La Gaviota. “Ama el arte en ti y no a ti en el arte” ha dicho el gran Stanislavski, pero los tiempos que vivimos cruelmente empujan a la juventud a la desesperación, son tiempos extremos, o todo o nada. Y, al no poder tener todo, inmediatamente se quedan con nada. Pero ¿Qué es todo y qué es nada?. Unos conceptos falsos que secuestran a la juventud de sí mismos. La realidad hace esta obra tremendamente actual para evidenciar que, bajo la presión de la sociedad, nace esta incapacidad de los jóvenes de distinguir entre la verdad y la mentira, entre el bien y el mal, entre lo justo y lo injusto. Nadie pondrá la verdad en tu mente, es algo que tienes que descubrir por ti mismo. Si no te permites equivocarte te conviertes en una réplica de la mente de otra persona. Esta obra pretende aliviar la difícil situación de la juventud con nuestra compasión y comprensión. La juventud presionada por la sociedad hacia los resultados y no hacia la experiencia vital de la vida.», comenta Irina Kouberskaya, su directora. Con Catarina de Azcárate, Kike Lafuente, Miguel Ribagorda, Candelaria de la Serena o Virginia Hernández, Alejandra Navarro o Inma Barrionuevo, entre otros/as actores/actrices. Autor: Chéjov + Chéjov.

Volvemos a publicar la entrevista que le hicimos con motivo del estreno de esta función que ahora vuelve a Madrid.

-¿Cómo les contarías a nuestros lectores la historia de esta función?

Es un viaje entre lo que decimos ser y lo que realmente somos; entre lo que decimos querer y lo que queremos de verdad. Connie y Tristán, dos jóvenes muy diferentes que se prestan a participar en un ensayo clínico con un medicamento. A medida que avanzan los días, bien por efecto del medicamento, bien por las circunstancias del propio ensayo o bien por lo que uno produce en el otro, tanto Tristán como Connie comenzarán a ser personas bien diferentes a las que vemos en un primer momento. Quizá su verdadera versión de cada uno. Y, además de ellos, los dos médicos, que también muestran una fachada que se desquebraja a medida que la historia transcurre y se descubren antiguos sucesos del pasado.

-Preséntanos a Connie, tu personaje…

Es una chica que aparenta seguridad, que sabe lo que quiere y que parece que pisa fuerte. Hace lo que tiene que hacer, lo que se espera de ella. Es disciplinada y no se plantea que las reglas se puedan romper porque es de la clase de personas que cree que una norma es buena per sé, que si están es por algo. Pero Connie encierra muchas contradicciones; y entrar a formar parte de este ensayo clínico la colocará delante de un espejo que la obligará a tener que afrontar esas contradicciones, y en ese ensayo entrará en contacto con personas que despertarán en ella sentimientos inesperados e, incluso, desconocidos.

-¿Qué relación mantiene Connie con sus médicos supervisores, interpretados por Alicia Borrachero y Fran Perea?

Al principio, de confianza. En especial con el personaje de Alicia. Connie es una chica disciplinada y por ello sigue a rajatabla las instrucciones del ensayo y confía plenamente en lo que le pide la doctora, a quien posiblemente incluso la vea como un modelo a seguir. Pero la propia evolución de Connie provocará la evolución de la relación con los médicos. Aparecerá el conflicto y ahí comprobaremos hasta qué punto un conflicto entre dos personas puede resultar catártico y puede reforzar vínculos a la vez que romperlos.

-Se comenta en la presentación de esta obra que “es una experiencia teatral intensa y estimulante que examina con profundidad y humor el origen del amor y los límites de la ética…”, ¿estás de acuerdo?, ¿Por qué?

‘El efecto’ es un viaje de emociones, un viaje sensorial. Es una obra en la que tan importante como el texto o la interpretación es la atmósfera creada por una escenografía minimalista y por la música y la luz, que funcionan también como herramientas narrativas. Esto sumerge al espectador en la historia y le permite conectar con las vivencias de los personajes con los que, de alguna forma u otra, todos nos podemos sentir identificados en algo. Al menos, entender cómo se pueden sentir. La obra busca remover al espectador.

-¿Sobre qué otros temas nos habla esta función?

La obra habla de las personas, de la vida. Del amor, de las contradicciones, de la ilusión de la juventud, del miedo a la incertidumbre, del miedo a quitarnos complejos y a ser lo que queremos ser, de aquellos para los que el fin justifica los medios y también de aquellos para los que el cómo es mucho más importante que el qué. Muestra personajes poliédricos y complejos en los que no hay blancos o negros, sino grises, y donde todos somos dueños y víctimas de nuestras decisiones. Es una mirada al interior de las personas.

-¿Tus dos escenas favoritas son…?

La escena en la que Connie y Tristán huyen de ese encierro y empiezan a conocerse más, y la escena final que es desoladora pero lanza un mensaje muy bonito…

-¿Cuáles son los principales motivos por los que aceptaste interpretar este personaje?

Por todos los matices que tiene mi personaje, Connie. Por la complejidad del texto, de la historia. Por Juan Carlos, el director. Y, por supuesto, por mis compañeros que son un reparto maravilloso y con los que aprendo y disfruto cada día en cada función que hacemos.

-¿Es una gran responsabilidad o no subirse a un escenario cuando eres una actriz muy popular?

Subirse al escenario es una gran responsabilidad siempre porque el público está ahí para ver tu mejor versión, ha pagado y está invirtiendo algo mucho más importante que el dinero: su tiempo. Y también tienes un compromiso con tus compañeros de función, que seguro lo darán todo a tu lado. Con esta filosofía y este compromiso he salido siempre al escenario. Y no cambiará nunca sea más o menos conocida porque si un actor o actriz deja que la popularidad le condicione su trabajo, nunca podrá dar lo mejor de sí mismo/a.

-¿Crees que influye positivamente como atractivo para el público?

Influye como reclamo. Al final, en el teatro, como en el cine o como cuando estrenas una serie, es más fácil que el público le dé una oportunidad a algo si conoce a quienes forman parte del proyecto. También puede provocar el efecto contrario, que alguien decida no ver algo por quién está ahí. El ser conocido hace que el público tenga una opinión sobre ti y sobre tu trabajo porque te han visto en otros proyectos. Por eso, yo intento dar siempre lo mejor en cada proyecto.

-¿Qué destacarías de Juan Carlos Fischer como director?

Su olfato por los buenos textos y su intuición a la hora de plantear la puesta en escena. Es un director que apuesta mucho por lo potente que pueda ser el actor/actriz y su palabra, y eso como y te pone en una situación de vértigo que, para mí, es muy motivador cuando haces teatro. Retratos de Javier Naval. Fotografías de escena de Elena C. Graiño. Teatro Marquina. 

-Julia Dávila es una mujer elegante y dinámica que brinda un apoyo incondicional a su esposo, Francisco Requena, un político en plena campaña electoral. Llevan 30 años formando una pareja sólida. Su vida, gira en gran parte en torno a Francisco, pero cuando Julia recibe una carta que le anuncia una noticia poco común, toda esa hermosa estabilidad se ve fuertemente sacudida… 

Es una obra que denuncia realidades muy presentes: el machismo, la transfobia, la falta de tolerancia hacia quien piensa o actúa de forma diferente. También habla de la hipocresía y el cinismo de cierta clase política, que presume de valores pero en su vida personal muestra todo lo contrario.

La función reflexiona, además, sobre las diferencias entre cómo amamos las mujeres y cómo aman los hombres. Especialmente aquellas mujeres de cierta edad que crecimos bajo otros códigos: amamos de una manera más incondicional, más generosa mientras que los hombres suelen quedarse en lo más superficial.

-Interpretas a Julia. Descríbenosla.

Es una mujer fuerte, valiente, con carácter.

-La obra nos habla sobre todo de la imposibilidad de tener “estabilidad” en nuestra vida…

También habla de la familia, de la relación con los hijos, de la política, y, sobre todo, es un canto a la tolerancia, a ser mejores, a entender al otro.

Es una comedia muy especial. No es una comedia al uso: no todo el mundo se va a reír sin más. Es una obra que remueve, que puede incomodar, pero que sin duda invita a reflexionar. Estoy segura de que, cuando el público salga del teatro, tendrá mucho de qué hablar, de qué cuestionarse, de qué pensar.

-Pablo Carbonell interpreta a Francisco. ¿Qué tipo de relación mantiene Julia con su marido?

Julia ha sufrido mucho, pero sigue amando profunda e incondicionalmente a su marido, a pesar de las cosas que le duelen o no le gustan de él.

Francisco es todo lo contrario a Julia: egocéntrico, manipulador, político hasta la médula. Cuando aparece ese sobre con una noticia dura y desagradable, todo se viene abajo.

La obra también muestra que aquello que creemos estable, sólido, estructurado (lo que nos da seguridad) puede desmoronarse en un segundo: una carta, una llamada, una revelación… y la vida da un vuelco.

Por eso es tan importante ser honestos con las personas que amamos y no guardar secretos. En cualquier momento puede llegar una situación adversa, y no hay nada peor que los engaños y las mentiras.

-¿Qué tiene este personaje y este texto que te resultó irresistible para volver a escena?

Esta función me resultó irresistible porque Julia es un auténtico bombón de personaje y por todo lo que representa y transmite esta obra.

-¿Qué les dirías a quienes piensan que esta es solo una obra “entretenida, para pasar el rato”?

Es una comedia que habla de cosas muy serias, que te hace pensar. Tiene momentos tan al límite que terminan volviéndose cómicos, pero siempre desde la verdad.

-¿Dónde reside el humor?

En la verdad de los personajes, en la ironía de sus actos y en la distancia que a veces hay entre lo que decimos y lo que realmente hacemos. Es un humor que nace del dolor, de la incomodidad, de esa fina línea entre el drama y la risa que refleja tan bien lo absurdo de la vida.

-¿Qué destacarías de Gabriel Olivares como director? ¿En qué se ha centrado con vosotros?

Según nos ha contado, ésta es la obra número 101 que dirige, así que imaginaos la experiencia que tiene como director de teatro. Además, tiene una vis cómica excelente: cuando nos ha marcado una escena, nos moríamos de risa. He tenido la gran suerte de tener buen feeling y conexión con él desde el principio. Me siento muy cómoda y me siento libre. Gabriel nos ha exigido, pero desde la serenidad y la profesionalidad. La verdad, estoy muy, muy contenta con esta nueva aventura teatral.

Es una producción de Okapi Producciones e Iria Producciones. Teatro Infanta Isabel.

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Hablamos con Ignasi Vidal, autor del texto y director del musical que, además, ahora da vida al escritor Antoine de Saint-Exupéry.

-¿Cómo es Antoine de Saint-Exupéry, tu personaje en esta versión?

Explosivo, inmensamente creativo, y no sólo en su faceta como escritor. Es intenso, comprometido con su tiempo, consecuente con su pensamiento, algo narcisista, arriesgado al extremo, hedonista y muy romántico.

-¿Con qué cuatro adjetivos describirías la personalidad del personaje de El Principito que interpreta Shuarma?

Profundo, sencillo, honesto y bondadoso.

-En este regreso a Madrid, también estás en el escenario…

Soy director, pero no puedo negar que llevo mi faceta como actor dentro. La ventaja es que conozco el texto desde su génesis, porque he creado cada palabra y cada detalle de esta función. Tuve que leer tanto sobre Saint-Exupéry, tanto sus biografías como sus libros, que conozco (o creo conocer) muy al detalle su pensamiento, sus libros y su forma de ser. Es una función que dirigí en su primera versión. Como actor estoy redescubriéndolo como si no hubiera sido yo quien escribió y concibió este espectáculo.

-¿Qué frases del texto de tu personaje destacarías?

Me quedo con: “Se muere por aquello por lo que vale la pena vivir”; “la cordura es, casi, lo opuesto al amor” y “corregir es mi oficio, escribir lo dejo para los vanidosos que se creen perfectos”. Porque estas frases tienen un trasfondo contundente, pero son de una sencillez total. La primera encierra toda una ideología relacionada con su militancia en el humanismo radical. La segunda es la muestra de su alma impulsiva, pasional y aventurera. La tercera representa la lucha de un hombre excepcional por mantener una humildad que le ate al mundo.

-¿Cuáles son los temas de los que nos habla “Antoine. El musical”?

Los males que asolaban a la sociedad de su tiempo que aún hoy siguen vigentes; la creatividad como credo de carácter religioso en la que vivía instalado; el amor al prójimo y la solidaridad como única forma de vivir en armonía.

-La banda sonora (que es original) ha sido compuesta por Shuarma, del grupo Elefantes. ¿Qué tipo de música ambienta la historia?

Quién conozca y aprecie el maravilloso legado de Elefantes (una de las bandas más particulares de los últimos 30 años en España) disfrutará de esta función. Quien no lo conozca, descubrirá la magia que atesora Shuarma como compositor.

-Elige dos de los temas musicales de la obra. ¿Por qué los consideras importantes?

Toda la parte final del primer acto. El tema central, “millones de estrellas” y “Será tan divertido”, aunque me gusta toda la música que ha compuesto Shuarma.

El elenco también lo forman Beatriz Ros, que interpreta a Consuelo Suncín, figura clave en la vida del autor; Víctor Ullate Roche, quien asume múltiples personajes como el Teniente, Henri Guillaumet, el Zorro, Benjamín, el Rey y el Guardaagujas; Carlos Seguí, en los roles de Eugène Reynald, el Hombre de negocios, el General Gravoile y el Geógrafo; Felipe Ansola, que da vida al Soldado, el Vanidoso y Hervé Miles; Virginia Muñoz como Elisabeth Reynald y Zoe Buccolini, que interpreta a Silvia Hamilton, la Rosa y la Serpiente.

-¿Qué destacarías de la escenografía y de la puesta en escena de esta obra?

La escenografía de Alessio Meloni tiene la elegancia y la poética que caracterizan su trabajo.

Sobre la puesta en escena prefiero que sea el público el que opine cuando lo haya visto. La dirección musical es de Sasha Pantchenko y la coreografía de Mariano Botindari. Teatro Calderón (Lírico).

La Katarsis del tomatazo. Este longevo cabaret está interpretado por alumnos y alumnas de la Escuela de Interpretación Cristina Rota. 

Silencio, se rompe el ruido
Un concierto en el que la actriz Cristina Medina y Pablo Jara recitan poemas y cantan temas sobre las emociones que le genera la enfermedad del cáncer a los pacientes y a sus acompañantes. Según Cristina, “el miedo al sufrimiento nos hace huir de sentimientos como la pérdida, el desasosiego, la soledad, la tristeza o la angustia. No nos gusta sentirlas, nos cuesta convivir con ellas. Pensamos que la única forma de seguir adelante tras un duro golpe, en el que estas emociones suelen aparecer, es mediante su aceptación. Y no es posible aceptar sin sentir”. También participan como artistas invitados Juan Fernández, Carlos Valledor, Julio Bellido, Natalia Calderón y Loa Miller.

Acción comadres. Cada acción es única e irrepetible. Por su formato, conversa con la actualidad, cambia con los tiempos y responde a las realidades que van sucediendo en el día a día. Dirección de María Botto. Varias fechas. Sala Mirador.

Siendo Miguel Narros director del Teatro Español de Madrid encargó un nuevo montaje de “La Casa de Bernarda Alba” al director José Carlos Plaza. Éste propuso a Lola Flores para el personaje de La Poncia. Lamentablemente, por motivos de agenda, Lola no pudo hacer el montaje y se lamentaba de ello en el programa “La Clave” de TVE. Al saber esta anécdota le llegó la idea a Luis Luque de leer la obra de nuevo y descubrir si podía rescatar el personaje y hacer una creación escénica a partir de él. Entonces decidió llamar a Lolita Flores para proponerle que hiciera este personaje.  Dos años después de su estreno y, tras un exitoso paso por decenas de Teatros españoles, regresa esta obra a Madrid.

Para Lolita Flores, “Poncia” es un regalo del cielo que me está dando muchísimas satisfacciones. Poder llevar la palabra de Lorca junto con la de Luis Luque es un honor enorme.”

-“Dentro de una tormenta de niebla, Poncia, la criada de Bernarda Alba, reza por la muerte de Adela, la hija de Bernarda Alba. La casa se ha sumido en un mar de silencio. Poncia habla sola y también con ellas, con Bernarda Alba y sus hijas…” ¿Qué más le podemos contar a nuestros lectores sobre la historia de esta pieza?

Se trata de un spin-off de “La casa de Bernarda Alba”, y no quiero desvelar mucho más para que el público venga a descubrirlo al teatro. La obra de Lorca comienza con la muerte de Adela y “Poncia” arranca desde ahí.

-Comenta Luis Luque en la presentación de “Poncia” que “En un profundo análisis del personaje, he rescatado las intervenciones de Poncia y las he convertido en reflexión, soliloquios, diálogos con fantasmas y sombras…”

Coincido totalmente con Luis. Eso es “Poncia”, un análisis profundo de este personaje.

-El alma de “la Poncia” se abre para insistir en la necesidad de transferir a los demás la idea de amarnos en libertad. ¿De qué otros temas nos habla esta obra?

La obra habla de la injusticia, la severidad, la disciplina invasiva y, sobre todo, de la poca libertad para amar a quien quieras, donde quieras y cuando quieras.

-También comenta Luque: “Los personajes de las criadas encierran un enigma interesante: son testigos de los avatares de sus dueños y amos, conocen la verdad del interior de las casas y poseen la filosofía oculta de las clases populares”. ¿De qué ha sido testigo Poncia en la Casa de Bernarda Alba?

Mi personaje ha sido testigo durante más de ocho años de todas las injusticias que se han sufrido en esa casa.

Poncia es testigo de cómo Bernarda está educando a sus hijas y del peligro de una educación sin libertad y sin amor.

-¿Cuáles son sus principales reivindicaciones en el escenario?

Podría resumirse en combatir el exceso de disciplina, la falta de libertad y la lucha contra la injusticia.

-“Poncia” se dirige al público de 2023. ¿Qué tipo de lenguaje utiliza este personaje en este monólogo?

Utiliza un lenguaje coloquial, como cualquier mujer de su estatus y de su tiempo. Por supuesto, eleva el tono cuando quiere reivindicar algo. La potencia de los textos de Lorca sigue vigente.

-Sé que es difícil elegir pero, ¿qué dos o tres frases de la obra son tus preferidas?

“No me he preocupado de nacer, pero sí me voy a preocupar de morir”. Esa es una de mis frases favoritas.

-¿Cómo es la escenografía de Mónica Boromello?

Creo que Mónica ha realizado una escenografía moderna y minimalista, con el objetivo de dar importancia a Poncia y a sus palabras.

Es una coproducción de Pentación Espectáculos y el Teatro Español. Teatro Bellas Artes.

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-Descríbenos a Bess Houdini, tu personaje 

Bess es valiente, divertida y muy lista. Es la compañera perfecta para Houdini. No solo es su esposa, también trabaja con él en el escenario. Tiene carácter, corazón y es el alma que equilibra el mundo del mago.

-¿Qué tipo de relación mantiene con el mago Houdini?, ¿Qué le aporta Bess a su marido?

Bess aporta apoyo emocional y equilibrio. Cuando Houdini se sumerge en su obsesión por la fama, los riesgos y los límites físicos, ella es el punto de anclaje. Pero también sufre por esa misma obsesión, ya que afecta a la vida en pareja y a sus propios sueños.

-En el escenario habrá más de 20 ilusiones en vivo…

Mucho no puedo desvelar, pero sí diré que habrá una aparición de un elefante y una versión renovada de la famosa «tortura china del agua». Hay muchísima magia en escena y antes de empezar la función. Personalmente me quedo con el truco de “la mujer partida en dos”.

-La obra recorre la vida del ilusionista, desde sus inicios hasta su consagración  como figura mundial del escapismo. Pero, ¿qué más le puedes contar a nuestros lectores sobre la historia de este musical?

Cuenta la historia de Houdini desde que era el joven Erik Weisz hasta convertirse en leyenda, pero también muestra su lado más humano: sus miedos, su relación con Bess, y todo lo que tuvo que sacrificar por su arte.

-¿Con qué adjetivos calificarías el carácter y la personalidad del mago Houdini?

Era valiente, obsesivo, brillante, muy carismático… y también vulnerable. Tenía un lado oscuro por su necesidad constante de superarse.

-¿Qué tipo de música ambienta la narrativa?

La música compuesta por Giovanni Maria Lori es maravillosa. Es una fusión entre musicales que ya son clásicos como “Jeckyll & Hyde” de Wildhorn y otros más modernos como pueden ser “Smash” o “The last showman” y tiene  influencias del folclore húngaro.

-¿Algún tema preferido?

No puedo evitar nombrar el solo de Bess “Si cuesta respirar”, que es una gozada y otro solo de Houdini, en el que mientras canta, va haciendo trucos de magia. ¡Es increíble!.

-¿Por qué no debería el público perderse este espectáculo?

Porque es una experiencia única que mezcla magia de gran formato en vivo con teatro musical. Algo poco común, especialmente en España.

-Termina esta frase: “Ir al Teatro le aporta a la vida de las personas…”

… pasión, emoción y una dosis de magia que trasciende lo cotidiano.

-¿Qué destacarías de los elementos escenográficos? ¿Cómo son?

¡Todo es impresionante!. Desde los escenarios gigantes hasta los efectos especiales. Nada se ha dejado al azar. Es un show a lo grande.

Las coreografías están a cargo de Gillian Bruce y las prestidigitaciones escénicas han sido diseñadas por Paolo Carta, conocido por su trabajo en “Mary Poppins” y “Ghost”.

Es una producción de Letsgo y Beon Entertainment dirigida por Federico Bellone (consolidado director, dramaturgo y compositor italiano que ha dirigido en España “Ghost”, “Charlie y la fábrica de chocolate” y “El fantasma de la ópera”, entre otros musicales). Teatro Calderón.

-Descríbenos a tu personaje… ¿Quién es Murielle?, ¿Cómo la ves tú?

Es una mujer que está sufriendo mucho. Le ha tocado vivir situaciones límites, de muchas pérdidas. Está muy sola.

-En la historia de la función es Nochevieja. Murielle está en su casa, sola. Los ruidos de la calle y los gritos de sus vecinos celebrando le impiden conciliar el sueño. En esa vigilia, los recuerdos se enfrentan a un presente desolador y a un futuro aún menos prometedor. ..¿Qué más le puedes contar a nuestros lectores?

Pues que vengan a ver la función porque eso ya dice mucho.

-Comenta su directora que “Su verdadera tragedia ha hecho trizas su autoestima como mujer, como esposa, como madre y como hija. El hilo vital es fino y quebradizo, sostenido solo por sus fuertes sentimientos de ira, sus pensamientos vengativos, autodestructivos y una especie de gracia absurda, a pesar suyo.” ¿Estás de acuerdo?

Sí, absolutamente, porque en esa tragedia personal se cuela la mirada social y la forma en la que ella recibe esa mirada tiene algo de comedia, evidentemente para el espectador, no para ella.

-¿Cuáles son dos de tus escenas favoritas?

Mis dos momentos favoritos son el comienzo, porque es una declaración de intenciones y una presentación de personaje bastante atípico.

En segundo lugar, el final porque tiene un componente muy dramático, trágico y está en las antípodas del arranque.

-¿Cuáles son las principales ventajas de estar sola en el escenario? ¿Y las principales desventajas?

Las desventajas: tú sola mantienes el interés del público, toda la responsabilidad está en tus hombros; si tienes un blanco, nadie te puede echar una mano. Incluso en las giras estaré sola. Y las ventajas supongo que esa misma soledad en el escenario y en las giras es una oportunidad muy profunda para pensar y encontrarme conmigo.

-También comenta Heidi Steinhardt que “Destacan la poesía y la honestidad con la que la autora desnuda el alma de Murielle, siempre en pena; no solo no descansa, libera un discurso frontal y sin final para justificar sus actos y sus “no actos” dejando su dolor sumergido bajo las palabras”… ¿Qué añadirías al respecto?

Añadiría que esas mismas palabras son las que le permiten sacar afuera su rabia, su impotencia, su resentimiento, su ¨venganza¨.

-¿Hay algún lugar para el humor en este texto? ¿Dónde y cuándo?

En la propia tragedia y, como decía antes, en la mirada social. Al final la comedia siempre tiene una matriz trágica.

-Termina esta frase: “Ir al Teatro le aporta a la vida de las personas…”

…La posibilidad de hacerse preguntas sobre la vida, el mundo, las personas… Muchas veces también les permite conocer mundos lejanos a su vida cotidiana. Y también aporta la posibilidad de entretenerse, de salir de sus conflictos del día a día y asomarse a los de otros, los de la ficción.

-¿Qué tipo de directora es Heidi Steinhardt?

Es el tipo de directora que todos los actores y actrices queremos tener. Implacable, exigente, que no se conforma con que simplemente la historia funcione y esté bien porque busca la excelencia. Es una directora que nunca te abandona, siempre te da respuestas, pautas, indicaciones a las que agarrarte y en ningún momento te sientes perdida. Hace que te puedas entregar a ese proceso creativo con toda confianza.

-¿Qué destacarías de los elementos escenográficos que han diseñado/ creado Alessio Meloni, Rodrigo Ortega y Mariano Marín?

Han hecho un trabajo extraordinario. Cada uno ha aportado su arte. El de Murielle es mundo poético muy rico y muy sórdido a la vez, de una tremenda soledad. Y el mundo sonoro de Mariano deja ver esa fragilidad del personaje. La escenografía es una barbaridad, de una poesía descomunal. Y la iluminación es pura poesía. Estoy muy contenta. Es una Producción de LaZona.