«El hilo argumental que unirá a gran parte de las obras será el amor, el deseo y sus laberintos presentes», según ha comentado Benjamín Sevilla Herrán, el codirector del Festival.

En la Corrala del Palacio del Caballero y en el Centro de Artes Escénicas San Pedro, sus dos espacios escénicos principales, se podrán ver trece espectáculos, fruto de una selección cuidadosa de las propuestas que ofrecen las principales compañías del género.

Lope de Vega será el invitado principal en esta edición, como no podía ser menos para celebrar un número tan redondo en la Villa del Caballero. Y no hay mejor manera de arrancar que con la puesta en escena de El caballero de Olmedo, llevada a escena por la CNTC y dirigida por Laila Ripoll.

Otros dos espectáculos de Lope, La dama boba (de Octubre Producciones, con versión de Xus de la Cruz y dirección de Josep María Mestres) y La vengadora de las mujeres (una versión de Alfonso Plou y María López Insausti y dirigida por Carlos Martín), darán testimonio del dominio de todos los registros trágicos, dramáticos y cómicos del conocido en su época como el Fénix de los Ingenios.

No faltará el otro grande de la escena española, Pedro Calderón de la Barca, en su faceta de prodigioso urdidor de cómicos enredos. Y pocos son tan magistrales como los de Casa con dos puertas (de Verbo Producciones).

Pero estarán también Cervantes (El retablo de las maravillas de El Joglars en versión de Albert Boadella y Ramon Fontserè y dirigido por Boadella)

Rojas Zorrilla (Entre bobos anda el juego. De Morboria Teatro), Moreto (El lindo don Diego de Mic Producciones, en versión de Fernando Sansegundo y dirección de Borja Rodríguez) o Claramonte (a partir de su obra «La estrella de Sevilla», se representará una versión de la compañía Elprecio delpeine & Arena Teatro y Danza, bajo la dirección de María Rodríguez).

La cuota internacional no puede estar mejor representada que por Shakespeare (Timón de Atenas. Una producción del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y Bombonera, en versión de Joaquín Hinojosa y Hernán Gené) y Molière (Don Juan en los infiernos. De Teatro Cheymoche).

La vigésima edición hará posible una vez más algo que es uno de los puntos fuertes del Festival: la concentración de sus actividades, con horarios que permiten que en diez días se pueda asistir a los trece espectáculos. A los que acompañarán otras propuestas (y es también una de sus señas de identidad), como el curso de interpretación especializado y las Jornadas sobre teatro clásico, con participación de primeras figuras de los distintos campos, en esta ocasión para tratar de las relaciones de los clásicos con el cine, con el mundo digital o con la educación.

Del 17 al 26 de Julio. Olmedo (Valladolid).

¿Quiénes somos cuando la imagen del espejo tan sólo nos devuelve miedo y vergüenza? ¿Qué queda de nosotros mismos cuando todo lo que creemos ser parece insuficiente? Son algunas de las preguntas que, según Javier Hernández-Simón, su director y coadaptador (junto a Ignacio del Moral), le plantea al público esta función. Hablamos con el actor Fernando Cayo que interpreta a uno de los protagonistas de esta emocionante obra.

-¿Cómo describirías a Santa?

Santa representa al tipo que, al quedarse sin empleo, todavía está en una actitud de resistencia. Es el tipo incombustible, que mantiene el calor de la amistad en la cuadrilla de amigos.

Tiene un gran sentido del humor, muy alegre, tiene muchas carencias personales, y muchos claroscuros. Quiere ser muy fuerte pero, al mismo tiempo, está muy tocado emocionalmente por la injusticia y la vida que están viviendo y el lugar en el que les ha colocado este sistema. Es un tipo que une al grupo, que acoge y que pone sentido del humor a todo. Aunque, interiormente, está muy tocado.

-¿Qué crees que simboliza Santa en el desarrollo de la función?

La resistencia. Es el “¡no nos moverán!”. Es el tipo que dice “¡yo no me rindo. Seguimos hasta el final. Habrán ganado pero no nos domaron!”.

Representa el espíritu de lucha.

-Esta función habla de “la importancia de estar unidos en los momentos difíciles, de intentar salir adelante pese a estar en el paro después de un despido industrial…”¿De qué otros temas nos habla?

Nos habla de cómo nuestra vida laboral determina todas nuestras relaciones. En la sociedad el trabajo es muy importante. Pero también nos coloca en el borde de lo robótico. Somos personas. De ser conscientes de esto. De tener autoestima.  Y nos habla también de estos procesos de adaptación cuando hay despidos masivos.

De las desigualdades sociales. Porque, a veces puedes adaptarte a los cambios y a veces no. Hay personas que no se pueden adaptar por sus circunstancias, por lo que les rodea…Habla de tener esperanza…

-Según Javier Hernández-Simón, el director de esta función, “Los lunes al sol” nos ofrece una esperanza, una línea en el horizonte para ayudarnos a seguir caminando; al menos ganar una batalla, por pequeña que sea, para demostrarte que sigues existiendo…. ¿Qué añadirías?

El gran mensaje de la obra es la importancia de estar juntos en los momentos difíciles, de tener empatía. El ser conscientes de que formamos parte de un grupo aunque, a veces, nos sintamos muy solos. Siempre formamos parte de grupos. Y también hay que recordar que vivimos en un país muy solidario y nuestra capacidad de solidaridad es máxima.

-¿Qué crees que diferencia esta función de la película homónima?

La película tiene un aroma de melancolía, de soledad, de cercanía.

La función de teatro es muy divertida, tiene mucha energía, mucho ritmo y el diseño de personajes es diferente. El reparto es muy compacto. Genera un impacto en el público. El público nos ha comentado durante esta gira de más de dos años que llevamos que “A los tres minutos me he olvidado de que existe la película con el mismo nombre”.

Es distinta. Tiene una impronta energética de sentido del humor durante toda la obra.

-¿Cómo describirías a Ana y Nata, los personajes femeninos de esta obra que interpretan Lidia Navarro y Mónica Asensio? Preséntaselos a nuestros lectores…

Los personajes femeninos son el rayo de luz. Los hombres están inmersos en una montaña de oscuridad.  Ellas están con la mirada puesta en el futuro, en el salir de allí. Están fuera del problema. Es una mirada externa tan necesaria…

-En la presentación de la función se dice que “la obra nos plantea preguntas sobre la justicia social y el sistema laboral contemporáneo, invitándonos a reflexionar sobre las desigualdades en nuestra sociedad…” ¿Qué añadirías al respecto?

Nos pone delante un espejo que nos dice que nuestra vida laboral no es lo único. Somos mucho más que trabajadores. Somos personas, amigos, familia, pareja y, después  de todo eso, somos trabajadores.

-Si tuvieras que elegir varias escenas de tu personaje… ¿cuáles serían?, ¿por qué?

Hay una escena en la que se explica lo que suponía el antes del despido, cuando ellos empezaron a trabajar. Y se recuerda que cada uno daría la vida por el otro. Y me gustan mucho las escenas grupales, con muchos chascarrillos. Y también cuando Santa defiende el estar juntos, más allá de las vicisitudes.

-¿El humor de esta versión reside en los diálogos entre los personajes? ¿Por qué es también divertida esta función?

En la película había mucho humor. Bebía del cine social italiano y de la comedia inglesa. Creo que hacer una crítica social desde el humor es fundamental. Los personajes son contradictorios, defienden unas cosas y luego hacen otras. Es una función muy divertida. Y los diálogos de besugos que tienen entre ellos son fantásticos.

-Llegáis a Madrid este mes pero ya habéis representado esta función en otras ciudades, en la gira… ¿Por qué crees que se sienten identificados con los personajes muchos de los espectadores que ya han visto esta función?

Después de dos años de gira a teatro lleno tenemos claro que los espectadores se sienten identificados con esta función.  Es muy emocionante, con mucha crítica social. Es un clásico contemporáneo.

-¿Qué destacarías de la escenografía diseñada por Ricardo Sánchez Cuerda?

Ricardo es un maestro de la escenografía. Destacaría su plasticidad y su multifuncionalidad.

Es un espacio muy evocador, con mucha poesía. Se transforma en muchos ambientes, también gracias a la maravillosa iluminación creada por Juan Gómez Cornejo e Ion Aníbal.

Y termina: “Esperamos en los Canal, con el corazón abierto, al público madrileño”.

Completan el elenco Marcial Álvarez, Mónica Asensio, Fermí Herrero, Fernando Huesca, Lidia Navarro, César Sánchez y José Luis Torrijo.

Una producción de GG Producción Escénica y Teatro del Nómada. Teatros del Canal. 

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El legado de la Generación del 27

Destaca la conmemoración del centenario de la Generación del 27 con nombres como Charo López, Pedro Casablanc o Juan Echanove. Este homenaje recorrerá distintas modalidades de las artes escénicas: desde la danza, con una nueva producción del Ballet Español de la Comunidad de Madrid en torno a La Argentinita, hasta el teatro, con títulos como Yerma y Las hijas de Bernarda, además de una producción propia vinculada a la figura de Rafael de León.

En el apartado de danza sobresalen importantes compañías como Kidd Pivot, Sydney Dance Company, la Compañía Nacional de Danza y el Ballet Español de la Comunidad de Madrid, que estrenará tres nuevas producciones: Nascencia, Cibeles, el ritual y La Argentinita. El eco de los pasos. Reunirá además a destacados intérpretes y coreógrafos como Olga Pericet, Manuel Liñán, David Coria, Sharon Fridman, Blanca Li y Crystal Pite, junto con la Compañía Antonio Gades.

Paula Iwasaki es la protagonista de esta producción del Teatro Español y Nao d´amores. Una versión de la obra de Valle-Inclán dirigida por Ana Zamora que, al cierre de esta edición, se seguía ensayando.

-¿Cómo describirías a tu personaje?¿Cómo es en esta versión?

Interpreto a la reina Isabel II a través del filtro del esperpento, del teatrillo del guiñol, de la caricatura de la chirigota y del tablado de fantoches.

En esta versión (según el propio Valle Inclán) “la comadre se ríe feliz y carnal de todo y de todos.”

-En la presentación de esta función se comenta que “En un Madrid de sainete y miseria, Isabel II y su corte desfilan como figuras ridículas, atrapadas en un mundo de corrupción, farsa y doble moral…”¿Qué añadirías?

Dice Ana Zamora que Valle Inclán podría ser considerado como el padre del teatro documento en España o quizá del teatro documento a la española.

Los personajes de esta obra son un retrato sórdido y muñequizado de la cara más corrupta y miserable de la sociedad. El público asistirá a la degradación y perversión de un gobierno nacional a través del humor descarnado, de canciones populares y de una atmósfera carnavalera en la que cada uno de los personajes acaba descubriéndose como una marioneta más dentro de un sistema frívolo y grotesco

-Según Ana Zamora, “La obra nos presenta una serie de hechos, más o menos documentados históricamente, desde una convención escénica absolutamente guasona, constituyendo una crítica feroz del reinado de Isabel II…”¿Qué añadirías sobre la historia que narra “Farsa y licencia…?

Valle Inclán no solo denuncia la corrupción del individuo que ostenta el poder, sino que se burla de una sociedad regida por los instintos más frívolos, sucios y primarios. La acción de la obra gira en torno a la aparición de unas cartas escritas por Isabel II a uno de sus amantes y cómo sus allegados y cargos importantes de la corte se mofan de la señora, se pisan entre ellos y urden todo tipo de tramas conspiranoicas para venderlas y sacar algún rédito de la incontinencia epistolar de la reina.

-¿Cómo describirías brevemente al resto de los personajes?

En “Farsa y licencia de la reina castiza”  aparecen todo tipo de personajes populares del Madrid del siglo XIX. Hay casi veinte personajes que entran y salen de escena, confabulan, se ríen de los poderes políticos y también los temen.

Aparecen los típicos manolos y manolas del imaginario castizo y popular, el general Narváez como el Gran Preboste, diversos amantes del rey y la reina, el rey Francisco de Asís, la infanta Francisca (abuela de ambos monarcas porque eran primos hermanos), las damas de su cámara real…

A estos personajes les darán vida Miguel Ángel Amor, Alejandro Pau, Aisa Pérez, Rafael Ortiz e Isabel Zamora.

-Si tuvieras que elegir varias escenas de tu personaje… ¿cuáles serían?, ¿por qué?

En la obra interpreto a la reina Isabel II y también a la infanta Francisca, a la que Valle describe como una bruja de entremés.

Los dos son divertidísimos y pasan por todo tipo de situaciones surrealistas y grotescas… Es difícil elegir un solo momento de la función.

Las escenas que más disfruto son las corales, en las que el esperpento se dispara y todos los personajes aparecen a la vez en escena. Hay un momento de la función en el que aparecen como diez personajes en escena y somos solo cinco actores…

-¿Por qué fue Valle-Inclán un visionario ya cuando escribió esta función?

Porque la corrupción, las estrategias políticas, los instintos primarios y la picaresca no entiende de épocas, culturas, ni géneros.

Y porque la obra podría ser perfectamente un meme caricaturizando la sátira política de nuestro tiempo.

-¿De qué temas actuales nos habla esta función?

En la actualidad estamos normalizando la corrupción como costumbre nacional y a los dirigentes políticos como caricaturas de sí mismos. El autor entendió que el esperpento no era solo una estética teatral, sino una forma muy española de mirar y sentir, entonces y ahora, la realidad en la que vivimos.

Completan el equipo artístico: Vicente Fuentes (Voz y palabra), Víctor Pliego de Andrés (en la Dirección musical),  Deborah Macías (como diseñadora de Vestuario).

El espacio escénico y trabajo de objetos es una creación de David Faraco y el diseño de la Iluminación es una creación de Juan Gómez Cornejo.  Retrato de Javier Naval. Fotografía de Javier Naval.

Teatro Español  (Sala Margarita Xirgu). 

Laila Ripoll ha destacado que el legado de estas cuatro décadas es “una institución consolidada y sólida que ha sabido tender un puente entre el pasado y el presente, convirtiendo nuestros textos clásicos en teatro profundamente contemporáneo”. Su propuesta para la nueva temporada se ancla en “seguir alternando títulos del repertorio con otros nunca representados, afianzando y descubriendo, mezclando el verso y la prosa”, así como apostando por nuevas voces, por la interdisciplinaridad, y por el apoyo a la producción de compañías periféricas y a aquellas de dilatada trayectoria.

PRODUCCIONES PROPIAS Y COPRODUCCIONES 

La próxima temporada se inaugurará con El caballero de Olmedo, de Lope de Vega, con versión y dirección de Laila Ripoll, y producida por la CNTC. La pieza es, según Laila, “uno de los textos más poéticos de nuestro Siglo de Oro, anticipa el universo del héroe romántico y destaca por su modernidad». Podrá verse en el Teatro de la Comedia del 24 de septiembre al 22 de noviembre.

La segunda producción propia de la temporada abordará otra obra de Lope: El amor enamorado, con versión de Brenda Escobedo y dirección de Marta Pazos, que dirigirá a la Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico. “Un juego escénico donde lo divino y lo humano conviven en un mismo pulso que trasladará los versos de Lope a su particular lenguaje escénico y plástico», ha comentado Marta. Será en la Sala Principal, del 18 de marzo al 9 de mayo de 2027.

Por su parte,  el elenco de la Joven CNTC participará en otro montaje de carácter transdisciplinar. Una partitura de Juan Hidalgo, considerado el padre de la ópera y la zarzuela en español, y un texto de Calderón de la Barca de temática mitológica se funden en una propuesta que combina teatro áureo y música antigua desde una visión contemporánea. Andrómeda y Perseo es una coproducción de la CNTC junto con el Teatro de la Zarzuela y la Fundación Juan March, con versión de Álvaro Tato, dirección de Nuria Castejón y dirección musical de Aarón Zapico. Se estrenará el 30 de septiembre en la sede madrileña de la Fundación Juan March y llegará a la Sala Principal del Teatro de la Comedia el 4 de diciembre.

La Sala Principal acogerá también, del 4 al 21 de febrero de 2027, un tercer Lope: El anzuelo de Indias, una versión de El anzuelo de Fenisa a cargo de Luis O’Malley, en colaboración con Ruth Sánchez y Mario Vega, y dirigida por este último. “Una relectura caribeña, feminista y revolucionaria donde la sororidad se vuelve estrategia de resistencia y espejo de nuestro presente”, producida por la CNTC junto con el Teatro Pérez Galdós, Barco Pirata Producciones Teatrales y unahoramenos producciones.

Junto con la veterana compañía sevillana Atalaya, la CNTC coproducirá El Libro de buen amor, de Juan Ruiz, Arcipreste de Hita, que acogerá la Sala Principal del 20 de mayo al 6 de junio de 2027. La versión y dirección de Ricardo Iniesta de este gran clásico de la literatura medieval reivindica, según sus palabras, “el carpe diem frente a la religiosidad imperante y sitúa en primer plano la emancipación de la mujer y el libre albedrío frente al orden establecido”.

En coproducción con la compañía portuguesa Terra Amarela, con la que el director Marco Paiva atesora una consolidada trayectoria de teatro inclusivo, la CNTC estrenará Jardín de flores curiosas. Una dramaturgia de Magda Labarga a partir de textos renacentistas y barrocos que propone “una miscelánea de prosa y verso”, “una performance barroca” que mezcla “las palabras con lo imposible de decir” y que acogerá la Sala Tirso de Molina del 1 al 18 de abril de 2027.

COMPAÑÍAS INVITADAS

Una de las compañías invitadas esta temporada será El Vodevil, fundada por Pepe Viyuela y Elena González. Del 21 de enero al 21 de febrero, la Sala Tirso de Molina albergará su producción Guitón Onofre. El pícaro perdido, obra basada en la novela picaresca de Gregorio González y adaptada por Bernardo Sánchez y Pepe Viyuela. Luis d’Ors dirige una divertida puesta en escena protagonizada por Pepe Viyuela y acompañada musicalmente por Sara Águeda.

La joven dramaturga Aurora Parrilla firma Tinta y mujer, el oro de un siglo, donde da voz a autoras femeninas de esta época, como María de Zayas, Feliciana Enríquez de Guzmán, Leonor de la Cueva o Sor Juana Inés de la Cruz. Una producción de Prodigio Teatro con la dirección de David Boceta que se podrá ver en la Sala Tirso de Molina del 5 al 21 de marzo de 2027.

A finales de la próxima temporada, del 29 de abril al 9 de mayo, la Tirso de Molina acogerá también el estreno de La jácara de los cuerpos imposibles, un ‘cabaré sicalíptico’ escrito por Ruth Rubio e hilvanado por escenas de autores y autoras del Siglo de Oro. Con dirección y coreografía de Alberto Velasco, vendrá precedido por un taller de investigación escénica destinado a personas LGTBIQ+ mayores de 60 años, con o sin experiencia en escena, con quienes se trabajará en la performatividad de género que ha servido de base para el montaje.

MÚSICA Y TEATRO PARA PÚBLICO FAMILIAR

La música estará muy presente a lo largo de toda la temporada en la CNTC, comenzando por un Concierto de Navidad muy especial: el 19 y 20 de diciembre, el célebre músico Jordi Savall nos deleitará con sus Folías antiguas y criollas, donde conecta la tradición musical del Viejo y el Nuevo Mundo acompañado por una increíble orquesta en la que participan miembros de la Capella Reial de Catalunya, de Hespèrion XXI y del Tembembe Ensamble Continuo.

Del 27 al 29 de noviembre, la Sala Tirso de Molina acogerá la propuesta Ana por Ana. Barroco a compás flamenco, de Histrión Teatro. Con dramaturgia y dirección de Paula Rodríguez, la cantaora Ana Mar y el guitarrista Antonio de Quero reviven el legado de Ana Caro de Mallén, destacada dramaturga y poeta del Siglo de Oro, a través del lenguaje universal del flamenco.

Y también podremos volver a disfrutar del aclamado montaje El rey de la farándula, un “cabaré barroco y provocador” creado, dirigido e interpretado por Ángel Ruiz y acompañado por el músico Bru Ferri. En la Sala Tirso de Molina del 5 al 22 de noviembre.

Volverá también al Teatro de la Comedia otro montaje muy celebrado: Farra, un espectáculo familiar coproducido por la CNTC y la Compañía Lucas Escobedo que se estrenó en enero de 2025 en el Clásico y que supone una fiesta de teatro, música y circo para todas las edades. Estará de nuevo del 7 al 24 de enero de 2027.

El público familiar podrá disfrutar, una temporada más, del espectáculo ganador del certamen Barroco Infantil del Festival de Almagro. Así, del 18 de diciembre al 3 de enero, la Sala Tirso de Molina acogerá la versión de Hamlet de la compañía asturiana Guayominí Producciones, un juego teatral, musical y participativo pensado para acercar a Shakespeare al público más joven.

OTRAS ACTIVIDADES Y UNA EXPOSICIÓN DE ANIVERSARIO

Entre las actividades destacan el proyecto pedagógico Préstame tus palabras, que desde su creación en 2015 sigue acercando el valioso patrimonio clásico a los estudiantes de institutos de toda España a través de la interpretación y el entusiasmo de la Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico; o las actividades de mediación, que este año ofrecerán el citado taller para personas LGTBIQ+ mayores de 60 dirigido por Alberto Velasco, así como un taller de música urbana que acercará el Siglo de Oro a menores en riesgo de exclusión, invitados a traducir el verso clásico al lenguaje del rap o del hip hop.

Además, esta temporada la CNTC volverá a salir de gira con El caballero de Olmedo, con otras coproducciones y con el nuevo proyecto Versos a viva voz. Recital de flamenco y poesía del Siglo de Oro; y continuará enriqueciendo su colección editorial con nuevas publicaciones de los textos de la temporada, con los Cuadernos de Teatro Clásico y con los cuadernos pedagógicos ligados a los estrenos.

Dentro del marco de celebración de las cuatro décadas que cumple en 2026 la Compañía Nacional de Teatro Clásico, cuya historia está narrando a través de la campaña «40 años, 40 voces», el Teatro de la Comedia acogerá la exposición Lope para todos, un recorrido que recoge la evolución de la CNTC a través de los montajes de textos de Lope de Vega a lo largo de estos últimos cuarenta años. Una exhibición comisariada por Cristina Santolaria y que recopila desde figurines a diseños de escenografía, pasando por elementos escenográficos o carteles, músicas y fragmentos audiovisuales. La muestra estará en el Teatro de la Comedia del 1 al 25 de octubre.

Esta nueva temporada, la CNTC renueva su compromiso de continuar implementando cada vez más medidas para contribuir a la inclusión y a la accesibilidad de forma transversal en la institución, un trabajo que se está realizando de manera armonizada con todas las unidades del INAEM bajo el paraguas del Plan Integral de Inclusión en las Artes Escénicas y la Música recientemente puesto en marcha por el Ministerio de Cultura.

Y la CNTC ha renovado su acuerdo de colaboración con el Museo Nacional del Prado para nutrirse del valioso patrimonio que custodia la pinacoteca y fusionar el legado teatral con el pictórico de nuestros artistas clásicos en los carteles de la temporada.

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Durante dos semanas, el festival recorrerá autores y épocas que van desde la tragedia griega al siglo XX, y se escucharán las palabras de Lope de Vega, Cervantes, Molière, Juan Ruiz de Alarcón, Lorca, Machado, Emily Dickinson, Gloria Fuertes, María Moliner, Miguel Hernández, Sor Juana Inés de la Cruz o Shakespeare.

La programación cuenta con ocho propuestas de compañías y creadores procedentes de distintas comunidades, además de una propuesta internacional llegada de Nueva York.

El festival arrancará el lunes 6 de julio en el Paseo Marítimo de la ciudad con Cabinas literarias, una propuesta de Proyecto Cultura. La instalación, formada por tres cabinas telefónicas inglesas, invita al público a escuchar textos de Shakespeare, Emily Dickinson, Lorca, Machado o Gloria Fuertes en las voces de intérpretes como Ana Fernández, Rafael Álvarez ‘El Brujo’ o Pedro Casablanc. Esta experiencia sensorial propone detener el ritmo cotidiano y reconectar con la literatura.

Este año el Patio de Armas resonará con ecos de la antigua Grecia, gracias a Jasón y las furias.

El Siglo de Oro tendrá un peso destacado gracias a propuestas como la comedia de Lope La dama boba, una revisión de un mito (Don Juan en los infiernos), la fascinante historia de Catalina de Erauso (La monja alférez), una conversación entre dos canes (Palabra de perro) y un homenaje a las compañías de cómicos (La trova de Buena Saña). Finalmente, el viaje llegará al siglo XX con Doña Rosita la soltera de Lorca.

En su apuesta por la creación contemporánea, dos de estas propuestas son coproducciones del festival: Palabra de perro, junto a Lantia Escénica, con texto de Juan Mayorga; y La trova de Buena Saña, junto a La Jalea Teatro, una propuesta vinculada a la creación joven e inspirada en las compañías de cómicos del Siglo de Oro.

Además, como en años anteriores, habrá una actividad creada especialmente para jóvenes: la cuarta edición del Taller Pepe Monleón de Periodismo Joven. Del 6 al 18 de julio. Peñíscola (Castellón).

La obra fue escogida para una representación a beneficio del actor Antonio de Guzmán y su éxito fue tan apabullante que, por primera vez en la historia de nuestro teatro, el autor tuvo que salir a saludar al finalizar la representación. Catorce años más tarde, el texto trasciende nuestras fronteras y Giuseppe Verdi encarga su adaptación para componer la música de «Il Trovatore», una de sus más brillantes óperas.

Según la compañía, «¿Verdi o García Gutiérrez?… Nuestra dramaturgia se apoya en las noticias que se escribieron sobre el estreno de «El Trovador» difundidas por escritores tan importantes como Mariano José de Larra o Benito Pérez Galdós , así como en la pugna por los derechos de propiedad intelectual generada por el estreno de la ópera verdiana en Madrid veinte años después. La recuperación del material musical que acompañó a la pieza teatral original y que hasta hoy se desconocía se vuelve a poner en escena 190 años después de su estreno para hacer justicia al autor español que quedó eclipsado por el furor verdiano vivido en nuestro convulso siglo XIX español.»

Del 9 al 19 de julio. Teatro Fernán Gómez CCV. 

Más de 100 funciones llevarán las artes escénicas a municipios como Moralzarzal, Navacerrada, Orusco de Tajuña, Patones de la Sierra, Canencia, Colmenarejo o Torrejón de Velasco. De esta forma, la Comunidad de Madrid mantiene su compromiso de acercar la cultura en vivo a todos los rincones de la región más allá de la capital, contando con artistas y compañías como Alodeyá, Corral de García, Sara Calero, Proyecto Tránsito o La Fábrica de Sueños.

El ciclo Artes Escénicas en Municipios comenzará el 3 de julio con una programación que llenará plazas, calles y espacios públicos de la Comunidad de Madrid con propuestas escénicas para todos los públicos.

El arranque correrá a cargo de la compañía Titiriteros de Binéfar con su espectáculo El abrazo. Es una formación con una larga trayectoria desde 1975 que ha llevado su trabajo de títeres y música a escenarios de todo tipo, con una propuesta artística pensada para públicos de todas las edades. Tras su primera función en Ambite, el espectáculo continuará su recorrido por la región con representaciones el 4 de julio en Colmenarejo y el 5 de julio en Pozuelo del Rey.

El viernes 3 de julio se sumarán artistas y compañías como Minusmal, Nando Caneca, La Roca Producciones y La Canica, que aportarán diversidad de lenguajes escénicos con propuestas de títeres, circo, teatro gestual, teatro vivo y música. Estas propuestas continuarán durante el primer fin de semana, del 4 al 5 de julio, animando plazas y rincones de localidades como Piñúecar-Gandullas, Cadalso de los Vidrios, Belmonte de Tajo y Campo Real.

Hasta el 30 de agosto, el ciclo Artes escénicas en municipios acercará a las plazas y espacios públicos de la Comunidad de Madrid propuestas variadas que combinan circo, teatro y títeres para todos los públicos. Como broche final de las actuaciones, Colmenar de Oreja acogerá la propuesta de la bailarina y coreógrafa Sara Calero con su espectáculo Intangible o la mujer que quiso ser hombre, uno de los principales referentes actuales en la renovación de la danza española y el baile flamenco. Premiada en el Certamen Coreográfico de Madrid y reconocida como Premio Revelación en el Festival de Jerez, Calero parte de una sólida formación clásica y ha construido un lenguaje propio que combina tradición y contemporaneidad.

Las artes escénicas también se extienden a los centros culturales de la Comunidad de Madrid, reforzando una programación que combina teatro clásico, propuestas contemporáneas y nuevas dramaturgias en distintos espacios escénicos de la región. En este marco, el Centro Comarcal de Humanidades Sierra Norte acogerá títulos como La monja alférez, de Juan Ruiz de Alarcón, en el Real Coliseo Carlos III de San Lorenzo de El Escorial, y El Lazarillo y las cosas del comer, de Sol y Tierra y Teatro Percutor.

La programación se completa con la actividad de los centros culturales Paco Rabal y Pilar Miró, que a lo largo del mes de julio ofrecerán una variada selección de espectáculos que abarcan desde nuevas dramaturgias hasta revisiones de textos clásicos. De esta forma, el festival refuerza su compromiso de acercar las artes escénicas a públicos diversos en distintos puntos del territorio.

Los primeros días del festival también acogerán una nueva edición de 1, 2, 3… ¡Performa!, una propuesta de arte vivo dirigida a público infantil y familiar en la que se plantea un acercamiento lúdico, participativo e inmersivo al arte de acción y la performance contemporánea. A través de cuatro estaciones performativas, los más pequeños podrán experimentar distintas formas de activar el movimiento, la percepción y la relación con el espacio a partir de instrucciones visuales, extensiones del cuerpo, dinámicas colectivas y ejercicios de equilibrio compartido.

El ciclo comenzará el 1 de julio en Sevilla la Nueva y continuará el 2 de julio en San Martín de la Vega, invitando a niños y familias a descubrir nuevas formas de creación y expresión artística.