Su director, Alfredo Sanzol, que ha estado acompañado por la directora general del INAEM, Paz Santa Cecilia, ha afirmado que «esta nueva programación puede ayudar a dar forma a nuestro presente, a solidificarlo unos instantes para que quede huella de lo que estamos viviendo y que esta huella sirva de impulso para lo que queremos vivir. Esta temporada la palabra de referencia es FUTURO. Desde el drama hacia el futuro. Todas las personas que hacemos la temporada 26-27 aportamos con nuestros dramas alimento para el pensamiento sobre el futuro. Frente al futuro negado, o inevitable, frente a la destrucción asegurada o frente al futuro incontrolable, estos dramas proponen recordar que el futuro es una tarea de pensamiento colectivo y no un destino fabricado por unos pocos».

La Sala Grande del Teatro Valle-Inclán acogerá siete montajes. La temporada arranca con el montaje internacional Pinocchio(live)#3 (25 – 27 de septiembre), una performance escénica creada y dirigida por Alice Laloy para 22 intérpretes —niños y jóvenes— y dos percusionistas adolescentes que invierte el proceso de búsqueda de realismo propio del arte de los títeres. En lugar de animar lo inanimado, se trata de transitar de lo vivo al títere. 

La Punzión (27 de noviembre–10 de enero), reúne a la dramaturga Esther F. Carrodeguas y la directora Beatriz Jaén, quienes nos presentan esta pieza teatral afilada que, con mucho humor, pone el foco sobre ChatGPT para reflexionar sobre las ficciones que construimos y los prejuicios que nos atraviesan. Todo ello a través de la crisis vital de una chica que afronta la mediana edad enfrentándose a sus ideales. 

Diálogos (5 de febrero–21 de marzo) es la propuesta del Centro Dramático Nacional para participar en la celebración de los cien años de la Generación del 27. Alfredo Sanzol versiona y dirige estas piezas breves que son momentos de recogimiento de Lorca. Nacieron como experimentos surrealistas, publicados algunos de ellos en vida del autor, mientras que otros permanecieron inéditos hasta que fueron rescatados por Andrew A. Anderson en 1998.

Avalancha / L’allau (9 de abril–2 de mayo), de Agrupación Señor Serrano, con texto y dirección de Pau Palacios y Àlex Serrano, nos presenta tres relatos entrelazados que se construyen alrededor de las ideas de crecimiento, pasividad, gigantismo, colapso y posibles imaginarios alternativos. Una pieza sobre esta avalancha global en forma de exceso que se despliega ante nuestra mirada apática. 

Catarina e a beleza de matar fascistas (12–14 de mayo) y By Heart (15–16 de mayo), dos montajes escritos y dirigidos por el director del Festival d’Avignon, Tiago Rodrigues, dialogarán en días consecutivos en el Centro Dramático Nacional, dentro de su gira internacional. La primera propuesta cuenta la historia de una familia que mata fascistas como tradición. Pero Catarina, que debe hacerlo por primera vez, se resiste a participar, provocando una gran pelea familiar y muchas preguntas. El segundo montaje invita a sentarse en el escenario a diez espectadores con el objetivo de que se aprendan un texto de memoria. Este espectáculo nos habla del poder de la poesía mediante la creación de una comunidad inesperada.

La tercera fuga (27 de mayo–6 de junio), escrita y dirigida por Victoria Szpunberg sigue el rastro de una familia a lo largo de 100 años de historia y cuenta en forma de autoficción el trepidante periplo por Ucrania, Buenos Aires y Barcelona de tres generaciones víctimas del exilio.

La Sala Francisco Nieva del Teatro Valle-Inclán ofrecerá seis producciones. ICTUS (Anatomía de ‘La última lección’ de Castelao) (8 de octubre-8 de noviembre), una creación de Chévere que tendrá todas sus funciones inclusivas, con dramaturgia y dirección de Xron. Es una obra que trata la memoria histórica tomando como referencia un cuadro que se ha convertido en símbolo de la represión franquista tomando como protagonista a un maestro gallego republicano represaliado. Quiero imaginar un mundo (26 de noviembre–20 de diciembre) es la propuesta de Nuevos Dramáticos, que esta temporada han trabajado con Lautaro Perotti y Claudio Tolcachir, quienes escriben y dirigen esta pieza que cuenta un viaje al Olimpo para exigirle a la Diosa de la Paz que regrese a la Tierra.

Oniro (29 de diciembre–6 de enero), escrita y dirigida por Estitxu Zaldua, es una pieza de teatro visual que se adentra en la relación entre nuestras emociones y el mundo onírico.

Europa catacrack (27 de enero–28 de febrero), con texto y dirección de Maite Pérez Astorga, narra el viaje por Europa de una madre, su hijo y el abuelo del pequeño para abordar la crisis de las sociedades occidentales y descubrir aquello que nos conecta con el Todo.

Una pequeña historia de superación (17 de marzo–18 de abril), es la nueva obra escrita y dirigida por Berta Prieto y Lola Rosales, quienes nos trasladan hasta el año 2034, cuando la ultraderecha ya ha arrasado en Europa, para contarnos la importancia de superar el trauma cuando ha invadido todos nuestros relatos.

Y como viento de invierno llegaré (5 de mayo–6 de junio), una creación de Club Caníbal, con dramaturgia y dirección de Chiqui Carabante, y texto de Font García, Vito Sanz y Juan Vinuesa, toma como materia dramática a un grupo de vecinos que defienden sus hogares ante la presión de un fondo de inversión que quiere comprar su edificio.

La Sala El Mirlo Blanco del Teatro Valle-Inclán acogerá el ciclo Titerescena, dirigido al público familiar. Este año, las funciones incluirán los siguientes títulos: Biblioteca de ruidos y sonidos, Un trozo de pan, Sòmion, Malaika, Flor de greguerías, Monstruo rosa, Tretatxu, El circo de los gerundios y El pozo de los mil demonios.

La Sala Grande del Teatro María Guerrero presentará cinco obras teatrales. Los huesos (15–18 de octubre), con texto de Michael de Cock, Manuela Infante y Marcela Salinas y dirección de Manuela Infante, es un trabajo sobre la memoria histórica de las víctimas desaparecidas que escucha lo que los huesos nos cuentan sobre la violencia.

Magda (13 de noviembre–27 de diciembre), escrita y dirigida por Chela De Ferrari, tiene como protagonista a Magda Goebbels, esposa del ministro de Propaganda nazi Joseph Goebbels, quien asesinó a sus seis hijos pequeños antes de suicidarse en el búnker en 1945 convencida de que estaba protegiéndolos. La autora y directora traza un paralelismo entre la Europa de esa época y la actual, preguntándose cómo una sociedad puede deslizarse, lentamente, hacia formas de pensamiento donde el miedo termina justificándolo todo.

Justices (14–17 de enero), creada y dirigida por Clément Papachristou, sigue a un artista con síndrome de Down en su viaje existencial, inspirado en la Divina Comedia de Dante, a través de los círculos del infierno. 

Los fugaces (12 de febrero–28 de marzo), con texto y dirección de Denise Despeyroux, que retoma al personaje de Dunia, de su anterior montaje Misericordia, una mujer que despierta de un coma y descubre que algo ha cambiado en su relación con el lenguaje.

Un drama romántico/Un drama romàntic (23 de abril–23 de mayo), es el nuevo montaje que escribe y dirige Lucía Carballal. En él nos presenta la historia de dos mujeres que se adentran en la crisis del crecimiento, que cancelan su boda en el último momento. A partir de aquí la creadora reflexiona sobre el amor como acción.

En La Sala de la Princesa del Teatro María Guerrero habra cinco montajes: Al final de las cosas (9 de octubre–15 de noviembre), obra que escribe y dirige Noemi Rodríguez. Es una comedia trágica que aspira a ser una oda a quienes retan la inercia y arriesgan su porvenir; una carta de amor a los amores desaparecidos y a quienes plantan flores sobre sus propias cenizas.

Museo de los relámpagos (25 de noviembre–27 de diciembre) es una creación de la compañía Oligor y Microscopía formada por Shaday Larios y Jomi Oligor que se han especializado en teatro de objetos documentales. En esta nueva producción reflexionan sobre la labor patrimonial y cultural de los museos como custodios de nuestro legado. Club Cariño (20 de enero–28 de febrero), escrita y dirigida por Anto Rodríguez, convertirá la Sala de la Princesa en un cabaret clandestino para contar la cara oculta y censurada durante la dictadura franquista, pero de enorme popularidad: la de la rica escena de la comunidad trans.

Manchas de sangre/Manchas de sangue (19 de marzo–25 de abril), una creación de la compañía Torta Torta formada por dos de las integrantes de la compañía gallega A Panadaría, Areta Bolado y Ailén Kendelman, quienes escriben y dirigen con mucho humor este espectáculo menstrual que se pregunta por qué hay sangre que da asco y se oculta con vergüenza y hay otra honorable, la de los héroes de guerra, que hace que se alcen monumentos.

Como un árbol que cae en mitad del bosque (14 de mayo–20 de junio), texto escrito por Sergio Serrano durante la 5ª promoción de sus Residencias Dramáticas. La historia de dos personas que viven en la calle y que descubren al despertar que uno de ellos ha desaparecido.

Actividades de Acción Dramática y Mediación

En esta nueva temporada, el Dramático continúa con el trabajo de mediación y de creación de públicos a través de la programación transversal de Acción Dramática dirigida a públicos y profesionales de las Artes Escénicas. Con esta línea de acción, el Dramático busca desbordar los muros de la institución para conectar con la ciudadanía más allá de sus sedes.

En la temporada 2026-2027, continuarán con iniciativas consolidadas y fundamentales de la programación como Nuevos Dramáticos, con la coordinación pedagógica de Lucía Miranda; el Club de lectura, moderado en esta ocasión por Diego Garrido; o el Taller de iniciación a la escritura teatral, a cargo de sus autoras y autores residentes. Además, en colaboración con Acción Cultural Española, la Real Academia de España en Roma, La Chartreuse o las Münchner Kammerspiele, entre otros, convocarán una nueva edición de las Residencias Dramáticas.

También estará la quinta edición de las Residencias Dramáticas Europeas, en las que participan el Festival Actoral de Marsella, Koninklijke Vlaamse Schouwburg (KVS), el Lietuvos Nacionalinis Dramos Teatras (Teatro Nacional de Lituania), y el Zagrebačko Kazalište Mladih (Teatro de la Juventud) de Zagreb.

Además, continúan su colaboración con la Sala Beckett a través de la participación en el encuentro internacional de dramaturgia Obrador d’estiu¸ y una Residencia de escritura breve con la participación añadida de la Fundación SGAE. Y darán continuidad al intercambio de autoría con el Teatro Nacional de Taiwán. Otra colaboración internacional que se está consolidando es la participación en el programa Transmission Impossible del Festival de Aviñón.

Y continúan sus ciclos de + Dramas, Cinedrama y Cartas Blancas, con creadoras y creadores como Silvia Agüero y Gena Baamonde, Anto Rodríguez, Denise Duncan y Jimmy Castro o Club Caníbal, entre otros.

El Dramático Weekend Pro continuará un año más consolidando su posición como foro de referencia de la dramaturgia contemporánea española para profesionales de la gestión cultural.

También retomarán los talleres de conciliación vinculados a sus producciones, contando una vez más con Plena Inclusión Madrid para poder ofrecer plazas también a niñas y niños con discapacidad intelectual y del desarrollo.

Durante la temporada 2026-2027, una nueva edición de Jóvenes Dramáticos reunirá a un grupo de jóvenes de entre 15 y 25 años para acercarse de forma activa a la programación, dialogar con sus equipos artísticos y desarrollar propuestas propias en torno a los espectáculos. Además, las y los jóvenes de la primera edición de Jóvenes Dramáticos seguirán vinculados al teatro a través de nuevas iniciativas de participación, creación y generación de pensamiento.

El programa Dramawalker continuará su recorrido internacional con Dramawalker Montevideo, desarrollado en colaboración con la Comedia Nacional de Uruguay y la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID). Asimismo, se pondrá en marcha Dramawalker: Memoria de un país. Historias de la España democrática, un nuevo proyecto realizado junto al Comisionado España en Libertad que explorará, a través de la ficción sonora geolocalizada, la memoria colectiva y la historia reciente de nuestro país.

También se ampliará el programa de trabajo con instituciones penitenciarias, incorporando nuevos centros. A través de esta iniciativa, grupos de personas internas asistirán a ensayos generales de distintos espectáculos de la programación y participarán en encuentros con sus equipos artísticos, generando espacios de diálogo, intercambio y reflexión.

La actividad del Dramático se extiende asimismo al territorio y a su entorno más próximo mediante iniciativas como Open Almendrales, unas jornadas de puertas abiertas en las salas de ensayo de Almendrales, en Usera. Esta propuesta busca acercar los procesos de creación teatral a la ciudadanía, abrir espacios habitualmente reservados al trabajo artístico y fortalecer los vínculos entre el teatro y las comunidades que lo rodean.

Completan la programación de Acción Dramática las clases magistrales y talleres para profesionales de la escena, impartidas, entre otras, por Torta Torta, Shaday Larios, Manuela Infante, Hugo Torres o la Agrupación Señor Serrano.

Colaborarán con el Centro Internacional del Títere de Tolosa (TOPIC) para ofrecer un taller de títeres para las niñas y niños y se abrirán a procesos creativos para el público a través de encuentros con los equipos artísticos, visitas guiadas, mercadillos, funciones matinales, o el Salón del Libro Teatral organizado junto con la Asociación de Autores de Teatro, que se celebrará entre el 22 y el 25 de octubre.

The post CENTRO DRAMÁTICO NACIONAL: TEMPORADA 26/27 first appeared on A ESCENA REVISTA.]]> https://aescenarevista.com/centro-dramatico-nacional-temporada-26-27/feed 0 https://aescenarevista.com/teatro-fernan-gomez-ccv-nueva-temporada-26-27?utm_source=rss&utm_medium=rss&utm_campaign=teatro-fernan-gomez-ccv-nueva-temporada-26-27 https://aescenarevista.com/teatro-fernan-gomez-ccv-nueva-temporada-26-27#respond Fri, 24 Jul 2026 14:23:10 +0000 https://aescenarevista.com/?p=274171 La ‘celebración’ es el slogan de la próxima temporada de este Teatro-Centro Cultural. Para su Director, Juan Carlos Pérez de la Fuente, “la palabra celebración, en su sentido original, alude a un lugar concurrido; a la idea de la abundancia y de afluencia, como oposición a aquello que está desierto. Este término está emparentado con […]

El actor lleva desde 1990 preparando buena parte de sus personajes junto a Juan Carlos Corazza, el director y pedagogo teatral con quien ha construido buena parte de su carrera cinematográfica. Hasta ahora esa colaboración nunca se había trasladado a las tablas. Será este montaje, dirigido por el propio Corazza, el que marque ese debut, en lo que se perfila como uno de los estrenos más comentados de la temporada teatral madrileña.

Bardem compartirá escenario con Alicia Borrachero, Rafa Castejón, Ben Temple y Manuela Velasco que también estudiaron en el Estudio Corazza para la Actuación, el espacio de formación que el director ha dirigido durante décadas en Madrid.

El espectáculo no adapta una obra concreta de Antón Chéjov, sino que construye su propio recorrido a partir de una selección de piezas breves, cuentos y escritos del autor ruso.

Corazza firma la adaptación y la dirección. Para él, «es una mirada a lo humano sin juicios, apoyada en la sencillez, el humor y la compasión que atraviesan la obra del dramaturgo. Gracias a Chéjov, al público y a esta compañía, el teatro vuelve a ser un espacio para reunirnos, soñar y comprendernos». Se representará en Espacio Zafra Teatro, sala que gestiona su Estudio.

La obra está producida por Pingüin Films y Zafra Teatro, con producción ejecutiva de Producciones Teatrales Contemporáneas.

El equipo artístico se completa con Javier Ruiz de Alegría en el diseño del espacio escénico y la iluminación, Pier Paolo Álvaro y Roger Portal en vestuario y atrezzo, y Vadim Yukhnevich en dirección musical y acordeón, junto a Andrea Szamek al violín.

Más de 100 funciones llevarán las artes escénicas a municipios como Moralzarzal, Navacerrada, Orusco de Tajuña, Patones de la Sierra, Canencia, Colmenarejo o Torrejón de Velasco. De esta forma, la Comunidad de Madrid mantiene su compromiso de acercar la cultura en vivo a todos los rincones de la región más allá de la capital, contando con artistas y compañías como Alodeyá, Corral de García, Sara Calero, Proyecto Tránsito o La Fábrica de Sueños.

El ciclo Artes Escénicas en Municipios comenzará el 3 de julio con una programación que llenará plazas, calles y espacios públicos de la Comunidad de Madrid con propuestas escénicas para todos los públicos.

El arranque correrá a cargo de la compañía Titiriteros de Binéfar con su espectáculo El abrazo. Es una formación con una larga trayectoria desde 1975 que ha llevado su trabajo de títeres y música a escenarios de todo tipo, con una propuesta artística pensada para públicos de todas las edades. Tras su primera función en Ambite, el espectáculo continuará su recorrido por la región con representaciones el 4 de julio en Colmenarejo y el 5 de julio en Pozuelo del Rey.

El viernes 3 de julio se sumarán artistas y compañías como Minusmal, Nando Caneca, La Roca Producciones y La Canica, que aportarán diversidad de lenguajes escénicos con propuestas de títeres, circo, teatro gestual, teatro vivo y música. Estas propuestas continuarán durante el primer fin de semana, del 4 al 5 de julio, animando plazas y rincones de localidades como Piñúecar-Gandullas, Cadalso de los Vidrios, Belmonte de Tajo y Campo Real.

Hasta el 30 de agosto, el ciclo Artes escénicas en municipios acercará a las plazas y espacios públicos de la Comunidad de Madrid propuestas variadas que combinan circo, teatro y títeres para todos los públicos. Como broche final de las actuaciones, Colmenar de Oreja acogerá la propuesta de la bailarina y coreógrafa Sara Calero con su espectáculo Intangible o la mujer que quiso ser hombre, uno de los principales referentes actuales en la renovación de la danza española y el baile flamenco. Premiada en el Certamen Coreográfico de Madrid y reconocida como Premio Revelación en el Festival de Jerez, Calero parte de una sólida formación clásica y ha construido un lenguaje propio que combina tradición y contemporaneidad.

Las artes escénicas también se extienden a los centros culturales de la Comunidad de Madrid, reforzando una programación que combina teatro clásico, propuestas contemporáneas y nuevas dramaturgias en distintos espacios escénicos de la región. En este marco, el Centro Comarcal de Humanidades Sierra Norte acogerá títulos como La monja alférez, de Juan Ruiz de Alarcón, en el Real Coliseo Carlos III de San Lorenzo de El Escorial, y El Lazarillo y las cosas del comer, de Sol y Tierra y Teatro Percutor.

La programación se completa con la actividad de los centros culturales Paco Rabal y Pilar Miró, que a lo largo del mes de julio ofrecerán una variada selección de espectáculos que abarcan desde nuevas dramaturgias hasta revisiones de textos clásicos. De esta forma, el festival refuerza su compromiso de acercar las artes escénicas a públicos diversos en distintos puntos del territorio.

Los primeros días del festival también acogerán una nueva edición de 1, 2, 3… ¡Performa!, una propuesta de arte vivo dirigida a público infantil y familiar en la que se plantea un acercamiento lúdico, participativo e inmersivo al arte de acción y la performance contemporánea. A través de cuatro estaciones performativas, los más pequeños podrán experimentar distintas formas de activar el movimiento, la percepción y la relación con el espacio a partir de instrucciones visuales, extensiones del cuerpo, dinámicas colectivas y ejercicios de equilibrio compartido.

El ciclo comenzará el 1 de julio en Sevilla la Nueva y continuará el 2 de julio en San Martín de la Vega, invitando a niños y familias a descubrir nuevas formas de creación y expresión artística. 

Cada ambiente está cuidadosamente diseñado para envolver al espectador en la atmósfera del clásico, desde el convento hasta la villa de los Von Trapp y los majestuosos Alpes.
Narra que María Rainer, una joven novicia de la abadía de Nonnberg en Salzburgo en 1938, tiene un espíritu libre y una profunda pasión por la música, lo que la lleva a chocar con las estrictas reglas del convento. Ante sus constantes escapadas por las montañas y su dificultad para adaptarse a la vida religiosa, la madre abadesa decide enviarla como institutriz a la casa del Capitán Georg von Trapp…
Teatro Alcázar.

Pastora Vega es la protagonista femenina de esta comedia que ha adaptado y dirigido Gabriel Olivares. Pablo Carbonell, Ariana Bruguera y Abraham Arenas también la llevan a escena. 

-Julia Dávila es una mujer elegante y dinámica que brinda un apoyo incondicional a su esposo, Francisco Requena, un político en plena campaña electoral. Llevan 30 años formando una pareja sólida. Su vida, gira en gran parte en torno a Francisco, pero cuando Julia recibe una carta que le anuncia una noticia poco común, toda esa hermosa estabilidad se ve fuertemente sacudida… 

Es una obra que denuncia realidades muy presentes: el machismo, la transfobia, la falta de tolerancia hacia quien piensa o actúa de forma diferente. También habla de la hipocresía y el cinismo de cierta clase política, que presume de valores pero en su vida personal muestra todo lo contrario.

La función reflexiona, además, sobre las diferencias entre cómo amamos las mujeres y cómo aman los hombres. Especialmente aquellas mujeres de cierta edad que crecimos bajo otros códigos: amamos de una manera más incondicional, más generosa mientras que los hombres suelen quedarse en lo más superficial.

-Interpretas a Julia. Descríbenosla.

Es una mujer fuerte, valiente, con carácter.

-La obra nos habla sobre todo de la imposibilidad de tener “estabilidad” en nuestra vida…

También habla de la familia, de la relación con los hijos, de la política, y, sobre todo, es un canto a la tolerancia, a ser mejores, a entender al otro.

Es una comedia muy especial. No es una comedia al uso: no todo el mundo se va a reír sin más. Es una obra que remueve, que puede incomodar, pero que sin duda invita a reflexionar. Estoy segura de que, cuando el público salga del teatro, tendrá mucho de qué hablar, de qué cuestionarse, de qué pensar.

-Pablo Carbonell interpreta a Francisco. ¿Qué tipo de relación mantiene Julia con su marido?

Julia ha sufrido mucho, pero sigue amando profunda e incondicionalmente a su marido, a pesar de las cosas que le duelen o no le gustan de él.

Francisco es todo lo contrario a Julia: egocéntrico, manipulador, político hasta la médula. Cuando aparece ese sobre con una noticia dura y desagradable, todo se viene abajo.

La obra también muestra que aquello que creemos estable, sólido, estructurado (lo que nos da seguridad) puede desmoronarse en un segundo: una carta, una llamada, una revelación… y la vida da un vuelco.

Por eso es tan importante ser honestos con las personas que amamos y no guardar secretos. En cualquier momento puede llegar una situación adversa, y no hay nada peor que los engaños y las mentiras.

-¿Qué tiene este personaje y este texto que te resultó irresistible para volver a escena?

Esta función me resultó irresistible porque Julia es un auténtico bombón de personaje y por todo lo que representa y transmite esta obra.

-¿Qué les dirías a quienes piensan que esta es solo una obra “entretenida, para pasar el rato”?

Es una comedia que habla de cosas muy serias, que te hace pensar. Tiene momentos tan al límite que terminan volviéndose cómicos, pero siempre desde la verdad.

-¿Dónde reside el humor?

En la verdad de los personajes, en la ironía de sus actos y en la distancia que a veces hay entre lo que decimos y lo que realmente hacemos. Es un humor que nace del dolor, de la incomodidad, de esa fina línea entre el drama y la risa que refleja tan bien lo absurdo de la vida.

-¿Qué destacarías de Gabriel Olivares como director? ¿En qué se ha centrado con vosotros?

Según nos ha contado, ésta es la obra número 101 que dirige, así que imaginaos la experiencia que tiene como director de teatro. Además, tiene una vis cómica excelente: cuando nos ha marcado una escena, nos moríamos de risa. He tenido la gran suerte de tener buen feeling y conexión con él desde el principio. Me siento muy cómoda y me siento libre. Gabriel nos ha exigido, pero desde la serenidad y la profesionalidad. La verdad, estoy muy, muy contenta con esta nueva aventura teatral.

Es una producción de Okapi Producciones e Iria Producciones. Teatro Infanta Isabel.

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MANUELA VELASCO

-Preséntanos a tu personaje. ¿Quién y cómo es? ¿Cómo la describirías?

Mi personaje es Josefina Aldecoa. Es la hija de Gabriela, la maestra protagonista de la historia. Josefina es quien necesita reconstruir la historia de su madre, de su familia. Investiga sobre sus raíces, necesita respuestas, necesita saber y entender qué pasó. Es la memoria. Es la heredera del legado de su abuela y de su madre y de las maestras de la República. Es el presente y el futuro. Fundó el Colegio Estilo en Madrid en plena dictadura franquista.

-En la presentación de la obra se comenta que “Es la historia de miles de niños, de miles de maestros, de miles de escuelas y miles de libros, de una sociedad que se movilizó con el propósito de salir de la oscuridad y la ignorancia para ser libre. Pero bien podría ser una historia de nuestro tiempo, en pleno 2025…”, ¿estás de acuerdo? ¿Por qué?

No estoy de acuerdo. En 2025 se han conquistado muchos derechos que en el 1924/36/58 casi ni se podía soñar con conseguir.

Lo peligroso es que hoy en día con tanta polarización hay comportamientos y pensamientos que recuerdan a lo que se estaba cociendo en el 36 y parece que un sector de la sociedad mira con nostalgia a la España franquista y se atreve a reivindicar ciertas cosas que supondrían un retroceso a los años oscuros de la posguerra y la dictadura.

A todos esos jóvenes que gritan y celebran consignas fascistas les invitaría a ver la obra, para que se hagan una idea de todo lo que perderían.

-En esta obra están el idealismo y la esperanza en el cambio. Pero, según tu opinión, ¿cuáles son los temas principales de los que nos habla?

De la educación, la memoria, la vocación, el colonialismo, la maternidad, la guerra, la esperanza.

-Para Raquel, su directora, “Creo que en la cultura está el alma de los pueblos. Y creo que la educación es el vehículo que la hace posible, la materializa.” ¿Qué añadirías?

Que hacen falta maestras para que esto sea posible. Referentes. Personas con una ética, unos valores, una vocación, valentía, fortaleza, pensamiento crítico e independencia. Y gobiernos que les permitan hacer su trabajo libremente y que garanticen y protejan una educación pública y universal.

-Esta obra plantea preguntas como “¿Se puede salvar un país desde las aulas?. Según tú, ¿Qué otras preguntas?

Creo que todos podríamos preguntarnos ¿qué habría hecho yo?.

-¿Con qué tres frases de tu personaje te quedarías?

-“Me imagino que podría existir un lugar donde poder hacer preguntas, donde aprender a pensar libremente”.

-“Mamá, yo creo que estoy aquí, hablando contigo, porque tengo algo de esperanza”.

-“Al igual que las madres, las maestras son el origen de muchas personas y de muchos lugares. Tienen esa capacidad y esa responsabilidad también”.

-En la historia también está lo negativo: el machismo, el caciquismo, la ignorancia. ¿Qué otras circunstancias negativas hay en esta historia?

Lo más doloroso es asistir al aniquilamiento de la esperanza y la instauración del odio y el enfrentamiento. La muerte. Saber que muchas maestras y maestros fueron represaliados, perseguidos y fusilados solo por querer sacar al pueblo de la ignorancia y darles herramientas para pensar libremente. Y muchos de los que sobrevivieron tuvieron que vivir el exilio interior.

-Para Raquel Alarcón “la obra nos coloca en la piel de las alumnas de aquellas maestras republicanas que un día creyeron en el poder de la educación como elemento transformador de las sociedades, apostando por una escuela pública, laica, democrática, inconformista, solidaria.” ¿Qué opinas al respecto?

Yo fui alumna del colegio Estilo que Josefina Aldecoa fundó a partir de estos valores. Me siento afortunada de haber podido recibir este tipo de educación.

-¿Por qué no deberían nuestros lectores perderse esta función?

Creo que es una iniciativa maravillosa del CDN seguir adaptando para la escena novelas de grandes escritoras españolas ya que, lamentablemente, la dictadura aplastó a las mujeres en general y a las artistas en particular. Es siempre necesario recordar, aprender de nuestra historia y contárnosla también desde la experiencia y la sensibilidad femeninas.

JULIA RUBIO

-Gabriela, tu personaje, es una maestra que viaja por escuelas rurales difundiendo la pasión por aprender, que llega a Guinea Ecuatorial, sueña, vive y sufre la Segunda República y que termina dejando el testigo a su propia hija…

Es una chica que con diecinueve años sale de la escuela Normal de Oviedo cargada de esperanza y vocación, con una fuerte sed de cambio y la convicción de que ese cambio puede materializarse desde las aulas. Con ese pensamiento y una línea pedagógica que bebe de la Institución Libre de Enseñanza, sale a la España de 1923 y se choca con lo que realmente significa eso de ser maestra en un contexto sociopolítico y cultural que no rema a su favor. El mundo que la recibe la escupe constantemente, la frena, la hace viajar de un lado a otro buscando ese lugar donde al fin poder desplegarse, donde llevar a término esa misión de la que se sabe responsable. Y, pese a los palos en la rueda, frente a la dificultad, ella simplemente se sobrepone y avanza, como una flecha que el aire va limando y puliendo con los años. Su pensamiento es extraordinariamente sofisticado, extraordinariamente lúcido y moderno.

-¿Cuáles son los temas principales de los que nos habla?

De la educación, el progreso frente al inmovilismo, la reconstrucción de la memoria, el legado, el colonialismo, la maternidad, la resiliencia, la revolución, la guerra y todo lo que se llevó la guerra.

* Para Raquel, su directora, “Creo que en la cultura está el alma de los pueblos. Y creo que la educación es el vehículo que la hace posible, la materializa.” 

Estoy de acuerdo con lo que dice Raquel. En la cultura esta la identidad, y creo que es esencial educar en la libertad, en la diferencia, en el pensamiento crítico y propio, porque solo desde la libertad puede forjarse una identidad.

La historia de una maestra no es una historia individual, es la historia de sus alumnos y alumnas, dentro y fuera de la escuela; la historia de aquellas personas a las que acompaña, a las que moviliza o despierta. Creo que es revelador que Raquel elija señalar que la obra nos pone en la piel de las alumnas en lugar de simplemente hablar de las maestras; enseñar es tener un compromiso con el futuro, y en ese futuro, efectivamente, los protagonistas son los niños. Esos niños que recibieron un legado y que tuvieron la responsabilidad de defenderlo y sostenerlo durante la Dictadura, de mantenerlo vivo para que esa sociedad no muriera del todo. Ese legado persiste en la actualidad, pero cabe preguntarnos si lo estamos protegiendo o si estamos dejando que se diluya.

-¿Con qué tres frases de tu personaje te quedarías?

-“Mi revolución está en la escuela”.

-“Una vez una amiga me dijo que la vida de las mujeres es como una enredadera: sube, trepa, se enrojece por la fachada, en invierno se caen sus hojas pero ella nunca se suelta.”

-“La gente decía que España se estaba transformando. Y yo solo podía sentir la transformación de mi cuerpo. No pensaba ni en ti, ni en España. Solo en mi cuerpo. Y cuando apareciste en medio de toda esa ebullición… Era como si tú y yo, hubiésemos estado cambiando el mundo, desde mi barriga.”

-En la historia también está lo negativo: el machismo, el caciquismo, la ignorancia. ¿Qué otras circunstancias negativas hay en esta historia?

Las estructuras estancas, el poder en manos de esas estructuras, el hambre, la falta de medios, el papel de la mujer en la sociedad, cómo ese papel se transforma y las preguntas incómodas a las que lleva esa transformación; la violencia, la falta de entendimiento, la agitación, el miedo…

-¿Por qué debería el público ir a ver esta función?

Creo que es una función que, a la par que cruda y dolorosa, está llena de esperanza y sensibilidad. No lo sé, es cierto que yo soy de ese grupo de personas que escuchan “maestra de la república” y ya solo con eso se emociona de manera sistemática e irremediable, y que igual lo mío es exagerado, pero es una evidencia que estos relatos están en nuestro ADN, y que debemos recordarlos, reconstruirlos y revisitarlos, para conocerlos, para digerirlos y para reflejarnos.

Completan el reparto Víctor Sainz, Ainhoa Santamaría, Fernando Soto, Esther Isla, Thomas King, Andrés Picazo, María Ramos, Alfonso Torregrosa y Pablo Vázquez.

La Escenografía es una creación de Pablo Chaves, la Iluminación es de David Picazo, el Vestuario de Paola de Diego y la Música y el espacio sonoro de Kevin Dornan. Fotografías de Geraldine Leloutre.