Recuperamos las entrevistas que les hicimos cuando estrenaron esta función.

LOLA HERRERA

-¿Qué tipo de mujer es la escultora sudafricana Miss Helen, la  protagonista de la obra?, ¿Cómo la describirías? ¿Qué sueño persigue o cuál es el motor de su vida?

Con rasgos de libertad. Es una mujer que quiere hacer lo que ella quiere, lo que sueña, lo que le gusta… Ella ha estado muy reprimida en un matrimonio. Cuando se libera de todo eso porque se queda viuda es una mujer que quiere, al precio que sea, hacer lo que más le gratifica.

-¿Por qué no podías rechazar interpretar este personaje?, ¿Cuáles son  los principales motivos por los que aceptaste llevarlo a escena?

Sobre todo porque es una mujer mayor, que se supone que no tiene derecho a muchas cosas. Primero, por ser mujer y luego ten en cuenta que esto se desarrolla en los años sesenta/setenta en Sudáfrica. No tiene derecho prácticamente a nada. Pero ella exige sus derechos, lucha por ellos, como mujer y como artista y creadora. Me parece que es muy gratificante para cualquier actriz hacer personajes de este tipo, porque la sociedad está totalmente cerrada a los mayores. Es como si fuese un pecado ser mayor, una cosa vergonzosa o algo que hay que desechar. Me parece que es un cántico a la gente mayor.

-Se ha comentado sobre “Camino a la Meca” que es “una reflexión  profunda sobre el aislamiento, la lucha interna, la libertad individual y el conflicto entre conformarse con lo que manda la sociedad o seguir los propios sueños o deseos”. ¿Estás de acuerdo?

Sí. Creo que uno tiene que intentar perseguir los sueños. Hace falta tener mucho valor, encontrarte con muchos obstáculos y posiblemente no conseguirlo pero no hay que dejar de intentarlo.

-¿Sobre qué otros temas trata esta función?

Sobre todo y, principalmente, de la libertad. También de la comunicación entre las personas, de la amistad, de cómo puedes relacionarte e intercambiar con otros seres humanos cosas importantes y de las relaciones. Por ejemplo Helen y Elsa están muy unidas. Aunque exista una diferencia de edad, de vidas y, aunque son muy diferentes, están muy unidas. A veces parece que hay que estar todo el día juntos o relacionarse muy de cerca y no hace falta. La comunicación entre personas va mucho más allá que hablar todos los días.

-¿Qué supone para ti volver a compartir escenario y gira con tu hija Natalia Dicenta?

Estamos las dos muy contentas e ilusionadas con este proyecto. Hacía veinte años que no trabajábamos juntas, desde que hicimos “Solas”. No podemos estar más contentas al haber encontrado esta función tan maravillosa, con personajes interesantes…Y dirigidas, además, por alguien tan extraordinario como Claudio Tolcachir.

NATALIA DICENTA Y CARLOS OLALLA

-¿Quién y cómo es tu personaje?

NATALIA DICENTA: Es Elsa Barlow, profesora de inglés en Ciudad del Cabo y la gran amiga y confidente de Helen Martins. Elsa es una mujer auténtica, fuerte, comprometida, empática… La idea del compromiso es muy importante en ella, incluso en su trabajo se ven reflejados los problemas que tiene por defender la igualdad y la justicia. Tiene un altísimo y agudo sentido de la Justicia. Si tenemos en cuenta que esta historia se desarrolla en la Sudáfrica del apartheid, Elsa lucha contra eso y por la igualdad de derechos. Precisamente por esa lucha se ve metida en muchos problemas, pero no le importa, no se arredra, ella sigue adelante porque es una mujer fuerte. También es frágil. Cuando aparece en escena lleva muchos problemas encima pero no se rinde, sigue luchando. La admiro profundamente, creo que estoy aprendiendo mucho de Elsa porque yo, como cualquier persona, a veces en la vida tenemos problemas y nos ahogamos en un vaso de agua y no sabemos cómo salir. Y Elsa me enseña la lucha, el compromiso, la verdad, la autenticidad del ser humano. Me conecta con valores e ideales muy profundos y muy importantes.

CARLOS OLALLA: El pastor Marius es una persona que se sabe como guía espiritual de la comunidad en la que vive. Es una comunidad muy tradicional y conservadora, de la iglesia reformista neerlandesa. Es un factotum en el pueblo. Tiene una relación muy próxima con todos los vecinos pero en la época del Apartheid en Sudáfrica, por lo tanto es muy cerrado en cuanto a sus planteamientos ideológicos. Su relación con los vecinos es la de autoridad, le gusta controlarlo todo.

–¿Qué tipo de relación mantiene con la escultora sudafricana Miss Helen, la protagonista de la obra?

NATALIA: Elsa en un desafío para Helen. Es curioso como se complementan. Elsa necesita la fortaleza de Helen y Helen necesita la fortaleza de Elsa. Ambas son frágiles y están en un cruce de caminos, en un punto de inflexión en sus vidas muy importante y, sin embargo, el hecho de estar juntas significa una ayuda, un estímulo y un desafío.  Es una relación de una profunda amistad y complicidad y de buscar la una en la otra la autenticidad, la fortaleza, el compromiso y el sentido de libertad en la vida. La verdad es que es una relación hermosa, muy enriquecedora y nutritiva.

CARLOS: Está preocupado por la evolución de Helen porque, desde que murió su marido, ha dejado de ir a la iglesia, y hace unas esculturas que para él son muy extrañas y no entiende qué está pasando ahí. Las respeta porque no ve opción a prohibirlas pero busca formas de controlarla, aunque es imposible por el carácter independiente y libre que tiene Helen. Es una oveja descarriada con la que mantiene contacto continuamente intentando llevarla al redil pero, habiéndose resistido durante 15 años, la cosa está complicada.

-¿Esta función se centra en la búsqueda de la libertad?

NATALIA: Fundamentalmente, creo que es la reivindicación de la libertad de elección en la vida. Nuestros cuerpos, mentes y corazones nos dictan el camino y hemos de ser libres para poder elegir. No queremos la presión de la sociedad convencional que nos diga cómo supuestamente debemos hacer o ser. Se lucha en esta obra por la libertad de elección, al principio de la vida, durante la vida e incluso elegir cómo quieres que sea el final de tu vida. Y eso es algo muy importante. Y habría que incluir la libertad de expresión, la lealtad, y, una vez más, surge el compromiso. La lucha por la libertad, la defensa de la justicia, la defensa de la libertad en el arte…Yo creo que esto último es fundamental, la defensa de esto a pesar de la incomprensión de quien esté alrededor. Tenemos derecho a tener deseos, a tener sueños y a ponerlos en práctica siempre que podamos.

CARLOS: También habla de la soledad impuesta, de la soledad voluntaria y de la soledad creativa. Creo que es importante diferenciar entre estos tipos de soledad, y también qué hacemos con nuestra soledad. Hay gente que tiene miedo y se deja dominar por el miedo a la soledad y también hay personas que la adoran, como es el caso de Helen. Ella se siente aislada pero porque la comunidad en la que vive no la entiende, pero aún así no renuncia a ella, no quiere claudicar, prefiere estar sola creando que renunciar a ella misma.

Y de la sororidad, de la relación entre esos dos personajes, Elsa y Helen, que se ayudan, se admiran y se respetan y es una maravilla ver esa relación transgeneracional. No hay una barrera de edad, a pesar de que la obra también trata de cómo afrontar la vejez, cuando nos acercamos a la etapa final de nuestra vida es el momento de echar la vista atrás pero también de disfrutar del aquí y del ahora. Es un mensaje de esperanza para los que llegan a esa parte que sabemos que es la última, pero con pasión, con ilusión, con alegría. Una vida sin amar no tiene sentido y eso es lo que demuestra Helen, que tiene un espíritu libre y es lo que da sentido a su vida.

-¿Tus dos escenas favoritas son…?

CARLOS: ¡Tiene tantas!. Algunas para mí son antológicas, por ejemplo, la entrada de Elsa en la casa, al principio de la obra, en ella se describe la relación entre Elsa y Helen. Y otra que me apasiona es escuchar el monólogo que Helen le dedica al pastor para explicarle ese mundo que ella ha creado. Esa escena me llega a lo más hondo y sé que me acompañará siempre.

-¿Qué destacarías de Claudio Tolcachir como Director?

NATALIA: No es que destaque una cosa o dos, es que Claudio Tolcachir es un genio. Yo tuve la gran oportunidad de conocerlo cuando se asentó aquí en Madrid y abrió su escuela, Timbre 4, que ya existía en Buenos Aires y tuvimos la increíble suerte de que quisiera traerla también aquí. En cuanto supe de su presencia en la ciudad hice lo imposible por apuntarme a sus cursos y por estudiar y aprender con él. Ya conocía sus montajes como director pero no había trabajado con él personalmente, y estaba dispuesta a vivir la gran aventura que es conocer a Claudio y su manera de navegar a través de los textos y los personajes. Para mi es una experiencia absolutamente inolvidable que él fuera mi profesor y yo su alumna. El sueño era poder algún día trabajar con él, y ahora se ha cumplido. Trabajar con Claudio es un sueño hecho realidad, su manera de profundizar en cada frase, de sacar partido y encontrar oro en cada situación, de saber utilizar los sentimientos y emociones que cada actor/actriz poseemos y plasmarlos. Y sumar, sumar y sumar para que nuestro trabajo sea cada vez más rico. No tengo palabras suficientes para describir la profunda admiración que siento por él, y el honor que para mi significa poder ponerme en sus manos y navegar con él en este proyecto.

CARLOS: Es una de las personas con más talento que he conocido y, sobre todo, con más sensibilidad, respeto y admiración por lo que hace. Cuida todos los detalles. Sabes que estás en buenas manos, que te va a llevar por el buen camino. El viaje que hemos hecho durante los ensayos, el ver la relación de Claudio con Lola y con Natalia ¡ha sido tan bonito!.  Con mucho cariño y admiración mutua. Y cuando tus propuestas le gustan y le encajan, te pregunta si te has sentido cómodo, y si la respuesta es “sí”, te dice “¡vale, lo encajamos!”.

– Termina esta frase: “El Teatro le aporta a mi vida…”

NATALIA: …gozo, alegría, compromiso, soledad, desafío, aprendizaje… ¡Tantas cosas!. Aprendizaje es una palabra espléndida, porque aprendo con cada personaje que interpreto, aprendo algo de mi misma y de la vida. El gozo es inigualable porque salir al escenario e interpretar a un personaje es la pasión de mi vida. Yo cuando estoy en un escenario estoy como en casa, igual que cuando salgo a cantar. Salir al escenario y comunicarme con la gente es un privilegio maravilloso al que no quiero renunciar nunca. El teatro le aporta a mi vida mucho sentido, la verdad. También podría decir disciplina, rigor, ceremonia, emoción, silencio. Y compartir, este es el gran sentido del teatro, compartir historias contadas desde el escenario a seres humanos que están ahí sentados dispuestos a escuchar, a vivir una historia y salir transformados. El teatro aporta una gran riqueza a mi vida. Doy gracias a la vida por poder seguir subida a un escenario.

CARLOS: ¿Qué es la vida sin teatro, sin poesía, sin amar? No es nada, es transitar de una nada a otra sin haber vivido. Hay cosas como el teatro que te hacen perfectamente consciente de lo maravilloso que es vivir, que te ayudan a ser ventana y que los espectadores vean a través de ti. En un escenario tienes que llevar lo mejor de cada personaje con sus puntos fuertes y débiles, con lo bueno y con lo malo, pero nunca hay que llevar al actor, el actor se queda en el camerino. Pero ese personaje que está en el escenario le enseña cosas nuevas todos los días al actor. Es un modelo de vida. Todo el mundo debería poder acercarse al mundo del teatro porque te ayuda a mirar la vida desde otro punto de vista, a cambiar tus puntos de vista y mirar de forma distinta lo que te rodea, a escuchar a los demás, pero no solo con los oídos. Fotografías de Daniel Dicenta. Teatro Bellas Artes.

Eva María, a las tantas de la madrugada, ha recibido un tajante mensaje de Alejandro, su único y adorado hijo: debe entrar en su habitación y buscar en un cajón cerrado con un candado un documento que necesita con urgencia para la Universidad americana en la que estudia. Urgente es “ya, ahora, sin perder un instante, mamá”. Alejandro, que conoce muy bien a su progenitora, le advierte de que no caiga en la humana (y especialmente maternal) tentación de hurgar en sus cosas…

-Preséntanos a Eva María, tu personaje.

Es una mujer de 51 años que se encuentra sola en su casa porque ha dedicado los últimos 18 años de su vida al cuidado de su hijo Alejandro que se ha marchado a estudiar a Estados Unidos. Es incapaz de resistir esa tentación de hurgar en las cosas de su hijo y alimentarse, como un vampiro, de los recuerdos que todos esos objetos, congelados en la habitación de Alejandro le proporcionan.

-Esta función nos habla del conocido como “síndrome del nido vacío”. ¿Es así?.

Sí. Si tienes hijos el nido vacío es una etapa que hay que pasar. Los hijos se van, en un momento determinado de la vida se van. Es natural. Es lo que tiene que suceder. Pero nos quedamos vacíos y es un espacio que no se puede llenar. Es una etapa que hay que atravesar de la mejor forma posible.

-¿De qué otros temas nos habla?

Es un precioso homenaje al cine como refugio. Eva María vive y atraviesa todo con películas que vio de niña con su padre y más adelante con su hijo. También habla de la relación de Eva María con su madre. También ella es hija única, un día se fue de su casa y abandonó el nido. Habla con humor de eso que llaman ahora “el trauma intergeneracional”.

-¿Algunas de las frases favoritas de tu personaje son…?

-“Mi hijo me ha abandonado y mi menopáusico cuerpo me está avisando pero a grito pelado de que ya no sirvo para nada. ¿Qué voy a hacer?. ¿Qué voy a hacer?.”

-“Soy una vampira.”

-“No son las doce menos cuarto de la noche en el cerebro de una madre, no, son las 24 horas de los 365 días de los 18 años que tiene mi Alejandro…”

-Juan Carlos Rubio ha comentado que “Recuerdo cuando me marché a vivir a Londres con tan solo 19 años y mis progenitores tuvieron que enfrentarse a una casa vacía. De seis hijos a cero es una frenada en toda regla. Recuerdo las conversaciones con mi madre y el profundo calado que dejó en ella mi ausencia. Recuerdo su dolor. Y su humor. Sí, el tema me interesaba mucho…”. ¿Te sientes identificada con esta reflexión?, ¿Por qué?

Sí. Porque la casa está concebida para estar llena y ruidosa y cuando los hijos se van, se queda muy vacía. Se trata de cómo has concebido tu vida durante un tiempo muy largo y que luego te tienes que adaptar a otra realidad. Es muy curioso, porque el nido se llena rapidísimo, desde que aparece el bebé todo cambia, pero la marcha de los hijos lleva un proceso más largo de adaptación.

-¿El humor del texto y del escenario es tierno y comprensible para todo tipo de público?

La función es divertidísima. Estamos deseando compartirla con el público. Tengo mucho interés en que los adolescentes vengan al teatro. Yo creo que los niños y niñas desde los 8 o 9 años pueden disfrutar de este monólogo. Entenderán menos algunas partes pero se van a divertir y creo que se pondrán en el lugar de sus madres y sus padres que tanto les cuidan y tantas cosas hacen por ellos. Me encanta que mis películas familiares atraigan a un público joven al teatro y, si vienen con sus familias, mejor que mejor.

-¿Qué ventajas y qué desventajas tiene el estar sola en el escenario?

Ventajas yo creo que pocas. Esto era un reto que yo tenía pendiente. Quería hacer un monólogo y Pentación y Jesús Cimarro me brindaron la oportunidad. Pero en realidad le veo muchas más desventajas. Todo, absolutamente todo, depende de ti. Tengo un equipo fantástico respaldándome. Pero solo se me ve a mi. Así que hay que estar al 1.000 por 1.000 todo el tiempo. Incluso físicamente hay que estar muy fuerte para aguantar la hora y veinte de función con la energía que necesita.

-¿Qué te gustaría conseguir de los espectadores después de que vieran esta pieza?

Que se lo pasen muy bien sobre todo y que luego hagan la reflexión de darle la importancia que tiene al nido vacío, a esa etapa. Que tengamos en cuenta a las personas que están pasando por ello.

-Termina esta frase: “El Teatro le aporta a la vida de las personas…”

Libertad. Me gusta pensar que el teatro te abre la mente, el pensamiento, la opinión. Una función de teatro puede hacerte cambiar de opinión respecto a algo. En concreto con esta función, el teatro te va a aportar un buen rato de desconexión de los problemas de afuera para reír. Porque es sanísimo reírse. Fotografías: Javier Naval.

Es una coproducción de Pentación Espectáculos, Leona Madre y La Alegría Producciones. Del 28 de octubre al 29 de noviembre. Teatro Bellas Artes. 

Laila Ripoll ha destacado que el legado de estas cuatro décadas es “una institución consolidada y sólida que ha sabido tender un puente entre el pasado y el presente, convirtiendo nuestros textos clásicos en teatro profundamente contemporáneo”. Su propuesta para la nueva temporada se ancla en “seguir alternando títulos del repertorio con otros nunca representados, afianzando y descubriendo, mezclando el verso y la prosa”, así como apostando por nuevas voces, por la interdisciplinaridad, y por el apoyo a la producción de compañías periféricas y a aquellas de dilatada trayectoria.

PRODUCCIONES PROPIAS Y COPRODUCCIONES 

La próxima temporada se inaugurará con El caballero de Olmedo, de Lope de Vega, con versión y dirección de Laila Ripoll, y producida por la CNTC. La pieza es, según Laila, “uno de los textos más poéticos de nuestro Siglo de Oro, anticipa el universo del héroe romántico y destaca por su modernidad». Podrá verse en el Teatro de la Comedia del 24 de septiembre al 22 de noviembre.

La segunda producción propia de la temporada abordará otra obra de Lope: El amor enamorado, con versión de Brenda Escobedo y dirección de Marta Pazos, que dirigirá a la Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico. “Un juego escénico donde lo divino y lo humano conviven en un mismo pulso que trasladará los versos de Lope a su particular lenguaje escénico y plástico», ha comentado Marta. Será en la Sala Principal, del 18 de marzo al 9 de mayo de 2027.

Por su parte,  el elenco de la Joven CNTC participará en otro montaje de carácter transdisciplinar. Una partitura de Juan Hidalgo, considerado el padre de la ópera y la zarzuela en español, y un texto de Calderón de la Barca de temática mitológica se funden en una propuesta que combina teatro áureo y música antigua desde una visión contemporánea. Andrómeda y Perseo es una coproducción de la CNTC junto con el Teatro de la Zarzuela y la Fundación Juan March, con versión de Álvaro Tato, dirección de Nuria Castejón y dirección musical de Aarón Zapico. Se estrenará el 30 de septiembre en la sede madrileña de la Fundación Juan March y llegará a la Sala Principal del Teatro de la Comedia el 4 de diciembre.

La Sala Principal acogerá también, del 4 al 21 de febrero de 2027, un tercer Lope: El anzuelo de Indias, una versión de El anzuelo de Fenisa a cargo de Luis O’Malley, en colaboración con Ruth Sánchez y Mario Vega, y dirigida por este último. “Una relectura caribeña, feminista y revolucionaria donde la sororidad se vuelve estrategia de resistencia y espejo de nuestro presente”, producida por la CNTC junto con el Teatro Pérez Galdós, Barco Pirata Producciones Teatrales y unahoramenos producciones.

Junto con la veterana compañía sevillana Atalaya, la CNTC coproducirá El Libro de buen amor, de Juan Ruiz, Arcipreste de Hita, que acogerá la Sala Principal del 20 de mayo al 6 de junio de 2027. La versión y dirección de Ricardo Iniesta de este gran clásico de la literatura medieval reivindica, según sus palabras, “el carpe diem frente a la religiosidad imperante y sitúa en primer plano la emancipación de la mujer y el libre albedrío frente al orden establecido”.

En coproducción con la compañía portuguesa Terra Amarela, con la que el director Marco Paiva atesora una consolidada trayectoria de teatro inclusivo, la CNTC estrenará Jardín de flores curiosas. Una dramaturgia de Magda Labarga a partir de textos renacentistas y barrocos que propone “una miscelánea de prosa y verso”, “una performance barroca” que mezcla “las palabras con lo imposible de decir” y que acogerá la Sala Tirso de Molina del 1 al 18 de abril de 2027.

COMPAÑÍAS INVITADAS

Una de las compañías invitadas esta temporada será El Vodevil, fundada por Pepe Viyuela y Elena González. Del 21 de enero al 21 de febrero, la Sala Tirso de Molina albergará su producción Guitón Onofre. El pícaro perdido, obra basada en la novela picaresca de Gregorio González y adaptada por Bernardo Sánchez y Pepe Viyuela. Luis d’Ors dirige una divertida puesta en escena protagonizada por Pepe Viyuela y acompañada musicalmente por Sara Águeda.

La joven dramaturga Aurora Parrilla firma Tinta y mujer, el oro de un siglo, donde da voz a autoras femeninas de esta época, como María de Zayas, Feliciana Enríquez de Guzmán, Leonor de la Cueva o Sor Juana Inés de la Cruz. Una producción de Prodigio Teatro con la dirección de David Boceta que se podrá ver en la Sala Tirso de Molina del 5 al 21 de marzo de 2027.

A finales de la próxima temporada, del 29 de abril al 9 de mayo, la Tirso de Molina acogerá también el estreno de La jácara de los cuerpos imposibles, un ‘cabaré sicalíptico’ escrito por Ruth Rubio e hilvanado por escenas de autores y autoras del Siglo de Oro. Con dirección y coreografía de Alberto Velasco, vendrá precedido por un taller de investigación escénica destinado a personas LGTBIQ+ mayores de 60 años, con o sin experiencia en escena, con quienes se trabajará en la performatividad de género que ha servido de base para el montaje.

MÚSICA Y TEATRO PARA PÚBLICO FAMILIAR

La música estará muy presente a lo largo de toda la temporada en la CNTC, comenzando por un Concierto de Navidad muy especial: el 19 y 20 de diciembre, el célebre músico Jordi Savall nos deleitará con sus Folías antiguas y criollas, donde conecta la tradición musical del Viejo y el Nuevo Mundo acompañado por una increíble orquesta en la que participan miembros de la Capella Reial de Catalunya, de Hespèrion XXI y del Tembembe Ensamble Continuo.

Del 27 al 29 de noviembre, la Sala Tirso de Molina acogerá la propuesta Ana por Ana. Barroco a compás flamenco, de Histrión Teatro. Con dramaturgia y dirección de Paula Rodríguez, la cantaora Ana Mar y el guitarrista Antonio de Quero reviven el legado de Ana Caro de Mallén, destacada dramaturga y poeta del Siglo de Oro, a través del lenguaje universal del flamenco.

Y también podremos volver a disfrutar del aclamado montaje El rey de la farándula, un “cabaré barroco y provocador” creado, dirigido e interpretado por Ángel Ruiz y acompañado por el músico Bru Ferri. En la Sala Tirso de Molina del 5 al 22 de noviembre.

Volverá también al Teatro de la Comedia otro montaje muy celebrado: Farra, un espectáculo familiar coproducido por la CNTC y la Compañía Lucas Escobedo que se estrenó en enero de 2025 en el Clásico y que supone una fiesta de teatro, música y circo para todas las edades. Estará de nuevo del 7 al 24 de enero de 2027.

El público familiar podrá disfrutar, una temporada más, del espectáculo ganador del certamen Barroco Infantil del Festival de Almagro. Así, del 18 de diciembre al 3 de enero, la Sala Tirso de Molina acogerá la versión de Hamlet de la compañía asturiana Guayominí Producciones, un juego teatral, musical y participativo pensado para acercar a Shakespeare al público más joven.

OTRAS ACTIVIDADES Y UNA EXPOSICIÓN DE ANIVERSARIO

Entre las actividades destacan el proyecto pedagógico Préstame tus palabras, que desde su creación en 2015 sigue acercando el valioso patrimonio clásico a los estudiantes de institutos de toda España a través de la interpretación y el entusiasmo de la Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico; o las actividades de mediación, que este año ofrecerán el citado taller para personas LGTBIQ+ mayores de 60 dirigido por Alberto Velasco, así como un taller de música urbana que acercará el Siglo de Oro a menores en riesgo de exclusión, invitados a traducir el verso clásico al lenguaje del rap o del hip hop.

Además, esta temporada la CNTC volverá a salir de gira con El caballero de Olmedo, con otras coproducciones y con el nuevo proyecto Versos a viva voz. Recital de flamenco y poesía del Siglo de Oro; y continuará enriqueciendo su colección editorial con nuevas publicaciones de los textos de la temporada, con los Cuadernos de Teatro Clásico y con los cuadernos pedagógicos ligados a los estrenos.

Dentro del marco de celebración de las cuatro décadas que cumple en 2026 la Compañía Nacional de Teatro Clásico, cuya historia está narrando a través de la campaña «40 años, 40 voces», el Teatro de la Comedia acogerá la exposición Lope para todos, un recorrido que recoge la evolución de la CNTC a través de los montajes de textos de Lope de Vega a lo largo de estos últimos cuarenta años. Una exhibición comisariada por Cristina Santolaria y que recopila desde figurines a diseños de escenografía, pasando por elementos escenográficos o carteles, músicas y fragmentos audiovisuales. La muestra estará en el Teatro de la Comedia del 1 al 25 de octubre.

Esta nueva temporada, la CNTC renueva su compromiso de continuar implementando cada vez más medidas para contribuir a la inclusión y a la accesibilidad de forma transversal en la institución, un trabajo que se está realizando de manera armonizada con todas las unidades del INAEM bajo el paraguas del Plan Integral de Inclusión en las Artes Escénicas y la Música recientemente puesto en marcha por el Ministerio de Cultura.

Y la CNTC ha renovado su acuerdo de colaboración con el Museo Nacional del Prado para nutrirse del valioso patrimonio que custodia la pinacoteca y fusionar el legado teatral con el pictórico de nuestros artistas clásicos en los carteles de la temporada.

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El Centro Dramático Nacional estrena esta propuesta escénica de The Cross Border Project, con texto y dirección de Lucía Miranda. Una función que la dramaturga y directora describe como “su obra más personal”, que combina teatro documental y ficción, para abordar, con humor y honestidad, la huella del colonialismo entre España y Filipinas. 

-¿Podrías contarle al público qué verá sobre el escenario?
Verá una obra que tiene un 75% de documental y un 25% de ficción. La ficción es muy disparatada, muy divertida, y la parte documental es muy sincera. Es el elenco compartiendo sus historias. Es una obra que habla de la herencia colonial recibida que, a priori, parece algo del pasado, pero que, en realidad, es de una contemporaneidad abrumadora. “Las últimas” es una pieza que no busca dar respuestas, sino invitar al espectador a cuestionarse ¿qué hacer con aquello que hemos heredado?. Un viaje escénico que invita al público a seguir explorando sobre esta relación.

-¿Cómo fue el proceso de seleccionar qué voces y qué relatos entraban en la pieza y cuáles se quedaban fuera?
Ha sido lo más complicado, porque he realizado 40 entrevistas entre España y Filipinas, lo que son unas 80 horas de audio, incluyendo al elenco y a sus madres, pero también a historiadores, antropólogos, lingüistas, o los taxistas que me llevaban y me traían en Manila. Son perfiles muy diversos. Siempre elijo en función de cómo encaja el puzzle: a veces encuentro una historia muy interesante pero que no hace match, que no tiene relación con el resto, y debo dejarla caer. También elijo en función de lo más jugoso dramáticamente, y al tiempo, abandono algunas historias que me parece que pueden poner en riesgo a aquellos que las compartieron. No es lo mismo hablarle a una desconocida, que después escuchar tu voz en un teatro. Trabajo encontrando el equilibrio entre lo dramatúrgicamente interesante y lo éticamente responsable. También buscaba historias que tuvieran que ver con la herencia en líneas muy concretas: el lenguaje, la religión, el relato, el cuerpo, el poder adquisitivo o la clase social.

-La obra mezcla episodios históricos, figuras reconocibles y situaciones aparentemente dispares (desde Magallanes hasta Imelda Marcos). ¿Qué te hace relacionar a estos personajes?
Leí el libro “Programa de desorden absoluto. Descolonizar los museos de Françoise Vergès (Akal, 2024)” y me voló la cabeza. Me parece muy interesante su perspectiva de los museos como escenarios de crímenes. Así que, desde esa lectura, elegí una serie de obras: esculturas, pinturas, fotografías, que se encuentran en el Prado, el Antropológico, el Nacional de
Filipinas, el Museo Oriental de Valladolid o en la calle (como la estatua de Los últimos de Filipinas), para que sirvan de motor en la obra…  ¡Son muchos años!.
También pensé: ¿qué obras son las más representativas de la relación entre los dos países? Si los artistas de la época reflejaron estos momentos, serán las piezas documentales de mis momentos históricos. Y después entrevisté a  curadores (3 españoles y 3 filipinos) para que me hablaran de ello.
Cada figura reconocible está ligada a un tema y a una obra de arte: Almeida y Carmena nos hablan de colonialismo. Magallanes y Pigafetta son el relato de la conquista. Sor Jerónima de la Asunción es la religión, Carmen Polo e Imelda Marcos son el poder administrativo y económico… y la exposición sobre Filipinas realizada en el Retiro en 1887 sirve para hablar de la exotización y el racismo.

-Hablas de la relación entre el cáncer, la madre y la idea de “madre patria”. ¿De qué manera dialogan en la obra lo político, lo generacional y lo emocional?
Hay dos generaciones representadas en la obra: la del elenco que es de 30-40 años, y la de las madres que va desde 60 a 80 años. Los actores comparten su historia y hacemos verbatim de sus madres. Casi todo en la vida es político: que alguien elija hablar el idioma de tus padres o no hacerlo, asumir o no la religión de tus progenitores, maquillarte para parecer blanca en lugar de racializada… De tu madre heredas unas cosas, de tu país también. El conflicto reside en decidir qué haces con lo que heredas.

-“Las últimas” invita a pensar qué hacemos con la herencia histórica y emocional que recibimos. ¿Qué esperáis que el público se lleve a casa al salir del teatro?
Ganas de aprender más, ganas de preguntarse ¿qué hago con el privilegio que yo tengo? ¿cómo lo uso?. Y que se lo hayan pasado muy bien con una obra que a priori habla de “colonialismo”, una palabra que asusta tanto como el cáncer y que cada vez que la nombras en las instituciones te miran con cara de: ¿qué vas a contar en esta obra?.

-¿Qué destacarías del trabajo con el elenco en el proceso de creación?
El elenco, excepto la actriz que interpreta el papel de “la Matria”, es de origen filipino, y Julia Enríquez ha viajado desde Manila, exclusivamente para realizar este proyecto, ya que ella es actriz de la compañía filipina Peta Theatre. A raíz del cáncer de mi madre les planteé entrevistar a sus madres y todos aceptaron, lo que deriva en que muchas de ellas aparecen en la función como personajes o se las nombra. Por ejemplo, en una escena, Laurence Aliganga hace del abuelo de Juan Paños pero luego es Juan, quien representa al padre de Laurence. Hicimos una lectura a la que vinieron algunos de esos familiares y algunas de las personas entrevistadas. Fue precioso. Si normalmente en una obra los actores están al servicio de una historia, en ésta, se redobla. Han sido profundamente generosos conmigo y con la historia que contamos.

-El proyecto nace atravesado por una experiencia vital muy fuerte: la enfermedad de tu madre. ¿Cómo transformó el enfoque inicial de «Las últimas»?

Me entero de que mi madre tiene cáncer en grado 4 (que es el más grave) 3 días antes de coger el vuelo a Manila donde estuve 10 días haciendo entrevistas, con una agenda maratoniana. Cuando subo a ese avión, estoy hecha un lío. Me planteo parar el proyecto en función del diagnóstico que nos den en las siguientes semanas…

Cuando aterrizo en Manila, y viene a buscarme J-mee Katanyag, que es la directora artística y amiga de Peta Theatre, le digo que a mí en ese momento el colonialismo y sus consecuencias me dan igual, y que a mí ahora lo que me importa es mi madre.

Al día siguiente, me trae el libro «Noli me tangere» de José Rizal, la figura más importante de la independencia Filipina, donde habla en el prólogo de que su madre está enferma de un cáncer terrible que es el colonialismo. Su madre era Filipinas como madre patria, y el cáncer el colonialismo español. Y ahí empiezo a pensar en el proyecto desde el punto de vista de la herencia: lo que heredamos de nuestras madres y de nuestros países, lo que decidimos hacer con ello, lo que podemos hacer con ello (cambiarlo, olvidarlo, negarlo)… y empiezo a trazar un hilo entre lo personal y lo político, donde imagino a un personaje que es la Matria que tiene cáncer. Y también decido el tono: si ésta fuera la última vez que viera a mi madre: ¿qué le gustaría a ella ver y qué me gustaría a mí que viera?… Ella me dijo que le gustaría reírse mucho y es lo que he intentado. 

-Propone un recorrido por 461 años de historia compartida entre España y Filipinas. ¿Cómo surgió la necesidad de abordar esta relación?
Desde mi compañía, The Cross Border, tenemos relación con la compañía filipina Peta Theatre. Son un referente en Asia en el trabajo con comunidades y tenemos la suerte de llamarles amigos. Hace 10 años realizamos un intercambio con ellos y a la vuelta de nuestro viaje vinimos impresionados de lo poco que sabíamos de Filipinas y lo mucho qué sabían ellos de España. Un día hablando, nos dimos cuenta de que Belén de Santiago y Juan Paños tenían abuelos filipinos, y pensé que eran muchas casualidades juntas. Pensamos que era necesario hablar de esa relación, del privilegio y del poder histórico establecido que llega hasta el presente.

-A lo largo de tu trayectoria con la compañía Cross Border Project, tus proyectos han explorado el diálogo entre teatro, educación y transformación social. ¿Dirías que existe una base común o una “pregunta motor” recurrente en todos tus espectáculos y a ti misma a lo largo de los años?

Creo que cómo se forja la identidad de cada uno o de una comunidad es algo que se repite desde el principio: desde Perdidos en Nunca Jamás, que es uno de nuestros primeros trabajos hasta Casa. A unos les roban el futuro como en Perdidos o Fiesta, Fiesta, Fiesta, a otros la vivienda, a otras la libertad (Nora, 1959, o La chica que soñaba). También nos preocupan las relaciones de poder, ¿cómo se establece el privilegio?, ¿qué hace que en una sociedad unos decidan sobre otros?, y, sobre todo, ¿qué podemos hacer para cambiarlo?. Fotografías de Bárbara Sánchez-Palomero. Teatro Valle Inclán. 

Es una de las protagonistas de esta adaptación de la obra de Lucy Prebble (creadora de la serie “Succesion”) que ha sido dirigida por Juan Carlos Fisher. Una experiencia teatral intensa y estimulante que examina con profundidad y humor el origen del amor y los límites de la ética. Alicia Borrachero, Itzan Escamilla y Fran Perea completan el elenco.

Volvemos a publicar la entrevista que le hicimos con motivo del estreno de esta función que ahora vuelve a Madrid.

-¿Cómo les contarías a nuestros lectores la historia de esta función?

Es un viaje entre lo que decimos ser y lo que realmente somos; entre lo que decimos querer y lo que queremos de verdad. Connie y Tristán, dos jóvenes muy diferentes que se prestan a participar en un ensayo clínico con un medicamento. A medida que avanzan los días, bien por efecto del medicamento, bien por las circunstancias del propio ensayo o bien por lo que uno produce en el otro, tanto Tristán como Connie comenzarán a ser personas bien diferentes a las que vemos en un primer momento. Quizá su verdadera versión de cada uno. Y, además de ellos, los dos médicos, que también muestran una fachada que se desquebraja a medida que la historia transcurre y se descubren antiguos sucesos del pasado.

-Preséntanos a Connie, tu personaje…

Es una chica que aparenta seguridad, que sabe lo que quiere y que parece que pisa fuerte. Hace lo que tiene que hacer, lo que se espera de ella. Es disciplinada y no se plantea que las reglas se puedan romper porque es de la clase de personas que cree que una norma es buena per sé, que si están es por algo. Pero Connie encierra muchas contradicciones; y entrar a formar parte de este ensayo clínico la colocará delante de un espejo que la obligará a tener que afrontar esas contradicciones, y en ese ensayo entrará en contacto con personas que despertarán en ella sentimientos inesperados e, incluso, desconocidos.

-¿Qué relación mantiene Connie con sus médicos supervisores, interpretados por Alicia Borrachero y Fran Perea?

Al principio, de confianza. En especial con el personaje de Alicia. Connie es una chica disciplinada y por ello sigue a rajatabla las instrucciones del ensayo y confía plenamente en lo que le pide la doctora, a quien posiblemente incluso la vea como un modelo a seguir. Pero la propia evolución de Connie provocará la evolución de la relación con los médicos. Aparecerá el conflicto y ahí comprobaremos hasta qué punto un conflicto entre dos personas puede resultar catártico y puede reforzar vínculos a la vez que romperlos.

-Se comenta en la presentación de esta obra que “es una experiencia teatral intensa y estimulante que examina con profundidad y humor el origen del amor y los límites de la ética…”, ¿estás de acuerdo?, ¿Por qué?

‘El efecto’ es un viaje de emociones, un viaje sensorial. Es una obra en la que tan importante como el texto o la interpretación es la atmósfera creada por una escenografía minimalista y por la música y la luz, que funcionan también como herramientas narrativas. Esto sumerge al espectador en la historia y le permite conectar con las vivencias de los personajes con los que, de alguna forma u otra, todos nos podemos sentir identificados en algo. Al menos, entender cómo se pueden sentir. La obra busca remover al espectador.

-¿Sobre qué otros temas nos habla esta función?

La obra habla de las personas, de la vida. Del amor, de las contradicciones, de la ilusión de la juventud, del miedo a la incertidumbre, del miedo a quitarnos complejos y a ser lo que queremos ser, de aquellos para los que el fin justifica los medios y también de aquellos para los que el cómo es mucho más importante que el qué. Muestra personajes poliédricos y complejos en los que no hay blancos o negros, sino grises, y donde todos somos dueños y víctimas de nuestras decisiones. Es una mirada al interior de las personas.

-¿Tus dos escenas favoritas son…?

La escena en la que Connie y Tristán huyen de ese encierro y empiezan a conocerse más, y la escena final que es desoladora pero lanza un mensaje muy bonito…

-¿Cuáles son los principales motivos por los que aceptaste interpretar este personaje?

Por todos los matices que tiene mi personaje, Connie. Por la complejidad del texto, de la historia. Por Juan Carlos, el director. Y, por supuesto, por mis compañeros que son un reparto maravilloso y con los que aprendo y disfruto cada día en cada función que hacemos.

-¿Es una gran responsabilidad o no subirse a un escenario cuando eres una actriz muy popular?

Subirse al escenario es una gran responsabilidad siempre porque el público está ahí para ver tu mejor versión, ha pagado y está invirtiendo algo mucho más importante que el dinero: su tiempo. Y también tienes un compromiso con tus compañeros de función, que seguro lo darán todo a tu lado. Con esta filosofía y este compromiso he salido siempre al escenario. Y no cambiará nunca sea más o menos conocida porque si un actor o actriz deja que la popularidad le condicione su trabajo, nunca podrá dar lo mejor de sí mismo/a.

-¿Crees que influye positivamente como atractivo para el público?

Influye como reclamo. Al final, en el teatro, como en el cine o como cuando estrenas una serie, es más fácil que el público le dé una oportunidad a algo si conoce a quienes forman parte del proyecto. También puede provocar el efecto contrario, que alguien decida no ver algo por quién está ahí. El ser conocido hace que el público tenga una opinión sobre ti y sobre tu trabajo porque te han visto en otros proyectos. Por eso, yo intento dar siempre lo mejor en cada proyecto.

-¿Qué destacarías de Juan Carlos Fischer como director?

Su olfato por los buenos textos y su intuición a la hora de plantear la puesta en escena. Es un director que apuesta mucho por lo potente que pueda ser el actor/actriz y su palabra, y eso como y te pone en una situación de vértigo que, para mí, es muy motivador cuando haces teatro. Retratos de Javier Naval. Fotografías de escena de Elena C. Graiño. 

Pastora Vega es la protagonista femenina de esta comedia que ha adaptado y dirigido Gabriel Olivares. Pablo Carbonell, Ariana Bruguera y Abraham Arenas también la llevan a escena. 

-Julia Dávila es una mujer elegante y dinámica que brinda un apoyo incondicional a su esposo, Francisco Requena, un político en plena campaña electoral. Llevan 30 años formando una pareja sólida. Su vida, gira en gran parte en torno a Francisco, pero cuando Julia recibe una carta que le anuncia una noticia poco común, toda esa hermosa estabilidad se ve fuertemente sacudida… 

Es una obra que denuncia realidades muy presentes: el machismo, la transfobia, la falta de tolerancia hacia quien piensa o actúa de forma diferente. También habla de la hipocresía y el cinismo de cierta clase política, que presume de valores pero en su vida personal muestra todo lo contrario.

La función reflexiona, además, sobre las diferencias entre cómo amamos las mujeres y cómo aman los hombres. Especialmente aquellas mujeres de cierta edad que crecimos bajo otros códigos: amamos de una manera más incondicional, más generosa mientras que los hombres suelen quedarse en lo más superficial.

-Interpretas a Julia. Descríbenosla.

Es una mujer fuerte, valiente, con carácter.

-La obra nos habla sobre todo de la imposibilidad de tener “estabilidad” en nuestra vida…

También habla de la familia, de la relación con los hijos, de la política, y, sobre todo, es un canto a la tolerancia, a ser mejores, a entender al otro.

Es una comedia muy especial. No es una comedia al uso: no todo el mundo se va a reír sin más. Es una obra que remueve, que puede incomodar, pero que sin duda invita a reflexionar. Estoy segura de que, cuando el público salga del teatro, tendrá mucho de qué hablar, de qué cuestionarse, de qué pensar.

-Pablo Carbonell interpreta a Francisco. ¿Qué tipo de relación mantiene Julia con su marido?

Julia ha sufrido mucho, pero sigue amando profunda e incondicionalmente a su marido, a pesar de las cosas que le duelen o no le gustan de él.

Francisco es todo lo contrario a Julia: egocéntrico, manipulador, político hasta la médula. Cuando aparece ese sobre con una noticia dura y desagradable, todo se viene abajo.

La obra también muestra que aquello que creemos estable, sólido, estructurado (lo que nos da seguridad) puede desmoronarse en un segundo: una carta, una llamada, una revelación… y la vida da un vuelco.

Por eso es tan importante ser honestos con las personas que amamos y no guardar secretos. En cualquier momento puede llegar una situación adversa, y no hay nada peor que los engaños y las mentiras.

-¿Qué tiene este personaje y este texto que te resultó irresistible para volver a escena?

Esta función me resultó irresistible porque Julia es un auténtico bombón de personaje y por todo lo que representa y transmite esta obra.

-¿Qué les dirías a quienes piensan que esta es solo una obra “entretenida, para pasar el rato”?

Es una comedia que habla de cosas muy serias, que te hace pensar. Tiene momentos tan al límite que terminan volviéndose cómicos, pero siempre desde la verdad.

-¿Dónde reside el humor?

En la verdad de los personajes, en la ironía de sus actos y en la distancia que a veces hay entre lo que decimos y lo que realmente hacemos. Es un humor que nace del dolor, de la incomodidad, de esa fina línea entre el drama y la risa que refleja tan bien lo absurdo de la vida.

-¿Qué destacarías de Gabriel Olivares como director? ¿En qué se ha centrado con vosotros?

Según nos ha contado, ésta es la obra número 101 que dirige, así que imaginaos la experiencia que tiene como director de teatro. Además, tiene una vis cómica excelente: cuando nos ha marcado una escena, nos moríamos de risa. He tenido la gran suerte de tener buen feeling y conexión con él desde el principio. Me siento muy cómoda y me siento libre. Gabriel nos ha exigido, pero desde la serenidad y la profesionalidad. La verdad, estoy muy, muy contenta con esta nueva aventura teatral.

Es una producción de Okapi Producciones e Iria Producciones. Teatro Infanta Isabel.

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Hablamos con Ignasi Vidal, autor del texto y director del musical que, además, ahora da vida al escritor Antoine de Saint-Exupéry.

-¿Cómo es Antoine de Saint-Exupéry, tu personaje en esta versión?

Explosivo, inmensamente creativo, y no sólo en su faceta como escritor. Es intenso, comprometido con su tiempo, consecuente con su pensamiento, algo narcisista, arriesgado al extremo, hedonista y muy romántico.

-¿Con qué cuatro adjetivos describirías la personalidad del personaje de El Principito que interpreta Shuarma?

Profundo, sencillo, honesto y bondadoso.

-En este regreso a Madrid, también estás en el escenario…

Soy director, pero no puedo negar que llevo mi faceta como actor dentro. La ventaja es que conozco el texto desde su génesis, porque he creado cada palabra y cada detalle de esta función. Tuve que leer tanto sobre Saint-Exupéry, tanto sus biografías como sus libros, que conozco (o creo conocer) muy al detalle su pensamiento, sus libros y su forma de ser. Es una función que dirigí en su primera versión. Como actor estoy redescubriéndolo como si no hubiera sido yo quien escribió y concibió este espectáculo.

-¿Qué frases del texto de tu personaje destacarías?

Me quedo con: “Se muere por aquello por lo que vale la pena vivir”; “la cordura es, casi, lo opuesto al amor” y “corregir es mi oficio, escribir lo dejo para los vanidosos que se creen perfectos”. Porque estas frases tienen un trasfondo contundente, pero son de una sencillez total. La primera encierra toda una ideología relacionada con su militancia en el humanismo radical. La segunda es la muestra de su alma impulsiva, pasional y aventurera. La tercera representa la lucha de un hombre excepcional por mantener una humildad que le ate al mundo.

-¿Cuáles son los temas de los que nos habla “Antoine. El musical”?

Los males que asolaban a la sociedad de su tiempo que aún hoy siguen vigentes; la creatividad como credo de carácter religioso en la que vivía instalado; el amor al prójimo y la solidaridad como única forma de vivir en armonía.

-La banda sonora (que es original) ha sido compuesta por Shuarma, del grupo Elefantes. ¿Qué tipo de música ambienta la historia?

Quién conozca y aprecie el maravilloso legado de Elefantes (una de las bandas más particulares de los últimos 30 años en España) disfrutará de esta función. Quien no lo conozca, descubrirá la magia que atesora Shuarma como compositor.

-Elige dos de los temas musicales de la obra. ¿Por qué los consideras importantes?

Toda la parte final del primer acto. El tema central, “millones de estrellas” y “Será tan divertido”, aunque me gusta toda la música que ha compuesto Shuarma.

El elenco también lo forman Beatriz Ros, que interpreta a Consuelo Suncín, figura clave en la vida del autor; Víctor Ullate Roche, quien asume múltiples personajes como el Teniente, Henri Guillaumet, el Zorro, Benjamín, el Rey y el Guardaagujas; Carlos Seguí, en los roles de Eugène Reynald, el Hombre de negocios, el General Gravoile y el Geógrafo; Felipe Ansola, que da vida al Soldado, el Vanidoso y Hervé Miles; Virginia Muñoz como Elisabeth Reynald y Zoe Buccolini, que interpreta a Silvia Hamilton, la Rosa y la Serpiente.

-¿Qué destacarías de la escenografía y de la puesta en escena de esta obra?

La escenografía de Alessio Meloni tiene la elegancia y la poética que caracterizan su trabajo.

Sobre la puesta en escena prefiero que sea el público el que opine cuando lo haya visto. La dirección musical es de Sasha Pantchenko y la coreografía de Mariano Botindari. Teatro Calderón (Lírico).

-¿Quién y cómo es tu personaje?

JUAN ECHANOVE: Pierre es un profesor de Universidad. Es ordenado, culto, está interesado en la Literatura, en los alumnos, en la formación académica. Tiene una familia, un hijo y una mujer. Se reencuentra con Cecil al que hace 14 años que no veía.

JOAQUÍN CLIMENT: Cecil es un escritor de Best Sellers.  Lleva el éxito como bandera. Es un hombre de mundo, está tranquilo en la vida, le va bien. Se intuye que tiene que tener cierto atractivo con las mujeres. Sobre el papel a primera vista va un poco sobrado. Pero hay algo en él que le molesta porque no es tan reconocido como él quisiera. Le hubiera gustado triunfar como escritor de otro tipo de libros.

-¿Por qué se reencuentran estos dos personajes?

JOAQUÍN CLIMENT: Pierre y Cecil hace 14 años que no se ven. El encuentro en el Restaurante en el que se desarrolla la historia se produce porque a mi personaje le ha citado allí un misterioso autor que puede que aparezca o no. Y allí está Pierre.

JUAN ECHANOVE: A Cecil le va a hacer una entrevista Baltasar Cron, un autor canadiense, que escribió una novela en EEUU con éxito. Pero este Baltasar no aparece o parece que no va a aparecer. Tampoco hay fotografías de él y siempre está jugando al despiste. Mientras esperan, surge una conversación entre ambos amigos.

-¿De qué hablan estos dos amigos en esta conversación?

JUAN: No tienen maneras opuestas de ver el mundo. No es un duelo de oponentes, aunque sí que no coinciden en muchos planteamientos vitales.

La conversación que mantenemos los dos amigos pretende captar la atención del espectador constantemente. Tenemos que captarle e involucrarle en lo que está pasando y se está diciendo en escena para que el público no deje de prestar atención y para que no se pierda. Ocurren escenas distintas, la relación entre ambos se va transformando ante los ojos del espectador. La solución a este enfrentamiento dialéctico la tiene el espectador, la historia no le indica cómo debe pensar. 

JOAQUÍN: Hablan de la vida, de la realidad, de las creencias, de lo que creemos que sabemos y no es verdad, de lo que hemos descubierto que estaba escrito. Es todo muy sugerente. Tiene un componente de misterio, de juego, de provocación. Tiene un peso, no es vacío. Hace dudar constantemente al espectador.

Es una obra muy actual porque estamos en un mundo de polarización de opiniones en el que la gente se cree en posesión de la verdad. Todos estamos haciendo cosas que creemos que decidimos con anterioridad pero, sin embargo, puede que estuvieran  ya previstas. Cada espectador se va a quedar con datos distintos y va a sacar conclusiones diferentes.

-Comenta Eduardo Vasco que “Esencia” es un laberinto de percepciones donde la realidad se tambalea y se torna difusa.” ¿Estás de acuerdo?

JUAN: Totalmente de acuerdo. Todos tenemos una visión parcial de la realidad, es muy difícil saber lo que es la realidad. Y esta obra nos plantea la inseguridad de lo que se opina que “es”.

Hoy en día prevalece todo lo que rodea la construcción de la realidad. La verdad sobre lo que ocurre deja de tener interés en pro de la opinión de lo que realmente ocurre. No tenemos una realidad que contrastar. Todo es una nebulosa. Ignacio García May escribe sobre estas cuestiones con una Literatura dramática impecable, muy precisa y que te engancha.

JOAQUÍN: Los personajes empiezan siendo de una manera y con un carácter y acabas preguntándote quiénes son en realidad y por qué buscan a alguien que no sabemos si está o no está…Hablamos de conceptos y de ideas que hoy en día no son tan sorprendentes.

No sabemos si es real lo que vemos o si lo hemos descubierto nosotros. Es un mundo lleno de incertidumbre. En ningún momento hablamos de la esencia de las cosas sólo de que no hay certeza de nada.

Yo les diría a los espectadores que no tengan miedo. Van a pasar por mil mundos y lo van a pasar bien. Se empieza como un juego y se transita por muchas emociones diferentes.

-También comenta Eduardo Vasco que esta obra “plantea cuestiones fundamentales que nos inquietan y lo hace desde la inteligencia”. ¿Qué cuestiones?

JUAN: Es la transcripción de la Historia de que todo depende de la voluntad de unos poderes por encima de nosotros. Habla de la voluntad y del destino del ser humano, de la individualidad. Conceptos que revierten en la escritura de la Historia.

La solución a este enfrentamiento dialéctico la tiene el espectador, no le indica cómo debe pensar.  Incluso yo a veces llego a casa después de ensayar y tomo partido por algo que dice mi personaje. Y otras veces considero que es mejor lo que plantea el otro personaje.

-¿Hay lugar para el humor?

JUAN: Hay humor pero es cierto que no es una obra para pasar el rato ni de entretenimiento. Es una obra en la que el espectador tiene la oportunidad de sacar sus propias conclusiones.

JOAQUÍN: Hay humor a ratos y surge de la camaradería de dos viejos amigos.  Se hablan de una manera que da para la comedia a veces. No es una obra tan transcendente como pueda parecer y sí tiene humor.

-¿Cuáles son dos de tus escenas favoritas? 

JOAQUÍN: Lo que me gusta es que la conversación se desarrolla en una situación amable pero, en tan poco tiempo, acaba convirtiéndose en todo lo contrario. Me gusta como se pasa de una situación a otra.

JUAN: Evidentemente me quedo con el final de esta función porque es sorprendente. Es muy bueno.

-Termina esta frase: “Ir al Teatro le aporta a la vida…”

JUAN: El Teatro seguirá aportando el espejo en el que reflejarse. Más allá de que haya un espectáculo que pretende aliviar la carga del espectador y hacerle pasar un buen rato pero el Teatro es eso.

JOAQUÍN: Los reductos menos mediatizados donde eres tú realmente. Y es de los sitios donde todavía se puede decidir como espectador. Lo que vayas a ver lo vas a interpretar tú. En este mundo es muy importante. Y, además, es compartido.

-¿Qué tipo de director es Eduardo Vasco?

JOAQUÍN: Es un director que crea un ambiente muy bueno, muy fácil. Es receptivo, creativo. Plantea abordar el trabajo desde una perspectiva libre.

El diseño de espacio escénico y de vestuario son de Carolina González y la Iluminación de Miguel Ángel Camacho. Es una producción del Teatro Español en coproducción con Entrecajas Producciones Teatrales. Fotografías de Javier Naval. 

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