es una inteligente reflexión sobre el destino, las oportunidades perdidas y la posibilidad de que existan otros caminos para cada uno de nosotros”
Está claro que lo sobrenatural de esta obra es una excusa para hablar de las relaciones personales y de mirar para dentro de uno mismo.

-¿Qué frases de tu estacarías? ¿Con cuáles te sientes identificada?
“Si esto es una locura, no encuentro mejor sitio donde estar”. “No estoy loca. Guillermo, de verdad que no lo estoy, lo veo y lo siento!”.

-¿Cómo es trabajar bajo las órdenes de Paco Mir? ¿Qué destacarías de él como Director?
Paco Mir es una leyenda de nuestro país, ha estado más tiempo encima de un escenario casi que los años que tengo y es un ser maravilloso, además. Es un tío muy exigente que sabe lo que quiere y que tiene una visión de la escena como nadie. Ha hecho de esta historia algo bello, ingenioso y muy divertido.

DIANA PALAZÓN

-Descríbenos a Leticia…
Es una mujer entusiasta, con sentido del humor, que está tranquila en su pareja, aunque no siempre lo estuvo. Una mujer ambiciosa a la que le cuesta
escuchar realmente al otro. Ella siempre tiene una respuesta y una suposición preparada en un intento absurdo de controlar la vida.
– ¿Qué tipo de comedia es esta función?
Inesperada, original, divertida y confusa (sobre todo para mi personaje). Las estructuras del espacio tiempo se desmoronan. La estructura de la casa, que además han construido ellos, la estructura mental, que tiene unos parámetros concretos y que empiezan a diluirse, la estructura de sus relaciones. Todo empieza a desmoronarse, y no solo a eso, a filtrarse de una posibilidad a otra.

– ¿A qué le invita al espectador la historia de esta función?
Yo creo que invita a pasar un buen rato, con una historia que no te esperas y con situaciones que no te dejan indiferente. También te invita a fantasear por un momento cómo habría sido para ti esa otra vida. Y, sobre todo, invita a todo esto desde el humor.
– ¿Qué frases de tu personaje destacarías? ¿Con cuáles te sientes identificada?
Yo siempre digo que hay una palabra que ella dice en la función que la define totalmente, y es: “¡Tachán!”. Es una mujer que entra en casa y dice ¡Tachán!. Me encanta eso de ella. Es divertido hacer este personaje porque no me siento identificada con nada de su discurso, de su forma de pensar, de hacer las cosas o de enfrentar las situaciones. Somos opuestas. Y es muy rico habitar ese otro lugar tan diferente.

– ¿Cómo ha sido tu experiencia de trabajar por primera vez con Paco Mir?
Me dió mucha alegría trabajar con él porque en mi casa hemos sido muy fans de Tricicle. Hemos crecido con ellos. Y con Paco fue muy fácil. Él tiene visión, evidentemente, para ver las situaciones cómicas. Pero también es generoso. Estaba muy abierto a las propuestas que le traíamos. Siempre lo probábamos todo en los ensayos y él decidía si eso sumaba o no a cómo contar la historia. Nos ha dado mucho margen.
– Según su director, “Locuras paralelas” es una inteligente reflexión sobre el destino, las oportunidades perdidas y la posibilidad de que existan otros caminos para cada unode nosotros…”
Sí, a todos nos ha pasado, que nos hemos preguntado “y si no hubiera elegido esto en mi vida, ¿Qué habría pasado, cómo sería ahora mi vida, quién sería yo misma?”. Al fin y al cabo siempre que eliges algo renuncias a otra cosa. La vida está llena de caminos y encrucijadas en las que no hay muchos carteles informativos y tienes que elegir igualmente.
Creo que “Locuras Paralelas” pone encima del escenario la posibilidad de realizar un salto cuántico y cruzar a esa otra elección que no hiciste.

Sergio Mur y Fernando Andina también están en escena en esta producción de la veterana compañía Secuencia3 que se representa en el Gran Teatro Pavón.

Jorge Volpi, director del Centro de Cultura Contemporánea Condeduque, plantea la temporada 26/27 bajo el lema  ¿Aún podemos amar?”. Una pregunta que pone la mirada en la soledad, el poder, la identidad y nuestra forma de relacionarnos. Volpi reúne a artistas y creadores muy diferentes para acercarse al amor desde múltiples lenguajes, sin buscar una respuesta única. El resultado es una temporada que invita a mirar nuestras formas de relacionarnos y, sobre todo, a seguir haciéndonos preguntas.

-Hablemos sobre el lema “¿Aún podemos amar?”. Es una pregunta aparentemente íntima que habéis convertido en el eje de toda una temporada. ¿El amor es para ti una herramienta para mirar y entender el mundo contemporáneo?
El amor siempre ha sido el lugar donde se juega lo más íntimo y lo más político, pero en esta época esa tensión se ha vuelto casi insoportable. Vivimos en sociedades donde se intensifica el odio y donde los algoritmos explotan nuestros patrones afectivos.

– La programación pone en diálogo las artes escénicas con la música, las artes visuales, la literatura, el pensamiento, la ciencia y las nuevas tecnologías. Esa mezcla de disciplinas es una de las señas de identidad de Contemporánea Condeduque. ¿Qué puede aportar ese cruce de lenguajes?
Nos gusta la idea de que el público entrevea el diálogo posible entre Rosi Braidotti y Jan Martens, o conectar la investigación científica sobre el amor con el movimiento de La Veronal o la teatralidad de Rodrigo García. La pregunta de si aún podemos amar no tiene una sola respuesta, ni científica ni artística. En vez de ello, optamos por un sinfín de reflexiones parciales y
complementarias.

– En la presentación hablabas del amor como un “campo de fuerzas en el que se juegan la identidad y la libertad”, pero también como una posible herramienta de poder, capaz de domesticarnos y controlarnos. ¿Qué te interesa especialmente de esa contradicción?
Las dos cosas son verdad, como decía Octavio Paz en “La llama doble”. El amor es lo que más nos abre hacia el otro y, sin embargo, cada sociedad ha prescrito sus formas de amar, criminalizando otras.

-¿Existe para ti una determinada idea de escena contemporánea que atraviese toda la programación?
Lo que une a artistas tan distintos como Castellucci, Daria Deflorian o Israel Galván es que ninguno confía en que el lenguaje pueda decirlo todo. Las propuestas que más nos interesan son las que desconfían de sus propias certezas.

-En la apuesta de la programación de artes escénicas cuentas con artistas como Rodrigo García, Andrea Jiménez, Jan Martens, Romeo Castellucci, La Veronal, Clara Furey, Milo Rau, Israel Galván, Mohamed El Khatib, Daria Deflorian… ¿Qué buscabas al reunir miradas y lenguajes tan diferentes alrededor de una misma pregunta?
Quería que la pregunta llegara desde sitios muy distintos y que nadie la respondiera igual. Rodrigo García lleva décadas desmontando las ficciones del amor burgués; Andrea Jiménez retoma Antígona, la historia de alguien que va más allá de la la ley; Milo Rau transforma lo antiguo en una investigación sobre lo contemporáneo; Mohamed El Khatib hace teatro a partir de afectos reales, así que su colaboración con Israel Galván transformará todo ello en cuerpo; Jan Martens convierte el movimiento mínimo y obsesivo en reflejo de nuestra inquietud. Lenguajes radicalmente distintos se abren al mismo misterio.

– También habéis diseñado una programación musical muy diversa, desde el flamenco de Chano Domínguez, Niño Josele o La Tremendita hasta propuestas de jazz y músicas contemporáneas. Incluso hay un recorrido por las canciones de amor y desamor. ¿Qué buscabas en esta parte de la programación, cuál ha sido tu hilo argumental en esta propuesta?
Queríamos un largo recorrido. Por eso hemos programado desde “el duende del Amor Brujo” hasta “los Fragmentos de un cancionero amoroso” con la que se cierra la temporada, con la música popular como una especie de biblioteca sentimental.

-Condeduque es un centro municipal, con una programación que tiene una clara vocación internacional, además de establecer colaboraciones con festivales y proyectos de Madrid. ¿Cómo entiendes la responsabilidad de un espacio cultural público?
Madrid es una ciudad abierta al mundo y pendiente de la tradición. Nuestra responsabilidad es permitir que el público que vive o visita la ciudad se dé cuenta de que Contemporánea Condeduque es un lugar donde la ciudad se piensa a sí misma.

-En tu trayectoria como escritor has hablado sobre la manera en la que los seres humanos construimos nuestra realidad y esto se ve reflejado en el ADN de la programación. ¿Hasta qué punto esta temporada es también una reflexión sobre los relatos que construimos alrededor del amor?

Tenemos una idea del amor romántico construida por siglos de novelas y canciones, y esa idea configura lo que nos parece tolerable en una relación. El teatro tiene la ventaja sobre la literatura de que ocurre en el presente, con cuerpos reales delante de otros cuerpos reales. Tendremos, así, un sinfín de ficciones sobre la gran ficción que es el amor.

-En las exposiciones y en el programa de literatura y pensamiento aparecen artistas y autores como Piedad Bonnett, Siri Hustvedt, Rita Segato, Rosi Braidotti o Juan Cárdenas, junto a proyectos como Desdobles artísticos, hablas amorosas o Descender. ¿Cómo has querido que dialoguen la creación artística y la reflexión intelectual?
La exposición de Juan López hace visible lo que el lenguaje apenas puede nombrar. El pensamiento y la literatura ven los afectos desde otros lados: Bonnett dio voz a las sutilezas del amor y la pérdida; Hustvedt hablará de la vulnerabilidad; Segato, de la violencia que atraviesa cualquier vínculo; Braidotti de formas de intimidad lejos de los viejos modelos.

-¿Qué otras propuestas ofrece la programación de esta temporada y que no debemos dejar pasar por alto?
Por ejemplo la de “Escucha Jonda”, con El Niño de Elche y Sarah Ardite que es una conversación sobre el poder del oído que va a ser difícil de clasificar. La de Kate Zambreno y Jon Vincler, una pareja que hablará sobre el amor en el arte en una especie de terapia de pareja en público al mismo tiempo. Y en unos meses informaremos de la programación de dos de los festivales que el año pasado tuvieron ya mucho éxito: Cúbit. Arte + Ciencia y Soundset. 

Recuperamos las entrevistas que les hicimos cuando estrenaron esta función.

LOLA HERRERA

-¿Qué tipo de mujer es la escultora sudafricana Miss Helen, la  protagonista de la obra?, ¿Cómo la describirías? ¿Qué sueño persigue o cuál es el motor de su vida?

Con rasgos de libertad. Es una mujer que quiere hacer lo que ella quiere, lo que sueña, lo que le gusta… Ella ha estado muy reprimida en un matrimonio. Cuando se libera de todo eso porque se queda viuda es una mujer que quiere, al precio que sea, hacer lo que más le gratifica.

-¿Por qué no podías rechazar interpretar este personaje?, ¿Cuáles son  los principales motivos por los que aceptaste llevarlo a escena?

Sobre todo porque es una mujer mayor, que se supone que no tiene derecho a muchas cosas. Primero, por ser mujer y luego ten en cuenta que esto se desarrolla en los años sesenta/setenta en Sudáfrica. No tiene derecho prácticamente a nada. Pero ella exige sus derechos, lucha por ellos, como mujer y como artista y creadora. Me parece que es muy gratificante para cualquier actriz hacer personajes de este tipo, porque la sociedad está totalmente cerrada a los mayores. Es como si fuese un pecado ser mayor, una cosa vergonzosa o algo que hay que desechar. Me parece que es un cántico a la gente mayor.

-Se ha comentado sobre “Camino a la Meca” que es “una reflexión  profunda sobre el aislamiento, la lucha interna, la libertad individual y el conflicto entre conformarse con lo que manda la sociedad o seguir los propios sueños o deseos”. ¿Estás de acuerdo?

Sí. Creo que uno tiene que intentar perseguir los sueños. Hace falta tener mucho valor, encontrarte con muchos obstáculos y posiblemente no conseguirlo pero no hay que dejar de intentarlo.

-¿Sobre qué otros temas trata esta función?

Sobre todo y, principalmente, de la libertad. También de la comunicación entre las personas, de la amistad, de cómo puedes relacionarte e intercambiar con otros seres humanos cosas importantes y de las relaciones. Por ejemplo Helen y Elsa están muy unidas. Aunque exista una diferencia de edad, de vidas y, aunque son muy diferentes, están muy unidas. A veces parece que hay que estar todo el día juntos o relacionarse muy de cerca y no hace falta. La comunicación entre personas va mucho más allá que hablar todos los días.

-¿Qué supone para ti volver a compartir escenario y gira con tu hija Natalia Dicenta?

Estamos las dos muy contentas e ilusionadas con este proyecto. Hacía veinte años que no trabajábamos juntas, desde que hicimos “Solas”. No podemos estar más contentas al haber encontrado esta función tan maravillosa, con personajes interesantes…Y dirigidas, además, por alguien tan extraordinario como Claudio Tolcachir.

NATALIA DICENTA Y CARLOS OLALLA

-¿Quién y cómo es tu personaje?

NATALIA DICENTA: Es Elsa Barlow, profesora de inglés en Ciudad del Cabo y la gran amiga y confidente de Helen Martins. Elsa es una mujer auténtica, fuerte, comprometida, empática… La idea del compromiso es muy importante en ella, incluso en su trabajo se ven reflejados los problemas que tiene por defender la igualdad y la justicia. Tiene un altísimo y agudo sentido de la Justicia. Si tenemos en cuenta que esta historia se desarrolla en la Sudáfrica del apartheid, Elsa lucha contra eso y por la igualdad de derechos. Precisamente por esa lucha se ve metida en muchos problemas, pero no le importa, no se arredra, ella sigue adelante porque es una mujer fuerte. También es frágil. Cuando aparece en escena lleva muchos problemas encima pero no se rinde, sigue luchando. La admiro profundamente, creo que estoy aprendiendo mucho de Elsa porque yo, como cualquier persona, a veces en la vida tenemos problemas y nos ahogamos en un vaso de agua y no sabemos cómo salir. Y Elsa me enseña la lucha, el compromiso, la verdad, la autenticidad del ser humano. Me conecta con valores e ideales muy profundos y muy importantes.

CARLOS OLALLA: El pastor Marius es una persona que se sabe como guía espiritual de la comunidad en la que vive. Es una comunidad muy tradicional y conservadora, de la iglesia reformista neerlandesa. Es un factotum en el pueblo. Tiene una relación muy próxima con todos los vecinos pero en la época del Apartheid en Sudáfrica, por lo tanto es muy cerrado en cuanto a sus planteamientos ideológicos. Su relación con los vecinos es la de autoridad, le gusta controlarlo todo.

–¿Qué tipo de relación mantiene con la escultora sudafricana Miss Helen, la protagonista de la obra?

NATALIA: Elsa en un desafío para Helen. Es curioso como se complementan. Elsa necesita la fortaleza de Helen y Helen necesita la fortaleza de Elsa. Ambas son frágiles y están en un cruce de caminos, en un punto de inflexión en sus vidas muy importante y, sin embargo, el hecho de estar juntas significa una ayuda, un estímulo y un desafío.  Es una relación de una profunda amistad y complicidad y de buscar la una en la otra la autenticidad, la fortaleza, el compromiso y el sentido de libertad en la vida. La verdad es que es una relación hermosa, muy enriquecedora y nutritiva.

CARLOS: Está preocupado por la evolución de Helen porque, desde que murió su marido, ha dejado de ir a la iglesia, y hace unas esculturas que para él son muy extrañas y no entiende qué está pasando ahí. Las respeta porque no ve opción a prohibirlas pero busca formas de controlarla, aunque es imposible por el carácter independiente y libre que tiene Helen. Es una oveja descarriada con la que mantiene contacto continuamente intentando llevarla al redil pero, habiéndose resistido durante 15 años, la cosa está complicada.

-¿Esta función se centra en la búsqueda de la libertad?

NATALIA: Fundamentalmente, creo que es la reivindicación de la libertad de elección en la vida. Nuestros cuerpos, mentes y corazones nos dictan el camino y hemos de ser libres para poder elegir. No queremos la presión de la sociedad convencional que nos diga cómo supuestamente debemos hacer o ser. Se lucha en esta obra por la libertad de elección, al principio de la vida, durante la vida e incluso elegir cómo quieres que sea el final de tu vida. Y eso es algo muy importante. Y habría que incluir la libertad de expresión, la lealtad, y, una vez más, surge el compromiso. La lucha por la libertad, la defensa de la justicia, la defensa de la libertad en el arte…Yo creo que esto último es fundamental, la defensa de esto a pesar de la incomprensión de quien esté alrededor. Tenemos derecho a tener deseos, a tener sueños y a ponerlos en práctica siempre que podamos.

CARLOS: También habla de la soledad impuesta, de la soledad voluntaria y de la soledad creativa. Creo que es importante diferenciar entre estos tipos de soledad, y también qué hacemos con nuestra soledad. Hay gente que tiene miedo y se deja dominar por el miedo a la soledad y también hay personas que la adoran, como es el caso de Helen. Ella se siente aislada pero porque la comunidad en la que vive no la entiende, pero aún así no renuncia a ella, no quiere claudicar, prefiere estar sola creando que renunciar a ella misma.

Y de la sororidad, de la relación entre esos dos personajes, Elsa y Helen, que se ayudan, se admiran y se respetan y es una maravilla ver esa relación transgeneracional. No hay una barrera de edad, a pesar de que la obra también trata de cómo afrontar la vejez, cuando nos acercamos a la etapa final de nuestra vida es el momento de echar la vista atrás pero también de disfrutar del aquí y del ahora. Es un mensaje de esperanza para los que llegan a esa parte que sabemos que es la última, pero con pasión, con ilusión, con alegría. Una vida sin amar no tiene sentido y eso es lo que demuestra Helen, que tiene un espíritu libre y es lo que da sentido a su vida.

-¿Tus dos escenas favoritas son…?

CARLOS: ¡Tiene tantas!. Algunas para mí son antológicas, por ejemplo, la entrada de Elsa en la casa, al principio de la obra, en ella se describe la relación entre Elsa y Helen. Y otra que me apasiona es escuchar el monólogo que Helen le dedica al pastor para explicarle ese mundo que ella ha creado. Esa escena me llega a lo más hondo y sé que me acompañará siempre.

-¿Qué destacarías de Claudio Tolcachir como Director?

NATALIA: No es que destaque una cosa o dos, es que Claudio Tolcachir es un genio. Yo tuve la gran oportunidad de conocerlo cuando se asentó aquí en Madrid y abrió su escuela, Timbre 4, que ya existía en Buenos Aires y tuvimos la increíble suerte de que quisiera traerla también aquí. En cuanto supe de su presencia en la ciudad hice lo imposible por apuntarme a sus cursos y por estudiar y aprender con él. Ya conocía sus montajes como director pero no había trabajado con él personalmente, y estaba dispuesta a vivir la gran aventura que es conocer a Claudio y su manera de navegar a través de los textos y los personajes. Para mi es una experiencia absolutamente inolvidable que él fuera mi profesor y yo su alumna. El sueño era poder algún día trabajar con él, y ahora se ha cumplido. Trabajar con Claudio es un sueño hecho realidad, su manera de profundizar en cada frase, de sacar partido y encontrar oro en cada situación, de saber utilizar los sentimientos y emociones que cada actor/actriz poseemos y plasmarlos. Y sumar, sumar y sumar para que nuestro trabajo sea cada vez más rico. No tengo palabras suficientes para describir la profunda admiración que siento por él, y el honor que para mi significa poder ponerme en sus manos y navegar con él en este proyecto.

CARLOS: Es una de las personas con más talento que he conocido y, sobre todo, con más sensibilidad, respeto y admiración por lo que hace. Cuida todos los detalles. Sabes que estás en buenas manos, que te va a llevar por el buen camino. El viaje que hemos hecho durante los ensayos, el ver la relación de Claudio con Lola y con Natalia ¡ha sido tan bonito!.  Con mucho cariño y admiración mutua. Y cuando tus propuestas le gustan y le encajan, te pregunta si te has sentido cómodo, y si la respuesta es “sí”, te dice “¡vale, lo encajamos!”.

– Termina esta frase: “El Teatro le aporta a mi vida…”

NATALIA: …gozo, alegría, compromiso, soledad, desafío, aprendizaje… ¡Tantas cosas!. Aprendizaje es una palabra espléndida, porque aprendo con cada personaje que interpreto, aprendo algo de mi misma y de la vida. El gozo es inigualable porque salir al escenario e interpretar a un personaje es la pasión de mi vida. Yo cuando estoy en un escenario estoy como en casa, igual que cuando salgo a cantar. Salir al escenario y comunicarme con la gente es un privilegio maravilloso al que no quiero renunciar nunca. El teatro le aporta a mi vida mucho sentido, la verdad. También podría decir disciplina, rigor, ceremonia, emoción, silencio. Y compartir, este es el gran sentido del teatro, compartir historias contadas desde el escenario a seres humanos que están ahí sentados dispuestos a escuchar, a vivir una historia y salir transformados. El teatro aporta una gran riqueza a mi vida. Doy gracias a la vida por poder seguir subida a un escenario.

CARLOS: ¿Qué es la vida sin teatro, sin poesía, sin amar? No es nada, es transitar de una nada a otra sin haber vivido. Hay cosas como el teatro que te hacen perfectamente consciente de lo maravilloso que es vivir, que te ayudan a ser ventana y que los espectadores vean a través de ti. En un escenario tienes que llevar lo mejor de cada personaje con sus puntos fuertes y débiles, con lo bueno y con lo malo, pero nunca hay que llevar al actor, el actor se queda en el camerino. Pero ese personaje que está en el escenario le enseña cosas nuevas todos los días al actor. Es un modelo de vida. Todo el mundo debería poder acercarse al mundo del teatro porque te ayuda a mirar la vida desde otro punto de vista, a cambiar tus puntos de vista y mirar de forma distinta lo que te rodea, a escuchar a los demás, pero no solo con los oídos. Fotografías de Daniel Dicenta. Teatro Bellas Artes.

Eva María, a las tantas de la madrugada, ha recibido un tajante mensaje de Alejandro, su único y adorado hijo: debe entrar en su habitación y buscar en un cajón cerrado con un candado un documento que necesita con urgencia para la Universidad americana en la que estudia. Urgente es “ya, ahora, sin perder un instante, mamá”. Alejandro, que conoce muy bien a su progenitora, le advierte de que no caiga en la humana (y especialmente maternal) tentación de hurgar en sus cosas…

-Preséntanos a Eva María, tu personaje.

Es una mujer de 51 años que se encuentra sola en su casa porque ha dedicado los últimos 18 años de su vida al cuidado de su hijo Alejandro que se ha marchado a estudiar a Estados Unidos. Es incapaz de resistir esa tentación de hurgar en las cosas de su hijo y alimentarse, como un vampiro, de los recuerdos que todos esos objetos, congelados en la habitación de Alejandro le proporcionan.

-Esta función nos habla del conocido como “síndrome del nido vacío”. ¿Es así?.

Sí. Si tienes hijos el nido vacío es una etapa que hay que pasar. Los hijos se van, en un momento determinado de la vida se van. Es natural. Es lo que tiene que suceder. Pero nos quedamos vacíos y es un espacio que no se puede llenar. Es una etapa que hay que atravesar de la mejor forma posible.

-¿De qué otros temas nos habla?

Es un precioso homenaje al cine como refugio. Eva María vive y atraviesa todo con películas que vio de niña con su padre y más adelante con su hijo. También habla de la relación de Eva María con su madre. También ella es hija única, un día se fue de su casa y abandonó el nido. Habla con humor de eso que llaman ahora “el trauma intergeneracional”.

-¿Algunas de las frases favoritas de tu personaje son…?

-“Mi hijo me ha abandonado y mi menopáusico cuerpo me está avisando pero a grito pelado de que ya no sirvo para nada. ¿Qué voy a hacer?. ¿Qué voy a hacer?.”

-“Soy una vampira.”

-“No son las doce menos cuarto de la noche en el cerebro de una madre, no, son las 24 horas de los 365 días de los 18 años que tiene mi Alejandro…”

-Juan Carlos Rubio ha comentado que “Recuerdo cuando me marché a vivir a Londres con tan solo 19 años y mis progenitores tuvieron que enfrentarse a una casa vacía. De seis hijos a cero es una frenada en toda regla. Recuerdo las conversaciones con mi madre y el profundo calado que dejó en ella mi ausencia. Recuerdo su dolor. Y su humor. Sí, el tema me interesaba mucho…”. ¿Te sientes identificada con esta reflexión?, ¿Por qué?

Sí. Porque la casa está concebida para estar llena y ruidosa y cuando los hijos se van, se queda muy vacía. Se trata de cómo has concebido tu vida durante un tiempo muy largo y que luego te tienes que adaptar a otra realidad. Es muy curioso, porque el nido se llena rapidísimo, desde que aparece el bebé todo cambia, pero la marcha de los hijos lleva un proceso más largo de adaptación.

-¿El humor del texto y del escenario es tierno y comprensible para todo tipo de público?

La función es divertidísima. Estamos deseando compartirla con el público. Tengo mucho interés en que los adolescentes vengan al teatro. Yo creo que los niños y niñas desde los 8 o 9 años pueden disfrutar de este monólogo. Entenderán menos algunas partes pero se van a divertir y creo que se pondrán en el lugar de sus madres y sus padres que tanto les cuidan y tantas cosas hacen por ellos. Me encanta que mis películas familiares atraigan a un público joven al teatro y, si vienen con sus familias, mejor que mejor.

-¿Qué ventajas y qué desventajas tiene el estar sola en el escenario?

Ventajas yo creo que pocas. Esto era un reto que yo tenía pendiente. Quería hacer un monólogo y Pentación y Jesús Cimarro me brindaron la oportunidad. Pero en realidad le veo muchas más desventajas. Todo, absolutamente todo, depende de ti. Tengo un equipo fantástico respaldándome. Pero solo se me ve a mi. Así que hay que estar al 1.000 por 1.000 todo el tiempo. Incluso físicamente hay que estar muy fuerte para aguantar la hora y veinte de función con la energía que necesita.

-¿Qué te gustaría conseguir de los espectadores después de que vieran esta pieza?

Que se lo pasen muy bien sobre todo y que luego hagan la reflexión de darle la importancia que tiene al nido vacío, a esa etapa. Que tengamos en cuenta a las personas que están pasando por ello.

-Termina esta frase: “El Teatro le aporta a la vida de las personas…”

Libertad. Me gusta pensar que el teatro te abre la mente, el pensamiento, la opinión. Una función de teatro puede hacerte cambiar de opinión respecto a algo. En concreto con esta función, el teatro te va a aportar un buen rato de desconexión de los problemas de afuera para reír. Porque es sanísimo reírse. Fotografías: Javier Naval.

Es una coproducción de Pentación Espectáculos, Leona Madre y La Alegría Producciones. Del 28 de octubre al 29 de noviembre. Teatro Bellas Artes. 

La actriz protagoniza esta versión de Laila Ripoll (que también la ha dirigido) de la popular obra de Lope de Vega. La lleva a escena la Compañía Nacional de Teatro Clásico.
Amor y muerte son los ejes de esta «comedia» cuyo final deja un halo de escepticismo ante lo vano de la existencia.

-¿Cómo es Inés? ¿Cómo la  describirías?
Intrépida, inocente… Inés es una valiente que sabe muy bien cuáles son las normas que rigen su universo, pero no las va a aceptar así como así. Quiere poder decidir. Es muy inteligente.

-¿Qué párrafos de tu personaje destacarías? ¿Por qué?
En esta función se dicen unos versos bellísimos. Creo que muchas de las actrices de este país, en algún momento, hemos estudiado ese inicio de Doña Inés con “Y todos dicen, Leonor, que nace de las estrellas…” Son versos legendarios. Y “Apenas la blanca aurora, el pie de marfil puso en las flores de abril, que pinta, esmalta y colorea, cuando a la reja del huerto salí…” ¿Cómo te quedas?.
Es tan visual, el rayo de sol que va descubriendo poco a poco el día, es como de cine. Y Lope da pistas sobre el estado en el que está Inés, ¿no?, qué necesidad tiene de expresarse así… ¿No puede decir: al amanecer, punto?.

O ¡he salido tan pronto por la mañana que casi era de noche todavía! (descalza, sin dormir, con la legaña pegada…) . También la despedida con su amado: “¡Vete Alonso. Vete, adiós!”… Puede pasar de todo después de ese verso.

-¿De qué le habla tu personaje al público?
Del AMOR con letras mayúsculas. ¿Pero qué es el amor? ¿Es esto? ¿Es éste el verdadero amor? “¿Este incendio que abrasa mi pecho todo?”… Inés habla del amor, nos descubre el amor. Lope arranca la obra con esa afirmación: “Amor, no te llame amor el que no te corresponda” e Inés ahora lo sabe.

-Comenta Laila Ripoll que “es un cuento de miedo alrededor de la lumbre en una fría y oscura noche de difuntos, es una historia de aparecidos, de emplazados, del destino inevitable….”
Y también destacaría que es una función mágica.

-¿Por qué es diferente esta versión que ha escrito y dirigido Laila Ripoll?

Laila sitúa la obra en el romanticismo. Esta apuesta permite que lo pasional, lo inexplicable, lo sobrenatural pueda campar a sus anchas y el carácter atormentado y premonitorio de la obra se ve potenciado. No tengo ocasión de ver la función desde fuera, pero alguna vez que me he escapado al patio de butacas, me parece que esta elección es estéticamente brutal.

Teatro de la Comedia.

-Háblanos sobre tu personaje… ¿Quién y cómo es?
Ana es una señora que tiene una casa rural. Es una mujer no demasiado simpática pero que tiene su gracia para conseguir de las parejas que llegan allí lo que quiere. Es un poco “mala”, traviesa, pero es muy graciosa.
Va llevando las situaciones que ocurren por donde ella quiere.

– Según Belbel, Galcerán da un paso más allá de la comedia y se introduceen el género del folk horror. Eso sí, siempre sin dejar de lado la carcajaday la sonrisa… ¿Qué tipo de humor hay en esta función?
Creo que Galcerán ha escrito una filigrana llena de buen humor, a veces ácido. Hay mucho golpe de efecto, muchas sorpresas, y el público se asusta de vez en cuando y se divierte y quiere seguir viéndola.

-Un matrimonio (Luis y Laura) llega en plena noche a una casa de turismo rural para pasar un fin de semana romántico. Han decidido ser padres, estos días son los adecuados y quieren aprovechar este ambiente bucólico para encargar a la criatura…
Los tres amos de la casa, gente de pueblo muy diferente, alejada de los placeres y de los vicios de la ciudad, conectada fuertemente a la naturaleza y a una cierta ritualidad entre religiosa y pagana, los acogen de manera peculiar… Es una fábula muy divertida sobre las conductas de ciertas parejas pijas que creen que lo pueden tener todo y hacer lo que quieran. Pero a esta pareja en concreto, el destino les da una coz. (Como también le ocurre a uno de los personajes). Hay una especie de moralina profunda a mitad de la función y tiene un final que la gente no va a esperar.

-Los anfitriones no son tan acogedores como era de esperar y los arrastrarán por una espiral de situaciones inesperadas … ¿es así?
Ana tiene un marido que la secunda en todas las travesuras que se le ocurren y ambos traman cosas y las ponen de manifiesto cuando se presenta esta pareja de Luis y Laura a pasar el fin de semana en esta casa rural. Les hacen todo tipo de “sorpresas”, de conjuros, pero para que la pareja protagonista descubra en su interior todo aquello que debe soltar para liberarse.

-En esta obra, nada es lo que parece… y, además de que vaya de sorpresa en sorpresa… ¿Cuáles son los principales temas de los que nos habla “Turismo rural”?
Habla de la paternidad y de la maternidad, de cómo a veces nos engañamos cuando queremos conseguir nuestros objetivos o nuestros deseos y quizás no los queramos tanto. Esta pareja quiere conseguir cosas que no son capaces de conseguir porque, quizás, no las quieren en realidad.
Sergi Belbel es autor, guionista, director y traductor teatral. Y uno de los más reputados directores, de larga trayectoria teatral.

Completan el elenco de “Turismo Rural” en la versión en castellano Valeria Ros, Carlos Chamarro, Paco Déniz y Lucas Miramón.

El Espacio sonoro es de Jordi Bonet y el Diseño de escenografía de Max Glaenzel. Teatro Príncipe Gran Vía.

Juanjo Artero se mete en la piel del mítico profesor John Keating para protagonizar  una nueva puesta en escena del clásico texto de Tom Schulman, que interpretó el oscarizado Robin Williams en la gran pantalla, y que ha marcado a muchas generaciones.

Pentación Espectáculos y A&A producen esta gran apuesta, bajo la dirección de Juan Luis Iborra.

Rodeado de los seis jóvenes actores que encarnan al alumnado del rígido colegio inglés (Jacobo Camarena, Gabriel Flores, Lennon Jon Sharp, Álvaro de Paz, Sergio Aguado y Marcos Saneiro), el actor nos confiesa que «basta mirarles para sentir como se te encoge el corazón de nuevo al grito de “¡Oh capitán, mi capitán!”.

-¿Cómo te has enfrentado a la presión de saber que muchos de los espectadores tendrán en la cabeza la interpretación que hizo Robin Williams en la gran pantalla?

No he sentido presión porque no he intentado competir con mi querido Robin Williams. Era inimitable, un actor maravilloso y único. Si lo hiciera tendría todas las de perder. No trabajo desde la imitación. Al profesor Keating nada más hay que dejarle sonar lo que dice, trabajar sobre el texto y las palabras, que son maravillosas.

Es un ser maravilloso, de los que creen que todavía se puede cambiar el mundo. Un idealista. Tiene una sensibilidad especial y eso intuyo que en su infancia le haría ser el raro y tener conflictos con sus padres.

Se trata de un profesor que quiere crear librepensadores, personas que se cuestionen las cosas, que no acepten las ideas porque sí y que persigan sus sueños.

-¿Que se debe rescatar de sus enseñanzas para este siglo XXI?

Todo. Es un texto que nunca caducará. Anima a explorar nuevos caminos y no conformarse con lo establecido, y a buscar la propia identidad. La identidad se está disolviendo todavía más en nuestra época con las redes sociales, están creando muchos conflictos entre la gente por ser diferentes o distintos. Asusta pensar en un mundo adormecido de borregos en el que los librepensadores no existan. Vivimos un momento muy peligroso de manipulación. Es bueno estar abierto a conocerlo todo, escuchar a unos y a otros y formar tu criterio propio, eso es lo que promulga Keating y eso nunca caduca. El arte y los libros enseñan eso. 

Es una cuidadosa obra de teatro musical con la que, según Juan Luis Iborra, se busca “sacar la humanidad de los personajes, la verdad en sus interpretaciones e, incluso, la comedia en algunas situaciones para conseguir que el espectador se sienta uno más en el aula y así recuperar para nuestros días ese famoso «Carpe Diem», que invita a disfrutar del momento presente y aprender a sacarle chispa a la vida.»

-¿Qué destacarías tú personalmente de esta puesta en escena?

Ha preparado una movilidad maravillosa para que se vea el aula, la cueva y ese colegio de valores tan estrictos de la época (la rígida Academia Welton). El proceso ha sido maravilloso. Somos cómplices todos, yo me alimento de la mirada de los chicos y sale todo solo. Es jugar, jugar y jugar. Son jóvenes pero tienen mucha experiencia, han entendido perfectamente que tienen algo entre manos muy importante.

Una obra imprescindible para los institutos, que en su día cambió la vida de mucha gente y que también puede hacerlo a día de hoy.

-¿Tienes una escena favorita?

Hay un momento en el que les habla de la poesía de la vida que es de una belleza tremenda, decir ese texto y ver las miradas de mis compañeros es un momento mágico. Pero en esta función de esos hay muchos. Lo disfruto como un niño porque, además es un profesor muy juguetón, que sabe muy bien cómo captar la atención de sus alumnos. 

-La poesía de Walt Whitman sigue vigente, a día de hoy es todavía un reclamo para los jóvenes…

Sí, su poesía es un canto que conecta muy bien con los jóvenes, apela a vivir intensamente y a creer en el poder de la palabra. Reivindica el derecho a expresarse y a no renunciar a hacerlo.

-Tú que empezaste tan joven en el mundo de la interpretación, ¿Cómo vives ahora estar rodeado de un reparto tan joven?

Es maravilloso. Tienen todos un gran talento y mucho que aportar, me contagian su energía y aprendo de ellos.

-¿Tienes más de idealista o de revolucionario?

Algo de ambos, va por etapas. He sido siempre muy revolucionario y muy pasional, jamás me he podido callar cuando he visto algo injusto y no me ha ido mal así.

Mi vocación es una de las cosas que más he defendido, desde los comienzos, en mi cabeza estaba el ser actor o nada.

-¿Has tenido algún Keating en tu vida, alguien al que decir “¡Oh Capitán, mi Capitán!”?

Muchos. Antonio Mercero fue el primero. De niño también tuve la suerte de tener un profesor en el pueblo que me demostró que no era tonto y me enseñó a ver las cosas de manera distinta. Luego Miguel Narros, Cristina Rota y muchos otros que me han enseñado desde la complicidad.

Podría no parar, he tenido la suerte de trabajar con grandes maestros.

-¿Tienes algún personaje pendiente al que te gustaría encarnar?

Ahora sólo pienso en éste. No soy de pedir, me gusta saborear, disfrutarlo hasta el final e ir partido a partido.

-El texto de Tom Schulman conmueve, remueve y hace llorar, ¿Cómo esperas que salga el espectador?

Habrá muchas risas al principio, sonrisas después porque es maravilloso meterse en la piel de esos chavales y sentir todo lo que sientes y lo que les provoca Keating. Después van a llorar, en una pausa de tres segundos que acabará en un aplauso tremendo. Esa pausa maravillosa de la tragedia y la emoción final, un final majestuoso, es una función que queda arriba. Espero que salgan con la chispa encendida de querer aprovechar la vida al máximo.

Manu Rodríguez y Tomy Álvarez completan el reparto, encarnando el peso de la tradición, la disciplina y el rigor bajo la piel del director del colegio y del padre de uno de los alumnos, que se oponen al librepensamiento del que habla esta gran tragicomedia.

«Una historia de luces y sombras llena de vida, poesía y aprendizaje que invita a perseguir el pensamiento propio”, según palabras del director.

El diseño de escenografía es de David Pizarro, el de vestuario es de Gabriela Salaverri, al frente de la música está Gerardo Gardelín y el diseño de iluminación es de Juanjo Llorens.

Teatro La Latina.

El clásico de Beltort Brecht y Kurt Weill está en el Teatro Infanta Isabel. Es una función que mezcla humor, música y una mirada afilada sobre la sociedad y sus contradicciones. Coque Malla y Carmen Barrantes se meten en la piel de Macheath y Polly, dos personajes unidos por el deseo, el poder y la supervivencia.

COQUE MALLA

– ¿Cómo has construido este Macheath y cuál ha sido la propuesta de Mario Vega, el director?
Todo está en el texto. Sobre todo cuando son textos así de geniales. El título de obra maestra con mayúsculas no se le puede dar a muchas cosas en la historia del arte. Para mí ésta lo es. Beltort Brecht era un genio. El texto tiene el humor, la ironía, la dureza, todos los matices de los personajes. Mario ha llevado el trabajo hacia la comedia.
A raíz de sus investigaciones nos contaba que escribió este texto pensando en su compañía que era muy cómica y muy histriónica.
Sus actores y su compañía ya lo iban a llevar a la comedia. Tiene momentos más duros, y violentos incluso. El final lo hemos llevado a la tragedia, pero en general tiene un tono de mucha comedia.
– Las mujeres en este texto tienen muchísima importancia por cómo Macheath las utiliza, y también por cómo ellas sobreviven.
Son personajes absolutamente fundamentales, especialmente el personaje de Polly.

-Después de más de cuarenta años dedicado a la música y al rock, ¿qué supone para ti regresar a la interpretación, y qué encontraste en La ópera de los tres centavos para aceptar esta propuesta?

El mundo del teatro, del cine, de la interpretación, siempre han estado en mi vida, he crecido en los teatros con mis padres (Amparo Valle y Gerardo Malla). Ellos han sido referentes inmediatos para mí, todos padres los son, pero los míos lo eran además en sus profesiones. Al final, el mundo del espectáculo comparte muchísimas reglas, aunque son disciplinas y lenguajes muy diferentes en muchas cosas, pero hay cosas esenciales que son exactamente las mismas, en un concierto de Bruce Springsteen o en un montaje de Shakespeare. Se han dado varias circunstancias en el hecho concreto de haber aceptado este proyecto y de, por primera vez, hacer un personaje de teatro, un clásico en una obra clásica. Yo empezaba a sentir un poco de rutina, llevaba ya muchos años con disco, promo, gira, composición, ensayo…disco, gira promo… Quería salir de la rueda de hamster. Entonces, justo en ese momento pareció Mario Vega con esta propuesta para hacer Macheath, y fue perfecto. Desconectar, meterme en otro lenguaje, con otros compañeros, en otra situación totalmente distinta a la que yo estoy acostumbrado. Entro con mucha responsabilidad, es un personaje universal, grandioso y lleno de matices y registros, así es de interesante para un actor.

-¿En el proceso de ensayos habéis tenido una forma específica de trabajar al tratarse de un musical en el que el texto y la música tienen la misma importancia en el espectáculo?

Lo primero que trabajamos fue el texto, luego empezamos a introducir canciones, al principio con grabaciones existentes, para poder concentrarnos en el texto, más tarde incluimos ya las canciones cantadas por nosotros mismos. El trabajo de voces lo hicimos con Óscar Martínez – Gil, ayudante dirección y nuestro coach vocal, y al final del proceso se incorporaron los músicos.

-Tu voz y tu forma de estar en el escenario son muy personales. ¿Cómo has trabajado esa identidad propia para ponerla al servicio de Macheath en la parte musical, y qué ha sido lo más difícil de construir en este personaje?

Ha sido difícil, me ha dado más dolores de cabeza que el texto y la parte interpretativa. Me plateaba: ¿cómo hago esto? Hemos ido trabajando poco a poco porque es una partitura muy exigente con la voz que hay que hacer exactamente como está escrita. Con mucho trabajo me he ido sintiendo cada vez más cómodo. Cantar pop y rock, no solo permite, sino que agradece pequeños defectos de la voz, pequeñas imperfecciones, una fragilidad que agradece esa imperfección de la voz, de hecho, son las voces que más me gustan, las voces imperfectas. Pero está música requiere una técnica vocal muy potente que yo he tenido que trabajar mucho.

-Con toda tu experiencia y bagaje musical, ¿qué destacarías de la música de Kurt Weill y qué crees que aporta esta partitura al universo de La ópera de los tres centavos?

Es increíble, es otra obra maestra, eso es lo que convierte a La Ópera de los tres centavos en algo tan especial.  Se juntan dos obras maestras, que funcionan perfectamente por separado, pero cuando se juntan es impresionante. Yo creo que ahí debía haber un idilio artístico brutal de dos gigantes Kurt Weill y Beltort Brecht. Es absolutamente perfecta, son canciones con mucha modernidad y con unas armonías brutales. Al principio me costó entender las melodías y las armonías, pero cuando entras y las entiendes se abre un mundo increíble, diría que es la mejor música que se ha hecho jamás.

-¿Cómo ha sido el trabajo con tu hermano Miguel Malla, director musical de este proyecto?

Ha sido tan maravilloso como complejo. Nosotros hemos trabajando juntos en muchos de mis discos, desde la época de Los Ronaldos, y yo estoy acostumbrado a dirigirle a él, a capitanear mis proyectos, y aquí él es el director musical, él es el jefe.  Miguel es casi un especialista en Kurt Weill, y ahora mucho más. Me ha ayudado mucho a entender la complejidad de la partitura. Yo suelo intervenir mucho en los procesos y aquí me he tenido que plegar a él y a Mario.

-Esta es una obra de gran contenido social. ¿Es importante para ti hablar de estas cuestiones, más allá del propio proyecto?

Siempre es importante hablar de estas cuestiones, ponernos un espejo delante es revelador. No es obligatorio, yo creo últimamente se le está exigiendo al arte, erróneamente para mí, una labor moral ética y política que no le corresponde. El arte puede elegir ser moral, ser ético, ser político, pero no está obligado a ello. El arte es abstracto y es libre para saltarse la moral, la ética. A mí me parece muy peligroso designarle ese papel al arte, porque se empieza a censurar cuando creemos que no coincide con nuestros valores éticos o morales. No es obligación del arte ser moral y ser ético. Además, yo creo que esta obra es mucho más compleja de una crítica social. Para mí el arte con mayúsculas va más allá, y como los grandes artistas Beltort Brech hace una foto del alma humana con todos sus defectos, con todas sus virtudes. Yo creo que es un retrato del alma humana como las grandes obras, como los grandes clásicos.  

CARMEN BARRANTES 

En la Ópera de los tres centavos Carmen Barrantes se mete en la piel de Polly, una joven consentida que se enamora del malo y descubre que detrás de su aparente ingenuidad hay una estratega capaz de comerse el mundo. 

-Háblanos de tu personaje, Polly, y qué fue lo primero que pensaste cuando te propusieron interpretarlo.

Fue un sí rotundo. Es uno de los “grandes títulos”, combina teatro y música, dos de las cosas que más me apasionan, además con la gran dupla Brecht/ Weill. Recordaba el personaje, pero no la complejidad de la música.  Al leer la partitura con los tonos inamovibles, me asusté, trabajé mucho y lo sacamos adelante. Ahora disfruto de esta pieza con unos músicos increíbles en directo. Vivan Miguel Malla y su banda.

-En La ópera de los tres centavos, las mujeres viven en un mundo dominado por los hombres y marcado por la decadencia, pero al mismo tiempo, saben jugar sus cartas. ¿Cómo describirías el universo femenino que plantea la obra?

De una actualidad pasmosa. A día de hoy estamos bastante decadentes. Igual más limpios por fuera, pero hay algo de suciedad interna. Polly se adapta al mundo criminal a la perfección, pero en la función el policía es un señor, el empresario es un señor y el delincuente es un señor. Las mujeres sateliteamos.

-Polly no es precisamente una mujer ingenua. ¿Qué tiene de lista, de peligrosa y de divertida?

Es una niña consentida y sobreprotegida que tiene un ideal romántico de “haría cualquier cosa por amor”. Polly se enamora del malo, del que tiene a mil mujeres pululando alrededor, porque se cree la elegida del soltero de oro. Si Polly hubiera nacido varón, hubiera seguido el negocio de mendigos familiar porque es una estratega muy inteligente, y habría acaparado Londres entero.

-Polly se casa con Mackie Navaja prácticamente de la noche a la mañana. ¿Qué crees que le atrae de este hombre: el amor, el peligro, la aventura… o un poco de todo?

Creo que la relación de Mackie y Polly es una mezcla entre Romeo y Julieta y Pamela Anderson y Tommy Lee, que se casaron a los tres días de conocerse. Le atrae ser todo lo que le han dicho que no podía ser. No es Mackie como hombre si no lo que él representa.

-Brecht escribió esta historia hace casi cien años, pero muchos de los temas que plantea siguen resultando muy reconocibles. ¿Qué es lo que más te ha sorprendido de su actualidad?

El rechazo al pobre, exactamente igual que ahora. No es racismo por piel, es por dinero. Para mí la frase que resume la obra es: “Primero el pan y luego la moral”. Cuando un ser humano tiene hambre, es capaz de cualquier cosa. Y también el tema del negocio de los mendigos: conmover los corazones para pedir limosna. La gente que vive en la calle en esta ciudad, en Madrid, es ya mobiliario urbano. Nada nos conmueve. Y detrás de una pantalla se han visto imágenes de una crueldad tan horrible… Además ahora todo puede ser mentira. La IA y las pantallas, ha hecho que ahora mismo la realidad sea mentira y que el teatro, sea la mentira más verdadera.

-La obra habla de corrupción y miseria, pero lo hace desde el humor negro y el cabaré. ¿Qué posibilidades ofrece el humor para contar una realidad tan dura? Está muy bien escrita y va sola con la música. Y el humor hace que el cuerpo se relaje y que estos grandes temas nos pasen por dentro de otra manera.

–Compartes escenario con Coque Malla como Mackie Navaja. ¿Cómo ha sido construir con él esta peculiar historia de amor?

Él viene de raza de actores de teatro con pedigrí. Y eso se nota. Es muy respetuoso y ha hecho un trabajo muy bonito. La compañía es magnífica en general. Vamos veinte personas en gira. Imagínate el buque que ha echado Barco Pirata al mar. Toda mi admiración a la productora.

-Tú protagonizaste y produjiste con tu propia compañía Cabaré de Caricia y Puntapié, con el que ganaste el Max al mejor espectáculo musical en 2010. Ahora, al enfrentarte a La ópera de los tres centavos, ¿has sentido que volvías de alguna manera a aquel mundo?

Todo se queda dentro una misma, la vida y el oficio. Echo de menos la insensatez salvaje que tenia de lanzarme a las cosas sin saber. Ahora estoy más “domada” aunque algo de eso siempre queda. Los proyectos con mi Compañía Nueve de nueve y con mi socio y hermano Jorge Usón han sido siempre una maravillosa y bella complicación. Pasarte al lado oscuro de la producción te da otra visión.

 Y Polly tiene algo de mi rubia Colette del Cabaré.

-Para terminar, ¿qué ha supuesto para ti entrar en el universo de Brecht y Kurt Weill y qué te llevas de esta experiencia?

Es una función compleja con un código muy particular. Aquí hemos tenido a los mandos a Mario Vega y Ruth Sánchez son dos trabajadores incansables y talentosos que ha llevado el buque a muy buen puerto. Hacer algo tan grande y complejo en cuarenta y cinco días, es una doble pirueta.

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De la mano de Cervantes, Els Joglars celebra sus 65 años en activo con una nueva representación de “El retablo de las maravillas”, con Albert Boadella al frente de la dirección de escena.

Una nueva revisión del clásico entremés, que ya pusieron en pie en 2005, escrita por el propio Boadella y su sucesor al frente de la compañía desde 2012, Ramón Fontserè. Juntos de nuevo, ponen el ojo crítico esta vez sobre algunos de los “engaños” más polémicos de la sociedad actual: política, nuevas religiones, alta gastronomía y arte moderno.

Ramón Fontserè

-¿Por qué han elegido a Cervantes para este aniversario?

Porque es un gran compañero de viaje. Hicimos El Quijote, El coloquio de los perros y El retablo de las maravillas, que ahora recuperamos porque vemos que nos separa una distancia ínfima. Todo lo que señala se sigue produciendo a día de hoy, incluso multiplicado por dos.

-¿Qué han recuperado para el público de 2026?

Es un entremés corto sobre los complejos y el engaño, nos hemos preguntado cómo Cervantes vería con sus ojos, la política, la religión y el arte de vanguardia. El miedo atávico a no formar parte de la opinión mayoritaria del que habla Cervantes sigue a día de hoy, incluso ha aumentado a través del uso de las redes sociales. Es difícil tener una opinión personal, que no esté mancillada por otras grandes opiniones. La política y la religión las hemos juntado, después el retablo cervantino antiguo, el retablo de la cocina moderna y el retablo del arte de vanguardia. Aparecen una serie de personajes manipulados por los pícaros que venden humo para seguir con el engaño y la picaresca. La idea es que los espectadores tomen distancia con las cosas que todo el mundo venera y se reconozcan viendo sobre el escenario las cosas que piensan pero no se atreven a decir, por miedo, por pereza o por mecanización. Algo muy catárquico y muy higiénico.

-¿Qué papel interpreta en esta ocasión?

Los pícaros dicen que señores, a través de los tiempos, pueden llegar a ser considerados genios. Yo interpreto a uno de estos, Don José, el hijo de los duques de Daganzo. Es un papel muy divertido que conlleva mucho juego teatral y esto me encanta. El teatro es jugar.

-El teatro crítico con el poder ha ido perdiendo fuerza, sin embargo Els Joglars sigue peleando por él…

En los años ochenta y noventa en el teatro había una libertad que no hay hoy, antes el público pedía un teatro más asilvestrado, seguramente por la dictadura de Franco. Se apreciaban mucho los espectáculos críticos y satíricos con el poder, eso ahora se ha perdido. Nosotros hacemos un teatro inspirado en el entorno más cercano y aunque conlleva consecuencias, estamos convencidos de que hay que seguir haciéndolo. Entendemos el teatro como espejo para el espectador, pero no lo hemos inventado nosotros, ya desde Aristófanes era algo que formaba parte del teatro.

-¿Qué significa estar al frente de una de las compañías privadas más longevas de toda Europa?

Albert me pasó el testigo y por mi parte todo lo que sea alargar esta aventura juglaresca a través del arte del teatro me hace feliz. Lo disfruto mucho, para mí es un recorrido vital que me ha permitido disfrutar y hacer amigos, no lo vivo como un esfuerzo. Soy básicamente actor, ahora dirijo porque así se han dado las circunstancias. Es una gran responsabilidad, admiro mucho como lo llevó Albert. A parte de ser observador, tienes que saber plasmarlo sobre el escenario, con potencia y un punto de ética.

Que la realidad sea el espejo del público, reírnos de los demás y de nosotros mismos, hasta llegar a la catarsis perfecta. Reír, entretener y hacer reflexionar, son elementos básicos para la compañía.

-¿Cómo definiría a Albert Boadella entre bambalinas?

Le tengo mucho respeto como artista, le considero un colega y un amigo. Sobre todo porque cuando yo empezaba en el mundo del teatro, fue la primera persona que confió en mí, cuando no lo hacían ni mis padres. Es un artista del renacimiento, puedes hablar con el de todo y siempre tiene una visión muy especial, es muy inteligente y trata a los actores como artistas. Se trabaja con cuidado y a fuego lento hasta lograr un espectáculo muy trabajado y esto es gracias a su manera de entender el teatro. Son muchas cosas las que confluyen y nos hacen seguir perdurando en el tiempo como compañía.

-¿Cómo se plantea el Futuro de la compañía?

La idea es seguir haciendo lo que nos apasiona e ilusiona que es hacer teatro, exhibirnos y seducir al espectador. Poder hacer este ritual en directo es algo que engancha. Tenemos gente joven en la compañía que está creciendo enormemente, gente preparada y entregada que augura una gran vitalidad para el teatro. Son gente con una energía y unas ganas tremendas, que están actuando como un revulsivo maravilloso para los que ya estamos entrados en años.

-¿Cómo será este aniversario?

Estaremos girando por 19 comunidades, hacemos entrega al teatro de un recuerdo de cerámica que conmemora los 65 años y un vino para el brindis final. Llevamos también una exposición que repasa toda la historia de la compañía, desde el blanco y negro al color, en la que además de ver los montajes que hemos ido haciendo se ve de manera muy sencilla como hemos ido reflejando también la historia de España. Se ve también nuestra insistencia a la hora de reflejar la realidad con un punto crítico y de mala leche. Si todo es bonito y todo va bien ya no hace falta el teatro.

-Echando la vista atrás, ¿Con qué montajes se quedaría?

-Con el Pla, porque me lo pasé muy bien con el personaje, es muy cercano a mí, le tengo una simpatía especial por su manera de vivir, su carácter y su manera socarrona. Dalí fue también un personaje fantástico de interpretar, con su dualidad entre el loco genial y el loco sabio.

-Se han difuminado los enemigos, ¿cuesta más encontrar personajes a los que parodiar?

Al contrario. La cosa ha aumentado hasta tal punto que Cervantes no daría abasto, lo que pasa es que ahora no hay tantos contrastes como había antes. Parecen todos cortados por el mismo patrón pero ocasiones para parodiarles surgen a cada momento.

Albert Boadella

-Dejó la dirección pero nunca la compañía y ahora regresa por el 65 aniversario…

Lo había dicho todo ya y quería hacer piezas musicales dentro de la lírica. Ramón había estado a mi lado tantos años que la transición era lógica. Nunca me he desligado de la compañía, sigue siendo mi casa y cuando puedo vuelvo a ella pero ya sin el peso administrativo, con un trabajo muy relajado que me hace feliz.

-¿Dónde ponen esta vez el ojo crítico?

Metemos la llaga en cosas que creemos que si Cervantes hubiera vivido en nuestra época también las hubiera señalado. La estafa fantástica de las artes plásticas que se podría comparar con la de las reliquias en otros tiempos. Las nuevas religiones laicas que han aparecido, lo que se entiende por el progresismo, paradigmas de fe sin poética religiosa. Y hablamos también de la gastronomía y los grandes genios de los fogones, que cuentan con el papanatismo de los comensales.

Estamos en una época en la que los engaños son mucho más sofisticados porque la comunicación es mucho más sofisticada y eso hace que una gran mayoría de la sociedad ande perdida y buscando profetas a diestro y siniestro.

-¿Cuál es la propuesta de esta segunda puesta en escena de “El retablo de las maravillas” de Cervantes?

Hemos actualizado la obra con una estructura parecida. Primero representamos la obra tal cual en la época de Cervantes y después hacemos unas variaciones del tema en la época actual. Trasladamos la misma metáfora a distintas situaciones de la época actual, abordando lo que la gente hace para no ser señalados por algo nocivo.

-¿Cómo ha cambiado el público en estos 65 años?

Se han producido cambios bastante singulares. Empecé trabajando con la censura, el público de entonces sabía que estábamos censurados y estaba muy dispuesto a leer entrelineas la denuncia. Después desapareció la censura y apareció la autocensura, eso es lo que tenemos ahora. El gremio está muy comprometido con las administraciones públicas, metido en una tela de araña que parece que no afecta a las libertades pero que en el fondo sí lo hace, cualquier paso en falso afecta a la expansión de la obra. El público no sabe que tiene delante un gremio que en muchas ocasiones se autocensura. Se ha vuelto un público dócil, que aplaude todo, es poco crítico y lo acepta todo mansamente.

-¿Cuál ha sido el secreto del éxito de Els Joglars?

Sobre todo nuestra independencia. Es una compañía poco sostenida por las administraciones públicas pero también el empeño por preservar la continuidad, a pesar de todo. Respetar la tradición de ser compañía, acumulando experiencias de todo tipo. 

-¿Son más los amigos que los adversarios a día de hoy?

Digamos que están compensados, afortunadamente. Es importante tener adversarios porque eso confirma que está uno en una determinada posición y eso da marcha a la vida. Es un hecho realista que hay que aceptar. Pensar que todos son amigos es una ficción que generalmente lleva a malas consecuencias. Yo no me fio un pelo de las personas que dicen ser amigos de todo el mundo.

-¿Cuál es su vacuna?

Es difícil de aplicar. Se trata de tener agallas, esa es la única solución. La idea de enfrentamiento está siempre detrás de una opción pública, hay que saber que existen estos riesgos y enfrentarse a ellos. A nosotros no nos ha ido mal porque llevamos 65 años sumando experiencias positivas. La única vacuna ha sido no acobardarse y defender la libertad de expresión.

-¿Cuál va a ser su siguiente paso?

No tengo mucho por delante, el cuerpo da señales pero me sigue gustando meterme en experiencias nuevas, que me aporten algo y que no sean repetitivas.

Tengo por delante un trabajo en los Teatros del Canal donde vuelvo a meter los pies en el escenario con una obra basada en el libro que escribí “Joven, no me cabreé”. Una especie de testamento artístico en el que comparto mi pensamiento con una nueva generación que creo que está peor entrenada que la mía y que la anterior a la mía. Tener que luchar por cosas es importante, desde la cuna, yo no me arrepiento de ello. La sociedad del bienestar tiene contrapartidas, y una de ellas es ésta.

-Echando la vista atrás, ¿Con qué montajes se quedaría?

Hay cinco o seis que considero las más completas. Citaría “Yo tengo un tío en América”, “Dalí”, “Amedeu”, “Bye, bye, Beethoven” y “Ubú president”.

-Optan por un retablo que presenta varios personajes. ¿Ya no son tiempos de satirizar a una gran figura?

Se puede satirizar, quizá más que nunca, el problema de elegir un personaje presente es que no das abasto porque a la mañana siguiente surge otro más gordo. La realidad satírica se ha vuelto tan grande que el teatro se queda corto. Fotos: Silvia Belloc. 

La obra estará en cartel del 4 al 27 de septiembre en la sala principal del teatro Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa, acompañada de una exposición gratuita itinerante que repasa la historia de la compañía.

42 producciones teatrales resumidas en 36 plafones expositivos individuales con materiales gráficos, textos explicativos y recursos audiovisuales en los que se puede ver reflejada también grandes acontecimientos de la historia de España. Teatro Fernán  Gómez CCV.