CAROLINA RUBIO
-¿Cómo es Finea?
Es muy ingenua, sin filtros y aparentemente torpe. Y su torpeza la convierte en objeto de burlas. Es una persona que no tiene filtros ni pudor en decir lo que piensa y a la que se la ha atribuido un roll dentro de su familia que se ha creído. Es un ser libre sin saberlo y muy transformable, tiene un gran potencial que despierta conforme avanza la función. No es el que amor la salve, es que se activa algo que ya estaba en ella…

-En el Madrid del S.XVI, Finea, heredera de una gran fortuna, es prometida en matrimonio con Liseo. Laurencio, el enamorado de su hermana Nise, interesado también en la dote de Finea, trata de enamorarla con palabras y requiebros que ella desconocía. Llegado el momento de la presentación de los prometidos, Liseo, decepcionado por el imprudente y “bobo” comportamiento de Finea, renuncia a casarse con ella… ¿Qué añadirías sobre la historia que nos narra esta obra?
Que más allá del enredo amoroso, la obra plantea una pregunta muy actual: cuánto de lo que somos es realmente nuestro y cuánto viene determinado por el entorno. Y en el caso de Finea, cuando cambia su entorno social, cambia también su forma de pensar y de entender el mundo.

– ¿De qué le habla tu personaje al público?
Habla de cómo la mirada de los demás y los roles que se nos atribuyen nos construyen. A lo largo de la obra, cuando cambia la forma en la que la ven, también cambia la forma en la que ella se percibe a sí misma. En este sentido, le habla al público de la importancia de no etiquetar, de no dar por hecho quiénes somos, porque todos estamos en constante transformación. Finea me parece un personaje muy luminoso, no cambia para encajar, sino que descubre una versión mas completa de ella misma, y eso conecta mucho con la idea de que todos tenemos partes aún por descubrir si se nos da el espacio adecuado.

-¿Qué párrafos de tu personaje destacarías? ¿Por qué?
“Nunca oscura yo seré; Los libros me han brindado, Astrolabio delicado, donde universos veré”
“Tu desataste y rompiste la oscuridad de mi ingenio”
“Yo no entiendo cómo ha sido.  Desde que el hombre me habló porque si es que siento yo, Él me ha llevado el sentido…”
Porque descubrirse a sí misma hablando con un lenguaje distinto y descubriendo el mundo con otra mirada y con otro conocimiento es algo que me fascina.

-¿Qué personalidad tiene Liseo?
Liseo es un personaje realista que encarna los valores tradicionales del matrimonio y la jerarquía social. Es racional y práctico y actúa movido por la lógica social y el prestigio. Es un caballero que da valor a la inteligencia.

CARLOS SERRANO
-¿Quién es Laurencio?
Es un disfrutón y un superviviente. Un seductor al que la vida le seduce. Al principio de la obra se enfrentará a tomar decisiones porque, aunque él quiera, no se puede tener todo, y a sacrificar y renunciar a una parte importante de él. Con todas las consecuencias que eso conlleva.
-Según Mestres, “La sensualidad y la belleza de los versos de Lope te desarman con una profundidad serena y una sencillez clara; con una complejidad transparente. Y siempre sientes que te habla de aquello que nunca hubieras podido expresar, pero que, sin duda, reconoces como propio”
Lope es adrenalina y a la vez pausa en el tiempo. Profundiza sobre el alma humana y nos hace pensar. Es alucinante como los versos de Lope, escritos en el siglo XVII, vuelven a nosotros con la misma vigencia.
-Si tuvieras que elegir varias escenas de tu personaje… ¿cuáles serían? ¿por
qué?
Cuando llega Liseo a la casa de Otavio. Y la escena con Finea del tercer acto. Y comenta que “Tenemos muchas ganas de compartir el resultado de los ensayos con el público que venga a vernos…”.

-¿Qué frases de tu personaje destacarías? ¿Por qué?
“Soy tan pobre como bien nacido”, es un buen verso para definir al personaje. Su pobreza, y evitarla, es la razón para tomar la decisiones que toma. “Se atreve a censurallos/quien no se atreve a entendellos”, más de 400 años después de ser escrito, no puede ser más actual este verso.
La obra habla de las pasiones cotidianas con las palabras mejor hilvanadas de la Literatura de nuestra lengua.

-¿Y una parte de la función que te encanta es…?
Uno de los pocos momentos en los que el personaje se queda solo, sin otros ante los que fingir o actuar de tal o cual manera. Es la parte en la que se ve claramente la honestidad más pura y brutal del personaje.

-¿Cuáles son los principales temas de los que nos habla esta función?
Esta obra trata del amor y de sus consecuencias. Cuando el amor te sorprende y te hace engrandecerte, y cuando el amor te abandona y te reduce a cenizas. El amor reflejado en muchas de sus variantes: el amor fraternal, el amor por admiración, el amor y la falta de él. Habla del miedo a la soledad, de lo imposible que es controlar los sentimientos, de la necesidad de sobrevivir en un mundo que dominan los hombres. Y, sobre todo, de lo necesarios que son la cultura, las letras y el conocimiento.
-¿Quién y cómo es Nise, tu personaje?
Es la hermana mayor de Finea. Nise es una mujer ávida de conocimientos, interesada en las letras, en la filosofía, en los versos y en la cultura. Ella cultiva el intelecto y el mundo de las ideas. Es un personaje elegante, educado, mental, racional y lógico. Es muy inteligente pero, como no tiene la misma dote que su hermana, no tiene tantas posibilidades para casarse como Finea. Creo que Nise es un personaje que se defiende de la situación mediante la cultura y el conocimiento, pero que es terriblemente vulnerable ante el amor.
-¿Por qué es diferente esta versión?
Creo que esta versión es diferente porque da espacio a que los personajes femeninos tengan voluntad propia y cierta capacidad de decisión, aunque respetando las palabras de Lope. La adaptación hace que se genere un punto de profundidad sobre los personajes femeninos. Por tradición cultural y social, los personajes femeninos han quedado relegados a las voluntades masculinas, y esta versión favorece que tanto Finea como Nise tengan un punto de vista y una opinión respecto a sus propias vidas, que no sean solo marionetas víctimas de los caballeros que las rodean, teniendo siempre en cuenta que hablamos de mujeres en el siglo de Oro.
-Según Mestres, “La pieza se centra en la transformación de la boba Finea. A través de ella vemos cómo, desde su aparente ingenuidad, va adquiriendo un conocimiento propio, un saber que se nutre del amor y de la curiosidad y que le permite desprenderse de las máscaras…” ¿Qué añadirías?
Que es una de mis obras favoritas de Lope. Mezcla amor, humor, sensibilidad. Soy muy afortunada de poder interpretar este personaje.

Completan el elenco Joaquín Notario, Markos Marín, Concha Delgado y Víctor de la Fuente.

Es una producción del Festival Hispanoamericano del Siglo de Oro CAM. Clásicos en Alcalá y Octubre Producciones. Fotografías de Javier Naval. Del 28 de Mayo al 14 de Junio. Teatros del Canal.

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La tercera fuga, Los nuestros y Fuenteovejuna son tres de los montajes con mayor número de candidaturas, y Faula, No y Zorra dorada son los montajes de danza más destacados. Los ganadores se anunciarán el 1 de junio en una gala que tendrá lugar en el Teatro Romano de Mérida, retransmitida por La 2 de RTVE y RTVE Play.

Los finalistas son:

–Mejor espectáculo de teatro

• 1936 de Centro Dramático Nacional (CDN – INAEM), El Terrat de Produccions, Check-in Producciones

• El entusiasmo de Buxman Producciones (Teatro Kamikaze), Centro Dramático Nacional (CDN – INAEM)

• Fuenteovejuna de Compañía Nacional de Teatro Clásico

• La tercera fuga de Teatre Nacional de Catalunya

• Los nuestros de Centro Dramático Nacional (CDN – INAEM) y Teatre Nacional de Catalunya

• Irene Escolar por Personas, lugares y cosas

• Lidia Otón por Los cuernos de Don Friolera

• Mona Martínez por Los nuestros

Mejor actor

• Miki Esparbé por Los nuestros

• Ton Vieira por La tercera fuga

• Xavo Giménez por Yo soy 451

Mejor espectáculo de danza

• Carrer 024 de Sol Picó

• Doma de DDC Danza – Daniel Doña

• Faula de Roser López Espinosa, Consorci Mercat de les Flors

• Folk as queer de La Ikònica

• No de La Venidera, Centro Danza Matadero – Madrid Destino, Cultura, Turismo y Negocio, Festival Grec, Fira Mediterrània de Manresa

Mejor dirección de escena

• Lucía Carballal por Los nuestros

• Rakel Camacho Ríos por Fuenteovejuna

• Victoria Szpunberg por La tercera fuga

Mejor espectáculo musical o lírico

• Hacia ecos de lo sagrado de Nao d’amores

• Nozing de Ual·la

• Opereta Imaginaria de Centaure Produccions y Centre de les Arts Lliures – Joan Brossa

-Mejor espectáculo de calle

• Gota de Txema Muñoz

• Triplette de LaBú Teatre y Cris Clown

• Welcome & Sorry de Ganso&Cía

Mejor espectáculo para público infantil, juvenil o familiar

• ¡Soy salvaje! de La Maquiné

• El bosque de Coco de La Buena Compañía

• La Maestra de Anita Maravillas & Portal 71

-Mejor espectáculo revelación

• Taxidermia de una alondra de Iván López-Ortega

• Torcidxs de Ane Sagüés Abad (Las Nenas Theatre)

• Zorra Dorada de Elisa Forcano y Barbecho Productions

-Mejor autoría teatral

• Lucía Carballal por Los nuestros

• Santiago Cortegoso por Reconversión

• Victoria Szpunberg y Albert Pijuan por La tercera fuga

-Mejor autoría revelación

• Elisa Forcano por Zorra Dorada

• Iván López-Ortega por Taxidermia de una alondra

• Rosa Escrig por Polígono

-Mejor adaptación o versión de obra teatral o coreográfica

• Ainhoa Amestoy por Los cuernos de Don Friolera

• Pablo Messiez por Personas, lugares y cosas

• Xavo Giménez por Yo soy 451

-Mejor composición musical para espectáculo escénico

• Fran Lasuen por La Maestra

• Modesto Lai y Alba Rubió por Nozing

• Raquel Molano Aylagas, Pablo Miguel Peña de Huelva y Darío del Moral Martínez por Fuenteovejuna

-Mejor coreografía

• Daniel Doña y Cristian Martín por Doma

• Irene Tena y Albert Hernández por No

• Roser López Espinosa por Faula

-Mejor diseño de producción privada

• El Aedo Teatro por Poeta (perdido) en Nueva York

• La Cubana por L’amor venia amb taxi

• Sol Picó por Carrer 024

-Mejor diseño de espacio escénico y videoescena

• Beatriz San Juan y Miquel Angel Raió por 1936 (diseño de espacio escénico y videoescena)

• Blanca Añón por Orlando (diseño de espacio escénico)

• Cube.bz por Little Women (diseño de espacio escénico)

Mejor diseño de vestuario

• Agustín Petronio por Orlando

• Pau Aulí Nadal por Little women

• Rosa García Andújar por Fuenteovejuna

Mejor diseño de iluminación

• Ion Chávez por La Maestra

• Nuno Meira por Orlando

• Pedro Yagüe por Blaubeeren

Mejor intérprete femenina de danza

• Elisa Forcano por Zorra Dorada

• Irene Tena por No

• Isabel Vázquez Torres por Zambra de la buena salvaje

Mejor intérprete masculino de danza

• Albert Hernández por No

• Genaro Cibils por Faula

• Juan Berlanga por Juancaballo

Mejor elenco de danza

• Carrer 024 de Sol Picó

• Faula de Roser López Espinosa, Consorci Mercat de les Flors

• Folk as queer de La Ikònica

Mejor elenco de teatro

• 1936 de Centro Dramático Nacional (CDN – INAEM), El Terrat de Produccions, Check-in Producciones

• Fuenteovejuna de Compañía Nacional de Teatro Clásico

• La tercera fuga de Teatre Nacional de Catalunya

“La barraca” narra el rechazo al que se ve sometida la familia de Batiste Borrull al instalarse en una barraca y unas tierras de la huerta valenciana que pertenecieron durante años a la familia del tío Barret. Los hortelanos de la zona le hacen imposible el asentamiento a estos “forasteros” y les impiden trabajar con violencia y crueldad.

-Has comentado que “la verdadera tragedia es que la historia que narra esta obra (escrita en 1898) sigue siendo muy actual. Seguimos solucionando nuestros problemas matando, no hablando”… ¿Qué añadirías al respecto?
Que nos falta avanzar en conocimiento. En esa lucha entre la razón y la violencia estamos lejos de que el pulso lo gane la razón. La honestidad es un riesgo. Y un riesgo necesario ser buena persona.

-Preséntales a nuestros lectores a Batiste Borrull… ¿Quién y cómo es?
Un hombre de paz. Un hombre sencillo con principios nobles. Un hombre que sabe y quiere integrarse en una comunidad. La respuesta que recibe es salvaje, cruel…Dice: “ahora sé por qué los hombres matan”… Es un hombre que sigue luchando por unos valores que hoy se nos están deshaciendo entre las manos.

-¿De qué tipo de violencias nos habla esta función?
Del hambre, que es en sí una violencia. De la insolidaridad que es una violencia contra el más débil. De la negación de la identidad y los derechos básicos, que es otra violencia. Y, finalmente, de la muerte violenta.

-También se dice en la presentación de la obra que nos habla de la subida injustificada de los alquileres, de desahucios, de acoso infantil… ¿De qué otros temas?
Por ejemplo, de la incultura como semilla de violencia, de hostilidad, de rechazo al diferente.

-¿Qué tipo de mujeres son los personajes que interpretan Patricia Ross, Claudia Taboada y Elena Alférez?
Patricia, Claudia y Elena son tres actrices diferentes, con un talento que les lleva a poder encarnar a las mujeres del relato de “La Barraca”. Tres actrices inmensas, capaces de crear la sumisión, el valor, la determinación, la sabiduría, y el deseo de esas mujeres que quieren llegar a ser seres humanos en su propio espacio, y avanzar en el conocimiento. No quieren armas, ni cuchillos ni escopetas, quieren respeto, quieren cariño y quieren una existencia en paz. 

-Es la primera vez que se adapta esta novela al Teatro…
Es la primera vez que Blasco Ibáñez y “la Barraca” son llevados a escena. Mirada a mirada. Respirando el mismo aire. Que la sangre, el alma de unos actores y actrices es vehículo de esta tragedia. Y, por supuesto, vehículo de una lucha por la justicia, por la consciencia, por la tolerancia, por la paz. “La barraca” es una historia de siempre. Nos habla de la eterna lucha entre la razón y la violencia de una comunidad enferma que tiene comportamientos salvajes. Nos habla de la identidad necesaria que nos da el arraigo a la tierra en la que nacemos. Blasco Ibáñez denunciaba en el siglo XIX la explotación y la injusticia social. Su visión realista y crítica daba voz a los más desfavorecidos. Dos siglos después, parece que mucho no hemos cambiado.

-¿El espectador tiene que ir al Teatro a disfrutar, a volar, a gozar?
Es un arte que la inteligencia artificial no puede sustituir. La comunicación directa entre ser humanos. Y en esa comunicación se goza, se transmiten emociones, la palabra vuela preñada de inteligencia. De ideas. De pasión.

En la parte artística, la escenografía ha sido diseñada por Curt Allen y Leticia Gañá. La música ha sido compuesta por Santi Martínez y el diseño de Iluminación es una creación de José Manuel Guerra. Es una producción de Pentación Espectáculos, Teatro de Malta y Olympia Metropolitana. Fotografías de Javier Naval. Desde el 21 de Mayo. Teatro Fernán Gómez CCV.

Volvemos a publicar la entrevista que le hicimos con motivo del estreno de esta función que ahora vuelve a Madrid.

-¿Cómo les contarías a nuestros lectores la historia de esta función?

Es un viaje entre lo que decimos ser y lo que realmente somos; entre lo que decimos querer y lo que queremos de verdad. Connie y Tristán, dos jóvenes muy diferentes que se prestan a participar en un ensayo clínico con un medicamento. A medida que avanzan los días, bien por efecto del medicamento, bien por las circunstancias del propio ensayo o bien por lo que uno produce en el otro, tanto Tristán como Connie comenzarán a ser personas bien diferentes a las que vemos en un primer momento. Quizá su verdadera versión de cada uno. Y, además de ellos, los dos médicos, que también muestran una fachada que se desquebraja a medida que la historia transcurre y se descubren antiguos sucesos del pasado.

-Preséntanos a Connie, tu personaje…

Es una chica que aparenta seguridad, que sabe lo que quiere y que parece que pisa fuerte. Hace lo que tiene que hacer, lo que se espera de ella. Es disciplinada y no se plantea que las reglas se puedan romper porque es de la clase de personas que cree que una norma es buena per sé, que si están es por algo. Pero Connie encierra muchas contradicciones; y entrar a formar parte de este ensayo clínico la colocará delante de un espejo que la obligará a tener que afrontar esas contradicciones, y en ese ensayo entrará en contacto con personas que despertarán en ella sentimientos inesperados e, incluso, desconocidos.

-¿Qué relación mantiene Connie con sus médicos supervisores, interpretados por Alicia Borrachero y Fran Perea?

Al principio, de confianza. En especial con el personaje de Alicia. Connie es una chica disciplinada y por ello sigue a rajatabla las instrucciones del ensayo y confía plenamente en lo que le pide la doctora, a quien posiblemente incluso la vea como un modelo a seguir. Pero la propia evolución de Connie provocará la evolución de la relación con los médicos. Aparecerá el conflicto y ahí comprobaremos hasta qué punto un conflicto entre dos personas puede resultar catártico y puede reforzar vínculos a la vez que romperlos.

-Se comenta en la presentación de esta obra que “es una experiencia teatral intensa y estimulante que examina con profundidad y humor el origen del amor y los límites de la ética…”, ¿estás de acuerdo?, ¿Por qué?

‘El efecto’ es un viaje de emociones, un viaje sensorial. Es una obra en la que tan importante como el texto o la interpretación es la atmósfera creada por una escenografía minimalista y por la música y la luz, que funcionan también como herramientas narrativas. Esto sumerge al espectador en la historia y le permite conectar con las vivencias de los personajes con los que, de alguna forma u otra, todos nos podemos sentir identificados en algo. Al menos, entender cómo se pueden sentir. La obra busca remover al espectador.

-¿Sobre qué otros temas nos habla esta función?

La obra habla de las personas, de la vida. Del amor, de las contradicciones, de la ilusión de la juventud, del miedo a la incertidumbre, del miedo a quitarnos complejos y a ser lo que queremos ser, de aquellos para los que el fin justifica los medios y también de aquellos para los que el cómo es mucho más importante que el qué. Muestra personajes poliédricos y complejos en los que no hay blancos o negros, sino grises, y donde todos somos dueños y víctimas de nuestras decisiones. Es una mirada al interior de las personas.

-¿Tus dos escenas favoritas son…?

La escena en la que Connie y Tristán huyen de ese encierro y empiezan a conocerse más, y la escena final que es desoladora pero lanza un mensaje muy bonito…

-¿Cuáles son los principales motivos por los que aceptaste interpretar este personaje?

Por todos los matices que tiene mi personaje, Connie. Por la complejidad del texto, de la historia. Por Juan Carlos, el director. Y, por supuesto, por mis compañeros que son un reparto maravilloso y con los que aprendo y disfruto cada día en cada función que hacemos.

-¿Es una gran responsabilidad o no subirse a un escenario cuando eres una actriz muy popular?

Subirse al escenario es una gran responsabilidad siempre porque el público está ahí para ver tu mejor versión, ha pagado y está invirtiendo algo mucho más importante que el dinero: su tiempo. Y también tienes un compromiso con tus compañeros de función, que seguro lo darán todo a tu lado. Con esta filosofía y este compromiso he salido siempre al escenario. Y no cambiará nunca sea más o menos conocida porque si un actor o actriz deja que la popularidad le condicione su trabajo, nunca podrá dar lo mejor de sí mismo/a.

-¿Crees que influye positivamente como atractivo para el público?

Influye como reclamo. Al final, en el teatro, como en el cine o como cuando estrenas una serie, es más fácil que el público le dé una oportunidad a algo si conoce a quienes forman parte del proyecto. También puede provocar el efecto contrario, que alguien decida no ver algo por quién está ahí. El ser conocido hace que el público tenga una opinión sobre ti y sobre tu trabajo porque te han visto en otros proyectos. Por eso, yo intento dar siempre lo mejor en cada proyecto.

-¿Qué destacarías de Juan Carlos Fischer como director?

Su olfato por los buenos textos y su intuición a la hora de plantear la puesta en escena. Es un director que apuesta mucho por lo potente que pueda ser el actor/actriz y su palabra, y eso como y te pone en una situación de vértigo que, para mí, es muy motivador cuando haces teatro. Retratos de Javier Naval. Fotografías de escena de Elena C. Graiño. Teatro Marquina. 

-A finales del siglo XVI, tres náufragos sobreviven a duras penas en alta mar a bordo de una barca de salvamento después de que una tempestad destruya la carabela en la que viajaban rumbo al Nuevo Mundo. ¿qué más le puedes contar a nuestros lectores de la historia de esta función?

Se trata de una parodia de “las Crónicas de Indias” al estilo ronlalero: teatro en verso, música en vivo y espíritu de comedia delirante para reflexionar sobre los imperios, las invasiones, la ambición de conquista…

Una aventura a tierras desconocidas, satírica y festiva, para nuestro gran quinteto de actores-músicos.

-¿Cómo describirías a los personajes del capitán Hernán Galán, fray Pío y el marino Fulano, sus tres protagonistas?

Cada uno representa un aspecto de aquel Imperio español en el Nuevo Mundo: Galán busca la gloria, fray Pío las almas y Fulano el oro. Pero la obra esconde sorpresas a la manera barroca: pronto descubriremos que nuestros náufragos no son lo que aparentan… Y, además, contamos en escena con dos Cronistas de Indias que nos van narrando y cantando sus desventuras.

-¿Cuáles son algunas de las escenas más divertidas de “La Desconquista”?

Los tiburones por bulerías, el micromusical de los piratas ingleses, la nana a Felipe II, la pesadilla con el Dios mexicano Huitzilopotchli… y quizá mi preferida: la humilde Patata cantando al son de cumbia sus orígenes andinos, su destierro a Europa y su amor por el Huevo para formar la obra maestra de la gastronomía mundial: la tortilla de patatas.

-¿El público va a poder disfrutar de una obra gamberra, divertida y sarcástica, como es habitual en vuestras producciones?

“La Desconquista” es puro Ron Lalá 100%: humor crítico y cítrico, música popular, texto en verso y juego teatral continuo (como es habitual bajo la batuta de Yayo Cáceres). Prometemos muchas risas, emoción y reflexión en torno a un tema tan candente como las fronteras, el ansia de poder, los estadistas ególatras, las guerras e invasiones. Una visión cómica, carnavalesca y bufonesca de un momento histórico polémico y poliédrico. Porque nos reímos de la leyenda negra y de la leyenda rosa.

-¿Qué tipo de música ambienta este montaje?

La música original, compuesta por Yayo Cáceres, Juan Cañas, Daniel Rovalher y Miguel Magdalena (que es el director musical), e interpretada en directo.

Está basada en la llamada “música de ida y vuelta”, en el diálogo musical entre dos continentes: la rumba, la cumbia, el candombe, el chamamé… y, ¡cómo no!, el aire flamenco que es la marca de la casa.

-Comentáis en la presentación de “La Desconquista” que la función reivindica ese arte escénico que, desde los tablados de plazas públicas hasta los salones de la Corte pasando por los corrales de comedias, ofrecía un espejo festivo y carnavalesco de las costumbres, vicios, tensiones y miedos de la sociedad española durante los siglos XVI y XVII. Explícanoslo…

En Ron Lalá intentamos practicar ese teatro esencial, primigenio, básico, que late en el origen de la comedia barroca: escasos elementos simbólicos para crear lugares y situaciones, texto en verso como poesía activa, empleo teatral de la música y el canto, apuesta por la imaginación del espectador… Para nosotros, que nos seguimos considerando una compañía independiente, la risa del bufón, del cómico de la lengua, conecta la sociedad del XXI con la esencia del arte teatral como crítica del poder. Es una reunión festiva y colectiva para formular preguntas, a veces incómodas.

-Una de las influencias de la obra es el teatro prebarroco, como “los Pasos” de Lope de Rueda y el teatro cortesano de Juan del Enzina o Gil Vicente, entre otros. Y es un espectáculo escrito íntegramente en verso clásico…Pero, ¿es un texto para todo tipo de públicos? 

¡Por supuesto!. Escribimos, componemos y creamos para el público de todas las edades y lugares. Y nos encanta la complicidad con los espectadores de toda España (y otros países) en nuestras giras. Aunque a veces se piense lo contrario (por el tópico totalmente erróneo de considerar que los clásicos son solemnes o aburridos), los poetas dramáticos renacentistas y barrocos son tan entretenidos, diversos y variados como las plataformas de streaming actuales: resultan divertidos, emocionantes, potentes, unas veces sublimes y otras grotescos. Y para nosotros el verso aporta claridad, concisión y potencia expresiva. El verso es el idioma convertido en música, pura síntesis activa, el lenguaje ideal para comunicar emociones, pasiones, sensaciones o sentimientos sobre un escenario.

-Ron Lalá lleva 30 años como compañía de teatro y fomenta un trabajo colectivo de creación entre los actores-músicos, el director y tú como dramaturgo… ¿Dónde crees que está la clave para mantenerse como compañía durante tantos años?

La clave, creo, es el respeto mutuo como personas y como artistas.

Una visión en común da lugar a una creación colectiva de historias y músicas que tienen algo de todos nosotros, y que intentamos compartir con el público. Ron Lalá responde a un modelo cada vez menos frecuente en compañías, bandas y grupos artísticos, una afortunada anacronía: el teatro como arte analógico y colectivo. 

Y otras dos claves: la risa y la plata. Seguimos juntos porque nos reírnos mucho en la sala de ensayos y porque repartimos lo que ganamos a partes iguales.

-¿Por qué sigue siendo importante llevar a escena textos clásicos? ¿De qué temas actuales nos habla este texto que has escrito en particular?

Los clásicos son los jóvenes eternos, los que formulan las preguntas esenciales del ser humano de manera inolvidable. Son nuestros espejos; por eso no mueren, por eso habitan en cada época, por eso en este siglo turbulento resultan tan necesarios. En este caso, nos basamos en los clásicos de la historia y la invención del Nuevo Mundo, las páginas tremendas y fascinantes de viajeros como Colón, Cortés, Díaz del Castillo, Cabeza de Vaca, Las Casas, etc., para elaborar nuestra trama cómica y levantar una Desconquista que cuestiona el afán de poder, la avaricia, la imposición de las creencias a los demás, las fronteras y las identidades.

Fotografías de David Ruiz. Teatro Infanta Isabel.

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-En Abril se celebra el día Internacional del Circo. Tendréis en el Price el espectáculo “Vetus Venustas” de la compañía Cíclicus…

Sí. Es un canto poético al arte escénico del circo y a sus artistas. Es un homenaje al artista joven y al artista no tan joven.  Un espectáculo que pone en valor la experiencia, las nuevas creaciones y el intercambio de conocimiento entre artistas. En la pista habrá también cuatro músicos. Es un espectáculo completo que consigue emocionar al espectador.

-¿En qué consiste el “Mes del Circo y del Libro” del Price?

Abril es un mes en el que varias disciplinas de la cultura tienen su día de reconocimiento internacional.

En el Teatro Circo Price queremos destacar y unir dos de ellas en nuestra pista. Unir el día Internacional del Circo (tercer sábado de abril) y el día internacional del Libro (23 de abril).

“Libro y circo” es una lectura circense de los cuentos clásicos. Un acercamiento al circo a través de la Literatura. Este año está programada la versión de “Cenicienta” de La Fiesta Escénica.

-Esta versión de “Cenicienta” para público familiar reivindica “la capacidad de soñar”. ¿Por qué sigue siendo necesario y en la actualidad, más que nunca, el reivindicar esta capacidad entre los niños?

El circo siempre hace soñar. Es un arte escénico en el que no hay límites, en el que todo es posible con tesón, constancia y disciplina. Es un arte que consigue emocionar a todas las edades, un arte blanco que estimula las emociones más placenteras en el espectador: el asombro, la sorpresa y la alegría.

-Llegaste con mucha ilusión y con mucha fuerza como Dirección Artística… ¿Qué balance haces de estos casi 2 años como directora del Teatro Circo Price? ¿De qué te sientes más orgullosa de tu faceta como Directora?

Llegué con mucha ilusión y fuerza y mantengo esa misma actitud. Amo al Circo. El Teatro Circo Price cuenta con un equipo muy profesional que facilitan la labor. Todavía hay camino por delante para poder hacer un balance pero quizá me sienta orgullosa de haber conseguido, en estos dos años, acercar a nuevos públicos;  demostrar que el circo es un arte escénico dentro del ocio cultural que ofrece la ciudad de Madrid; poner en valor la transversalidad del circo con el resto de las disciplinas culturales: la pintura, la literatura, el cine…Organizamos conferencias, lecturas teatralizadas, proyecciones y coloquios de películas y, además nuestro patio ha comenzado a ser un lugar de exhibición de la obra de artistas plásticos que embellecen este espacio arquitectónico.

-HOP! es una curiosa y divertida visita teatralizada que tenéis programada en el Price desde  2025. ¿Por qué es imprescindible comprar unas entradas para asistir a esta visita?

HOP! es más que una visita teatralizada de domingo. Es diversión, humor, magia, teatro, música en directo e Historia. Los Absurdos Teatro (Patricia Estremera y Alfonso Mendiguchía) son los protagonistas de este paseo por el interior del Circo Price, por los rincones que el espectador no ve. Acompañados de un músico, nos cuentan la historia de este circo, con un nombre que resuena en Madrid desde 1868. Esta iniciativa fue muy bien acogida por el público en 2025 por lo que hemos programado en 2026 una doble función. Animo a todos a que se acerquen un domingo por aquí, disfruten de la profesionalidad de Los Absurdos Teatro y, después, tomen un aperitivo por el barrio de Lavapiés. ¿Hay un plan mejor?…

-Según tu opinión, ¿Qué cualidades tiene que tener un/a artista de circo que llegue al alma del público?

El artista de circo perpetúa los valores que creo que se están perdiendo en la sociedad actual: la disciplina, la constancia, el esfuerzo, el crecimiento, la tolerancia… Y, lo más importante, siempre salen a pista con una sonrisa. Esta actitud tan generosa empatiza con el público y provoca una sensación de bienestar.

-Otra de las grandes apuestas del Price en esta Primavera es el espectáculo “Ícaro” de Daniele Finzi Pasca que se ha representado en muchos países. ¿Qué tiene de especial?

Daniele Finzi Pasca es poesía, humor, talento y profesionalidad. Es uno de los dramaturgos, directores de escena y clown más interesantes del panorama actual. Es la primera vez que viene al Teatro Circo Price con su obra más celebrada el 8 y el 9 de mayo. Además, el 7 de Mayo ofrecerá una conferencia para acercarnos a su “Teatro de la Caricia”.

Y tendremos “Madrid a la carpa”. Es una iniciativa del Price. Habrá cuatro compañías y artistas de Madrid de disciplinas muy diferentes (del 13 al 17 de mayo). El espectador podrá ver acrobacia, fakirismo, ventriloquía, magia, equilibrismo…

-¿Qué sueños te gustaría que se cumpliesen en el resto de la temporada de este año?

Me gustaría que cada fin de semana, vinieran nuevos espectadores a conocer el Teatro Circo Price, uno de los espacios escénicos más especiales de Madrid. Es uno de los pocos Teatro Circo estables del mundo y con una programación muy variada y de calidad.

-Personalmente, ¿Qué artistas o compañías internacionales de circo te gustaría poder traer al Price para que las disfrutase el público de Madrid y de otras Comunidades?

Hay muchas compañías internacionales que me gustaría traer. Muchas de ellas ya han estado en el Teatro Circo Price anteriormente. Hay otras que ya vienen como Circus Baobab que vendrá en mayo. Son 14 acróbatas en pista que dejarán al público con la boca abierta. También me gustaría tender puentes con circos tradicionales. En ese sentido, en Octubre, vendrá una compañía mejicana (con el espectáculo “Gala de circo Atayde”).

-¿Debería haber más programación de Circo en los Teatros y salas de España? ¿Por qué?

El circo es un arte escénico que no te deja indiferente. Es el primer arte escénico que visitamos desde niños.. Es un arte que está en continua evolución. No cesa, es incansable. Animo a los Teatros a preparar sus espacios para acoger circo en su programación. Es una apuesta segura para sorprender al público. ¡Cuantos más espacios programen circo, mejor para todos!. Teatro Circo Price.

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